Eternals # 7-12 - Kieron Gillen & Esad Ribić

At the beginning of “Hail Thanos” (originally published in Eternals # 7-12, from January to July 2022), we see Ikaris still reeling from the unfortunate events of “Only Death is Eternal”, namely the death of Toby Robson, a 13 year-old boy, whom he had sworn to protect. Ikaris feels he has failed, there is inner turmoil; and he needs to find a way to forgive himself. There are many questions that he's trying to answer and at the same Thanos has become the Prime Eternal, the absolute ruler of the Eternals. 

Ikaris and his team had to seek asylum in Lemuria, the city of the Deviants. It is here that we see Tolau, the Deviant who’s Thena’s lover; barely a supporting character in the past arc, here he becomes a fascinating presence. Kieron Gillen comes up with a brilliant concept about art in Lemuria; for Eternals art is difficult to understand but for a Deviant, art is part of their lives. Tolau has prepared a new art exhibition and one of his main pieces is a sculpture that shows the figure of Thena made of a special alloy of metal, which represents her immortality, and the other sculpture is that of Tolau himself, kneeling before this Eternal goddess, the second sculpture is not made of metal, stone or wood… it is made of raw flesh, which from the very beginning starts to decompose. 

For Thena and the other Eternals it's impossible to understand this concept. Art can be eternal, that is true, but as the artist explains, “Art can be eternal but, it need not be. My art is transitory, beautiful and awful like life”. There's so much beauty in that concept. As a Deviant, Tolau understands he only has a mortal lifespan, he will not be present forever, and all of that is symbolized in his art and his sculpture.

Tolau wants more than anything else to keep living and to keep making art, but his days are numbered. He has a genetic disease that forms part of his DNA, once he reaches the point of ‘excessive deviation’, any Eternal close to him will feel compelled to exterminate him, as it has been going on for thousands of years. There is nothing Eternals can do to stop themselves from killing a Deviant once they reach the stage of excessive deviation so that makes even more meaningful the fact that he's producing this exceptional art exhibition. 

While Ikaris is trying to adapt to life in Lemuria, Khoryphos explains he did the same thing as Thena, he also left the Eternals and got married to a Deviant artist, and decided to live in Lemuria. This uneasy peace is occasionally interrupted by the fact that the Eternals must kill those who come into excessive deviation. In this context, Thanos decides to capture Phastos to unleash his unlimited power for destruction. 

It is during Thanos attack that the tragedy occurs. Tolau has been slowly mutating, reaching the point of excessive deviation. Thanos spares Tolau’s life, as he understands that the Deviant doesn't have much time left and he doesn't want to be accused of killing someone mercifully. Tolau is left in the arms of his beloved Thena; she thinks that she will be able to stay with him no matter what. But as soon as he reaches the point of excessive deviation she is compelled to kill him. A sad way to say goodbye to one of the most interesting characters in the pages of the Eternals.

While Thanos is torturing Phastos, the rest of the Eternals try to break into the new headquarters of the Avengers, which happens to be the corpse of one of the Celestials. They think they might be able to communicate with the essence of the Celestials to find guidance in the predicament they are in now. As part of their subterfuge, Sersi decides to have dinner with Namor the Submariner, who has quite a funny conversation about it with Iron Man and Captain Marvel. 

As I have said before, Esad Ribić is really a master of composition and anatomy, he has a unique understanding of what constitutes a dramatic image and he’s able to create fascinating landscapes; men and women full of emotion and gravitas. Ribić has an outstanding sensibility that only some of the biggest names in the past shared, he is in many ways a disciple of Frank Frazetta. The only problem with Ribić is that it probably takes him quite a long time to produce such excellent artwork and because Eternals is a monthly series, he did not have the time to catch up. That’s why all the additional one-shots were not illustrated by him, and here issues 9 and 11, are by Guiu Villanova, who is a competent penciler and inker but who lacks all the grandiosity of Ribić. Finally, we see the confrontation between the Avengers and the Eternals who have failed to surreptitiously infiltrate their base. 

Ikaris

Because of the time constraints we can see how the last issues, especially number 12, feel slightly rushed compared to previous ones. That is understandable because we know that time is of the essence and comics must be published monthly, but I wish they would have given Ribić all the time that he needed, even if that meant to wait additional months for the comic to come out. In the conclusion we see how the Eternals and the Avengers are fighting each other; it's difficult to guess who could win as they are evenly matched but at the end, of course, they decide to stop fighting. 

Tolau

Thanos is immensely powerful but having been betrayed by Druid he ends up defeated and, finally, Druid becomes the Prime Eternal, the absolute ruler of the Eternals, he is pondering on the fact that mutants might be in a way deviants and if that's the case then it will be the duty of the Eternals to eradicate mutantkind. That will be of course a hint of the next Marvel event, Judgment Day, which I decided to skip because I haven't been interested in getting Marvel or DC events in the past 10 years or so. 

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Al comienzo de “Hail Thanos” (publicado originalmente en Eternals # 7-12, de enero a julio del 2022), vemos a Ikaris todavía tambaleándose por los desafortunados eventos de “Only Death is Eternal”, a saber, la muerte de Toby Robson, un chiquillo de 13 años a quien él había jurado proteger. Ikaris siente que ha fallado, hay confusión interna; y necesita encontrar una manera de perdonarse a sí mismo. Hay muchas preguntas que está tratando de responder y, al mismo tiempo, Thanos se ha convertido en el Primer Eterno, el gobernante absoluto de los Eternos.

Kingo & Ikaris

Ikaris y su equipo tuvieron que buscar asilo en Lemuria, la ciudad de los desviantes. Es aquí donde vemos a Tolau, el desviante que es el amante de Thena; apenas un personaje secundario en el arco pasado, aquí se convierte en una presencia fascinante. Kieron Gillen presenta un concepto brillante sobre el arte en Lemuria; para los Eternals el arte es difícil de entender pero para un desviante, el arte es parte de sus vidas. Tolau ha preparado una nueva exposición de arte y una de sus piezas principales es una escultura que muestra la figura de Thena realizada en una aleación especial de metal, que representa su inmortalidad, y la otra escultura es la del propio Tolau, arrodillado ante esta Eterna diosa, la segunda escultura no está hecha de metal, piedra o madera… está hecha de carne cruda, que desde el principio comienza a descomponerse.

Druig & Thanos

Para Thena y los demás Eternals es imposible entender este concepto. El arte puede ser eterno, eso es cierto, pero como explica el artista, “El arte puede ser eterno pero no tiene por qué serlo. Mi arte es transitorio, bello y terrible como la vida”. Hay tanta belleza en ese concepto. Como desviante, Tolau entiende que sólo tiene una vida mortal, que no estará presente para siempre, y todo eso está simbolizado en su arte y su escultura.

Tolau quiere más que nada seguir viviendo y seguir haciendo arte, pero sus días están contados. Tiene una enfermedad genética que forma parte de su ADN, una vez que llega al punto de 'desviación excesiva', cualquier Eterno cercano a él se sentirá obligado a exterminarlo, como ha sido durante miles de años. No hay nada que los Eternos puedan hacer para evitar matar a un desviante una vez que alcanzan la etapa de desviación excesiva, por ello es aun más significativo el hecho de que él está organizando esta exhibición de arte excepcional.

Thanos

Mientras Ikaris intenta adaptarse a la vida en Lemuria, Khoryphos explica que hizo lo mismo que Thena, también dejó a los Eternos y se casó con una artista desviante, y decidió vivir en Lemuria. Esta paz inquieta es ocasionalmente interrumpida por el hecho de que los Eternos deben matar a aquellos que se desvían excesivamente. En este contexto, Thanos decide capturar a Phastos para desatar su ilimitado poder de destrucción.

Es durante el ataque de Thanos que ocurre la tragedia. Tolau ha ido mutando lentamente, llegando al punto de una desviación excesiva. Thanos perdona la vida de Tolau, ya que entiende que al desviante no le queda mucho tiempo y no quiere ser acusado de matar a alguien misericordiosamente. Tolau se derrumba en los brazos de su amada Thena; ella piensa que podrá quedarse con él pase lo que pase. Pero tan pronto como llega al punto de desviación excesiva, ella se ve obligada a matarlo. Una triste manera de despedir a uno de los personajes más interesantes de las páginas de los Eternos.

Iron Man, Namor & Captain Marvel

Mientras Thanos tortura a Phastos, el resto de los Eternos intenta irrumpir en la nueva sede de los Vengadores, que resulta ser el cadáver de uno de los Celestiales. Piensan que podrían comunicarse con la esencia de los Celestiales para encontrar orientación en la situación en la que se encuentran ahora. Como parte de su subterfugio, Sersi decide cenar con Namor the Submariner, quien tiene una conversación bastante divertida al respecto con Iron Man y Captain Marvel.

Ajak

Como he dicho antes, Esad Ribić es realmente un maestro de la composición y la anatomía, tiene una comprensión única de lo que constituye una imagen dramática y es capaz de crear paisajes fascinantes; hombres y mujeres llenos de emoción y seriedad. Ribić tiene una sensibilidad sobresaliente que sólo algunos de los nombres más importantes del pasado compartieron, es en muchos sentidos un discípulo de Frank Frazetta. El único problema con Ribić es que probablemente le toma bastante tiempo producir un arte tan grandioso y debido a que Eternals es una serie mensual, no tuvo tiempo de ponerse al día. Es por eso que todos los one-shots adicionales no fueron ilustrados por él, y aquí los números 9 y 11 son de Guiu Villanova, quien es un hábil dibujante y entintador pero que carece de toda la grandiosidad de Ribić. Finalmente, vemos el enfrentamiento entre los Vengadores y los Eternos que no lograron infiltrarse subrepticiamente en su base.

Avengers versus Eternals

Debido a las limitaciones de tiempo, podemos ver cómo los últimos números, especialmente el número 12, se sienten un poco apresurados en comparación con los anteriores. Eso es comprensible porque sabemos que el tiempo apremia y los cómics deben publicarse mensualmente, pero desearía que le hubieran dado a Ribić todo el tiempo que necesitaba, incluso si eso significaba esperar meses adicionales para que saliera el cómic. En la conclusión vemos cómo los Eternos y los Vengadores están peleando entre sí; es difícil adivinar quién podría ganar ya que están igualados, pero al final, por supuesto, deciden dejar de pelear.

Ikaris versus Thanos

Thanos es inmensamente poderoso, pero después de haber sido traicionado por Druid, termina derrotado y, finalmente, Druid se convierte en el Primer Eterno, el gobernante absoluto de los Eternos. Él está reflexionando sobre el hecho de que los mutantes podrían ser de alguna manera desviantes y si ese es el caso. entonces será el deber de los Eternos erradicar a los mutantes. Eso será, por supuesto, un indicio del próximo evento de Marvel, Judgment Day, que decidí omitir porque no he estado interesado en adquirir eventos de Marvel o DC en los últimos 10 años más o menos.

Censoring Art (part 2 of 3)

Last month I wrote a post about censorship in the comic book industry back in the 70s. Although, to be more precise, I should say censorship in Marvel Comics and especially in Conan the Barbarian. I was quite pleased to see that Conan the Barbarian: The Original Marvel Years Omnibus includes several pages of Barry Windsor-Smith’s original art, which allows us to compare what he drew and what was actually published.

The Song of Red Sonja, published in Conan the Barbarian # 24 (March, 1973), “is a milestone issue. It marks the end of an era as the fruitful collaboration between Barry Windsor-Smith and Roy Thomas comes to an end. To say goodbye to the barbarian, Barry Windsor-Smith penciled, inked and colored (and even designed the lettering for the title) of this closing chapter of the saga of Conan”.

The artistic involvement of Windsor-Smith in this final issue was impressive, and he even co-plotted some of the pages. However, in any case, “Once again, the Comics Code struck Conan, requesting a larger towel for Red Sonja in panel 1 and Conan’s hands to be repositioned above the water line in panel 3”. And now after 46 years, you can see the difference between both versions!  

And, of course, in October you’ll get to read the third and last installment on this short series on censorship.
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El mes pasado escribí sobre la censura en la industria del cómic en los 70s. Aunque, para ser más precisos, debería decir censura en Marvel Comics y especialmente en Conan the Barbarian. Me complació ver que Conan the Barbarian: The Original Years Marvel Omnibus incluye varias páginas del arte original de Barry Windsor-Smith, lo que nos permite comparar lo que dibujó y lo que realmente se publicó.

La canción de Red Sonja, publicada en Conan the Barbarian # 24 (marzo de 1973), “es un episodio histórico. Marca el fin de una era, y es que la fructífera colaboración entre Barry Windsor-Smith y Roy Thomas finaliza aquí. Para decir adiós al bárbaro, Barry Windsor-Smith dibujó a lápiz, entintó y coloreó (e incluso diseñó las letras del título) este capítulo de cierre de la saga de Conan”.

La participación artística de Windsor-Smith en este último número fue impresionante, e incluso fue co-argumentista en algunas páginas. Sin embargo, en cualquier caso, "Una vez más, el Código de cómics golpeó a Conan, solicitando una toalla más grande para Red Sonja en la viñeta 1 y las manos de Conan para volver a colocarlas sobre la línea de flotación en la viñeta 3". ¡Y ahora después de 46 años, podéis ver la diferencia entre ambas versiones!

Y, por supuesto, en octubre podréis leer la tercera y última entrega sobre censura Marveliana.

Les dents du recoin - François Boucq

A century ago, surrealism rose to prominence in Paris. Quickly, this cultural movement would transform the plastic arts, poetry and even cinema; of course, surrealism would go everywhere, surpassing all geographical limits, and reaching even the most unknown corners of the planet. From the beginning, there was a close relationship between surrealism and image (painting, engraving, illustration, etc.). Logically, comics were also inspired by this new trend; for example, some of the greatest works of the 9th art in the early 20th century (“Little Nemo in Slumberland” by Winsor McKay) stand out thanks to their undeniable surrealistic tone.

Evidently, over the decades, the French bande dessinée would also join the surrealist revolution, with incredible results. In fact, “Les dents du recoin” (“The Shark's Teeth”) is one of the most original, intelligent, funny and daring graphic novels I have read in my life. François Boucq, one of France's best authors, decided to write and draw the peculiar adventures of Jérôme Moucherot, an animal and a man, an insurance salesman in the skin of a leopard who must survive in the urban jungle, in a world that has faced some indescribable cataclysm.

Jerome at the bar / Jerome en el bar

Boucq provides us with double doses of humor; on the one hand, at the graphic level, we have hilarious scenes, and at a purely narrative level, we have hilarious conversations between the protagonist and his colleagues, all insurance salesmen, while they fight with other animals in the neighborhood bar. Like all wild beasts, Jérôme easily disturbs herbivores (portrayed as vegan athletes of little courage), but he himself must also confront powerful predators or simply depraved creatures like the tribes of nomadic smurfs, capable of dismembering and devouring an entire dinosaur in a matter of minutes, or "gutting" the wallets of innocent old women.

Boucq uses all the elements at his disposal to makes us laugh, and his absurd but extremely ingenious dialogues, complemented with a great sense of humor, will remind us of great French-speaking playwrights like Eugène Ionesco. When Jérôme arrives home, he is greeted by a loving wife and three adorable children, who try to eat a giant mastodon steak (bought by the wife in the supermarket, simply because it had a special discount). Nevertheless, the blood of this antediluvian animal attracts a dangerous shark that navigates in the blue walls of the dining room.

the smurfs are up to no good / los pitufos hacen maldades

When the shark engulfs Jérôme’s younger son and plunges into the wall, the desperate family man seeks help; and therefore goes to the apartment of Leonard De Vinci, a scholar, a Renaissance scientist, an inventor, and a man who enjoys dancing with his young assistant, who dresses only in suggestive lingerie. Jerome invades the intimacy of master Leonard, but the wise man decides to offer his support.

Shark attack / el ataque del tiburón

That is the beginning of a delirious journey, rich in fantastic and dreamlike elements. Boucq unfolds before our eyes a true visual banquet, embracing the full power of surrealism and enhancing it with literary absurdity. The extraordinary art of Boucq exudes vitality and an insane beauty that surprises us and attracts us at the same time. Watching the protagonist crossing the impossible seas of the dimension of the walls is a real delight. There are precious pages, unforgettable, and at all times, we see the creativity and absolute graphic mastery of a truly excellent artist.
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Hace un siglo, la corriente surrealista surgió en París. Rápidamente, este movimiento cultural transformaría a las artes plásticas, a la poesía e incluso al cine; desde luego, el surrealismo se desbordaría por doquier, sobrepasando los límites geográficos franceses, y alcanzando hasta los rincones más ignotos del planeta. Desde un inicio, hubo una estrecha relación entre surrealismo e imagen (cuadro, grabado, ilustración, etc.), Lógicamente, los cómics también se inspiraron en esta novedosa corriente; por ejemplo, algunas de las grandes obras del noveno arte de principios del siglo XX (“Little Nemo in Slumberland”, de Winsor McKay) destacan gracias a su innegable tono surrealista.

Leonard de Vinci and his assistat / Leonard de Vinci y su asistente

Evidentemente, a lo largo de las décadas, la bande dessinée francesa también se sumaría a la revolución surrealista, con increíbles resultados. De hecho, “Les dents du recoin” (“Los dientes del tiburón”) sería uno de los trabajos más originales, inteligentes, divertidos y atrevidos que he leído en mi vida. François Boucq, uno de los mejores guionistas y dibujantes de Francia, decidió narrar las peculiares aventuras de Jérôme Moucherot (Jerónimo Puchero), una fiera con forma de hombre, un vendedor de seguros con piel de leopardo, que debe sobrevivir en la jungla urbana e imposible de un mundo que parece haber sufrido algún indescriptible cataclismo. 

Boucq nos ofrece con maestría una doble ración de humor; por un lado, a nivel gráfico, tenemos escenas hilarantes, y a nivel netamente narrativo, tenemos conversaciones desopilantes entre el protagonista y sus colegas de trabajo, todos vendedores de seguros, mientras pelean con los otros animales que visitan el bar de su preferencia. Como toda fiera, Jerónimo espanta fácilmente a los herbívoros (retratados como atletas veganos de poco coraje), pero él mismo también debe enfrentarse a poderosos depredadores o simplemente a criaturas tan depravadas como las tribus de pitufos nómades, capaces de descuartizar y devorar un dinosaurio entero en cuestión de minutos, o de “destripar” las carteras de inofensivas ancianitas.

the journey begins / el viaje comienza

Boucq emplea todos los elementos a su disposición para generar una retahíla de carcajadas en el lector, y sus diálogos absurdos pero tremendamente ingeniosos, sazonados con un estupendo sentido del humor, nos harán recordar a grandes dramaturgos francófonos como Eugène Ionesco. Cuando Jerónimo Puchero llega su hogar, es recibido por una amorosa esposa y por tres cariñosos hijos, quienes degustan un gigantesco filete de mastodonte (comprado por la esposa en el supermercado, aprovechando una oferta). No obstante, la sangre de este animal antediluviano atrae a un peligrosísimo tiburón que navega por las paredes azules del comedor. 

Cuando el tiburón engulle al hijo menor de Jerónimo Puchero y se sumerge en la pared, el desesperado padre de familia busca ayuda; es así como acude al departamento de su vecino Leonard De Vinci, un erudito, un científico renacentista, un inventor, y un hombre que goza al danzar con su joven ayudante, a quien vestirá únicamente con unas pocas prendas íntimas. Jerónimo Puchero invade la intimidad del maestro Leonard, pero el sabio decide brindarle su apoyo.

the journey continues / el viaje continúa

Ese es el comienzo de una delirante travesía, rica en elementos fantásticos y oníricos. Boucq despliega ante nuestros ojos un verdadero banquete visual, asumiendo la fuerza central del surrealismo y repotenciándolo con el absurdo literario. El extraordinario arte de Boucq exuda vitalidad y una belleza demencial que nos sorprende y nos atrae a la vez. Observar al protagonista cruzando los mares imposibles de la dimensión de las paredes es un auténtico deleite. Hay páginas preciosas, inolvidables, que nos sobrecogen de manera especial, y en todo momento, sentimos la destreza y el dominio gráfico absoluto de tan excelente artista.

Nameless - Grant Morrison & Chris Burnham

Nameless doesn’t mean anonymous. Nameless is a rebellion anthem, an inconformity statement that takes the readers by surprise. Nameless is an expert of the occult trapped in a very dangerous situation. He’s also a dream-traveler, an oneiric adventurer that vaguely reminds us of Cobb and his team in Christopher Nolan's Inception.

The only difference is that more than dreams, the protagonist seems to be a specialist in nightmares. There is a fascinating persecution from one bad dream to the next, which takes place in “Shit Rains Down” (published in Nameless # 1, February 2015). The hallucinatory state is superbly depicted by Chris Burnham. After a few pages, we will be stepping into the strangest dream ever. But weirdness doesn’t stop there. A gigantic asteroid named Xibalba is about to collide against our planet. And there is an unexplained connection between the monsters Nameless has seen in his nightmares and an ominous sign carved on the surface of the asteroid. There is not much time to save the world, but the man without name reluctantly accepts to participate in a space mission. 

“The Double Headed Horror at the Door” (Nameless # 2, March 2015) takes us all the way to the moon. Nameless lands in a top secret lunar base owned by Mr. Darius, his new boss. As he gets to meet the rest of the crew, he immediately understands that this is no mere space voyage, this is first and foremost an esoteric expedition into unknown realms. Accompanied by a group of astronauts, he will now intercept Xibalba. There is a strong feeling of claustrophobia and constant threats, as well as something very creepy about the rock carvings found on Xibalba’s surface; the evidence of alien intelligence and an ancient otherworldly civilization are quite disturbing. 

“Into the Burrows” (Nameless # 3, April 2015) begins with the exploration of Xibalba; and it certainly is one the most fantastic and captivating sequences I've read in a long time. The minuscule spaceship is like an insect flying around the ruins of a great and sinister civilization. But only Nameless realizes that this isn’t a monument to greatness or an abandoned temple, this is a filthy prison built for titans and alien giants, this is a nightmarish landscape no one can escape from. Burnham’s art is absolutely gorgeous. The scale of the ruins is massive and the darkness and creepiness of the asteroid is almost palpable. I was particularly shocked by one of Burnham splash pages. Human bodies horribly mutilated but not by human hands. That much remains clear in this brutal image that no one could overlook.

"Nameless" is a name / "Nameless" es un nombre

a game of panels and colors / un juego de viñetas y colores

Morrison and Burnham continue to unleash hell in “Dark House” (Nameless # 4, June 2015), a shocking examination of insanity, depravity and sadism. With an unusual narrative, the Scottish writer blurs the dividing line between the oneiric world and the real world, while focusing at the same time on the disgusting organic froth that Nameless finds in Xibalba.

“Star of Fear” (Nameless # 5, September 2015) provides a much needed background to understand the origin of this cosmic threat. The ‘secret origin’ of Nameless is told in a pulse pounding chapter, with some terrifying scenes, brimming with the kind of repulsive elements that Burnham has exceled in portraying throughout this miniseries. “Wormwood Palace” (Nameless # 6, December 2015) is the grand finale, and even amongst all the chaos and the craziness, there is a logical outcome that will defy the readers’ expectations. 

Chris Burnham is a magnificent artist. Although influenced by masters such as Frank Quitely, Burnham has developed a unique style, both vibrant and dynamic. In Nameless, the artist excels at page designs and panel placements, he looks for the best possible graphic elements in each frame and makes it all work in one arresting illustration. It is no wonder that Morrison chose him for this project, in which Burnham shines like a star with his imaginative compositions, his highly expressive characters and his astonishing creatures. Of course, Nathan Fairbairn’s colors are spot on, enhancing Burnham’s amazing work. Obviously Burnham would end up winning the 2015 Arion’s Achievement Award for Best Artist among many other important trophies.
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Nameless no significa sin nombre. Nameless es un himno de rebeldía, una declaración de disconformidad que sorprenderá a los lectores. Nameless es un experto en ocultismo atrapado en una situación muy peligrosa. También es un viajero de sueños, un aventurero onírico que nos recuerda vagamente a Cobb y su equipo en “Inception” de Christopher Nolan.

Getting closer to Xibalba / acercándose a Xibalba

La única diferencia es que más que sueños, el protagonista parece ser un especialista en pesadillas. En “Llueve mierda” (publicado en Nameless # 1, febrero del 2015) hay una persecución fascinante que va de una pesadilla a la siguiente. El estado alucinatorio está magníficamente representado por Chris Burnham. Pero lo extraño no se detiene allí. Un asteroide gigantesco llamado Xibalba está a punto de chocar contra nuestro planeta. Y hay una conexión inexplicable entre los monstruos que Nameless ha visto en sus pesadillas y el ominoso símbolo tallado en la superficie del asteroide. No queda mucho tiempo para salvar el mundo, pero el hombre sin nombre acepta a regañadientes participar en una misión espacial.

“El horror de dos cabezas a las puertas” (Nameless # 2, marzo del 2015) nos lleva hasta la luna. Nameless aterriza en una base lunar propiedad del señor Darius, su nuevo jefe. A medida que va conociendo al resto de la tripulación, entiende inmediatamente que este no es un simple viaje espacial, sino una expedición esotérica hacia reinos desconocidos. Acompañado por un grupo de astronautas, él interceptará a Xibalba. Hay una fuerte sensación de claustrofobia y amenazas constantes, así como indicios muy siniestros acerca de las inscripciones encontradas en la superficie de Xibalba; las evidencias de la inteligencia extraterrestre y de una antigua civilización de otra galaxia son bastante perturbadoras.

The horros of Xibalba / los horrores de Xibalba

“En las excavaciones” (Nameless # 3, abril del 2015) comienza con el recorrido por Xibalba; y sin duda se trata de una de las secuencias más fantásticas y fascinantes que he leído en mucho tiempo. La nave espacial es como un minúsculo insecto volando en torno a las ruinas de una tenebrosa y gran civilización. Pero sólo Nameless se da cuenta de que esto no es un monumento a la grandeza o un templo abandonado, esto es una prisión construida para titanes y gigantes alienígenas, se trata de un paisaje de pesadilla del que nadie puede escapar. El arte de Burnham es realmente precioso. La escala de las ruinas es enorme y la oscuridad y fealdad del asteroide es casi palpable. Me sorprendió particularmente una página en la que Burnham muestra cuerpos humanos horriblemente mutilados. Una imagen brutal que nadie podría pasar por alto.

Earth plunging into chaos / la Tierra cae en el caos

“Casa oscura” (Nameless # 4, junio del 2015) examina de manera impactante la locura, la depravación y el sadismo. Con una narrativa inusual, el escritor escocés borra la línea divisoria entre el mundo onírico y el mundo real, mientras se enfoca al mismo tiempo en la repugnante viscosidad orgánica que Nameless encuentra en Xibalba.

Human versus alien / humano versus alienígena

“Estrella de miedo” (Nameless # 5, setiembre del 2015) nos ofrece el origen de esta amenaza cósmica. El pasado de Nameless es contado en un capítulo rico en suspenso, con escenas aterradoras, lleno de esos elementos repulsivos que Burnham ha retratado magistralmente a lo largo de esta miniserie. “Palacio de ajenjo” (Nameless # 6, diciembre del 2015) es el capítulo final, incluso en medio de todo el caos y la locura, llega un desenlace lógico que desafiará las expectativas de los lectores.

a monster bigger than a cathedral / un monstro más grande que una catedral

Chris Burnham es un magnífico artista. A pesar de la influencia de maestros como Frank Quitely, Burnham ha desarrollado un estilo único, vibrante y dinámico. En “Nameless”, el artista sobresale gracias a sus diseños de página y la estructura de las viñetas, buscando siempre los mejores elementos gráficos en cada encuadre y dándole realce a las ya de por sí cautivadoras ilustraciones. No es de extrañar que Morrison lo eligiera para este proyecto, y es que aquí Burnham brilla como una estrella con sus composiciones imaginativas, sus expresivos personajes y sus asombrosas criaturas. Por supuesto, los colores de Nathan Fairbairn son muy acertados, potenciando el increíble trabajo de Burnham. Obviamente Burnham terminaría ganando el premio a mejor artista en el Arion's Achievement Awards del 2015, entre muchos otros trofeos importantes.

JAQ Rabbit Tales - Jason A. Quest

In 2013 I wrote a 4-page story for an all-ages comic book anthology focusing on the problem of school bullying, discrimination, homophobia and racism. Of course, as you can imagine, dozens of writers and artists were compelled to participate in what, at first glance, seemed to be a promising initiative. One of them was Jason A. Quest, a very active member of the BleedingCool message boards.

Story and art by Jason A. Quest & Rick Worley

I had never met Jason nor had I talked to him online, save for an occasion or two. However, very slowly, I started considering him as an old acquaintance. Certainly, we had participated in the same anthologies, and we even had made contributions to successful Kickstarter campaigns, such as The Young Protectors (by the fabulous creative team of writer Alex Woolfson and artist Adam DeKraker).

A year later, in 2014, I finally had the chance to peruse the pages of the aforementioned anthology, quite unexpectedly, I stumbled upon the 2-page story illustrated by Mr. Quest. Even if I only had a handful of panels to make an assessment, it was clear to me, that this was a man of considerable talent. 

At around the same time, I was desperately looking for ways to finance my own comic book: Un-American Chronicles (which can be acquired and read in its entirety HERE), Jason showed up out of nowhere, like a gallant knight, and made a generous contribution to my cause. 

Ever since then I’ve been trying to concoct a proper way to thank him, but it never occurred to me that sometimes, the easiest way to express gratitude, is by simply sharing a link. In 2015 I found Jason’s most personal project: his JAQ Rabbit Tales.

http://tales.jaqrabbit.com/comic/intro/

Every Monday Jason shares with us very amusing autobiographical anecdotes. With his erotic, audacious and uncensored stories, Jason proves to be a magnificent writer (assisted by truly outstanding artists such as Zlatan Marić, Rick Worley and Drubskin). He defines himself as a “comix creator, heretic, pornographer, fantasist”, and I would like to add to that list “tremendously creative”. Congratulations, Jason, for delighting your readers with such an amazing webcomic!
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El 2013 escribí una historia de 4 páginas para una antología de cómics que se enfocaba en el problema del acoso escolar, la discriminación, la homofobia y el racismo. Por supuesto, como se pueden imaginar, docenas de escritores y artistas se entusiasmaron y participaron en lo que, a primera vista, parecía ser una prometedora iniciativa. Uno de ellos era Jason A. Quest, un activo miembro de los foros en línea de BleedingCool.

Story and art by Jason A. Quest

No conocía a Jason ni había hablado con él en línea, salvo en una o dos ocasiones. Sin embargo, poco a poco, empezamos a coincidir en las mismas antologías; incluso contribuimos a exitosas campañas de Kickstarter, como "The Young Protectors" (del fabuloso equipo creativo de Alex Woolfson y Adam DeKraker).

Un año después, en el 2014, finalmente tuve la oportunidad de hojear las páginas de la antología mencionada, inesperadamente, me encontré con una historia de 2 páginas ilustrada por el señor Quest. Incluso con unas pocas viñetas para evaluar, resultaba evidente que él era alguien con talento.

En esa misma época, estaba buscando desesperadamente formas de financiar mi propio cómic: Un-American Chronicles (que pueden adquirir y leer en su totalidad AQUÍ), Jason apareció de la nada e hizo una generosa contribución a mi causa.

Desde entonces he estado tratando de encontrar la forma de darle las gracias, pero nunca se me ocurrió que, a veces, la mejor manera de expresar gratitud es simplemente compartiendo un link. En 2015 encontré el proyecto más personal de Jason: sus JAQ Rabbit Tales.

http://tales.jaqrabbit.com/comic/intro/

Cada lunes Jason comparte con sus lectores anécdotas autobiográficas muy divertidas. Con sus historias eróticas, audaces y sin censura, Jason demuestra ser un magnífico escritor(ayudado por dibujantes sobresalientes como Zlatan Marić, Rick Worley y Drubskin). Él mismo se define como un "creador de cómics, hereje, pornógrafo, fantasioso", y me gustaría añadir a esa lista "tremendamente creativo". Sea como sea, el suyo es un webcomic que llama la atención.

David LaChapelle - Fotografías 1984-2013 (MAC)

It is curious how things turn out sometimes. In the beginning of 2014 I was drinking a glass of wine next to the Marquise Agatha Ruiz de la Prada in the Museum of Contemporary Art (MAC), but this year I wasn’t present in the opening night of David LaChapelle’s exhibit. I wish I could’ve been there, as it would have meant so much to actually meet the artist.

SELF PORTRAIT AS HOUSE

“Photographs 1984 - 2013” is a fascinating selection of LaChapelle’s exquisite works. With a very particular sensibility, the pupil of Andy Warhol celebrates pop references and historic iconography while subverting traditional religious imagery. Controversial for some, or simple shocking for others, the American artist once again shows why he has been at the center of many polemic debates.

Suggestive image of Naomi Campbell / sugerente imagen de Naomi Campbell

Eminem about to blow up / Eminem a punto de estallar

Of course, the artist’s irreverence is also evident in his collages / reconstructions. His victims are Marilyn Monroe, Her Majesty the Queen Elizabeth II and Margaret Thatcher. Certainly, his critique to consumerism is a paramount aspect of his proposal. For instance, in “Deluge” we can see the biblical flood causing panic amongst the population, but perhaps the destruction of major brands is the scariest part of this work (the logos of Starbucks, Burger King and Gucci are destroyed and under the water). 

Growing up as a gay teenager in North Carolina must have been a tough experience, and LaChapelle has affirmed more than once that he was a victim of bullying. However, years later, he would become one of the most renowned celebrity photographers. Many famous Hollywood actors have enthusiastically agreed to be photographed by the American artist (Leonardo DiCaprio, Drew Barrymore, Cameron Diaz). No matter how suggestive or erotic the approach was, singers like Whitney Houston, Britney Spears or Eminem have also participated in LaChapelle’s projects, as well as supermodels (Naomi Campbell) and former TV stars (Pamela Anderson).

I would also like to mention "Fleur du mal", one of my favorite compositions. A reference to Baudelaire's poetry and to the concept of paradise lost, this is the kind of original idea that one can treasure.

FLEUR DU MAL

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GAIA

La semana pasada decidí visitar el Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Desde que se inauguró este nuevo espacio cultural en Barranco he tenido la oportunidad de ver bastantes muestras aunque debo admitir que pocas me han parecido tan fascinantes como la actual “Fotografías 1984 - 2013” del artista estadounidense David LaChapelle. Habría que felicitar a Álvaro Roca Rey, director del museo, por concretar una iniciativa que se venía gestando desde hacía buen tiempo.

LaChapelle es un artista controversial, no apto para todo público. Y luego de observar sus extraordinarias fotografías resulta evidente por qué ha causado tanta polémica. LaChapelle es, ciertamente, un provocador. Subvierte, por ejemplo, la iconografía religiosa al sustraerla de su contexto clásico, reinterpretándola en clave postmoderna, no desprovista de cierto desparpajo y, desde luego, fuertes dosis de parodia.

DELUGE

Michael Jackson struggles againsts his inner demon /
Michael Jackson lucha contra su demonio interior

El diluvio universal, en manos del norteamericano, se convierte en la crisis del capitalismo. “Deluge” (obra de gran formato) nos muestra a asustados hombres y mujeres que intentan salvarse de la gran inundación. Las que definitivamente no se salvan son las grandes marcas: los logos de Starbucks, Burger King y Gucci aparecen destrozados y sumergidos bajo el agua, asimismo el Caesar's Palace, emblemático casino de Las Vegas, está totalmente destruido.

El artista también juega con otros arquetipos cristianos. El arcángel y Lucifer se transforman en Michael Jackson y en un lujurioso demonio. La Pietá no está protagonizada por Jesús y la virgen sino por Kurt Cobain y Courtney Love. Como discípulo de Andy Warhol, LaChapelle aprendió desde muy joven a aprovechar las referencias a la cultura pop, reinventándolas con astucia e ironía.

La Pietá with Courtney Love / La Pietá con Courtney Love

La muestra abarca impresionantes composiciones como “Gaia” (es decir Gea, el planeta Tierra) o “Fleur du mal” (en clara alusión a "Las flores del mal" de Baudelaire). También, desde luego, la irreverencia del artista se hace evidente en sus atípicos collages / reconstrucciones: las víctimas incluyen a Marilyn Monroe, Su Majestad la Reina Elizabeth II y Margaret Thatcher.

Otra magnífica sección incluye a actrices de Hollywood (Cameron Díaz, Drew Barrymore) supermodelos (Naomi Campbell) y cantantes (Eminem, Britney Spears, Whitney Houston). Pese a las curiosas exigencias del fotógrafo, los famosos parecieran someterse con gusto al lente de LaChapelle. 

La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo mes. Sin duda merece ser visitada.

Dónde: Avenida Grau 1511, Barranco.

Hasta: 12 de abril.