Estado del tiempo - Gabriel Alayza (Galería Forum)

my drawings for an upoming comic /
mis dibujos para un cómic que saldrá pronto

Yesterday I was walking around, with no explicit direction, because I just love to walk and lose my time and, if possible, lose myself in the streets trying to get that little bit of frightening come nightfall. 

I was walking and I run into a friend of mine, in a trendy café, and he was with someone else but still we said hello to each other and he invited me to sit with them, and so I did. 

Less than an hour ago I had had dinner with a friend and he invited me some Merlot, which was great. And I felt a little bit better. 

After quitting my job I have felt sort of a loser, a weak guy, a pathetic unemployed individual. Alcohol in all its wonderful myriads of presentations and variations is always the perfect solution. Makes me feel better. Whole again. 

I was in a good mood, thanks to that fine grape called Merlot, and as we started to talk I found out something so unbelievable and surprising that it took a lot of effort to pretend I was only mildly shocked. I acted normally. I am not an actor but there are at least a couple of roles that I can interpret and perform pretty much effortlessly and almost perfectly. 

So I acted normally, and I still asked my friend a few questions. I had to be sure. It was too much of a coincidence to be truth, it was hard to believe, and yet it was everything I could have wished for right there, right then. 

(... TO BE CONTINUED)
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Gabriel Alayza

El martes en la noche se inauguró “Estado del tiempo”, la tercera muestra individual del siempre genial Gabriel Alayza Moncloa. En esta ocasión, el joven artista nos sorprendió con una serie de dibujos que abordan temas como la muerte, la descomposición, la decadencia y la degradación física, pero que al mismo tiempo nos remiten al resurgimiento de la vida. De un modo u otro, tanto lo vital como lo mortal actúan como agentes de cambio: sus huellas son evidentes y su presencia innegable. Desde el edificio que se va derrumbando poco a poco a lo largo de varios cuadros, hasta la semilla que crece en un frasco trasparente de comida para bebés, hasta el roedor que se descompone en un descampado, integrándose con la tierra y los elementos nutricios a los que alguna vez José Watanabe hizo referencia en su poesía.

La obra de Gabriel reúne elementos poéticos con un trazo exquisito, y en esta ocasión hay una unidad temática que nos sirve de leit motif para deambular entre un cuadro y otro, entre una sala y la otra, y nos facilita esa conexión emocional profunda, intensa y siempre gratificante.

A veces, creo yo, caemos en el error de dejarnos cegar o engatusar por propuestas pseudo-intelectuales o excesivamente abstractas que, en última instancia, no nos dicen nada. Por suerte, todavía quedan personas como Gabriel en nuestro medio: artistas capaces de plasmar con trazos firmes y líneas claras aquella verdad que tanto eludió a los filósofos post y presocráticos: la vida y la muerte, y la relación indisoluble entre ambas etapas. Son muy pocos los que pueden hurgar de manera tan profunda y tan atinada en cuestiones fundamentales, Gabriel es uno de ellos. Sin duda “Estado del tiempo” es una de las más mejores muestras del 2013.

Gabriel Alayza

Por supuesto, además de quedar fascinado con el arte de Gabriel Alayza, también tuve la oportunidad de reencontrarme con viejos amigos y conocidos. Desde Juan Manuel Yori (mi ex-psicoanalista, si es que tal término existe) hasta colaboradoras de la revista COSAS (Ana Lía Orézzoli y Rebeca Vaisman), con quienes he platicado y reído en las oficinas de la insigne revista en más de una oportunidad 

En esta ocasión no podía faltar una ingente cantidad de Alayzas, y de hecho me encontré con mis amigos Mateo Alayza y Santiago Alayza. Me quedé charlando un largo rato con Santiago, hasta que nos interrumpió, muy educadamente, Jesús Alzamora de Polizontes. Como me comentaba Jesús, en el programa siempre me ve cuando Érica Beleván me entrevista, así que esta vez fue su turno. Y vaya que fue una entrevista divertida, esperemos que salga pronto en el programa. A lo largo de la noche saludé a Eduardo Lores, a María Elena Fernández, a Sofía Lores, a Gabriel Lores, a Martín Zapata, a Andrés Hare Camino, a Alejandro Boudri Miglio, a Carolina Hanspach Gómez de la Torre (que me habló sobre su hermano… la cantidad de cosas que uno no se entera cuando rehúye de las redes sociales), y a muchos otros reyrrojinos que, como yo, no podían perderse la tercera individual de Gabriel.

Arcadio B. 

Neon Genesis Evangelion Vol. 9 - Yoshiyuki Sadamoto

The Fifth Child / el quinto niño

“Whenever it counts the most… all I can do is watch, unable to help”. Or do what I want, I might add. As teenagers we struggle with ourselves, we try to pursue our heart’s desire but we have neither the resolution to follow through nor the capacity to identify our authentic wishes. Perhaps that clarity of mind comes with the years, and we may call that maturity. But the truth is that the realm of adolescence is beset by insecurities, fears, frustrations and unfathomable yearnings, undecipherable and yet intense.

This nebulous search is what forces Shinji Ikari to play the role of a mere voyeur, unable to do what he must. I still remember what it felt like, for me, to be a 14 year-old boy and to find myself relegated to the sidetracks of my own life. I would open my eyes and see the world and those around me, and although I often experienced to urge to act, to satisfy my longings, I was always left with the existential doubt of what was that thing I had to do or how could I give shape to what I wanted, how to at least sculpt it in comprehensible words or symbols.

In Neon Genesis Evangelion’s ninth volume (containing stages 57 through 63: “The Fifth Child”, “Rejection”, “Pride”, “Doll”, “The Spear of Longinus”, “Distance” and “Returning Fire”) Kaworu Nagisa finally meets Shinji. This first encounter takes place in a church in ruins, where a piano has been preserved. Seating in the piano, we see Kaworu, a 14-year-old kid with ashen hair, pale skin and crimson eyes. He’s playing “Ode to Joy”, although he claims to have no knowledge about classical music. His junior high school uniform makes Shinji curious, and they start talking. Kaworu’s body language is that of a true teenager, the way he slouches almost lazily, and his languid yet graceful movements soon make Shinji nervous. What is Shinji afraid of? Is it the ominous aura of this boy? Or is it something else, something in the way he carries himself, with a complete disrespect towards Shinji’s reservations? 

Certainly, the two boys have nothing in common. Shinji feels pity for a lonely kitten, but he knows he can’t take care of it. As the cub follows the two teenagers, Shinji admits that he has no other choice but to abandon the feline. Kaworu, instantly, picks up the animal from the floor and breaks its neck. In his opinion, abandoning it would ensure a low and painful death, a quick execution is indeed a true act of mercy. Shinji is horrified at the coldness displayed by the other boy, and maybe he’s slightly disturbed when he finds out that Kaworu is the fifth child, a new Eva pilot. 

Kaworu Nagisa

Meanwhile, the once brave Asuka has lost all of her confidence. After her failure at the battlefield and her defeat at the hands of two different angels, she feels lost. She can no longer get in synchrony with Unit-02; she hates herself and her own body, she is repulsed by the fact that she is menstruating, something that she takes as a very irritating weakness (just like any other teenager, she also has a hard time dealing with her body); at this particularly vulnerable juncture, she meets Kaworu, who steps into the ladies bathroom. Asuka yells at him and accuses him of being a pervert. Kaworu simply asks what is a pervert, in the same way he doesn’t know anything about music he’s unfamiliar with the most common social terms.  

As the alarm goes off, Shinji and Kaworu are left inside NERV’s HQ, and Asuka and Rei prepare for battle. With low synchrony rates, afflicted by childhood memories and deeply saddened by Kaji’s death, Asuka is, at the lowest point of her life, and is rapidly overpowered by the angel Arael. Flying above the stratosphere, the angel is impervious to the Eva’s weaponry. Arael attacks with a beam of light, a mental probe that digs inside Asuka’s memories, reviving her psychological traumas and effectively “raping her soul”. Confronted with the image of her demented mother, living proof of how “the heart isn’t filled as easily as the womb”, Asuka’s mind collapses. It’s only thanks to Rei Ayanami’s timely intervention that she survives. After retrieving the Spear of Longinus from the dead body of Adam, the first angel, Rei manages to annihilate Arael. Subsequently, Kaworu and Rei will have to fight against the angel Armisael.

Unit-00 and the Spear of Longinus / Unidad-00 y la lanza de Longinus

Stage 62, aptly titled “Distance”, explores the physical proximity and how it all translates in actions, the things that we do or stop dong with other people. After a training exercise, Shinji takes a shower. Kaworu tests his reaction as he enters naked in the same shower stall, alleging that he needs soap. For Shinji, it all comes down to sexual tension, awkwardness and restrained impulses. For Kaworu, this is all a game, a fun experiment. There’s something deliciously liberating in the sexual polymorphism that characterizes adolescence; possibly, this is the only stage of human growth in which we can still experiment with our bodies and our sexuality, free of labels and categorizations; if the world of adults is ruled by rigidness and prejudices, the teenage world is the last bastion of freedom. The only safe haven where, as Foucault would have demanded, there are no social constructs or limits, only “bodies and pleasures”. 

I’ll never forget what a strong impact this sequence had in my life, when I first saw it on episode 26 of the anime. Many of my manga-obsessed friends simply discarded the moment as a ‘gay scene’. But there is nothing intrinsically gay there, only an invitation, a glimpse of bodily exploration, a trace of what could have happened, of possibility versus reality. In the end, Shinji is afraid and he nervously steps out of the shower. “You seem adverse to me coming close… yet whenever you get upset, you lay your hand upon me”, affirms Kaworu. As the angel Tabris, humanity and human emotions are a fascinating mystery to him. The two teenagers are still discovering their bodies, deciphering their feelings, and when Kaworu asks Ikari “You don’t like me?”, a frightened Shinji pauses for a long moment, and then replies “No”. Is the pause an indicative of doubt? Of indecision?

Uncertainty was as much a part of me as it was a part of Shinji. We were very close in that regard. And perchance that’s why we were both victims of those who had the confidence and the firm voice of command that we always lacked. After the shower incident, Shinji complains about being exploited by Kaworu; he’s sick and tired of being exploited by everyone, but what he doesn’t realize is that until he attains a proper level of self-esteem and assurance he will continue to be the victim. I learnt that the hard way, and Shinji is just beginning to understand it.
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Kaworu surprises Shinji in the shower /
Kaworu sorprende a Shinji en la ducha

"Cuando más falta hace... lo único que puedo hacer es mirar, incapaz de ayudar". O hacer lo que quiero, agregaría yo. Como adolescentes, luchamos con nosotros mismos, intentamos alcanzar el deseo de nuestro corazón pero no tenemos ni la firmeza para perseverar ni la capacidad para identificar nuestro auténtico deseo. Tal vez esa claridad mental llega con los años, y consideramos que eso es la madurez. Pero la verdad es que el reino de la adolescencia es asediado por inseguridades, miedos, frustraciones y urgencias enigmáticas, indescifrables y aun así intensas.

Esta búsqueda nebulosa es lo que obliga a Shinji Ikari a asumir el rol del mero voyeur, incapaz de hacer lo que debe hacer. Todavía recuerdo cómo me sentía al tener 14 años y estar relegado a la periferia de mi propia vida. Abría mis ojos y miraba el mundo que me rodeaba, y aunque a menudo experimentaba la urgencia de actuar, de satisfacer mis anhelos, siempre me quedaba la duda existencial de qué era eso que debía hacer o cómo podía darle forma a lo que quería, cómo por lo menos esculpir todo eso con palabras o símbolos comprensibles.

En el noveno volumen de Neon Genesis Evangelion (etapas 57 a 63: "El quinto niño", "Rechazo", "Orgullo", "Muñeca", "La lanza de Longinus", "Distancia" y “El fuego que retorna”), Kaworu Nagisa finalmente conoce a Shinji. Este primer encuentro sucede en una iglesia en ruinas, en donde sólo un piano ha sido preservado. Sentado en el piano, vemos a Kaworu, un chico de 14 años con pelo ceniciento, piel pálida y ojos carmesí. Está tocando "Oda a la alegría", aunque asegura no tener ningún conocimiento de música clásica. Su uniforme de colegio llama la atención de Shinji, y empiezan a conversar. El lenguaje corporal de Kaworu es el de un verdadero adolescente, el modo en el que encoge los hombros casi perezosamente, y sus movimientos lánguidos y aun así llenos de gracia pronto ponen nervioso a Shinji. ¿A qué le tiene miedo Shinji? ¿Al aura ominosa de este muchacho? ¿O es algo más, algo en la forma en la que se comporta, con una total falta de respeto hacia la privacidad de Shinji?

Ciertamente, los dos chicos no tienen nada en común. Shinji siente piedad por un gatito abandonado, pero sabe que no puede encargarse de él. Mientras el minino sigue a los dos adolescentes, Shinji admite que su única alternativa es abandonar al felino. Kaworu, instantáneamente, recoge al animal del suelo y le rompe el pescuezo. En su opinión, abandonarlo le aseguraría una muerte lenta y dolorosa, una ejecución rápida es de hecho un verdadero acto de piedad. Shinji queda horrorizado por la frialdad demostrada por el muchacho, y quizás ligeramente perturbado cuando se entera de que Kaworu es el quinto niño, el nuevo piloto del Eva. 

Sexual exploration or juvenile prank? /
¿Exploración sexual o broma juvenil?

Mientras tanto, la alguna vez valiente Asuka ha perdido toda su seguridad. Después de su fracaso en el campo de batalla y su derrota a manos de los ángeles, se siente perdida. Ya no puede estar en sincronía con la Unidad-02; se odia a sí misma y a su propio cuerpo, le repugna el hecho de estar menstruando, algo que interpreta como una muy irritante debilidad (como cualquier otro adolescente, para ella también es difícil lidiar con su cuerpo); en esta coyuntura particularmente vulnerable conoce a Kaworu, cuando él entra al baño de damas. Asuka chilla y lo acusa de ser un pervertido. Kaworu simplemente pregunta qué es un pervertido, del mismo modo que no sabe nada sobre música clásica, tampoco está familiarizado con los términos sociales más comunes.

La alarma suena, Shinji y Kaworu se quedan dentro del cuartel general de NERV, y Asuka y Rei se preparan para el combate. Con un bajo rango de sincronía, afligida por recuerdos de la infancia y profundamente entristecida por la muerte de Kaji, Asuka se encuentra en el peor momento de su vida, y es rápidamente sometida por el ángel Arael. Volando por encima de la estratósfera, el ángel es inmune al armamento del Eva. Arael ataca con un rayo de luz, una sonda mental que excava al interior de la memoria de Asuka, reviviendo sus traumas psicológicos y, en efecto, "violando su alma". Confrontada con la imagen de su madre demente, prueba viviente de que "el corazón no se llena tan fácilmente como el útero", la mente de Asuka colapsa. Ella sobrevive gracias a la oportuna intervención de Rei Ayanami. Después de recuperar la lanza de Longinus del cuerpo muerto de Adán, el primer ángel, Rei se las arregla para aniquilar a Arael. Subsecuentemente, Kaworu y Rei tendrán que pelear contra el ángel Armisael.

What does Shinji feel for Kaworu?  /
¿Qué siente Shinji por Kaworu?

La etapa 62, sabiamente titulada “Distancia”, explora la proximidad física y cómo todo se traduce en las acciones, en las cosas que hacemos o dejamos de hacer con otras personas. Después de un ejercicio de entrenamiento, Shinji se está duchando. Kaworu pone a prueba su reacción al entrar desnudo a la misma ducha, aludiendo que necesita jabón. Para Shinji, todo se reduce a la tensión sexual, la incomodidad y los impulsos restringidos. Para Kaworu, todo esto es un juego, un experimento divertido. Hay algo deliciosamente liberador en el polimorfismo sexual que caracteriza a la adolescencia; posiblemente, esta es la única etapa del crecimiento humano en la que todavía podemos experimentar con nuestros cuerpos y nuestra sexualidad, libres de clasificaciones y categorizaciones; si el mundo de los adultos es gobernado por la rigidez y los prejuicios, el mundo adolescente es el último bastión de la libertad. El único refugio donde, como habría exigido Foucault, no hay constructos sociales ni límites, sólo "cuerpos y placeres". 

Nunca olvidaré el tremendo impacto que esta secuencia tuvo en mi vida, cuando la vi por primera vez en el episodio 26 del anime. Muchos de mis amigos lectores de mangas simplemente descartaron el momento como una ‘escena gay’. Pero allí no hay nada intrínsecamente gay, sólo una invitación, un vistazo a la exploración corporal, un rastro de lo que podría haber pasado, de posibilidad versus realidad. Al final, Shinji tiene miedo y sale de la ducha nerviosamente. "Parece que eres adverso a que me acerque... sin embargo, cada vez que te enojas, me pones las manos encima", afirma Kaworu. Para el ángel Tabris, la humanidad y las emociones humanas son un misterio fascinante. Los dos adolescentes aún están descubriendo sus cuerpos, descifrando sus sentimientos, y cuando Kaworu le pregunta a Ikari “¿No te gusto?”, un despavorido Shinji se queda en silencio por un largo rato, y luego responde “No”. ¿Esa pausa indica duda? ¿O indecisión?

La incertidumbre era tan parte de mí como lo era para Shinji. Siempre tuvimos eso en común. Y acaso es por ello que ambos fuimos víctimas de aquellos que tuvieron la seguridad y la voz firme de mando que a nosotros nos hacía falta. Después del incidente de la ducha, Shinji se queja de ser explotado por Kaworu; está harto de ser explotado por todos, pero de lo que no se da cuenta es que hasta que alcance un nivel adecuado de autoestima y confianza seguirá siendo la víctima. Yo lo aprendí de la peor manera posible, y Shinji recién empieza a entenderlo.

July films / películas de julio

And just like I promised last month, I’ve seen more movies in July than ever before (granted, I’m exaggerating a bit, but still…). Let’s start with The Wolverine (2013), I’m a fan of the mutant of the adamantium claws, and I must say I enjoyed this sequel. As usual, Hugh Jackman is the ideal Logan. There’s a lot of action here, but also some very interesting moments (Logan having nightmares with Jean Grey, his romance with Mariko, etc.). My favorite part: the after credits scene. Spoiler alert: Patrick Stewart and Ian McKellen reappear as Professor X and Magneto, just in time to fight against the sentinels in the upcoming Days of Future Past. I’m impatient already. 

World War Z (2013), is a fast-paced movie that focuses on the desperate struggle of one man (Brad Pitt) against the living dead. I love zombie movies, and I simply loved WWZ, I never thought anyone could combine high-octane action with suspense sequences so brilliantly but director Marc Forster pulls it off (of course, I had high expectations since he directed “Stay”, one of the best films I’ve seen in my life). Probably the zombie movie with the largest budget ever, this is something that every horror fan (and every moviegoer) should pay attention to. 

I’m preparing for the sequel of Mark Millar’s most acclaimed creation, so I just had to watch Kick-Ass (2010) again. It’s every bit as good as I remembered. Director Matthew Vaughn understands the nerdiness of the protagonist and the world of comic book fanboys as envisioned by Millar, and delivers some really emotive moments while building a captivating narrative. The movie is audacious when it has to be (for instance, showing Dave Lizewski’s masturbation marathons, which were only hinted at in the comic) but a bit too politically correct at the end (I won’t say more, but if you want a more elaborate opinion about it check my Kick-Ass review). Aaron Taylor-Johnson’s performance is absolutely great, and Chloë Grace Moretz is such a brilliant Hit-Girl. Of course, Nicolas Cage, Mark Strong and Christopher Mintz-Plasse are magnificent in their roles.

It’s no secret that I’m Joseph Gordon-Levitt’s biggest fan, and almost every month I talk about him in the cinematographic section… Joseph Gordon-Levitt is a bike messenger in New York; velocity and adrenaline are more vital to him than oxygen. That’s obvious since the opening scene of Premium Rush (2012), a production with a solid plot that quickly captures our attention, as we follow the protagonist’s adventure in the craziest and most dangerous day of his life. I really enjoyed this one, and as usual I must say Joseph Gordon-Levitt is keeping an impeccable record: he doesn’t have one bad movie (out of the 35 or 40 he’s acted in) in his filmography. 

David Duchovny is a gifted filmmaker, and House of D (2004) is an extraordinary exploration of the hardships of growing up, the anxiousness of the first kiss and the strange relationship we have with our parents (and that we’re doomed to replicate with our children). At 13, Anton Yelchin is a vibrant, cheerful and enthusiastic boy. He lives with his mother, Téa Leoni, a clinically depressed nurse. There is such a strong feel of authenticity here that you feel identified with the protagonist. It doesn’t matter if you didn’t grow up in New York in the 80s, it doesn’t matter if for you puberty brought along different problems to the ones that appear here. Somehow, it all ties up together, and it all feels as real as your life or the life of your best friend. You get to know the characters so well that they feel like the people sitting next to you. And, of course, when tragedy strikes it’s impossible to contain the tears. This is by far one of the best American films I’ve seen in a long time. 

Derek Cianfrance’s Blue Valentine (2010) is a bittersweet take on love and long term relationships. We follow Ryan Gosling and Michelle Williams through the years, when they first meet, young and reckless, full of idealized dreams, until they grow older, get married and have a daughter, and when they finally decide they can’t stand each other. Ryan Gosling and Michelle Williams are extraordinary actors who always choose the best projects, and this is no exception. Blue Valentine is sad, unpleasant, realistic and makes no concessions. A truly mature take on a subject poorly exploited by thousands of idiotic romantic comedies.

I saw Leaving Las Vegas (1995) so many years ago. And I wanted to see it again. I must say I  really enjoyed it, if enjoyment is the correct term when you’re referring to a chronicle of the last days of an alcoholic (Nicolas Cage) who decides to literally drink himself to death; on his self-destructive journey he meets a prostitute (Elisabeth Shue), but not even the company of a loving woman can save him. Director Mike Figgis shows the most awful aspects of alcoholism, the horror of addiction, and the nightmarish world of Las Vegas. With superb acting and a brilliant soundtrack, Leaving Las Vegas definitely deserves to be seen at least twice. 

Wake Wood (2010) is a horror movie about a father and a mother who find the way to resurrect their daughter, who died in an accident. Of course, when she returns from the dead, she’s no longer the angelical and sweet kid she once was… she’s something evil. But despite the formulaic plot, this British production manages to mix Celtic folklore with everyday life in a small and secluded town. The result is, indeed, noteworthy. 

John Carpenter’s The Fog (1980) reunites Jamie Lee Curtis (Halloween) and Janet Leigh (Psycho), two actresses that every horror fan should know. When a mysterious fog appears, strange things happen in a coast town. A group of dead men murdered a century ago return with the fog that engulfs the town. I love the idea that these corpses are so horribly putrefied that they must be hidden by the unnatural fog that precedes their arrival. And this is so much better than the uninspired sequel from 2005.

Based on a theater play, François Ozon’s Dans la maison (2012) is easily one of the best French films I’ve seen in years. Ernst Umhauer is a teenager with a superior intelligence. A brilliant student, he quickly captures the attention of his literature teacher. As the teacher reads his stories, all chapters of a very ambitious novel, he realizes that his student hates and loves the bourgeois, hates and loves his own reality (marred by poverty and marginality) and hates and loves the prosperous family of his best friend. He feels to urge to penetrate inside the bourgeois family and dissect it with a mordacious and refined mordacious prose. After gaining the father’s trust by proving to be an exceptional basketball player (and showering naked with the old man), the protagonist quickly seduces the mother. But his charismatic personality also attracts his friend, a boy insecure of his feelings who, after watching him getting undressed one night, decides to kiss him. The literature teacher gets obsessed with the pages his student writes, and soon fiction becomes reality (after all, the teenager is writing about his own experiences) and everything starts to get out of hands. A brilliant script, excellent actors and fascinating characters turn Dans la maison in a contemporary masterpiece. 

Perhaps Teorema (1968) directed by Pier Paolo Pasolini served as inspiration for Dans la maison. After all, in Teorema an unknown man, Terence Stamp, is welcomed by a wealthy family. He stays in the house, and immediately seduces the maid, the son, the mother, the daughter and finally the father. And then he simply leaves. His departure has a catastrophic and traumatic effect on everyone. The genius of Pasolini consists on expressing the frustrations of the life we have, on showing us that all the money in the world can’t buy happiness, and that sometimes it takes only one person, one sexual act, one moment, to realize that our existence is worthless and meaningless. Pasolini also deliberates about gender, sexuality and power structures, adding depth to the Marxist ‘proletarian versus bourgeois’ debate. An indisputable Italian classic. 

my drawing: from pencils to inks /
mi dibujo: del lápiz a la tinta

From Finland comes Hymypoika (2003), directed by Jukka-Pekka Siili. Everything here revolves around the abnormal behavior of a group of teenagers. Obsessed with filming their sexual acts, Reino Nordin and his friends discover that there is a dangerous line that divides mere voyeurism from perversion. It’s almost painful to observe the frustration these kids experience, some of them have a hard time finding a sexual partner and others lose their girlfriends when they find out they’ve been filmed during intercourse. Eventually, the need for sex is replaced by the need to brag about it and, even more, to watch the sexual act on a screen over and over again. Things deteriorate: Reino Nordin is sodomized and another boy rapes a girl and videotapes the act so that he can show it to the rest of the gang… after that, only a tragic ending is possible.

Nicolas Robin is a handsome young man who has joined the French navy. Noir océan (2010) focuses on the lives of the young crew in the days of the nuclear tests in Mururoa. Nothing here breaks the routine, as these guys go through their daily chores and their boring tasks. Only interaction between the youngsters gives meaning to a mission that seems devoid of purpose. But having friends also means having problems. 

Mesa sto dasos (2010) is an excessively experimental Greek movie. Since there is no conflict here, I can’t say this movie fulfills the elemental requisite of telling a story (without conflict, stories cannot exist). There are however, a few appealing scenes like the mutual masturbation sequence between two strapping young men or the non-simulated sex that takes place in the woods.
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Y tal como prometí el mes pasado, he visto más películas en julio que nunca antes (bueno, es una exageración). Empecemos con "The Wolverine" (2013), soy fan del mutante de las garras de adamantium, y debo decir que disfruté esta secuela. Como siempre, Hugh Jackman es un Logan ideal. Hay un montón de acción aquí, pero también momentos muy interesantes (Logan tiene pesadillas con Jean Grey, su romance con Mariko, etc.). Mi parte favorita: la escena que aparece después de los créditos. Quedan avisados: Patrick Stewart e Ian McKellen reaparecen como Profesor X y Magneto, justo a tiempo para pelear contra los centinelas en la próxima "Days of Future Past". Ya estoy impaciente.

"World War Z" (2013), es una película de buen ritmo que se enfoca en la desesperada lucha de un hombre (Brad Pitt) contra los muertos vivientes. Me encantan las películas de zombis, y simplemente me encantó "Guerra Mundial Z", nunca pensé que alguien podría combinar acción a todo dar con secuencias de suspenso de manera tan brillante, pero el director Marc Forster lo logra (por supuesto, tenía muchas expectativas y es que él dirigió “Stay”, una de las mejores películas que he visto en mi vida). Probablemente la película zombi de mayor presupuesto, es algo a lo que todo fan del terror (y todo cinéfilo) debería prestar atención.

Me estoy preparando para la secuela de la creación más aclamada de Mark Millar, así que vi "Kick-Ass" (2010) de nuevo. Es tan buena como la recordaba. El director Matthew Vaughn entiende el lado nerd del protagonista y el mundo de los fans de cómics tal como le vería Millar, y entrega algunos momentos realmente emotivos mientras construye una narrativa cautivadora. La película es audaz cuando debe serlo (por ejemplo, muestra los maratones de masturbación de Dave Lizewski, algo apenas mencionado en el cómic) pero es demasiado políticamente correcta al final (y no digo más, pero si quieren una opinión más elaborada revisen mi reseña de Kick-Ass). La actuación de Aaron Taylor-Johnson es realmente grandiosa, y Chloë Grace Moretz es una Hit-Girl brillante. Por supuesto, Nicolas Cage, Mark Strong y Christopher Mintz-Plasse están magníficos.

No es ningún secreto que soy el más grande fan de Joseph Gordon-Levitt, y casi cada mes hablo de él en la sección cinematográfica... Joseph Gordon-Levitt es un mensajero en bicicleta en New York; para él la velocidad y la adrenalina son más vitales que el oxígeno. Eso es obvio desde la primera escena de "Premium Rush" (2012), una producción con un guión sólido que captura rápidamente nuestra atención, mientras seguimos la aventura del protagonista en el día más demencial y peligroso de su vida. Realmente disfruté con esto, y como siempre debo decir que Joseph Gordon-Levitt mantiene un record impecable: no tiene una sola película mala (de las 35 o 40 en las que ha participado) en su filmografía. 

David Duchovny es un cineasta con un don especial, y "House of D" (2004) es una extraordinaria exploración de las dificultades de crecer, la ansiedad del primer beso y la extraña relación que tenemos con nuestros padres (que estamos condenados a replicar con nuestros hijos). A los 13 años, Anton Yelchin es un chico vibrante, jovial y entusiasta. Vive con su madre, Téa Leoni, una enfermera con depresión crónica. Hay una fuerte sensación de autenticidad aquí, y uno se siente identificado con el protagonista. No importa si no creciste en New York en los 80s, no importa si para ti la pubertad trajo problemas diferentes a los que aparecen aquí. De algún modo, todo encaja, y todo se siente tan real como tu vida o la vida de tu mejor amigo. Llegas a conocer a los personajes tan bien que es como si ellos estuvieran sentados a tu lado. Y, por supuesto, cuando la tragedia golpea es imposible contener las lágrimas. Este es de lejos uno de los mejores films de Estados Unidos que he visto en mucho tiempo.

"Blue Valentine" (2010) de Derek Cianfrance es una aproximación agridulce al amor y las relaciones a largo plazo. Seguimos a Ryan Gosling y Michelle Williams a través de los años, cuando se ven por primera vez, jóvenes e impetuosos, llenos de sueños idealizados, hasta que envejecen, se casan y tienen una hija, y cuando finalmente deciden que ya no se soportan. Ryan Gosling y Michelle Williams son actores  extraordinarios que siempre eligen los mejores proyectos, y esta no es la excepción. Blue Valentine es triste, dolorosa, realista y no hace ninguna concesión. Un enfoque auténticamente maduro sobre un tema pobremente explotado por miles de comedias románticas idiotas.

Vi "Leaving Las Vegas" (1995) hace tantos años. Y la quería ver de nuevo. Debo decir que realmente la disfruté, si es que disfrute es el término correcto cuando uno se refiere a una crónica de los últimos días de un alcohólico (Nicolas Cage) que decide literalmente tomar hasta morirse; en su viaje auto-destructivo conoce a una prostituta (Elisabeth Shue), pero ni siquiera la compañía de una mujer amorosa podrá salvarlo. El director Mike Figgis muestra los más horribles aspectos del alcoholismo, el horror de la adicción, y el pesadillesco mundo de Las Vegas. Con soberbias actuaciones y un brillante soundtrack, "Leaving Las Vegas" definitivamente merece ser vista al menos dos veces.

"Wake Wood" (2010) es una película de terror sobre un padre y una madre que encuentran el modo de resucitar a su hija, fallecida en un accidente. Por supuesto, cuando ella regresa de la muerte, ya no es más la niña dulce y angelical que alguna vez fue... la maldad está en ella. Pero pese a un argumento formulaico, esta producción británica se las arregla para mezclar folklore céltico con la vida mundana de un pueblito aislado. El resultado es, de hecho, notable.

"The Fog" (1980) de John Carpenter reúne a Jamie Lee Curtis ("Halloween") y Janet Leigh ("Psycho"), dos actrices que todo fan del terror debería conocer. Cuando una misteriosa niebla aparece, suceden cosas extrañas en un pueblo costero. Un grupo de hombres muertos, asesinados hace un siglo regresan con la niebla que engulle al pueblo. Me encanta la idea de que estos cuerpos están tan horriblemente putrefactos que deben estar escondidos en la niebla sobrenatural que los precede. Y esto es mucho mejor que la secuela poco inspirada del 2005.

"Dans la maison" (2012) de François Ozon se basa en una obra de teatro y es una de las mejores películas francesas que he visto en años. Ernst Umhauer es un adolescente con una inteligencia superior. Al ser un estudiante brillante, rápidamente captura la atención de su profesor de literatura. Cuando el profesor lee sus historias, capítulos de una muy ambiciosa novela, se da cuenta de que su alumno odia y ama lo burgués, odia y ama su propia realidad (marcada por la pobreza y la marginalidad) y odia y ama a la próspera familia de su mejor amigo. Él siente la urgencia de penetrar al interior de la familia burguesa y diseccionarla con una prosa mordaz y refinada. Después de ganarse la confianza del padre al demostrar que es un jugador de basketball excepcional (y duchándose desnudo con el viejo), el protagonista rápidamente seduce a la madre. Pero su personalidad carismática también atrae a su amigo, un muchacho inseguro de sus sentimientos que, luego de verlo desnudándose una noche, decide besarlo. El profesor de literatura se obsesiona con las páginas que escribe su alumno, y pronto la ficción se convierte en realidad (después de todo, el adolescente está escribiendo sobre sus propias experiencias) y todo empieza a salirse de control. Un guión brillante, actores excelentes y personajes fascinantes convierten a "Dans la maison" en una obra maestra contemporánea.

Tal vez "Teorema" (1968) dirigida por Pier Paolo Pasolini sirvió de inspiración para "Dans la maison". Después de todo, en "Teorema" un hombre desconocido, Terence Stamp, es recibido por una familia acaudalada. Se queda en la casa e inmediatamente seduce a la criada, al hijo, a la madre, a la hija y finalmente al padre. Y luego simplemente se va. Su partida tiene un efecto catastrófico y traumático para todos. La genialidad de Pasolini consiste en expresar las frustraciones de la vida que tenemos, mostrándonos que todo el dinero del mundo no puede comprar la felicidad, y que a veces una sola persona, un sólo acto sexual, un momento, basta para darnos cuenta de que nuestra existencia no tiene sentido ni valor. Pasolini también delibera sobre género, sexualidad y las estructuras de poder, añadiendo profundidad al debate marxista del ‘proletariado versus la burguesía’. Un indiscutible clásico italiano.

De Finlandia llega "Hymypoika" (2003), dirigida por Jukka-Pekka Siili. Aquí todo gira en torno al comportamiento anormal de un grupo de adolescentes. Obsesionados con filmar sus actos sexuales, Reino Nordin y sus amigos descubren que hay una peligrosa línea que divide el mero voyerismo de la perversión. Es casi doloroso observar la frustración que experimentan estos chiquillos, algunos de ellos no logran encontrar una pareja para el coito, y otros pierden a sus enamoradas cuando ellas descubren que han sido filmadas durante el sexo. Eventualmente, la necesidad de sexo es reemplazada por la necesidad de presumir y, más aún, mirar la actividad sexual en una pantalla una y otra vez. Las cosas se deterioran: Reino Nordin es sodomizado y otro chico viola a una chica y graba el acto en video para poder mostrárselo al resto del grupo... después de eso, sólo un final trágico es posible.

Nicolas Robin es un apuesto jovencito que se ha unido a la marina francesa. "Noir océan" (2010) se enfoca en las vidas de una joven tripulación en los días de las pruebas nucleares en Mururoa. Nada aquí rompa la rutina, y estos chicos hacen sus tareas diarias y sus aburridos deberes. Sólo la interacción entre los jóvenes le da sentido a una misión que parece desprovista de propósito. Pero tener amigos también significa tener problemas. 

"Mesa sto dasos" (2010) es una película griega excesivamente experimental. Como no hay conflicto aquí, no puedo decir que esta película cumpla con el requisito elemental de contar una historia (sin conflicto, las historias no pueden existir). Sin embargo hay unas pocas escenas atrayentes, como la secuencia de masturbación mutua entre dos apuestos muchachos o el sexo no simulado que ocurre en los bosques.

Omega the Unknown - Gerber, Skrenes & Mooney

# 1: Ed Hannigan, # 2: Rich Buckler, # 3: Gil Kane,
# 4: Ed Hannigan, # 5: Gil Kane & # 6: John Romita

I have often wondered what did comic book authors think of superheroes back in the day, when Marvel was the most successful and revolutionary publisher. And I also try to imagine what must have been like to write for Marvel, following the footsteps of giants like Stan Lee, Jack Kirby or Steve Ditko (and their iconic creations: Fantastic Four, Spider-Man, the X-Men, Thor, Iron Man, Doctor Strange, etc.).

Writing superheroes can be a tricky business. It can’t be easy to come up with superpowers, villains, secret identities and all of that on a monthly basis. And yet, Stan ‘the Man’ Lee and Jack ‘King’ Kirby did it. But the Marvel Universe kept on expanding, adding new characters and reinventing old ones. There comes a time, I think, when as a comic writer you must feel like you’ve run out of ideas. Where do you go? What new approach can you use for your stories? How can you make your title more interesting or original than the ones that came before?

I’m guessing that Steve Gerber and Mary Skrenes asked those very same questions, but unlike other writers they did come up with an answer. And that answer was Omega the Unknown # 1 (published in May 1976). From the very beginning it was clear that Gerber and Skrenes were attempting a more mature take; a bold move in an era in which comics were, still, mostly read by children. Omega is a silent and mysterious warrior; at a first glance, he might resemble someone like Superman. He comes from a distant galaxy, he’s the last of his race and he alone is the heir of a great power. But that’s the end of the similarities. Because Omega is not a superhero in strict terms. He’s an incognita, a manifestation of the unknown.

Omega never seems to act on his own volition, he simply goes to Earth because he must be here. And once he arrives to our planet, he’s forced to intervene in situations that some might consider heroic. Except he never takes the conscious decision of being a hero. What defines a hero is precisely choice, something that is never present in Omega’s mind. For instance, reading “The Iliad”, we understand that, after many initial doubts, Achilles decides to help the Achaeans and fights against the Teucri. The fight in itself is no more heroic than, say, an ant or a bee defending its hive. But insects are biologically programmed to do so. There is no choice, and without choice we can’t talk about heroism. Achilles is a hero because when his heart advises him to retreat, to opt for safety, he still goes into the battlefield. According to this definition, Omega is not a hero. Like an automaton, he never chooses, he simply does. 

# 7: Dave Cockrum, # 8: Gil Kane, # 9: Gil Kane,
# 10: Dave Cockrum. - Defenders: Rich Buckler & Al Milgrom

The real hero of the story is James-Michael Starling, a 12-year old boy that, for some inexplicable reason, dreams of an alien world and its champion: the warrior named Omega. In the first issue, James-Michael’s parents are destroyed in a car accident. As a matter of fact, after the explosion, they melt in front of the child, revealing to be androids. ‘Don’t listen to the voices in your head’, are their final words. James-Michael is hospitalized, and soon captures the attention of a doctor. The Starling boy is brighter than any other kid, however he’s as cold as a machine. Losing his parents has no effect on him, he never seems to get agitated, or afraid, or happy, only the slightest details indicate that he, in fact, has human emotions. And his high IQ, his extensive knowledge of science and chemistry, his complex vocabulary and his emotionless behavior are very impressive. Soon, Ruth Hart –a nurse from the hospital– and her roommate Amber Grant decide to adopt James-Michael.

James-Michael’s painful adaptation to the ugly reality of Hell’s Kitchen (“the odor of human excrement” in Ruth’s building and the cockroach infestation will be the most harmless problems he will have to face) is complemented by the unusual adventures of Omega. There’s a friction, an unresolved impasse between the man and the boy: Omega is mute but manages to communicate with others, James-Michael has a very advanced vocabulary but the sophistication of his phrases prevent him from talking to ‘normal’ people; Omega has powers but not the capacity to take decisions, James-Michael doesn’t have powers but he chooses to live with Ruth and Amber; Omega comes from another planet and yet he starts to get accepted in our world, James-Michael is constantly rejected by his schoolmates. And there is an invisible link that ties them together.

Gerber and Skrenes emphasize the latent power of Omega, but not his achievements. When Omega gets shot by a common burglar, he’s wounded (and he must seek medical attention). When he fights against Elektro, he bites the dust; he’s subdued even by lousy villains like El Gato (a Hispanic wizard that can control cats); in fact, when Omega faces ‘The Wrench’ (an unemployed man armed with a wrench and a revolver) he is overpowered (his excuse, though, is quite valid: he gets intoxicated after ingesting alcohol for the first time; therefore, his reflexes and agility are diminished); when he struggles against Nitro he experiences more pain and agony than ever before. Time and time again, he fails. That must have been infuriating for readers back then. After all, what kind of superhero could have so many problems against such weak opponents? Because even if Omega survives or has some sort of Pyrrhic victory, the truth is that he’s never as efficient as an average superhero. He makes his best effort, he suffers, he’s injured, he gets exhausted, and sometimes his only reward is to escape alive. He’s never really triumphant. That’s made even more evident when he accidentally runs into Blockbuster (and old Captain America’s enemy), at first, the two men attack each other, but then Omega sees that Blockbuster is only robbing a bank and he realizes that to risk his life just to save a suitcase filled with ‘papers’ (thousands of dollars, actually) is illogical. And he lets the villain go, thus igniting the fury of the crowd that has witnessed the scene.

James-Michael Starling is a medical curiosity / James-Michael Starling es una curiosidad médica

But at the same time, the world of James-Michael Starling becomes more and more dramatic. He’s 12 years old and he must learn how to deal with the attraction he feels towards Amber, the hot girl that works as photographer for the Daily Bugle; there is a hilarious scene that takes place when Amber is discussing her paycheck with J. Jonah Jameson and James-Michael helps her get a better rate, Peter Parker, of course, is impressed by the boy’s persuasive speech. But after living in isolation and being homeschooled all his life, Hell’s Kitchen is a veritable hell for the kid. The poverty, the alcoholics, the homeless guys are just too much for him to bear (at one point he and Amber think that an unconscious Bruce Banner is another drunk beggar, until he turns into the Hulk). But nothing can be compared to the torture of public school, with its indigestible food, bad teachers and bullies. James-Michael, with his fancy words, his polished demeanor and his intelligence immediately becomes the target of the school’s most abusive boys. Out of good fortune, he meets John Nedley and Dian Wilkins, and for the first time in his life he understands the value of friendship. Nonetheless, the school’s most aggressive bully catches John Nedley in the bathroom and beats the hell out of him. As a result, the boy is hospitalized. The level of brutality and violence is never explicit, but artist Jim Mooney manages to convey a sense of despair, of frustration and impotence as James-Michael realizes that there’s nothing he can do to protect himself or his two best friends: “Survival under ever-shifting circumstances entails –demands– a capacity for learning, adaptation, growth. Wry vexation, bemused detachment, the stance of the unfeeling, unobtrusive observer… may no longer suffice if existence is to consist of more than sleepwalking”. 

Omega the Unknown is not impervious to bullets /
Omega the Unknown no es inmune a las balas

Gerber and Skrenes wrote something that was way ahead of their time. This kind of approach would fit perfectly in today’s ‘mature readers’ market, but in the 70s, this experimental title was canceled due to low sales. Omega the Unknown # 10, published in September 1977, was the final issue. John Nedley returns to school and again he’s the victim of the bullies, and he dies at their hands. The funeral is a very shocking moment, not only for the reader but also for James-Michael, who simply can’t understand the levels of violence he sees in his school, violence that would only increase in real life, as we’ve seen after so many sad incidents in American schools.  

James-Michael is confronted with two choices. Try to be as brave as Achilles and prepare for battle or obey his self-preservation instinct and escape. Of course, as someone of interior intelligence he does precisely that: he runs away. He’s accompanied by Dian Wilkins, his only friend left. At the same time, Omega, influenced by James-Michael’s thought patterns, feels the compulsion of getting money. Using his powers in Las Vegas, he wins thousands of dollars in a single night, but eventually he turns up in the wrong place and the wrong time, and he’s gunned down by police officers that take him for a criminal. Omega dies, the title dies. And the initiative of pushing the boundaries of the superhero genre dies as well. 

In 1979, Steven Grant and Herb Trimpe tried to ‘solve’ the mystery of Omega on the pages of Defenders # 76 and 77. Who was Omega the Unknown? What was the nature of Omega’s relationship with James-Michael Starling? Nevertheless, trying to answer all the subplots left by Gerber and Skrenes, Grant oversimplifies the enigmatic essence of the title, providing a convoluted ‘secret origin’ for Omega; and ends up giving quite a bitter end to the life of James-Michael, a character that was so captivating and full of potential. Although short-lived, Omega the Unknown is an indisputable classic of the 70s. 
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James-Michael and Amber take Bruce Banner for a drunk /
James-Michael y Amber Bruce confunden a Banner con un borracho

Me pregunto a menudo qué pensaban los autores de cómics de antaño, cuando Marvel era la editorial más exitosa y revolucionaria. Y también trato de imaginar cómo debe haber sido escribir para Marvel, siguiendo los pasos de gigantes como Stan Lee, Jack Kirby o Steve Ditko (y sus icónicas creaciones: Fantastic Four, Spider-Man, X-Men, Thor, Iron Man, Doctor Strange, etc.).

Escribir superhéroes puede ser un asunto complicado. No es nada fácil inventar superpoderes, villanos, identidades secretas y todo lo demás a un ritmo mensual. Y sin embargo, Stan 'el Hombre' Lee y Jack ‘Rey’ Kirby lo hicieron. Pero el Universo Marvel siguió expandiéndose, sumando nuevos personajes y reinventando a los antiguos. Llega un momento, creo yo, cuando el escritor de cómics debe sentir que se le acaban las ideas. ¿A dónde vas? ¿Qué nuevo enfoque puedes usar para tus historias? ¿Cómo haces para que tu título sea más original o interesante que aquellos que te precedieron? 

Supongo que Steve Gerber y Mary Skrenes se hicieron esas preguntas, pero a diferencia de otros escritores, ellos sí tenían una respuesta. Y esa respuesta fue "Omega the Unknown" # 1 (publicado en mayo de 1976). Desde el comienzo era evidente que Gerber y Skrenes tenían una perspectiva más madura; un movimiento audaz en una era en la que los cómics, todavía, eran leídos sobre todo por niños. Omega es un guerrero silencioso y misterioso; a primera vista, podría asemejarse a alguien como Superman. Viene de una galaxia lejana, es el último de su raza y él único heredero de un gran poder. Pero ahí se terminan las similitudes. Porque Omega no es un superhéroe en sentido estricto. Él es una incógnita, una manifestación de lo desconocido.

First day of school: a teacher smacks James-Michael /
Primer día de colegio: un profesor abofetea a James-Michael

Omega nunca parece actuar por su propia voluntad simplemente va a la Tierra porque debe estar aquí. Y una vez que llega a nuestro planeta, es obligado a intervenir en situaciones que algunos considerarían heroicas. Excepto que nunca toma la decisión conciente de ser un héroe. Lo que define a un héroe es precisamente la elección, algo que nunca está presente en la mente de Omega. Por ejemplo, al leer "La Ilíada", entendemos que, después de muchas dudas iniciales, Aquiles decide ayudar a los aqueos y pelear contra los teucros. La pelea en sí misma no es más heroica que, digamos, una hormiga o una abeja que protege su colmena. Pero los insectos están biológicamente programados para hacer eso. No hay elección, y sin elección no podemos hablar de heroismo. Aquiles es un héroe porque cuando corazón le aconseja retirarse, optar por la seguridad, él de todos entra al campo de batalla. De acuerdo con esta definición, Omega no es un héroe. Como un autómata, él nunca elige, simplemente hace.

El verdadero héroe de la historia es James-Michael Starling, un muchachito de 12 años que, por alguna inexplicable razón, sueña con un mundo alienígena y su campeón: el guerrero llamado Omega. En el primer número, los padres de James-Michael son destruidos en un accidente automovilístico. De hecho, tras la explosión, se derriten frente al niño, revelando que son androides. ‘No escuches las voces en tu cabeza’, son sus palabras finales. James-Michael es hospitalizado, y pronto atrapa la atención de un doctor. El chico Starling es más brillante que cualquier otro chiquillo, sin embargo es tan frío como una máquina. Perder a sus padres no tiene ningún efecto en él, nunca parece estar agitado, o asustado, o feliz, sólo los más minúsculos detalles indican que él, de hecho, tiene emociones humanas. Y su elevado coeficiente intelectual, su extenso conocimiento de ciencia y química, su complejo vocabulario y su comportamiento sin emoción son muy impresionantes. Poco después, Ruth Hart –una enfermera del hospital– y su compañera de cuarto Amber Grant deciden adoptar a James-Michael.

Going to the bathroom proves to be fatal for John Nedley
/ Ir al baño será fatal para John Nedley

La adaptación de James-Michael a la fea realidad de la Cocina del Infierno (la zona más peligrosa de New York) es dolorosa (“el hedor del excremento humano” en el edificio de Ruth y la invasión de cucarachas serán los problemas más inofensivos que tendrá que enfrentar); esto se complementa con las inusuales aventuras de Omega. Hay una fricción, un impasse no resuelto entre el hombre y el niño: Omega es mudo pero se las arregla para comunicarse con los demás, James-Michael tiene un vocabulario muy avanzado pero la sofisticación de sus frases le impide hablar con gente 'normal'; Omega tiene poderes pero no la capacidad de tomar decisiones, James-Michael no tiene poderes pero elige vivir con Ruth y Amber; Omega viene de otro planeta y no obstante empieza a ser aceptado en nuestro mundo, James-Michael es constantemente rechazado por sus compañeros de clase. Y hay un enlace invisible que los une.

Gerber y Skrenes enfatizan el poder latente de Omega, pero no sus logros. Cuando un ladronzuelo dispara contra Omega, él es herido (y debe buscar atención médica). Cuando pelea contra Elektro, muerde el polvo; es subyugado incluso por villanos de poca monta como El Gato (un brujo sudamericano que puede controlar a los gatos); de hecho, cuando Omega se enfrenta con ‘Llave de tuercas’ (un obrero desempleado armado con una llave de tuercas y un revólver) es vencido (aunque tiene una excusa válida: se intoxica luego de ingerir alcohol por primera vez; por lo tanto sus reflejos y agilidad se ven disminuidos); cuando lucha contra Nitro experimenta mucho dolor y agonía. Una y otra vez, fracasa. Eso debe haber enfurecido a los lectores de la época. Después de todo, ¿qué tipo de superhéroe tendría tantos problemas frente a oponentes tan débiles? Porque incluso si Omega sobrevive o tiene algún tipo de victoria pírrica, la verdad es que él nunca es tan eficiente como un superhéroes promedio. Se esfuerza al máximo, sufre, recibe heridas y queda exhausto, y a veces su única recompensa es escapar con vida. Nunca es realmente triunfante. Esto se hace aún más evidente cuando se encuentra de casualidad con Blockbuster (un viejo enemigo del Capitán América), al principio, los dos hombres se atacan, pero luego Omega ve que Blockbuster solamente está robando un banco, y se da cuenta de que arriesgar su vida para salvar un maletín lleno de 'papeles' (en realidad, miles de dólares) es ilógico. Y deja que el villano se vaya, enfureciendo así a la muchedumbre que ha observado la escena.

James-Michael and Dian Wilkins visit John at the hospital /
James-Michael y Dian Wilkins visitan a John en el hospital

Pero al mismo tiempo, el mundo de James-Michael Starling se torna más y más dramático. Él tiene 12 años y debe aprender a lidiar con la atracción que siente hacia Amber, la sensual chica que trabaja como fotógrafa del Daily Bugle; hay una escena hilarante que ocurre cuando Amber está discutiendo sobre su cheque con J. Jonah Jameson y James-Michael la ayuda a conseguir una mejor tarifa, Peter Parker, por supuesto, queda impresionado con el persuasivo discurso del niño. Pero después de vivir aislado y ser educado en su casa toda su vida, la Cocina del Infierno es un verdadero infierno para el chiquillo. La pobreza, los borrachos, los vagabundos, son algo que no puede soportar (en una ocasión, él y Amber piensan que un inconsciente Bruce Banner es es otro mendigo alcoholizado, hasta que se convierte en Hulk). Pero nada puede ser comparado con la tortura del colegio público, con su comida indigesta, los malos profesores y los alumnos abusivos. James-Michael, con sus palabras rebuscadas, su buena conducta y su inteligencia inmediatamente se convierte en el blanco de los chicos más pendencieros del colegio. De pura suerte conoce a John Nedley y Dian Wilkins, y por primera vez en su vida entiende el valor de la amistad. No obstante, uno de los alumnos más agresivos y abusivos atrapa a John Nedley en el baño y le saca la mugre. El resultado: el chico es hospitalizado. El nivel de brutalidad y violencia nunca es explícito, pero el artista Jim Mooney se las arregla para transmitir una sensación de desesperación, de frustración e impotencia cuando James-Michael se da cuenta de que no hay nada que él pueda hacer para protegerse a sí mismo o a sus dos mejores amigos: "Sobrevivir en circunstancias siempre cambiantes implica -exige- una capacidad de aprendizaje, de adaptación, de crecimiento. La agitación retorcida, la preocupación a la distancia, la postura del insensible, del observador no intrusivo... quizá ya no sean suficientes si la existencia debe consistir en algo más que caminar como un sonámbulo". 

Gerber y Skrenes se adelantaron a su época. Este tipo de enfoque hubiese encajado a la perfección en el mercado de 'lectores maduros' de hoy, pero en los 70, este título experimental fue cancelado a causa de sus bajas ventas. Omega the Unknown # 10, publicado en setiembre de 1977, fue el número final. John Nedley regresa al colegio y, de nuevo, es la víctima de los abusivos, y muere a manos de ellos. El funeral es un momento muy impactante, no sólo para el lector sino también para James-Michael, que simplemente no puede entender los niveles de violencia que ve en su colegio, una violencia que se incrementaría en la vida real, como hemos visto luego de tantos tristes incidentes en colegios de Estados Unidos.

James-Michael es confrontado con dos opciones. Tratar de ser tan valiente como Aquiles y prepararse para la batalla u obedecer su instinto de auto-conservación y escapar. Por supuesto, fiel a su inteligencia superior hace precisamente eso: huye. Es acompañado por Dian Wilkins, la única amiga que le queda. Al mismo tiempo Omega, influenciado por los patrones mentales de James-Michael, siente la compulsión de conseguir dinero. Usa sus poderes en Las Vegas, y gana miles de dólares en una sola noche, pero eventualmente se encuentra en el lugar equivocado, en el momento equivocado, y es acribillado por policías que lo confunden con un criminal. Omega muere, la colección muere. Y la iniciativa de ir más allá de los límites del género de superhéroes muere también.

En 1979, Steven Grant y Herb Trimpe intentaron 'resolver' el misterio de Omega en las páginas de "Defenders" # 76 y 77. ¿Quién era Omega el Desconocido? ¿Cuál era la naturaleza de la relación entre Omega y James-Michael Starling? No obstante, al intentar darle una respuesta a todos los argumentos secundarios dejados por Gerber y Skrenes, Grant simplifica en exceso la esencia enigmática de la colección, entregando un enredado 'origen secreto' para Omega; y termina poniéndole un final muy amargo a la vida de James-Michael, un personaje que era tan cautivador y lleno de potencial. Aunque duró poco, Omega the Unknown es un clásico indisputable de los 70s.

Semana del pisco

my drawing: from pencils to inks /
mi dibujo: del lápiz a la tinta

Sometimes people have a hard time understanding why I didn't read 90s comics. It is natural for them to be 90s fanboys, and although we are the same age, since I lived here in Peru it was easier for me to get access to comic books published in Spain, however, for some reason, only 80s stuff was available. 

So I am an expert of that era, not because I was born in a different date but because of, how should we put it, geographical accidents. It was like I had no other choice. So it was quite a shock, and a challenge, trying to catch up with years of issues that I had missed. It was so strange to get an issue of Superman printed in 1993 that my aunt would send me from the US and read it and compare it to the last issue I had read, in Spanish, with a cover date of 1987 or 1988. 

And the same applies to 2000 AD, I think I have read nothing published in the nineties, but I have a lot of issues from the early eighties and late seventies, and that’s what I like and reread the most, I just love it. 

So you could say I’m an honorary 80s boy, and I’ll always be. Anyway, I would love to read even older stuff, but since it is not a priority I keep saying I’ll buy Marvel Masterworks or DC Archives next time I have fifty bucks to spare, and of course there is never such a time. 

I love to get a USPS box (or a flat rate envelope) and just spend the entire day reading it all. I can’t keep comic books "in storage" and read them after a week, I have to read them instantly, and only if I have something very important to do I might postpone the task.

Evidently I don’t think we can find logic in such arbitrary situations as reading comic books. Anyway, I must say I have some sort of "order" when I get new comics. I used to start reading the ones I was less interested in (or the ones that were most likely to disappoint me). 

Nowadays I go with the art. I've found that daylight helps me enjoy the art a whole lot more, so now I choose the comics that have the best art and I give them priority. After sunset, I just turn on the lights and I read the ones that have bad art. Even so, sometimes it is really hard to make the decision, but you can’t read them all at the same time, can you?

I love to cook, this sure was a fun lunch / me encanta cocinar, y este almuerzo salió muy bien

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El Museo Pedro de Osma fue el escenario ideal para brindar con un buen pisco

Francamente, a mí no se me ocurre mejor manera de festejar estas fechas que con un buen trago. Y parece que no soy el único que piensa así. Hace un par de días, la alcaldesa de Barranco tuvo el buen tino de organizar el Día Nacional del Pisco en el Museo Pedro de Osma. Pese al frío del invierno, me animé a hacer acto de presencia y, para mi sorpresa me encontré con Angélica Noriega, que fue mi profesora cuando estaba en el colegio y actualmente es la regidora de Barranco. También me encontré con otros amigos, como Hugo Alegre. 

La celebración empezó con un brindis de pisco puro, un Italia aromático que se dejaba tomar muy bien. Luego hubo pisco sour, como debe ser. Y yo aproveché que muchos de los invitados, quizás cohibidos por la presencia de un trago helado en un día ya de por sí bastante gélido, se sirvieron apenas una vez, para servirme una y otra (y otra) vez. Por supuesto, todos disfrutamos de los bocaditos y los postrecitos que nos ofrecieron los atentísimos y jovencísimos mozos de Cenfotur.

Además de pisco, también hubo bocaditos y mini-postres

Hacía tiempo que no cocinaba, así que hace poco me animé. La invitada de honor, por supuesto, fue mi amiga María Fe. Entrada: pimientos rellenos de queso mozzarella con migajas de pan tostado. Plato de fondo: tortellinis con salsa blanca y lomito de cerdo al horno con champiñones y culantro. Postre: una exquisitez de coco y chocolate de Dolce Capriccio, cortesía de María Fe (yo debo haberme comido como dos o tres porciones… ¡rompí la dieta!). Maridaje: Una botella de Arium Albali Crianza 2005, un vino español que compré hace 8 años y que tenía reservado para una ocasión especial como esta. Todos disfrutamos de un ameno almuerzo y, qué duda cabe, pronto habrá otro.