Sandman Overture # 5 - Neil Gaiman & J.H. Williams III

“It begins, as we all begin, in darkness. There is pain. The pain is unimportant, and I ignore it. There is solitude. The solitude may destroy me”, explains the Lord of Dreams. Prophetic words, indeed, especially taking into account that as one of the Endless, Sandman is above the gods, and he holds sway over every planetary system and every galaxy. But despite his limitless power, he is still lonely. That solitude may eventually unravel him, but now he has more pressing matters at hand.

The universe is dying. And if all life forms are to disappear, then the realm of the dreaming will become nonexistent. After an arduous battle, Morpheus is trapped in a black hole. Weakened and in despair, he calls upon his Mother. She offers him the pleasure of an afterlife, free of responsibilities, and without the burden of being an Endless one. In the end, however, it is Destiny who rescues his brother Dream. 

In Sandman Overture, Neil Gaiman combines poetry, pathos and the inner doubts of the Lord of Dreams in one elegant and sophisticated narrative that enthralls the reader. Ally and collaborator, J.H. Williams III is responsible for some of the most beautiful and awe-inspiring illustrations one could find in a comic. Just a quick glance to the cover would be enough to understand what is going on, in artistic terms, in a book like Sandman Overture.

There is a plethora of formal experimentation and graphic restructuration in these pages. As I’ve pointed out before, the predominant format here is the double page spread, and each one is significant and powerful on its own. Sandman’s arrival into the dominions of the everlasting night is depicted as a dark and somber scene, in which the protagonist is as easily shrouded in shadows as illuminated by a tenuous lunar reflection. 

Sandman visits his mother's realm / Sandman visita el reino de su madre

The war sequence is also extraordinary. J.H. Williams III unleashes all his imagination, showing us the devastation in an alien world. Dave Stewart’s coloring here plays a pivotal role in adding dramatic tension to an already shocking array of images. There are other pages in which the artist completely alters the classic panel arrangement, embracing geometrical forms that would be impossible to find in any other comic. 

shocking war scenes / impactantes escenas de guerra

I particularly enjoyed the pages from the Book of Destiny, it’s a very clever graphic resource, and one that improves the reading experience. The final page is an outstanding example of an inventive composition that defies classic geometrical parameters. There is not a single square-shaped panel here, what we get instead are triangular panels and circular panels that are seamlessly connected with each other. If we add to that the impressive character designs and the striking lines of J.H. Williams III, then the result is a breathtaking page that delights and surprises the reader. 
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“Comienza, como empezamos todos, en la oscuridad. Hay dolor. El dolor no es importante, y lo ignoro. Hay soledad. La soledad puede destruirme”, explica el Señor de los sueños. Palabras proféticas, de hecho, teniendo especialmente en cuenta que, al ser uno de los Eternos, Sandman está por encima de los dioses, y ejerce su dominio sobre todos los sistemas planetarios y todas las galaxias. Pero a pesar de su poder ilimitado, él aun así se siente solo. Esa soledad puede llegar a aniquilarlo, pero ahora tiene asuntos más urgentes que atender.

the Book of Destiny / el Libro de Destino

El universo está muriendo. Y si todas las formas de vida llegaran a desaparecer, entonces el reino de los sueños dejaría de existir. Después de una ardua batalla, Morpheus queda atrapado en un agujero negro. Debilitado y desesperado, llama a su madre. Ella le ofrece el placer de una vida en el más allá, libre de responsabilidades, y sin la carga de ser un Eterno. Al final, sin embargo, es Destino que rescata a su hermano Sueño.

Sandman meets his new crew / Sandman conoce a su nueva tripulación

En “Sandman Overture”, Neil Gaiman combina poesía, pathos y las dudas internas del Señor de los sueños en una elegante y sofisticada narración que cautiva al lector. Su aliado y colaborador, J.H. Williams III es responsable de algunos de las más bellas y alucinantes ilustraciones que uno podría encontrar en un cómic. Sólo un vistazo rápido a la portada sería suficiente para entender lo que está pasando, en términos artísticos, en un título como “Sandman Overture”.

Hay mucho de experimentación formal y reestructuración gráfica en estas páginas. Como he señalado antes, el formato predominante aquí es la doble página, y cada una es importante y sorprendente en sí misma. La llegada de Sandman a los dominios de la noche eterna es retratada mediante una escena oscura y sombría, en la que el protagonista queda tan fácilmente envuelto por las sombras como iluminado por el tenue reflejo lunar.

La secuencia de guerra también es extraordinaria. J.H. Williams III da rienda suelta a toda su imaginación, mostrándonos la devastación en un mundo alienígena. El coloreado de Dave Stewart juega un papel fundamental aquí al añadir tensión dramática a un conjunto de imágenes ya de por sí impactantes. Hay otras páginas en las que el artista altera por completo la disposición clásica de las viñetas, abarcando formas geométricas que serían imposibles de encontrar en cualquier otro cómic.

Disfruté particularmente de las páginas del Libro de Destino, es un recurso gráfico muy ingenioso, que mejora la experiencia de la lectura. La última página es un ejemplo sobresaliente de una composición innovadora que desafía los parámetros geométricos clásicos. No hay una sola viñeta de forma cuadrada, en su lugar tenemos paneles triangulares y circulares que están perfectamente conectados entre sí. Si a eso le sumamos los impresionantes diseños de personajes y las líneas llamativas de J.H. Williams III, entonces el resultado es una página espectacular que deleita y asombra al lector.

July films / películas de julio

In July I had the opportunity to enjoy mega-productions as well as cinéma d'auteur. Let’s start with Terminator Genisys (2015). After the very disappointing Terminator 3 and 4, I was a bit hesitant about a new installment in a franchise I’m so fond of (as a matter of fact, Terminator 2: Judgment Day is in my top 100 best films). However I must say that Terminator Genisys is much better than T3 and T4, and not only pays homage to the original first 2 Cameron films, but also builds upon them, exploring time paradoxes, a doomed future, Skynet, and all the things we were expecting to see here. Arnold Schwarzenegger returns as the Terminator (I absolutely loved the way he explains his aging) and Emilia Clarke (Game of Thrones) is Sarah Connors. Great action sequences, good acting and a clever plot turn this into one of 2015’s best Hollywood blockbusters. 

This is the first time I see a Marvel production about a character I’m not too familiar with: Ant-Man (2015). Instead of focusing on the original Ant-Man (Hank Pym), here the protagonist is Scott Lang. However, Paul Rudd is so likeable that I immediately stopped worrying about Marvel continuity. Ant-Man is very entertaining, and tremendously funny. I laughed out loud several times, to the point that I would suggest that this is more of a comedy than a proper superhero flick, and that is precisely why it works so well and why it melts our hearts and makes us burst into laughter over and over again. The cast includes the extraordinary Michael Douglas (Fatal Attraction) and Evangeline Lilly (The Hobbit: The Desolation of Smaug). 

However, the best new release of this month is Woman in Gold (2015) directed by Simon Curtis (who had already impressed me with My Week With Marilyn). After WWII, Helen Mirren (The Queen) becomes the only survivor of a wealthy Austrian Jewish family, and after living in the US for decades, she discovers that there might be a way to retrieve the paintings the Nazis stole from her family, especially the portrait of her aunt, painted by Gustav Klimt (and valued at over 100 million dollars). I found the story captivating, perhaps because I love art, or more likely because the 40s is a fascinating historical period; although the story takes place in the late 20th century, there are constant flashbacks that allow us to see the protagonist’s past. Helen Mirren’s performance is absolutely superb, and Ryan Reynolds (Paper Man) surprised me with the best acting I’ve seen from him ever, the rest of the cast is spectacular: Daniel Brühl (Krabat), Charles Dance (Game of Thrones), Max Irons and Tom Schilling. I really recommend this one.

Godzilla (2014) was a gigantic let down (or a monstrously bad remake). I guess I had high expectations, especially considering the marvelous cast: Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Ken Watanabe (The Last Samurai), Sally Hawkins (Blue Jasmine), Bryan Cranston (Breaking Bad) and Juliette Binoche (Chocolat), but clearly neither the director nor the screenwriter made an effort here.

The Legend of Hercules (2014), starring Kellan Lutz (Twilight: Breaking Dawn), was another major disaster. It looks so cheesy and cheap. Furthermore, the bad direction and the poor writing make it unwatchable.

Although I’ve seen many takes on the Middle East war, I haven’t found one as riveting and as honest as Peter Berg’s Lone Survivor (2013). Based on true facts, Lone Survivor is the shocking chronicle of a group of American soldiers trapped in hostile territory in Afghanistan. Berg shows us the brutality of war; the violent sequences are unforgettable and the suspense is unbelievably strong, but perhaps what I liked the most was how the director reveals the extreme differences between two Afghan ethnic groups (in fact, Pashtun villagers save the life of the last American soldier, protecting him from the talibans). The cast includes Mark Wahlberg (The Happening), Taylor Kitsch (John Carter), Emile Hirsch (famous for his role as a gay teenager in The Mudge Boy) and Ben Foster (famous for his role as a homosexual writer in Kill Your Darlings).

Craig Zisk’s The English Teacher (2013) is a bit of a cautionary tale and also an inspired take on the controversial issue of teachers having sexual relationships with their students (or in this case, former students). Julianne Moore (Still Alice) is a respected teacher, who tries to encourage one of her former pupils Michael Angarano (The Art of Getting By) to keep writing, but he feels miserable after everyone in New York refused to produce his play. The teacher decides to make the play in coordination with the high school drama department (Nathan Lane is spot on as the flamboyant theater director). With a healthy dose of black humor and an insightful analysis on loneliness and the creative nature of the artist, The English Teacher sure deserves the highest grade. A must-see.

A true masterpiece from the past decade, The Others (2001) was directed by the talented Alejandro Amenábar. It is an indisputable gem of the horror genre and a beautiful and surprising project. Nicole Kidman (Rabbit Hole) is a woman who lives alone with her two children in a huge mansion, cut off from the world and clinging to the memories of a husband that is no longer there. However, as soon as she hires some new servants strange things start to happen. Slowly, she begins to feel the presence of others. There are absolutely frightening scenes and a unique and dense atmosphere that contributes to a feel of dread and oppression that builds on with every new scene. After “Abre los ojos”, Amenábar was at the top of his game as a filmmaker, and The Others is not only one of his best titles but also one of my all-time favorite films. 

Although Sam Raimi does a poor job as the director, The Quick and the Dead (1995) is still a highly enjoyable and charming western, thanks to an all-star cast: Sharon Stone (Bobby), Russell Crowe (Noah), Leonardo DiCaprio (Revolutionary Road) and Gene Hackman (The Royal Tenenbaums). It was such a delightful experience to see all of them sharing the screen.   

Falling Down (1993) proves what a great director Joel Schumacher was at the time (before ruining the Batman franchise). A highly motivated director and a brilliant screenwriter work in unison to create a wonderful and unexpected urban tale about Michael Douglas (Behind the Candelabra), a desperate man that takes out his frustration on everyone he runs into; and Robert Duvall (Apocalypse Now), the detective in charge of this intriguing case. Social criticism, crime, and the debacle of the American dream come together in this truly outstanding production.

Rob Reiner’s Stand by Me (1986) is considered a classic by many critics, and I have to agree with them! Based on a Stephen King novella, Stand by Me is a deeply poignant, coming of age tale, focusing on a group of boys that take on a journey that will change their lives. Camaraderie, friendship, male bonding and, above all, the naiveté and awkwardness of puberty, are masterfully depicted by Reiner. Although I had seen it before, it gets me every time. Moving, hilarious and with a life of its own, Stand by Me perfectly captures the point of view of a 12-year-old kid. The cast includes Wil Wheaton (Star Trek: The Next Generation), River Phoenix (famous for his role as a gay teen in My Own Private Idaho), Corey Feldman (The Goonies) and Jerry O'Connell (Scream 2).
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En julio tuve la oportunidad de disfrutar de un par de mega-producciones y también del cine de autor. Empecemos con “Terminator Genisys” (2015). Después de las muy decepcionantes Terminator 3 y 4, estaba un poco indeciso ante la nueva entrega de una franquicia a la que tanto aprecio (de hecho, “Terminator 2: Judgment Day” está en mi top 100 de las mejores películas). Sin embargo, debo decir que “Terminator Genisys” es mucho mejor que T3 y T4, y no sólo rinde homenaje a las 2 primeras películas originales de Cameron, sino también hace una gran contribución mediante la exploración de paradojas temporales, el futuro condenado, Skynet, y todo lo esperábamos ver aquí. Arnold Schwarzenegger regresa como Terminator (me encantó la forma en la que explica su envejecimiento) y Emilia Clarke (“Game of Thrones”) es Sarah Connors. Grandiosas secuencias de acción, buenas actuaciones y un guión ingenioso hacen de esta una de las mejores superproducciones de Hollywood del 2015.

Esta es la primera vez que veo una producción de Marvel sobre un personaje con el que no estoy muy familiarizado: “Ant-Man” (2015). En lugar de centrarse en el Ant-Man original (Hank Pym), aquí el protagonista es Scott Lang. Sin embargo, Paul Rudd cae tan simpático que inmediatamente dejé de preocuparme por la continuidad Marvel. “Ant-Man” es muy entretenida, y tremendamente divertida. Me hizo reír varias veces, al punto que yo sugeriría que es más una comedia que una película de superhéroes propiamente dicha, y precisamente por eso es que funciona tan bien, derritiendo nuestros corazones y haciéndonos estallar en carcajadas. El reparto incluye al extraordinario Michael Douglas  (Fatal Attraction) y Evangeline Lilly (The Hobbit: The Desolation of Smaug).

Sin embargo, el mejor estreno del mes es “Woman in Gold” (2015), dirigida por Simon Curtis (quien ya me había impresionado con My Week With Marilyn). Después de la Segunda Guerra Mundial, Helen Mirren (The Queen) es la única superviviente de una acaudalada familia judía austriaca, y después de haber vivido en Estados Unidos durante décadas, ella descubre que puede haber una manera de recuperar las pinturas que los nazis le robaron a su familia, especialmente el retrato de su tía, pintado por Gustav Klimt (y valorizado en más de 100 millones de dólares). La historia me pareció cautivante, tal vez porque me encanta el arte, o más probablemente, porque los años 40s son un periodo histórico fascinante; aunque la historia ocurre a fines del siglo XX, hay constantes flashbacks que nos permiten ver el pasado de la protagonista. La actuación de Helen Mirren es absolutamente magnífica, y Ryan Reynolds (Paper Man) me sorprendió con la que considero su mejor actuación a la fecha, el resto del elenco es espectacular: Daniel Brühl (Krabat), Charles Dance (Game of Thrones), Max Irons y Tom Schilling. Realmente la recomiendo.

Godzilla (2014) fue una gigantesca decepción (o un remake monstruosamente malo). Supongo que tenía grandes expectativas, sobre todo teniendo en cuenta el maravilloso reparto: Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Ken Watanabe (The Last Samurai), Sally Hawkins (Blue Jasmine), Bryan Cranston (Breaking Bad) y Juliette Binoche (Chocolat), pero es evidente que ni el director ni el guionista se esforzaron.

The Legend of Hercules (2014), protagonizada por Kellan Lutz (Twilight: Breaking Dawn), fue otro gran desastre, visualmente barato y de mal gusto. Además, una mala dirección y un mal argumento hacen que esto sea intragable.

Aunque he visto mucho sobre la guerra en el Medio Oriente, no había encontrado algo tan fascinante y tan honesto como “Lone Survivor” de Peter Berg (2013). Basada en hechos reales, Lone Survivor es la impactante crónica de un grupo de soldados estadounidenses atrapados en territorio enemigo en Afganistán. Berg nos muestra la brutalidad de la guerra; las secuencias violentas son inolvidables y el suspenso es increíblemente fuerte, pero tal vez lo que más me gustó fue cómo el director revela las diferencias extremas entre dos grupos étnicos afganos (de hecho, los aldeanos pastunes salvan la vida del último soldado estadounidense, protegiéndolo de los talibanes). El reparto incluye a Mark Wahlberg (The Happening), Taylor Kitsch (John Carter), Emile Hirsch (famoso por su papel como un adolescente gay en The Mudge Boy) y Ben Foster (famoso por su papel como un escritor homosexual en Kill Your Darlings).

The English Teacher (2013), de Craig Zisk, aborda acertadamente el controversial tema de los maestros que tienen relaciones sexuales con sus alumnos (o en este caso, ex alumnos), a la vez que advierte sobre las consecuencias. Julianne Moore (Still Alice) es una respetada profesora que trata de animar a uno de sus antiguos alumnos, Michael Angarano (The Art of Getting By) para que siga escribiendo, pero él se siente desalentado después de que se negaron a producir su obra de teatro en New York. La profesora decide hacer la obra en coordinación con el departamento de teatro de la escuela secundaria (Nathan Lane está sensacional como el extravagante director teatral). Con una saludable dosis de humor negro y un análisis profundo sobre la soledad y la naturaleza creativa del artista, “The English Teacher” merece las mejores calificaciones. 

Una verdadera obra maestra de la década pasada, “The Others” (2001) fue dirigida por el talentoso Alejandro Amenábar. Es una joya indiscutible del género de terror y un proyecto hermoso y sorprendente. Nicole Kidman (Rabbit Hole) es una mujer que vive sola con sus dos hijos en una enorme mansión, aislada del mundo y aferrándose a los recuerdos de un marido ausente. Sin embargo, apenas contrata a tres sirvientes nuevos, cosas extrañas comienzan a suceder. Poco a poco, ella empieza a sentir la presencia de los otros. Hay escenas absolutamente aterradoras y una atmósfera única y densa que contribuye a una sensación de miedo y opresión que aumenta con cada nueva escena. Después de “Abre los ojos”, Amenábar estaba en su mejor momento como cineasta, y “The Others” no sólo es uno de sus mejores títulos, sino también una de mis películas favoritas.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color)

Aunque Sam Raimi hace una pobre labor como director, “The Quick and the Dead” (1995) sigue siendo un muy agradable y encantador western, gracias a un elenco de primer nivel: Sharon Stone (Bobby), Russell Crowe (Noah), Leonardo DiCaprio (Revolutionary Road) y Gene Hackman (The Royal Tenenbaums). Fue una experiencia tan agradable verlos a todos compartiendo la pantalla.

“Falling Down” (1993) demuestra que Joel Schumacher fue alguna vez un gran director  (antes de arruinar la franquicia de Batman). Un director muy motivado y un guionista brillante trabajan al unísono para crear un maravilloso e inesperado relato urbano sobre Michael Douglas (Behind the Candelabra), un hombre desesperado y frustrado que se desquita con todos los que se cruzan en su camino; y Robert Duvall (Apocalypse Now), el detective a cargo de este extraño caso. La crítica social, el crimen y la debacle del sueño americano se unen en esta producción verdaderamente excepcional.

“Stand by Me” (1986), de Rob Reiner, es considerada un clásico por muchos críticos, y estoy de acuerdo con ellos. Basada en un cuento de Stephen King, Stand by Me es una historia profundamente conmovedora, sobre el paso de la niñez a la adolescencia, centrada en un grupo de chicos que emprenden un viaje que cambiará sus vidas. La camaradería, la amistad, la dinámica grupal y, sobre todo, la ingenuidad y la torpeza de la pubertad, están magistralmente representadas por Reiner. Aunque la había visto antes, siempre me emociona. Conmovedora, hilarante y llena de vida, “Stand By Me” captura perfectamente el punto de vista de un chiquillo de 12 años de edad. El reparto incluye a Wil Wheaton (Star Trek: The Next Generation), River Phoenix (famoso por su papel como un adolescente gay en My Own Private Idaho), Corey Feldman (The Goonies) y Jerry O'Connell (Scream 2).

Planetary # 15 - Warren Ellis & John Cassaday

Every culture in history has tried to explain the origin of man, and in order to accomplish this they have combined their particular rituals and beliefs into multigenerational myths. 

Myths, however, were never set in stone, and in fact, in ancient cultures, they would rarely be registered either in drawings or in primitive writings. Myths are, first and foremost, of an oral nature. Myths are born at the same time with sacred songs and dances. The Theogony of Hesiod, for instance, is a song. And millennia ago, such songs have been present in countless European, African and American tribes.

In “Creation Songs” (published in Planetary # 15, October 2001), Warren Ellis explores a particular origin myth as told, or rather sang, by an Australian aborigine tribe. “Everything is song, out here. It’s sacred law that each aboriginal family is responsible for singing these creation songs for the rest of eternity, so that the world continues to exist. If the song is not passed down to the next generation, or if it is not sung, that aspect of the world that they are responsible for ceases to exist” affirms Elijah Snow, as he approaches Uluru, an Australian mountain also known as Ayers Rock.

I find that idea absolutely riveting. If you do not sing about something then it no longer exists. Which, in a way, is the same concept that many British writers have mentioned in interviews. What matters most is the idea, the world of ideas, because without that inspiration we could not materialize our dreams into art. In this case, however, the stakes are a bit higher. The world exists because of the songs, according to this specific Australian ethnic group. 

Elijah Snow & Doc Brass

In Ellis proposal, however, the power of myth is not limited to cultural heritage. The power of myth is very real, and that’s what the Four are about to discover on Australian soil. Unless, of course, the Archeologists of the Impossible can come up with a plan to stop them. After conferring with Doc Brass and visiting Ambrose Chase’s widow, Snow remembers the 1932 Planetary Guide and Carlton Marvell’s exploratory mission into Ayers Rock. And he understands what must be done to defeat the Four. Since the beginning of the series, the Four have always been the winners, but not this time.

Artist John Cassaday creates a unique atmosphere for this amazing tale about ancient rites and lost mythology. The cover is like a mural painted a long time ago by people trying to represent the relationship between humanity and divinity (I love the pigmentation effects and the somewhat unpolished look of it). The first two pages are similar to the cover, and the style chosen by Cassaday aptly reflects the creation song.  Then there are a few calm scenes that are wonderfully illustrated, especially the encounter between Snow and Brass (the page composition is outstanding, and Laura Depuy’s coloring creates a warm and delightful atmosphere).

The credits page is an example of visual elegance (there we can see the Four’s gigantic arachnid machine looming menacingly over Ayers Rock); and the sudden awakening of the mountain is an impressive image. A primordial and elemental creature, Uluru has power enough to destroy the metallic spider and the Four’s vessel. Proving that, in the Planetary universe, myths can be more powerful than science. 
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Todas las culturas han intentado explicar el origen del hombre, y con este fin en mente, han combinado sus rituales y creencias particulares en mitos multigeneracionales. 

Carlton Marvell

Los mitos, sin embargo, nunca fueron tallados en piedra, y de hecho, las culturas antiguas rara vez guardaban registro de ellos, ya sea en dibujos o mediante alguna primitiva escritura. Los mitos son, ante todo, de carácter oral. Los mitos nacen al mismo tiempo que las canciones y las danzas sagradas. La Teogonía de Hesíodo, por ejemplo, era una canción. Y hace milenios, estas canciones formaron parte esencial de innumerables tribus europeas, africanas y americanas.

En “Canciones de creación” (publicado en Planetary # 15, octubre de 2001), Warren Ellis explora un mito de origen particular narrado, o más bien cantado, por una tribu aborigen australiana. “Aquí todo es canción. Es una ley sagrada que cada familia aborigen sea responsable de cantar estas canciones de creación por el resto de la eternidad, para que el mundo siga existiendo. Si la canción no se transmite a la siguiente generación, o si no se canta, ese aspecto del mundo que estaba bajo su responsabilidad, cesa de existir”, afirma Elijah Snow, mientras se acerca a Uluru, una montaña australiana también conocida como Ayers Rock.

Me parece que esa idea es absolutamente cautivadora. Si no se canta sobre algo, entonces aquello deja de existir. En cierto modo, este es el mismo concepto que muchos escritores británicos han mencionado en diversas entrevistas. Lo que más importa es la idea, el mundo de las ideas, porque sin esa inspiración no podríamos materializar nuestros sueños mediante el arte. En este caso, sin embargo, los riesgos son un poco más altos. El mundo existe a causa de las canciones, de acuerdo con este grupo étnico australiano.

En la propuesta de Ellis, sin embargo, el poder del mito no se limita al legado cultural. El poder del mito es muy real, y eso es lo que los Cuatro están a punto de descubrir en suelo australiano. A menos, por supuesto, que los Arqueólogos de lo Imposible puedan idear un plan para detenerlos. Después de consultar con Doc Brass y visitar a la viuda de Ambrose Chase, Snow recuerda la Guía Planetaria de 1932 y la misión exploratoria de Carlton Marvell en Ayers Rock. Y entiende lo que debe hacerse para derrotar a los Cuatro. Desde el comienzo de esta serie, los Cuatro siempre han salido victoriosos, pero esta vez no será así.

Australia under attack / Australia bajo ataque

El artista John Cassaday crea una atmósfera única para este asombroso relato sobre ritos antiguos y mitología perdida. La portada es como un mural pintado largo tiempo atrás por algún pueblo que trataba de representar la relación entre lo humano y lo divino (me encantan los efectos de pigmentación y el aspecto ligeramente sin pulir). Las dos primeras páginas son similares a la portada, y el estilo elegido por Cassaday refleja acertadamente la canción de creación. Luego hay algunas escenas tranquilas que están maravillosamente ilustradas, sobre todo el encuentro entre Snow y Brass (la composición de la página es excepcional, y el coloreado de Laura Depuy crea un ambiente cálido y agradable).

the mountain is alive / la montaña está viva

La página de créditos es un ejemplo de elegancia visual (allí podemos ver la gigantesca máquina arácnida de los Cuatro que se cierne amenazadoramente sobre Ayers Rock); y el despertar repentino de la montaña es una imagen impresionante. Una criatura primordial y elemental, Uluru tiene poder suficiente para destruir a la araña metálica y a la nave de los Cuatro. Demostrando que, en el universo de Planetary, los mitos pueden ser más poderosos que la ciencia.

Museum - Fernando de Felipe

If I recall correctly, I read “Comix Internacional” almost 20 years ago, it was a magnificent anthology that would include the best European artists of the moment, under the guidance of Josep Toutain -the Toutain (or Totem) of comics- an emblematic editor that popularized countless writers and artists in titles such as “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy” (Spanish edition), etc.

Museum

Despite the high quality of this anthology, some stories were better than others; and the best example would be the brilliant “Museum”, created by Fernando de Felipe. It's hard to remember exactly what it was about it that initially attracted me the most, perhaps it was the black humor, the acid and merciless irony that characterized his work.

every chapter begins with a quote in Latin / cada capítulo empieza con una cita en latín

I guess for me, and for many other comic fans, it's very easy to identify with the leitmotif of “Museum”. These pages have one element in common: the greed of collectors; the obsessive need to complete a collection is something that all comic lovers can recognize. How far can we go to satisfy our insatiable need as collectors?

Fernando de Felipe introduces a group of characters that go beyond our usual collecting activities, thus turning a hobby into a deadly addiction. For instance, let's look at the tragicomic chronicle of Rugiero Pianoforte, who murders all his family members to collect their ashes, in beautiful urns. "Pulvis eris et in pulverem reverteris" is the quote that marks the beginning of this hilarious and yet creepy story. Fernando de Felipe's sense of humor is macabre and insolent, and ultimately absolutely delicious, allowing us to root for this weird character. However, no one can take his collection to the grave; as much as we devote an entire life to gather in one place those objects that we treasure so much, sooner or later we must say goodbye to them and to the world. For the protagonist, the solution is quite simple: after committing suicide, he states in his last will and testament that his ashes have to be placed next to the urns of his relatives. Of course, he is unable to predict what will happen later, when the entire collection falls into the hands of distant cousin; this ignorant man mixes the ashes with his morning coffee, believing this could help him with his bowel movements.

Then we have the case of a famous designer who collects food packaging: cans, bottles, boxes, bags, etc. Although his mistake is to eat the contents of those packages. After a long time, these terrible eating habits have a consequence, and his body finally collapses. Once he gets hospitalized, the man quickly replaces one collection for another one, now focusing on collecting medical products, pill boxes, bottles, boxes, creams, etc. This character is ridiculed by the unusual museum guide, who is the narrator of all the stories.

Rugiero Pianoforte kills himself / Rugiero Pianoforte se suicida

The most eschatological chapter revolves around a renowned scientist, a single woman with no social life who decides to "file" her body. She begins harmlessly, collecting her hair, but then she starts putting her fingernails in storage, and then she keeps all the wastes and secretions the human body is capable of producing. Finally, with this disgusting collection, she builds a golem of putrefaction and invites the press and all her friends to admire her filthy creation. This particular story left me deeply impressed when I read it the first time, and despite the years, it continues to have the same impact and intensity.

The only section that breaks a little bit the narrative tone is the terrifying testimony of a respected professor, an academic who collects evidence of serial murders, evidence he purchases at exorbitant prices from a corrupt cop. The killings are incredibly violent. The error of this academic is to start investigating who the murderer might be, an initiative that costs him his life.

I have not talked about all the chapters of this delirious “Museum” but I have already shown how irreverent, original, wacky and fun they can be. Fernando de Felipe was undoubtedly one of the most talented authors of the Spanish comic book scene in the early 90s, but he had the bad fortune to start his career at a time when the Spanish publishing industry was in crisis. This is why he only did a couple of graphic novels, and that's a shame, because he was not only a great writer but also a prodigious artist. With clean and firm lines, cartoonish and sinister, quirky and different to his European colleagues, the drawings of F. de Felipe are unique. His characters may not follow the canons of classical anatomy, but they are deeply humanized; similarly, through the use of color, Felipe creates in his men and women impossible skin tones that look extremely well on the page. “Museum” is the magnum opus of an author who abandoned the world of comics after a few years. This is also a lost jewel of the European comic scene, and an unforgettable masterpiece that you will always want to reread, even after 10 or 20 years.
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Si no me falla la memoria, hace casi 20 años leí por primera vez “Comix Internacional”, una magnífica antología que reunía a los mejores creadores europeos del momento, dirigida por Josep Toutain –el Toutain de los cómics–, emblemático editor que catapultó a la fama a innumerables guionistas y artistas, y responsable de revistas como “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy”, etc.

an unusual collection of medications / una inusual colección de medicamentos

Pese al altísimo nivel de calidad de esta publicación, había historias que destacaban más que otras; entre ellas, claro está, el magistral “Museum” de Fernando de Felipe. Resulta difícil recordar con exactitud qué fue lo que más me atrajo inicialmente, quizá fuera el humor negro, mordaz, ácido y sin piedad que caracterizaba a esta obra. 

Supongo que para mí, y para cualquier otro aficionado a los cómics, es muy fácil sentirse identificado con el leit motiv de “Museum”. Estas páginas tienen siempre un elemento en común: la avidez del coleccionista; esa necesidad obsesiva de completar una colección es algo que todos los amantes del cómic pueden reconocer. ¿Hasta qué punto somos capaces de llegar para satisfacer nuestro insaciable apetito de coleccionista? 

Fernando de Felipe nos presenta a un grupo de personajes que llevan el coleccionismo al extremo, convirtiendo una apasionada afición en una terrible adicción. Ahí está, por ejemplo, la tragicómica crónica de Rugiero Pianoforte, quien asesina uno por uno a todos los miembros de su familia para poder coleccionar, en bellas urnas, sus cenizas. “Pulvis eris et in pulverem reverteris”, es la cita que da inicio a esta desternillante y a la vez espeluznante historia. Fernando de Felipe hace gala de un humor macabro e insolente, pero absolutamente delicioso que permite que nos hagamos cómplices de un personaje tan extraño. Sin embargo, y he aquí el quid de la cuestión, nadie puede llevarse su colección a la tumba; por más que nos dediquemos una vida entera a reunir en un solo lugar aquellos objetos que tanto atesoramos, tarde o temprano tendremos que despedirnos de ellos y del mundo. Para el protagonista la solución es sencilla: luego de suicidarse, exige en su testamento que sus cenizas sean colocadas al lado de las urnas de los familiares que él mismo mató a lo largo de los años. Aunque, claro está, él es incapaz de prever qué es lo que sucederá después, cuando la colección íntegra pase a manos de un primo lejano de pocas luces que, buscando alivio para su estreñimiento, mezcla las cenizas junto con su café matutino.

Golem

Luego tenemos el caso de un reconocido diseñador que colecciona envases de alimentos: latas, botellas, cajas, bolsas, etc. Aunque su grave error es comerse el contenido de esos envases. Tras mucho tiempo de tener pésimos hábitos alimenticios, su cuerpo finalmente colapsa y termina hospitalizado. Rápidamente, este hombre reemplaza una colección por otra, dedicándose ahora a coleccionar envases de productos médicos, cajas de pastillas, frascos de píldoras, chisguetes, goteros, etc. Este tipo de personajes patéticos son ridiculizados en las descripciones que de ellos hace el guía de este insólito museo, incapaz de compadecerse de ellos.

El capítulo más escatológico corresponde al de una renombrada científica, una solterona sin vida social que decide “archivar” su cuerpo. Empieza de manera inofensiva, coleccionado el pelo que ella misma se corta, pero luego pasa a guardar sus uñas, y de ahí a almacenar todos los residuos que el cuerpo humano es capaz de producir: desde caspa y mugre, hasta la piel que ella misma se arranca, pasando por todo tipo de excrementos y secreciones. Al final, con esta repugnante colección, ella arma un golem putrefacto e invita a la prensa y a todas sus amistades para que admiren su inmunda creación. Esta historia en particular me dejó profundamente impresionado cuando la leí originalmente, y pese a los años sigue teniendo el mismo impacto e intensidad.

a professor obsessed with serial killers / un profesor obsesionado con los asesinos en serie

El único capítulo que rompe un poco el tono narrativo es el terrorífico testimonio de un respetado catedrático, un académico que colecciona evidencias de asesinatos en serie, evidencias que compra a precios exorbitantes a un policía corrupto. Los asesinatos son cruentos, retorcidos y violentos. El error de este académico es empezar a investigar los asesinatos, iniciativa que le cuesta la vida.

No he mencionado todos los capítulos que componen este delirante “Museum”, pero ya he demostrado lo irreverentes, originales, desquiciados y divertidos que pueden ser. Fernando de Felipe era, sin duda, uno de los autores más talentosos del panorama del cómic español a inicios de los 90s, pero tuvo la mala suerte de empezar su carrera en una época en la que la industria editorial española entraba en franco declive. Es por ello que existen relativamente pocas obras realizadas por él, y es una lástima, porque no solamente era un guionista excelente sino también un artista prodigioso. De trazos limpios y firmes, caricaturesco pero siniestro, extravagante y diferente a sus colegas europeos, el dibujo que F. de Felipe nos ofrece es inconfundible. Sus personajes, pese a desafiar los cánones de la anatomía clásica, están profundamente humanizados; del mismo modo, mediante el empleo del color, de Felipe crea en sus hombres y mujeres tonos de piel imposibles en la vida real pero que funcionan extremadamente bien en la página. “Museum” es el magnum opus de un autor que a los pocos años abandonó el mundo del cómic. Es, también, una joya perdida del cómic europeo, y una de esas obras inolvidables que uno siempre quiere releer, así pasen 10 o 20 años.

All-New Miracleman Annual # 1 - Morrison, Quesada, Milligan & Allred

Gabriele Dell'Otto

Written in 1984, “October Incident: 1966”, was a lost tale about the corruption of Johnny Bates (formerly known as Kid Miracleman). No longer the hero’s sidekick, Bates is now a cruel individual with unlimited powers. Writer Grant Morrison, a fan of Moore’s Miracleman, wrote this short story hoping that it would be published by Warrior magazine. However, the British publication went out of business that same year, thus Morrison’s pages were stranded in limbo for decades.

Fortunately, after 30 years, Joe Quesada decided to get in touch with the Scottish writer to rescue this script from oblivion. Quesada, however, did not approach this project as a simple editor, but rather as the artist that would give life to Morrison’s ideas. The result is 12 stunning pages that are, indeed, the most impressive artistic achievement I’ve seen from Quesada since the 90s; the Chief Creative Officer of Marvel Comics is surely remembering the aesthetic pleasure every artist feels when looking upon a satisfactorily concluded work. 

With a brilliant composition and a unique sense of design, Quesada adds an unprecedented level of details in every panel. In many interviews, Quesada has stated how important Miracleman was to the comic book industry in the 80s, how it changed the way authors would approach sequential storytelling. And judging by the dedication and graphic effort we can see in these pages, it’s clear that Quesada wasn’t underestimating Miracleman’s relevance. “October Incident: 1966” is a respectful exploration of Miracleman’s mythos.

Joe Quesada

This annual also includes a delightful story titled “Seriously Miraculous”. British writer Peter Milligan pays homage to the naïveté and simplicity of the 50s, when Mick Anglo’s character was the most famous superhero in the United Kingdom. Michael Allred’s artistic style is ideal to reinterpret the nostalgia of more innocent times. 

“Seriously Miraculous” reunites Miracleman, Kid Miracleman and Young Miracleman. Of course, they fight against Doctor Gargunza, Young Nastyman and the evil dictator of Boromania, a fictitious European nation that would appear frequently in the old comics. Extravagant and colorful threats are present in every page, and although at moments Milligan winks at us, the readers, by making Miracleman question the lack of logic and verisimilitude of pretty much everything that happens in this tale, the author still preserves the childish charm of yesteryear. The final page is a clever reference to Alan Moore and Garry Leach’s “Thus Spake Zarathustra”.

The annual also includes the original script by Morrison, as well as preliminary penciled versions of Quesada’s pages, and black and white pages by Allred. As an interesting anecdote, I should point out that Quesada based his interpretation of Bates on an old Morrison photograph (this image of a young Morrison was taken in Culzean Castle, Scotland, in 1984). Finally, I have to talk about the fantastic cover by the talented Gabriele Dell'Otto. One of the best illustrators of the medium, Dell'Otto paints a disturbed and sinister Bates, surrounded by darkness.

Johnny Bates is out of control / Johnny Bates está fuera de control

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Michael Allred

Escrito en 1984, “El incidente de octubre: 1966”, fue un relato perdido sobre la corrupción de Johnny Bates (antes conocido como Kid Miracleman). Luego de distanciarse del héroe, Bates se convierte en un individuo cruel con poderes ilimitados. El escritor Grant Morrison, un fan del Miracleman de Moore, escribió esta historia con la esperanza de que fuese publicada en la revista “Warrior”. Sin embargo, la publicación británica se declaró en bancarrota ese mismo año, por lo tanto las páginas de Morrison se quedaron varadas en el limbo durante décadas.

Afortunadamente, después de 30 años, Joe Quesada decidió ponerse en contacto con el escritor escocés para rescatar del olvido a este guión. Quesada, sin embargo, no se aproximó a este proyecto como un simple editor, sino más bien como el artista que le daría vida a las ideas de Morrison. El resultado son 12 extraordinarias páginas que, de hecho, serían el más impresionante logro artístico de Quesada desde los años 90; el director creativo de Marvel Comics está, indudablemente, recordando el placer estético que todo artista siente al observar un trabajo satisfactoriamente concluido.

Con una composición brillante y un sentido único del diseño, Quesada añade un nivel de detalles sin precedentes en cada viñeta. En muchas entrevistas, Quesada ha señalado la importancia de “Miracleman” para la industria del cómic en los 80s, y cómo cambió la forma en la que los autores desarrollarían la narrativa secuencial. Y a juzgar por la dedicación y el esfuerzo gráfico que podemos ver en estas páginas, está claro que Quesada no estaba subestimando la relevancia de Miracleman. “El incidente de octubre: 1966” es una exploración respetuosa del mítico Miracleman.

Young Nastyman & Doctor Gargunza

Este número especial también incluye una encantadora historia titulada “Seriamente milagroso”. El escritor británico Peter Milligan rinde homenaje a la ingenuidad y simplicidad de los años 50, cuando el personaje de Mick Anglo era el más famoso superhéroe del Reino Unido. El estilo artístico de Michael Allred es ideal para reinterpretar la nostalgia de tiempos más inocentes.

“Seriamente milagroso” reúne a Miracleman, Kid Miracleman y Young Miracleman. Por supuesto, luchan contra el doctor Gargunza, Young Nastyman (el joven malhechor) y el malvado dictador de Boromania, una nación europea ficticia que aparecía con frecuencia en los viejos cómics. Amenazas extravagantes y coloridas se presentan en cada página, y aunque por momentos Milligan nos hace guiños a nosotros, los lectores, al hacer que Miracleman coloque en tela de juicio la falta de lógica y verosimilitud de casi todo lo que sucede en este relato, el autor aun así conserva el encanto infantil de antaño. La última página es una referencia inteligente al “Así habló Zaratustra” de Alan Moore y Garry Leach.

Este especial también incluye el guión original de Morrison, así como las versiones preliminares de las páginas a lápiz de Quesada, y las páginas a blanco y negro de Allred. Como anécdota interesante, debo señalar que Quesada basó su interpretación de Bates en una vieja fotografía de Morrison (esta imagen de un joven Morrison fue tomada en el castillo de Culzean, Escocia, en 1984). Por último, tengo que hablar de la fantástica portada, realizada por el talentoso Gabriele Dell'Otto. Uno de los mejores ilustradores del medio, Dell'Otto retrata a un perturbado y siniestro Bates, rodeado de oscuridad.