Legends of the Dark Knight Annual # 5 - Chuck Dixon & Quique Alcatena

In 1970, Frank Robbins and Neal Adams created the perfect adversary for Batman: Man-Bat! Even the name made perfect sense. Instead of having a man dressed as a bat to fight crime we have a bat in the shape of a man committing crimes although due to the beastly nature of the Man-Bat, one could argue that those are not in fact real crimes. 

The idea behind Man-Bat is reminiscent of literary classics such as Dr. Jekyll and Mr. Hyde. We have this idea of a scientist who comes up with some sort of potion; upon drinking that potion this man, who is usually described as a very professional and intelligent individual, with high moral values and also a natural kindness in his heart, id est Dr. Jekyll, due to the potion will eventually be transformed into an opposite version of himself, a monster not only physically but also morally, id est Mr. Hyde. Here Dr. Kirk Langstrom is a zoologist with a specialization in the field of chiropterology, and he invents a strange serum and tests it on himself.

In “Wings” (July 1995), writer Chuck Dixon takes advantage of the concept of Batman as an urban legend, who is represented in newspapers as a bat creature, so there is certainly a lot of similarities between the hero and his adversary. Dixon also manages to tell a compelling story that involves Kirk Langstrom working as a scientist dealing with his insecurities and his fear of having a loving relationship with the woman of his dreams. After drinking the serum he is slowly turning into a monster, and we get to see the frustration, the pain and the emotional turmoil that the character goes through. 

This story would not be the same without the magnificent art by Argentinian artist Quique Alcatena, whose precise brushes and inks give every page a unique texture, in which the amount of details is considerable. Every figure and every character help to create a notion of darkness. Alcatena is the perfect artist for gothic horror and we can see that in many of his designs, which celebrate dark Gothic architecture; in his representation of Batman, especially, we can see a darker than night figure, reminiscent of the designs that Leonardo da Vinci did while analyzing the wings of a bat. 

Alfred Pennyworth & Bruce Wayne

Alcatena combines all of this into fascinating pages. I would consider this one of the best works in his career. Of course some of my favorite panels involve Man-Bat, but there is one in particular in which he is just holding the phone sitting on his bed and he looks absolutely miserable, he is indeed a monster but also a monster who dreams to become human again. Man-Bat therefore is not the typical villain that Batman must fight against. Man-Bat is a man trapped in a bad decision: he is Mr. Hyde trying to turn back into Dr. Jekyll. And of course Batman will help him achieve that goal.

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En 1970, Frank Robbins y Neal Adams crearon al adversario perfecto para Batman: Man-Bat. Incluso el nombre tenía perfecto sentido. En lugar de tener un hombre vestido de murciélago para combatir el crimen, tenemos a un murciélago de forma humanoide que comete crímenes, aunque debido a la naturaleza bestial de Man-Bat, se podría argumentar que esos no son crímenes reales.

Dr. Kirk Langstrom

La idea detrás de Man-Bat recuerda a clásicos literarios como Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Tenemos la idea de un científico que inventa algún tipo de poción; Al beber esa poción, este hombre, que generalmente se describe como un individuo muy profesional e inteligente, con altos valores morales y también una bondad natural en su corazón, o sea Dr. Jekyll, debido a la poción eventualmente se transformará en una versión opuesta de sí mismo, un monstruo no sólo físicamente sino también moralmente, o sea Mr. Hyde. Aquí el Dr. Kirk Langstrom es un zoólogo con especialización en el campo de la quiropterología, e inventa un suero extraño que prueba en sí mismo.

Miserable

En “Alas” (julio 1995), el escritor Chuck Dixon aprovecha el concepto de Batman como una leyenda urbana, que se retrata en los periódicos como una criatura tipo murciélago, por lo que ciertamente hay muchas similitudes entre el héroe y su adversario. Dixon también logra contar una historia convincente que involucra a Kirk Langstrom trabajando como científico y lidiando con sus inseguridades y su miedo de tener una relación amorosa con la mujer de sus sueños. Después de beber el suero, poco a poco se está convirtiendo en un monstruo, y podemos ver la frustración, el dolor y la confusión emocional que atraviesa el personaje.

Man-Bat versus Batman

Esta historia no sería la misma sin el magnífico arte del artista argentino Quique Alcatena, cuyos precisos pinceles y tintas dan a cada página una textura única, en la que la cantidad de detalles es considerable. Cada figura y cada personaje ayudan a crear una noción de oscuridad. Alcatena es el artista perfecto para el horror gótico y lo podemos ver en muchos de sus diseños, que celebran la arquitectura gótica oscura; en su representación de Batman, sobre todo, podemos ver una figura más oscura que la noche, que recuerda los diseños que hizo Leonardo da Vinci al analizar las alas de un murciélago.

Batcave

Alcatena combina todo esto en páginas fascinantes. Consideraría que este es uno de los mejores trabajos de su carrera. Por supuesto, algunas de mis viñetas favoritas involucran a Man-Bat, pero hay una en particular en la que él simplemente sostiene el teléfono sentado en su cama y se ve absolutamente miserable, de hecho es un monstruo, pero también un monstruo que sueña con convertirse en humano nuevamente. Por tanto, Man-Bat no es el típico villano contra el que Batman debe luchar. Man-Bat es un hombre atrapado en una mala decisión: es el Sr. Hyde que intenta volver a convertirse en el Dr. Jekyll. Y, por supuesto, Batman lo ayudará a lograr ese objetivo.

October Films / Películas de octubre

To celebrate Halloween I decided to watch at least one proper horror movie, although that doesn't mean The Tale won't send shivers down your spine. Jennifer Fox’s The Tale (2018) is a fascinating autobiographical film about a documentarist (wonderfully played by Laura Dern) who is confronted by the unhealed wounds of the past. When she comes across a very revealing short story she wrote when she was 13, she refuses to believe that she was sexually abused by an adult in which she trusted completely, but then as she starts documenting her past and interviewing people that went through the same experience, she understands how deeply was she manipulated, to the point that she thought it was OK to have sex with a man more than twice her age. The Tale is shocking and disturbing in a very real way, not only because it’s based on true facts but also because it carefully delves into the psychology of the abuser as well as the coping mechanisms of the survivors of sexual abuse. 

Based on the Stephen King’s novel and directed by Andy Muschietti, It (2017) is a horror movie that begins with the disappearance of a child at the hands of an evil creature that resembles a clown, played by Bill Skarsgård. A year later, Jaeden Lieberher, the brother of the kid that disappeared, starts feeling the presence of “it”, an undefined but very powerful entity that feeds on children and fear. Soon, the boy and his group of friends (Finn Wolfhard, Sophia Lillis, Jack Dylan Grazer, etc.) are confronted with their deepest fears. This horror movie kept me at the edge of my seat and I must say that I particularly enjoyed the way the sinister history of the town is interwoven with the sad and tragic lives of these kids, that in one way or another, are abused by their parents. 
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Para celebrar Halloween vi una película de terror en toda regla, aunque eso no signifique que, a su manera, The Tale no sea igualmente espeluznante. The Tale (2018), de Jennifer Fox, es una película autobiográfica fascinante sobre una documentalista (interpretada maravillosamente por Laura Dern) que se enfrenta a las heridas abiertas del pasado. Cuando ella relee un revelador cuento que escribió cuando tenía 13 años, se niega a creer que fue abusada sexualmente por un adulto en el que confiaba por completo, pero luego comienza a indagar en su pasado y a entrevistar a personas que pasaron por la misma experiencia. Y entiende qué tan profundamente fue manipulada, hasta el punto que pensó que estaba bien tener relaciones sexuales con un adulto más de una década mayor que ella. The Tale es impactante y perturbadora de una manera muy real, no sólo porque se basa en hechos reales sino también porque profundiza en la psicología del abusador y en los mecanismos de defensa de los sobrevivientes del abuso sexual.

Basada en la novela de Stephen King y dirigida por Andy Muschietti, It (2017) es una película de terror que comienza con la desaparición de un niño a manos de una criatura malvada que se parece a un payaso, interpretado por Bill Skarsgård. Un año más tarde, Jaeden Lieberher, el hermano del niño que desapareció, comienza a sentir la presencia de "eso", una entidad indefinida pero muy poderosa que se alimenta de los niños y el miedo. Pronto, el niño y su grupo de amigos (Finn Wolfhard, Sophia Lillis, Jack Dylan Grazer, etc.) se enfrentan a sus miedos más profundos. Esta película de terror nos mantiene en suspenso y debo decir que disfruté especialmente la forma en que la siniestra historia de la ciudad está entretejida con la triste y trágica vida de estos niños, que de una manera u otra, son abusados por sus padres.

Frankenstein Alive, Alive # 4 - Steve Niles, Bernie Wrightson & Kelley Jones

It’s hard to believe that it’s been 6 years since the first issue of Frankenstein Alive, Alive hit the shelves. I had high expectations in 2012 and Bernie Wrightson exceeded them in a way that surprised me considerably. I have often said that for most artists, there’s a period in their lives when they reach their peak, and after that it’s a slow decline, kind of like a metaphor for life in general, as you get older, your mind might still be sharp but the body starts failing on you.

Bernie Wrightson might be the only artist that, in his final years, was not only as good as he used to be in the 70s and 80s, but even better. It was obvious for me that I needed to review each issue separately because that was the best way to focus on his amazing art. 6 years ago I was still drawing comics more or less on a consistent basis, and I think everyone who has ever drawn more than one page has experienced the physical difficulty of sitting down for hours, using only one arm and one hand, doing movements that require both strength and precision. It’s easy to get tired, even our eyes get tired after watching constantly the page we’re drawing. I guess this is why many artists are able to produce a large amount of work while they’re young, because they still have the physical resistance to do it.

With old age, there comes an aching body, sored muscles and fatigue. Evidently, for most artists the solution is to find shortcuts. Instead of hundreds of details they will only draw a dozen, instead of painstakingly illustrating one panel for hours they’ll just rush through it. At age 64, however, Wrightson put more effort in one page of Frankenstein Alive, Alive than most current artists do in their entire careers. Of course, that amount of effort took time. And that’s why in 5 years only 3 issues of this title came out. But they were always worth the wait.

I do not know why Wrightson decided to focus on Frankenstein. Was it because in the past he had already produced work based on Mary W. Shelley’s novel? Or the ideas of death and resurrection resonated deeply in him? For an artist, life goes beyond the years we exist on this earth. Because whatever art that we may leave behind is, by definition, an extension of our own life, and thus we can still exist and be remembered so long as there is someone reading or admiring what we have done.

Wrightson's magnificent composition / magnífica composición de Wrightson

I have said before that even under normal circumstances, at a certain age it’s difficult for any artist to maintain the level of quality of their better years. Wrightson exceeded all my expectation with those issues of Frankenstein Alive, Alive. But what I didn’t know as a reader, was that these were not at all normal circumstances for him. Not even his battle with cancer discouraged him from continuing working on his final masterpiece. In the end, as it so often happens, that battle came to an abrupt end. In 2017 we lost one of the greatest artists in the history of comic books.

Wrightson didn’t get to finish the last issue, but it has still been published thanks to the collaboration of Kelley Jones, a magnificent artist who has always been heavily influenced by Wrightson. The result is an outstanding comic that serves as a last will and testament but also as a reminder that not even old age can stop us, as long as there is fire within us, and the ability to produce art. Wrightson knew that. And his extraordinary work will never be forgotten. 
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Es difícil creer que han pasado 6 años desde que se publicó el primer número de Frankenstein Alive, Alive. Tenía grandes expectativas en el 2012 y Bernie Wrightson las superó y de una manera que me sorprendió considerablemente. He dicho a menudo que para la mayoría de los artistas, hay un período en sus vidas en el que están en la cima, y después de eso vemos un declive lento, como una metáfora de la vida en general, a medida que envejeces, tu mente aún puede ser aguda pero el cuerpo comienza a fallarte.

Frankenstein

Bernie Wrightson quizás sea el único artista que, en sus últimos años, no sólo fue tan bueno como solía serlo en los 70s y 80s, sino incluso mejor. Era obvio para mí que necesitaba revisar cada ejemplar por separado porque esa era la mejor manera de enfocarme en su increíble arte. Hace 6 años, yo todavía dibujaba cómics más o menos de forma constante, y creo que todos los que alguna vez han dibujado más de una página han experimentado la dificultad física de sentarse durante horas, usando sólo un brazo y una mano, haciendo movimientos que requieren tanto fuerza como precisión. Es fácil cansarse, incluso nuestros ojos se cansan después de mirar constantemente la página que estamos dibujando. Supongo que esta es la razón por la cual muchos artistas pueden producir una gran cantidad de trabajo mientras son jóvenes, porque aún tienen la resistencia física para hacerlo.

the house burns down / la casa se incendia

Con la vejez, llegan los achaques, los músculos adoloridos y la fatiga. Evidentemente, para la mayoría de los artistas, la solución es encontrar atajos. En lugar de centenares de detalles, solo dibujarán una docena, en lugar de ilustrar minuciosamente una viñeta durante horas, simplemente se apresurarán. A los 64 años, sin embargo, Wrightson puso más esfuerzo en una página de Frankenstein Alive, Alive que la mayoría de los artistas actuales en toda su carrera. Por supuesto, esa cantidad de esfuerzo llevó tiempo. Y es por eso que en 5 años salieron solo 3 números de este título. Pero la espera siempre valió la pena .

No sé por qué Wrightson decidió centrarse en Frankenstein. ¿Fue porque en el pasado ya había producido un trabajo basado en la novela de Mary W. Shelley? ¿O las ideas de la muerte y la resurrección resonaron profundamente en él? Para un artista, la vida va más allá de los años que existimos en esta tierra. Porque cualquier arte que podamos dejar atrás es, por definición, una extensión de nuestro propia ser, y así aún podemos existir y ser recordados en tanto haya alguien leyendo o admirando lo que hemos hecho.

Child birth (art by Kelley Jones) / el nacimiento del niño (arte de Kelley Jones)

He dicho antes que incluso en circunstancias normales, a cierta edad es difícil para un artista mantener el nivel de calidad de sus mejores años. Wrightson superó todas mis expectativas con los números de Frankenstein Alive, Alive. Pero lo que no sabía como lector, era que estas no eran en absoluto circunstancias normales para él. Ni siquiera su batalla contra el cáncer lo desalentó, mientras seguía trabajando en su última obra maestra. Al final, como sucede tan a menudo, esa batalla llegó a un abrupto final. En el 2017, perdimos a uno de los mejores artistas en la historia de los cómics.

Wrightson no llegó a terminar el último número, pero ha sido publicado gracias a la colaboración de Kelley Jones, un magnífico artista que siempre ha estado muy influenciado por Wrightson. El resultado es un cómic sobresaliente que sirve como una última voluntad y testamento pero también como un recordatorio de que ni la vejez puede detenernos, siempre y cuando haya fuego dentro de nosotros, y la capacidad de producir arte. Wrightson lo sabía. Y su extraordinario trabajo nunca será olvidado.

February Films / Películas de febrero

In the shortest month of the year I only had time for one movie: Daniel Espinosa’s Life (2017). Combining horror and science fiction often leads to amazing results. I particularly enjoyed the way the suspense builds up in Life, as 6 astronauts experiment with a microorganism from Mars; slowly but surely, this new lifeform becomes a dangerous creature. There are some really intense sequences that will keep everyone at the edge of their seats; previous to the confrontation against the creature, the director introduces a group of compelling characters, played by Jake Gyllenhaal (Demolition), Ryan Reynolds (Woman in Gold), Rebecca Ferguson, Hiroyuki Sanada, Olga Dykhovichnaya and Ariyon Bakare.
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En el mes más corto del año, sólo tuve tiempo para una película: Life (2017) de Daniel Espinosa. La combinación de terror y ciencia ficción a menudo conduce a resultados sorprendentes. Disfruté particularmente la forma en que el suspenso va en aumento en Life. 6 astronautas experimentan con un microorganismo de Marte; lenta pero seguramente, esta nueva forma de vida se convierte en una criatura peligrosa. Hay algunas secuencias realmente intensas que mantendrán a todos en vilo; antes del enfrentamiento contra la criatura, el director presenta un grupo de personajes interesantes, interpretados por Jake Gyllenhaal (Demolition), Ryan Reynolds (Woman in Gold), Rebecca Ferguson, Hiroyuki Sanada, Olga Dykhovichnaya y Ariyon Bakare.

Providence Vol. 2 - Alan Moore & Jacen Burrows

What is the purpose of art? Is it to reflect our reality, like a mirror, or rather to delve deep down into our consciousness, thus bringing to life our innermost secrets and desires? Perhaps it is a combination of both; and Providence certainly proves how the literary influence of H.P. Lovecraft and the brilliant mind of Alan Moore can produce, in unison, a haunting and captivating horror masterpiece. In “The Picture” (originally published in Providence # 7, January 2016), a disturbed Robert Black arrives to Boston, only to find himself stuck in a nightmarish scenario: people have taken the streets, there is looting and fighting, some men rape women while others concentrate their energies in diverse acts of vandalism.

In Providence’s first volume we saw how regular people is usually blind to the cosmic horrors. The real darkness, the real monstrosity, can never be found on the surface. Intrigued by his recent experiences, Robert Black tracks down Mr. Pitman, a successful photographer and also an artist in his own right, specialized in cannibalistic monsters that chase humans in grotesque and savage underground sequences. For Black, this is the fruit of a feverish imagination, but for Mr. Pitman this is merely an objective representation of what really goes on in the world beneath us. There is a very intense moment that takes place when Black is confronted with the presence of one of the demons Mr. Pitman is so keen on illustrating. Once again, the limits between reality and fiction, perception and interpretation, dream and nightmare are blurred.

In “The Key” (Providence # 8, March 2016), Robert Black understands the true complexity of the oneiric realm, thanks to the assistance provided by Randall Carver, a writer specialized in fantasy and occultism. Carver’s 700 steps into deep slumber proves to be fundamental for Robert’s astral journey. Moore intertwines the fantastic short stories written by Carver with the ‘real life’ conversation and then with the dreamlike state achieved by the 700 steps technique. In a clever way, Moore introduces dialogues from the waking world into the literary works of fiction, establishing a strange but also strong connection between reality and fantasy.

This particular chapter is also a dream come true in many ways. Not only because the dream Robert has is more vivid than anything else, but also because Robert’s greatest wish is finally granted. During a cultural soiree hosted by Lord Dunsany (Edward John Moreton Drax Plunkett, the 18th Baron of Dunsany, considered in real life as one of the finest Irish fantasy writers), Robert Black finally meets his most admired author: a young H.P. Lovecraft. As most readers, I’m familiar only with the literary works of both Dunsany and Lovecraft, but I have no idea how they acted in public or how they conducted their normal, everyday affairs. Nevertheless, thanks to Moore’s outstanding narrative skills, we can read about this meeting of writers and believe every word of it. The fact that no biographical account supports this scene is meaningless, because in the hands of Moore, this peculiar encounter becomes more real than any historical fact. 

As Robert Black so aptly sums it up: “When I talked to Lovecraft I felt utterly convinced that I had somehow found my first writer of genius”, and it’s then when he understands what is his “one true and certain destination”: Providence, Rhode Island. Lovecraft’s hometown. “Outsiders” (Providence # 9, May 2016) is an intense chapter that revolves around Robert’s Black first day in Providence. The protagonist meets Howard Charles, a 17-year old boy who gives him a tour around the town’s old houses and abandoned churches. There is an obvious attraction between them, but it is handled with subtlety.

In St. John’s Church, Robert and Howard find the ancient relics of the Stella Sapiente, a secret society interested in occultism. Dusty and old volumes, a meteorite carved as a precious gem and other unholy items awaken something in the protagonist. And as soon as his young companion suggests a game of ‘cornholing’, Black agrees. This is a very erotic and powerful scene, not only in narrative terms but also graphically (Jacen Burows splendidly conveys the passion and the arousal of the couple).

Robert Black and H.P. Lovecraft meet again in “The Haunted Palace” (Providence # 10, June 2016). Black feels captivated by Lovecraft’s short stories, and he’s sure that this young and unknown writer will revolutionize American literature: “it seems that words and books, demonstrably, can change our world by changing our perception of it; can precipitate it to another state entirely”, explains Black. That is, precisely, the power of literature and art in general.

Boston

In “The Unnamable” (Providence # 11, November 2016) and “The Book” (Providence # 12, March 2017) all the plotlines converge, matching the uncertainty of Robert Black with the dire outcome announced in Neonomicon. Moore goes from the early 20th century to the beginning of the 21st century, showing us the effects of H.P Lovecraft’s fantasies and the inevitable arrival of Yuggoth.  

falling into a dream / cayendo en un sueño

As usual, Jacen Burrows pages are like a chamber of resonance, in which Alan Moore’s concepts and ideas are heightened. The artist’s realistic style provides a contrast between the normal world of the protagonist and the insane Lovecraftian horror that lurks beneath it. Highly detailed and harmonic, Burrows images are visually arresting. Providence is certainly the best limited series I’ve read in a long time. And any fan of Moore, or horror in general, should pay attention to it.
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¿Cuál es el propósito del arte? ¿Reflejar nuestra realidad, como un espejo, o más bien profundizar en nuestra conciencia, dando vida a nuestros secretos y deseos más íntimos? Quizás es una combinación de ambos; y Providence ciertamente demuestra cómo la influencia literaria de H.P. Lovecraft y la mente brillante de Alan Moore pueden producir, al unísono, una obra maestra de terror tan inquietante como cautivadora. En “La imagen” (publicado originalmente en Providence # 7, enero de 2016), un perturbado Robert Black llega a Boston, sólo para caer en un escenario de pesadilla: la gente ha tomado las calles, hay saqueos y peleas, algunos hombres violan mujeres mientras que otros concentran sus energías en diversos actos de vandalismo.

Robert Black & Howard Charles

En el primer volumen de Providence vimos cómo la gente común suele estar ciega frente a los horrores cósmicos. La verdadera oscuridad, la verdadera monstruosidad, nunca se encuentra en la superficie. Intrigado por sus experiencias recientes, Robert Black rastrea al Sr. Pitman, un fotógrafo exitoso y también un artista talentoso especializado en monstruos caníbales que persiguen a los humanos en grotescas y salvajes secuencias subterráneas. Para Black, este es el fruto de una imaginación febril, pero para el Sr. Pitman esto es meramente una representación objetiva de lo que realmente sucede en el mundo debajo de nosotros. Hay un momento muy intenso que tiene lugar cuando Black es confrontado con la presencia de uno de los demonios que el Sr. Pitman está tan interesado en ilustrar. Una vez más, los límites entre la realidad y la ficción, la percepción y la interpretación, el sueño y la pesadilla se difuminan.

The secrets of Providence / los secretos de Providence

En “La clave” (Providence # 8, marzo de 2016), Robert Black comprende la verdadera complejidad del reino onírico, gracias a la ayuda brindada por Randall Carver, un escritor especializado en fantasía y ocultismo. Los 700 pasos para alcanzar el sueño profundo demuestran ser fundamentales para el viaje astral de Robert. Moore entrelaza los cuentos fantásticos escritos por Carver con la conversación de la “vida real” y luego con el estado de ensueño logrado con la técnica de los 700 pasos. De una manera inteligente, Moore introduce diálogos desde el mundo de la vigilia en las obras literarias de ficción, estableciendo una conexión extraña pero también fuerte entre la realidad y la fantasía.

A train without destination / un tren sin destino

Este capítulo en particular también es, en cierto modo, un sueño hecho realidad. No sólo porque el sueño de Robert es más vívido que cualquier otra cosa, sino también porque el mayor deseo de Robert finalmente se concede. Durante una velada cultural organizada por Lord Dunsany (Edward John Moreton Drax Plunkett, el 18º Barón de Dunsany, considerado en la vida real como uno de los mejores escritores irlandeses de fantasía), Robert Black finalmente conoce a su autor más admirado: un joven H.P. Lovecraft. Como la mayoría de los lectores, estoy familiarizado solamente con las obras literarias de Dunsany y Lovecraft, no tengo idea de cómo actuaban en público o de cómo eran sus vidas cotidianas. Sin embargo, gracias a las excelentes habilidades narrativas de Moore, podemos observar esta reunión de escritores y creer cada palabra. El hecho de que ningún dato biográfico respalde esta escena carece de relevancia, porque en manos de Moore este peculiar encuentro se vuelve más real que cualquier hecho histórico.

Como Robert Black lo resume tan acertadamente: “Cuando hablé con Lovecraft, me sentí completamente convencido de que, de alguna manera, había encontrado a mi primer escritor genial”, y es entonces cuando comprende cuál es su “único y verdadero destino”: Providence, Rhode Island. La ciudad natal de Lovecraft. “Marginales” (Providence # 9, mayo de 2016) es un capítulo intenso que gira en torno al primer día de Robert Black en Providence. El protagonista conoce a Howard Charles, un muchacho de 17 años que le da un recorrido por las casas antiguas y las iglesias abandonadas de la ciudad. Hay una atracción obvia entre ellos, pero se maneja con sutileza.

The coming of Yuggoth / la llegada de Yuggoth

En la iglesia de Saint John, Robert y Howard encuentran las antiguas reliquias de Stella Sapiente, una sociedad secreta interesada en el ocultismo. Volúmenes polvorientos y viejos, un meteorito tallado como una gema preciosa y otros elementos profanos despiertan algo en el protagonista. Y apenas su joven compañero sugiere un juego de ‘meterlo hasta el fondo’, Black acepta. Esta es una escena muy erótica y poderosa, no solo en términos narrativos sino también gráficamente (Jacen Burows transmite espléndidamente la pasión y la excitación de la pareja).

Searching for an answer in Robert Black's diaries / buscando una respuesta en los diarios de Robert Black

Robert Black y H.P. Lovecraft se encuentran nuevamente en “El palacio embrujado” (Providence # 10, junio de 2016). Black se siente cautivado por las historias cortas de Lovecraft, y está seguro de que este escritor joven y desconocido revolucionará la literatura estadounidense: “parece que las palabras y los libros, de manera demostrable, pueden cambiar nuestro mundo al cambiar nuestra percepción de él; y pueden precipitarlo a otro estado”, explica Black. Ese es, precisamente, el poder de la literatura y el arte en general.

En “El innombrable” (Providence # 11, noviembre de 2016) y “El libro” (Providence # 12, marzo de 2017) todos los hilos argumentales convergen, uniendo la incertidumbre de Robert Black con el nefasto resultado anunciado en el Neonomicon. Moore va desde principios del siglo XX hasta principios del siglo XXI, mostrándonos los efectos de las fantasías de H.P Lovecraft y la llegada inevitable de Yuggoth.

The end of the world as we know it / el fin del mundo tal como lo conocemos

Como es habitual, las páginas de Jacen Burrows son como una cámara de resonancia, en la que se intensifican los conceptos e ideas de Alan Moore. El estilo realista del artista proporciona un contraste entre el mundo normal del protagonista y el desquiciado horror Lovecraftiano que subyace a esa realidad. Sumamente detalladas y armónicas, las imágenes de Burrows son visualmente deslumbrantes. Providence es ciertamente la mejor serie limitada que he leído en mucho tiempo. Y cualquier fanático de Moore, o del horror en general, debería prestarle atención.

May Films / películas de mayo

Five years ago I saw Prometheus, the prequel to Alien (1979), and I was impressed by Ridley Scott’s proposal. Of course, for the past years I’ve been eagerly awaiting the second part of the prequel and I must say Alien: Covenant (2017) certainly hit all the right spots for me. The British filmmaker starts by building up the suspense slowly but surely. The monstrosity and ferocity of the original alien are still present here, but this time there is also another unsettling element: the dark side of humanity and the cybernetic dementia of an android that considers himself to be a god, and who is responsible of genetically improving the already lethal alien. Michael Fassbender gives an outstanding performance as an android so human that turns out to be almost as scary as the alien the human crew is fighting against. The cast also includes Katherine Waterston, Billy Crudup and Danny McBride. A must see for all sci-fi and/or horror fans! 
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Hace cinco años vi Prometheus, la precuela de Alien (1979), y me impresionó la propuesta de Ridley Scott. Por supuesto, durante estos últimos años he estado esperando ansiosamente la segunda parte de la precuela y debo decir que “Alien: Covenant” (2017) ciertamente logró su objetivo. El cineasta británico comienza a generar suspenso pausadamente. La monstruosidad y la ferocidad de los alines originales todavía están presentes aquí, pero esta vez también hay otro elemento inquietante: el lado oscuro de la humanidad y la demencia cibernética de un androide que se considera un dios, y que es responsable de mejorar genéticamente al ya de por sí letal alien. La actuación de Michael Fassbender es sobresaliente, él es un androide tan humano que resulta casi tan aterrador como el alien contra el que la tripulación humana está luchando. El elenco también incluye a Katherine Waterston, Billy Crudup y Danny McBride. La recomiendo para todo aquel que sea  fan de la ciencia ficción y/o del terror.

Miracleman # 11 - Alan Moore & John Totleben

Detached from humanity, and living far above the world, in the intricate architecture of Olympus, Miracleman embraces his godlike nature, almost forgetting he was once a mere human being. It’s 1987, and Alan Moore adds an unexpected layer of complexity to the saga of the world’s greatest hero. Two tales are now intermingled. One takes place in the future, in 1987, and it’s narrated by an omnipresent Miracleman. The other one, however, is still taking place in 1982.

“Cronos” (originally published in Miracleman # 11, May 1987) sets the foundations of Olympus. In Greek mythology, Mount Olympus was the neuralgic center of the gods. There, Zeus, son of Chronos, reigned supreme. “Dreaming of new music, new thoughts, new paintings, a new world every day. Every day. Sometimes, toy citizens clamber up here asking favours; this disease needs curing, that river moving. Sometimes I say yes”, explains Miracleman in 1987. Through his soliloquy we understand how divine he feels now. He looks down at humans as ants, building what he refers to as toy cities, always asking for his intervention or assistance.

Nevertheless, in 1982 things are not as easy as they seem to be in the future. Michael Moran and Liz are concerned parents dealing with the strange metabolism of their newly born child. Unexpectedly, a man and woman follow Moran and ask him about his other self. Then they are transformed into powerful alien creatures: the Qys. Moran turns himself into Miracleman, and the battle begins.
  

Totleben's extraordinary composition / extraordinaria composición de Totleben

Qys

“I knew them not for Titans then, knew not that Cronos was arrived to confiscate the thunderbolts of a delinquent Zeus”, affirms the protagonist. Every time that Miracleman defeats the Qys, they assume a new form. Their ability to recreate themselves constantly is what gives them a considerable advantage. The male creature stays with Miracleman, who is about to be defeated. The female finds Moran’s home, and inside the defenseless Liz. Reminiscent to the horror sequences of “Swamp Thing”, the extraterrestrial monster terrorizes Liz. Until she’s rescued by a new ally: Miraclewoman, who was “cold and glittering, a statue of cut glass, immaculate save for gauntlets darkened by unearthly blood”.

John Totleben, longtime collaborator and one of the main artifices of “Swamp Thing”, was in charge of illustrating the first chapter of the Olympus saga. His richly detailed pages and his expressive mixture of shadows and lights, add solemnity to a story devoted to ancient gods and pagan rituals. Totleben’s exquisite brushwork puts him miles above other artists of the 80s. In the same way that I’ve affirmed that Barry Windsor-Smith was like a modern Durer, Totleben is like a reborn Goya, faithful to the essence of the master’s etchings.

The splash page of Cronos presents a brilliant composition, a beautiful array of harmonic figures, architectural prowess and alien creatures trapped behind murky glass. Pure symmetry, graceful figures and a unique sense of design turn this into a truly amazing page. Of course, Totleben’s creativity can also be seen in the uncanny anatomy of the aliens that fight against Miracleman. Marvel editors had the wonderful idea of including the entire issue in black and white, directly scanned from the original art; and for me it has been a tremendous pleasure to observe the evolution from pencils to inks. I felt like I had landed in the middle of an art class. For instance, I realized that Totleben used white acrylic to achieve some of the delicate visual effects we see in his pages. The original cover was actually a real painting (oils on canvas) done by Totleben in 1987. A fantastic image.
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Liz is attacked by the Qys / Liz es atacada por los Qys

Aislado de la humanidad, y muy por encima del mundo, en la intrincada arquitectura del Olimpo,  Miracleman acepta su naturaleza divina, olvidando que alguna vez fue un simple mortal. Es 1987, y Alan Moore agrega un inesperado nivel de complejidad a la saga del mayor héroe del mundo. Ahora hay dos relatos entrelazados. Uno sucede en el futuro, en 1987, y es narrado por un  Miracleman omnipresente. El otro, sin embargo, sigue ocurriendo en 1982.

“Cronos” (publicado originalmente en Miracleman # 11, mayo de 1987) sienta las bases del Olimpo. En la mitología griega, el Monte Olimpo era el centro neurálgico de los dioses. Allí, Zeus, hijo de Cronos, reinaba con supremacía. “Soñando con nueva música, nuevos pensamientos, nuevas pinturas, un mundo nuevo cada día. Todos los días. A veces, ciudadanos de juguete trepan hasta aquí para pedir favores; esta enfermedad necesita ser curada, este río debe ser movido. A veces digo sí”, explica Miracleman en 1987. Mediante su soliloquio vemos su actitud divina. Mira a los humanos como hormigas que construyen lo que él considera ciudades de juguete, pidiendo siempre su intervención o ayuda.

No obstante, en 1982 las cosas no son tan fáciles como parecen ser en el futuro. Michael Moran y Liz son padres preocupados que deben lidiar con el extraño metabolismo de su hija recién nacida. Inesperadamente, un hombre y una mujer siguen a Moran y le preguntan sobre su alter ego. Entonces ellos se transforman en poderosas criaturas alienígenas: los Qys. Moran se convierte en Miracleman, y la batalla comienza.

Miraclewoman

  

Original cover (oil on canvas) / portada original (óleo sobre lienzo)

“Entonces no los reconocía como Titanes, no sabía que Cronos había llegado para confiscar los rayos de un Zeus delincuente”, afirma el protagonista. Cada vez que Miracleman derrota a los Qys, ellos asumen una nueva forma. Su habilidad para recrearse a sí mismos constantemente es lo que les da una ventaja considerable. La criatura macho se queda con Miracleman, quien está a punto de ser derrotado. La hembra encuentra el hogar de Moran, y en su interior a una indefensa Liz. Similar a las secuencias de terror de “Swamp Thing”, el monstruo extraterrestre aterroriza a Liz. Hasta que ella es rescatada por una nueva aliada: Miraclewoman “fría y resplandeciente, una estatua de vidrio pulido, inmaculada salvo por los guantes oscurecidos por sangre de otro mundo”.

John Totleben, colaborador asiduo y uno de los principales artífices de “Swamp Thing”, estuvo a cargo de las ilustraciones del primer capítulo de la saga del Olimpo. Sus páginas ricamente detalladas y su expresiva mezcla de sombras y luces, añaden solemnidad a una historia dedicada a los dioses antiguos y a los rituales paganos. El exquisito pincel de Totleben lo coloca a kilómetros de distancia por encima de otros artistas de los 80s. Del mismo modo que he afirmado que Barry Windsor-Smith es como un Durero moderno, Totleben es como un Goya renacido, fiel a la esencia de los grabados del maestro. 

La página inicial de Cronos presenta una composición brillante, un hermoso conjunto de figuras armónicas, proeza arquitectónica y criaturas alienígenas atrapadas detrás de vidrios opacos. Simetría pura, figuras llenas de gracia y un sentido único del diseño hacen de esta una página verdaderamente asombrosa. Desde luego, la creatividad de Totleben también puede ser vista en la rara anatomía de los alienígenas que pelean contra Miracleman. Los editores de Marvel tuvieron la maravillosa idea de incluir el número completo a blanco y negro, escaneado directamente del arte original; y para mí ha sido un placer tremendo observar la evolución del lápiz a la tinta. Es como si hubiese aterrizado en medio de una clase de arte. Por ejemplo, me di cuenta que Totleben usaba acrílico blanco para alcanzar algunos de los delicados efectos visuales que vemos en sus páginas. La portada original era de hecho una pintura de verdad (óleo sobre lienzo) realizada por Totleben en 1987. Una imagen fantástica.

Frankenstein Alive, Alive # 3 - Steve Niles & Bernie Wrightson

Plagued by remorse, Frankenstein’s monster wanders around the mansion of Doctor Ingles, the only man he has met that treats him not as an inhuman creature but as an equal and even a friend. Overwhelmed by the memories of a life full of regrets, death and sorrow, the monster shows a unique vulnerability, a weakness that redefines his humanity. 

Nonetheless, the doctor’s mansion won’t be his refuge for long, after all, Ingles harvests quite sinister intentions. As a result of a random incident, Frankenstein runs into the doctor’s seemingly lifeless wife, and then he discovers that by using fetus and stillborn babies, the scientist has distilled a miraculous and yet nauseating substance, which has the property of preserving body and brain from putrefaction. In the case of this woman, she no longer breathes but she is not dead yet, she is trapped in a limbo, carefully balancing upon the fine line that divides life from death.

Faced with a new moral dilemma, Frankenstein must decide if he’s ready to help Ingles in his search of newly born babies to perfect his abhorrent serum or if, on the contrary, he can no longer be an accomplice of the crimes perpetrated by the ruthless doctor.  

The eerie atmosphere of this tale is fantastically captured by legendary artist Bernie Wrightson, a veteran of the comic book industry that has influenced several generations. In the first page, Frankenstein realizes he is still in debt with the dead men who were mutilated to serve as raw material; the rotting corpses demand restitution for the limbs that were stolen from them in a truly nightmarish composition.

Rotting corpses demanding the devolution of their limbs /
cuerpos podridos exigiendo la devolución de sus miembros

The double page spread with Frankenstein observing the departure of the doctor’s servants is a magnificent exercise of perspective, as well as an extraordinary game of contrasts; darkness versus light, black ink versus white paper are in perfect harmony here.

I was absolutely impressed when I first saw the double page spread that depicts the doctor’s macabre collection of bones, desiccated animals and the remains of impossible creatures. I spent a long time looking at this, there are hundreds if not thousands of fascinating details that deserve our patient observation. It is because of such beautiful pages that I understand why Bernie Wrightson needs an entire year to draw it.     

Finally, the doctor’s laboratory explores our fascination towards the darkest aspects of science. The page also exemplifies how important it is to balance illumination and darkness, the woman’s body is a source of light while Frankenstein is the embodiment of darkness, but there is also a spectral light that descends from the ceiling as well as the steam that emerges from the floor, tenuous and vaporous as it might be it still is a subtle counterpoint to the room’s engulfing blackness. 

In case you missed the first issues you can find them here: Frankenstein Alive, Alive # 1 & Frankenstein Alive, Alive # 2.  

The departure / la partida

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Plagado por el remordimiento, el monstruo de Frankenstein deambula por la mansión del doctor Ingles, el único hombre que en vez de tratarlo como una criatura inhumana lo trata como a un igual e incluso como a un amigo. Abrumado por los recuerdos de una vida llena de arrepentimiento, muerte y tristeza, el monstruo muestra una vulnerabilidad única, una debilidad que redefine su humanidad. 

The most incredible collection / la más increíble colección

Sin embargo, la mansión del doctor no será su refugio por mucho tiempo, después de todo, Ingles alberga intenciones bastante siniestras. Como resultado de un incidente azaroso, Frankenstein halla el cuerpo aparentemente sin vida de la esposa del doctor, y luego descubre que usando fetos y bebés abortados, el científico ha destilado una milagrosa aunque nauseabunda substancia, que tiene la propiedad de evitar la putrefacción del cuerpo y del cerebro. En el caso de esta mujer, ella ya no respira pero todavía no está muerta, está atrapada en un limbo, en un cuidadoso equilibrio sobre la fina línea que divide a la vida de la muerte. 

A laboratory of light and darkness / un laboratorio de luz y oscuridad

Enfrentado a un nuevo dilema moral, Frankenstein debe decidir si está listo para ayudar a Ingles en su búsqueda de bebés recién nacidos para perfeccionar su aborrecible suero o si es que, por el contrario, ya no puede ser el cómplice de los crímenes perpetrados por el despiadado doctor.  

La atmósfera lúgubre de este relato es fantásticamente capturada por el legendario artista Bernie Wrightson, un veterano de la industria del cómic que ha influenciado a varias generaciones. En la primera página, Frankenstein constata que aún está en deuda con los muertos que fueron mutilados para servir como materia prima; los cuerpos podridos demandan la restitución de los miembros que les fueron robados en una composición digna de una pesadilla.

La página doble en la que Frankenstein observa la partida de los sirvientes del doctor es un magnífico ejercicio de perspectiva, así como un extraordinario juego de contrastes; la oscuridad versus la luz, la tinta negra versus el papel en blanco están aquí en perfecta armonía.

Quedé absolutamente impresionado cuando vi la página doble que muestra la colección macabra del doctor, huesos, animales disecados y restos de criaturas imposibles. Pasé mucho tiempo mirando todo esto, hay cientos si acaso no miles de detalles fascinantes que merecen nuestra paciente observación. Es a causa de páginas tan hermosas que entiendo por qué Bernie Wrightson necesita un año entero para dibujarlas. 

Finalmente, el laboratorio del doctor explora nuestra fascinación hacia los aspectos más oscuros de la ciencia. La página también ejemplifica lo importante que es el balance entre iluminación y oscuridad, el cuerpo de la mujer es una fuente de luz mientras que Frankenstein encarna la oscuridad, pero también hay una luz espectral que desciende del techo así como el vapor que emerge del piso, que pese ser tan tenue y vaporoso es un sutil contrapunto en una habitación devorada por la negrura.

Si se perdieron los primeros números los pueden encontrar aquí: Frankenstein Alive, Alive # 1 y Frankenstein Alive, Alive # 2.