Névé - Dieter & Lepage

When I began writing and drawing my own comics, I developed a ‘critical’ eye so to speak; it is no coincidence that this blog and my first comics appeared pretty much at the same time. Drawing has allowed me to understand the real difficulties that every artist (regardless of his age or nationality) must face. Now good art completely captures my attention. And after browsing some pages of Névé I immediately fell in love with the exquisite artwork of Emmanuel Lepage.

In 2010 Glénat published a deluxe hardcover edition that included the five albums of Névé, written by Dieter and illustrated by Lepage. Each album represents a key moment in the life of Névé, a French teenager; but there is also a particular color that represents different aspects of his personality.

“Bleu Regard” (“Blue Gaze”) was originally published in September 1991. In this album, Névé witnesses the death of his father, an arrogant alpinist determined to climb the peak of the Aconcagua, in Argentina. “This expedition is only the beginning of a painful and steep ascent into adulthood”. Indeed, Névé will never be able to forget this traumatic event.

Emmanuel Lepage’s art is gorgeously vibrant, with moments of majestic calmness; the characters jump, hike and climb dynamically, but at the same time they stand still admiring the beauty of the snowy mountain. In the hands of Lepage, peace and conflict, inaction and movement, warmth and coldness, are no longer contradictory but rather complementary concepts.

The wonderful colors are provided by Marie-Paule Alluard, who understands perfectly how to make these natural scenes stand out even more with the application of a soft hue or a sober pigment. Instead of Flaubert’s 'mot juste'. What we see here is exemplary penciling, inking and coloring, and such combination should be denominated as 'image juste'. Obviously, in this chapter blue prevails, with its poetic allusions (let’s remember Charles Baudelaire’s passion for L'azur), Lepage’s illustrations are like pure and unbridled poetry, and the way the color unfolds before us has a semantic meaning; after all, blue is a synonym for sadness, a prelude to depression.

Aconcagua, Argentina

“Soley Vert” (“Green Sun”) was published in September, 1992. Névé is still coming to terms with the death of his father. He’s not the enthusiastic boy we saw in the first chapter; now he is a brooding, melancholic and bad-tempered teenager. His cousin Laurent is his legal guardian, but his own inexperience and immaturity intensify the conflict with Névé. Interested in ethnography, Névé visits the island of Saint Denis; there he finds poverty and misery, and as a French citizen he’s rebuffed by the locals.

Despite economic hardship, the island is a green paradise. There are plants and forests everywhere. It’s all green, at least as far as the eye can see. But the title refers mainly to a strange luminous effect during sunset. Lepage art is breathtakingly beautiful, especially in the ‘green sunset’ scene or during the storm sequence.

In December 1994, “Passion Rouge” (“Red Passion”) was released. The protagonist is still a shy kid but tries to embrace the possibility of friendship. Névé meets Emily, an attractive although mysterious Irish girl. The fragility of first love, in a way, mirrors Emily’s home: an ancient monastery in ruins. Lepage certainly highlights the architectural beauty of the place.

climbing is like flying? / ¿escalar es como volar?

In this chapter, Lepage’s hyper-realistic style is complemented by a more impressionistic approach: the paintings done by Emily's stepfather. However, Névé well uncover a terrible secret: the model in the paintings is always the same: Emily; and she is in different but very provocative poses. The old painter had been sexually abusing Emily for several years, while the mother pretended that there was nothing going on. Frightened, Névé intends to return home, but he is easily seduced by Emily. As a consequence, the boy has his first sexual experience. Lepage offers truly moving images, and also conveys all the power of eroticism in this grim story. In the end, the stepfather is stabbed by the mother, and Emily decides never to talk again with Névé.

“Blanc Népal” (“White Nepal”) was released in January 1996. Névé and her aunt Marlène travel to Nepal, to an ashram, a kind of sect made up by a lot of European men and women desperate to learn the wisdom of Buddha and to have a life of tranquility, in a rural setting, devoid of luxuries and material goods. Marlène still feels responsible for the death of Névé’s father; after all, she was the only survivor of that expedition. Now she is easy prey to the manipulations of this group of people. Névé tries to protect her, but his clumsiness and impatience prevent him from succeeding.

Névé

White is the main color in this chapter; at times, Lepage uses an opaque white that seems to symbolize the end of innocence; on other occasions, however, white is simply the Asian color for mourning. The central point here was the painful reconciliation with the past. While Marlène listens carefully to the “wise” men and their worthless philosophy, Névé reads “Demian”, by Herman Hesse. The strange final kiss between the two boys, at the end of Hesse’s novel, stirs something in Névé. The French teen befriends a Nepalese young man, and they spend a lot of time together.

Saint Denis

“Désirs Noirs” (“Black Desires”), published in May 1997, is the darkest period in Névé’s life. Névé is about to turn 20, and he’s forced to work in a boring travel agency. He rejects constantly the girls who approach him. It is a time of crisis for Névé, and that's why he decides to return to alpinism. Climbing a mountain with a group of strangers may look like a peculiar therapy, but the truth is that this activity allows Névé to reconnect with his true self.

about to jump / apunto de saltar

On the mountain, Névé meets Alexandre. Both recite the poem “Mon rêve familier” by Paul Verlaine (who scandalized the 19th century society due to his forbidden romance with the underage Arthur Rimbaud). There is the feeling of a forbidden passion in the way that Névé looks at Alexandre. They hug in the shadows, they touch and kiss each other, and then they turn away ashamed.

Even more than in previous chapters, black lines prevail; most of the scenery is dimly lit, and there are many nocturnal sequences. For Névé, being heartbroken is like being lost in the shadows. Finally, after much consideration, he manages to stand up and confess his love for Alexandre. Finally, becoming an adult means stop worrying about what others think of him, while admitting his true desire.

Névé is an excellent graphic novel, and a fine example of what the French bande dessinée can accomplish. It is also a stunning work of art, a thorough study of the relationship between human beings and their environment, a special journey that celebrates the vicissitudes and conflicts of adolescence, and the dramas of early youth. In essence, it is an essential work for those who love the 9th art.
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Desde hace ya varios años o, más concretamente, desde que empecé a escribir y dibujar mis propios cómics, tengo una actitud crítica hacia el noveno arte que, quizás, antes no era tan evidente. No es coincidencia que este blog y mis primeros cómics hayan visto la luz del día más o menos en las mismas fechas. Dibujar me ha permitido entender, íntimamente, las verdaderas dificultades a las que se enfrenta todo artista, de cualquier nacionalidad o época. Es por eso que hoy, cada vez más a menudo, el buen arte captura por completo mi atención. Y tras haber ojeado de pura casualidad algunas páginas de Névé quedé inmediatamente cautivado por el exquisito trazo de Emmanuel Lepage.

Emily's home / el hogar de Emily

En el 2010 la editorial Glénat publicó un lujoso volumen integral en tapa dura que recopilaba los cinco álbumes de la extraordinaria serie de Névé, creada por el guionista Dieter e ilustrada por Lepage. Cada álbum representa un momento clave en la vida del adolescente Névé, pero también un color en particular que identifica una característica esencial de su personalidad. 

Love is fragil / el amor es frágil

“Bleu regard” (“Mirada azul”), se publicó originalmente en setiembre de 1991. Névé, apenas un chiquillo, presencia la muerte de su padre, un curtido alpinista que, presa del orgullo y la soberbia, decide a toda costa escalar la cima del Aconcagua, en Argentina. “Esta expedición no es más que el principio de una dolorosa y empinada ascensión hacia la vida adulta”. En efecto, el traumático evento marcará para siempre la vida de Névé.

Las páginas de Emmanuel Lepage son, simultáneamente, un estallido pictórico y también un momento de calma majestuosa; los personajes saltan, trepan y escalan con un enorme dinamismo, pero al mismo tiempo, también quedan inmóviles frente al hermoso espectáculo de la montaña nevada. Paz y conflicto, inacción y movimiento, calor humano y frialdad climática, se convierten más en aspectos complementarios que en ideas contradictorias gracias al excelente pincel de Lepage. 

Los maravillosos colores son proporcionados por Marie-Paule Alluard, quien entiende a la perfección cómo lograr que estos escenarios naturales destaquen aún más con la aplicación justa de un cierto matiz o una suave tonalidad. Más que el ‘mot juste’ del que hablaba Flaubert, aquí hay una línea ideal y un color ejemplar, que se conjugan magistralmente para crear la ‘image juste’. Obviamente, en este capítulo impera el azul, en su vertiente poética (recordemos la pasión de Charles Baudelaire por L'azur), y es que realmente Lepage hace poesía visual, pura y desenfrenada pero también el color se despliega ante nosotros con una carga semántica más grave: el azul como sinónimo de la tristeza, como antesala de la depresión.

Un año después, en setiembre de 1992, se publicó “Vert Solèy” (“Sol verde”). Névé todavía está procesando la muerte de su padre. Ha desaparecido el chiquillo entusiasta del primer capítulo y ahora sólo queda el adolescente meditabundo, melancólico y a veces simplemente malgeniado. Su primo Laurent ha asumido el rol de tutor legalmente, pero su propia inexperiencia e inmadurez acentúan el conflicto con Névé. Con un afán etnográfico, Névé recorre las inmediaciones de la isla de Saint Denis. Lo que encuentra es pobreza y miseria, y un cierto resentimiento de los lugareños hacia los franceses. 

Névé's first sexual experience / la primera experiencia sexual de Névé

A pesar de las carencias económicas, la isla es un paraíso verde. Hay bosques por doquier, y plantas en todas partes. El verde está sumamente presente. Pero el título hace referencia sobre todo a un extraño efecto de la luz que se produce durante el atardecer estival. El arte de Lepage es de una belleza sobrecogedora, basta ver la representación de la tormenta que azota la isla para convencernos del enorme talento de este artista francés. 

Nepal

En diciembre de 1994, aparece “Rouge passion” (“Rojo pasión”). Los autores nos descubren a un protagonista a veces avasallado por el pudor, pero también seducido por promesa de la amistad. Névé conoce a Emily, una chica irlandesa que lo deja profundamente impresionado. La fragilidad del primer amor es magistralmente representada por Lepage mediante diversos detalles, por ejemplo, el hogar de Emily es una antigua abadía en ruinas. El recinto tiene una belleza arquitectónica inigualable, que Lepage nos transmite intensamente, pero también tiene un aura a decadencia y a podredumbre. 

En este capítulo, el estilo hiperrealista de Lepage le da la bienvenida a algunas intervenciones pictóricas de primer nivel: los cuadros que el padrastro de Emily pinta a escondidas. Sin embargo, cuando Névé inspecciona los cuadros a escondidas desentraña un terrible secreto: la modelo es siempre la misma, Emily, en todo tipo de poses provocativas. El viejo pintor había estado abusando sexualmente de Emily por varios años, y la madre se hacía de la vista gorda. Asustado, Névé pretende regresar a su casa, pero es fácilmente seducido por Emily, y es así como el adolescente tiene su primera experiencia sexual. Lepage nos ofrece imágenes realmente conmovedoras, y también convoca todo el poder del erotismo en este relato sombrío. Al final, el padrastro es acuchillado por la madre, Emily decide recluirse, rechazando a Névé. 

“Blanc Népal” (“Blanco Nepal”) es publicado en enero de 1996. Névé y su tía Marlène viajan a Nepal, a un ashram, una especie de secta compuesta por un montón de europeos desesperados por aprender la sabiduría de buda y por llevar una vida sosegada, campestre, desprovista de lujos y bienes materiales. Marlène todavía se siente responsable por la muerte del padre de Névé, al fin y al cabo, ella apenas logró sobrevivir en aquel fatídico viaje. Y ella es presa fácil de las manipulaciones de este grupo de personas. Névé intenta protegerla, pero su torpeza adolescente y su impaciencia le juegan una mala pasada. 

Névé and his new friend / Névé y su nuevo amigo

El blanco es el color central en este capítulo; por momentos, Lepage utiliza un blanco crepuscular que pareciera hacer referencia al fin de la inocencia; en otras ocasiones, no obstante, el blanco denota el luto oriental. Para los autores, el eje temático de este álbum era la dolorosa reconciliación con el pasado. Mientras Marlène escucha con atención a los supuestos sabios que hacen gala de su asertividad, Névé se dedica a leer Demian de Herman Hesse. El extraño beso final entre el joven protagonista y su amigo, el mismo que pone fin a la novela, causará en Névé un efecto inesperado. El muchacho francés se hace muy amigo de un joven nepalés, y cada vez pasan más tiempo juntos. 

“Noirs Désirs” (“Negros deseos”), con fecha de mayo de 1997, es la etapa más oscura en la vida de Névé. A los 20 años, Névé se ve forzado a trabajar en una aburrida agencia de turismo, y constantemente se aleja de las chicas que demuestran interés en él. Es un momento de crisis para Névé, y es por eso que decide regresar al alpinismo. Escalar una montaña con un grupo de desconocidos puede parecer una peculiar terapia, pero lo cierto es que esta actividad, practicada por Névé desde niño, le permite reconectarse con su verdadero yo. 

Es en este escenario en el que Névé conoce a Alexandre. Ambos recitan de memoria el poema “Mon rêve familier” de Paul Verlaine, quien escandalizó a la sociedad francesa decimonónica debido a su romance prohibido con el joven Arthur Rimbaud. Hay algo de prohibido en el primer intento de acercamiento entre Névé y Alexandre. Ambos se abrazan en la penumbra, se tocan, se besan, y luego se alejan avergonzados. 

Névé & Alexandre

Incluso más que en capítulos anteriores, Lepage hace prevalecer la tinta negra, los escenarios escasamente iluminados, la noche. Para el mismo Névé, la desilusión amorosa es como estar sumido en las sombras. Por fin, luego de mucha reflexión, logra ponerse en pie y confesar su amor por Alexandre. Para él, finalmente, ser adulto significa dejar de preocuparse por lo que los demás piensan de él, y admitir su verdadero deseo.

Névé es una excelente novela gráfica, y prueba irrefutable de que la bande dessinée francesa sigue estando más viva que nunca. Es también una obra de arte deslumbrante, un estudio concienzudo de la relación entre el ser humano y su entorno, una travesía especial que celebra las vicisitudes y los conflictos de la adolescencia, pero también los dramas propios de la juventud temprana. En esencia, se trata de una obra imprescindible para todos los amantes del noveno arte.

Espadas y brujas - Esteban Maroto

I'm not sure when I discovered Esteban Maroto, but I do remember how impressed I was with his comics. Maroto’s unmistakable brushwork seduced me quite easily, and from that moment on, I did everything I could to track down more of his stories whether in the pages of “Creepy” or even in DC titles such as “The Atlantis Chronicles” (a magnificent miniseries that I should review now or in 2017).

Anyway, in 2013, I came across an absolute edition of “Swords and Witches” and I knew I had to buy it; this beautiful hardcover was a bargain, perhaps because the publisher (EDT) had filed for bankruptcy and all their products were sold at very low prices. It's a bit sad to see how often the Spanish publishers seem to have been cursed by a malevolent spell of insolvency. This happened to Toutain (responsible for the Spanish edition of “Creepy”), and then to EDT, right after promoting Maroto's work.

“Swords and Witches”, as the title suggests, focuses on “sword and sorcery” stories, which usually pay homage to Robert E. Howard's Conan and similar characters. Inspired by the barbarian of Cimmeria, Maroto created 3 analogous characters. First, Wolff, a lonely and rude warrior who always had a sword in his hands. Wolff was published in monthly chapters in the late 60s, Maroto illustrated these adventures, but the script was written by Luis Gasca (who signed under a pseudonym: 'Sadko'). Gasca and his solemn prose didn't fit in with the tone of the book, and his repetitive and unoriginal approach didn't help Wolff at all. However, even during those years, Maroto exceled thanks to his unrivaled visual imagination and his great sense of composition.

The second character was known as Dax, and appeared for the first time in the 70s, in the pages of “Eerie” magazine, published by Warren. This time, Esteban Maroto did it all: he was writing, penciling and inking all the material. The result, of course, was a work of unique graphic beauty, complemented with interesting and entertaining scripts.

Wolff

Clearly Maroto was at the top of his game when he was illustrating Dax. And as Juan Miguel Aguilera points out in the foreword, the talent of Maroto consisted in “transforming the entire page into a beautiful illustration that could stand on its own”. Maroto's proposal would be further refined in subsequent years “maintaining an unmistakable style, a mixture of Baroque and Art Nouveau. His drawings were reminiscent of the illustrations of the early 20th century, and surprisingly modern at the same time”. Maroto has the ability of the great masters of painting and illustration, and in addition to that, he also has a special sensibility and a passion for comics. “His compositions combined elegant, sinuous lines with white paper, ink stains and textures to create an extraordinarily beautiful image, which was a pleasure to see; one would gladly get lost in the details”.

Dax visits an underground kingdom / Dax visita un reino subterráneo

Finally, Korsar was a character designed to meet the demands of a German publisher. Unlike Wolff and Dax, Korsar had erotic adventures instead of heroic quests. Although the scripts are a bit silly, the art of Maroto was still brilliant. Curiously, the German publisher also went out of business, and the Spanish publisher who translated the first chapters of Korsar eventually suffered the same fate. Anyway, for an artist of the stature of Maroto, the decline of the Spanish publishing market wasn't so catastrophic, and in fact Roy Thomas asked him for collaborations for Savage Sword of Conan and similar magazines (anecdotally, it should be noted that Maroto was responsible for updating Red Sonja's look, replacing the original Barry Windsor-Smith version and establishing the famous chainmail bikini, the same one we can still see nowadays).

Dax finds a new lover / Dax encuentra una nueva amante

Maroto is one of Spain's greatest artists and one of the best ones in Europe; however, as Josep Mª Beá explained in an interview “the critics began an unfair campaign against Maroto, trying to ruin his reputation”. Despite the controversies and misunderstandings, the only thing that matters is that Maroto's legacy will endure.
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No recuerdo con exactitud cuál fue el primer cómic de Esteban Maroto que leí, pero soy conciente del efecto que causó en mí. El inconfundible trazo de Maroto quedó grabado en mi mente y, desde ese momento, me concentré en buscar más historias suyas, ya sea en las páginas de “Creepy” o incluso en títulos de DC como “Las crónicas de Atlantis” (magnífica miniserie que me gustaría reseñar este o el próximo año).

Dax versus an army of monsters / Dax versus un ejército de monstruos

Así que, el 2013, cuando vi en una feria del libro la edición integral de “Espadas y brujas” sabía que tenía que comprarla; este lujoso tomo en tapa dura fue una ganga, quizás porque la editorial que lo publicaba (EDT) se había declarado en bancarrota y se estaba rematando el inventario completo. Es un poco triste ver cómo, a menudo, las editoriales españoles parecen haber sido maldecidas por un mismo conjuro de malévola insolvencia. Le pasó a Toutain, que publicaba “Creepy” en España, y luego a EDT, que reeditaba la obra de Maroto.

“Espadas y brujas”, como bien señala el título, se centra en relatos del género de “espada y brujería”, y son deudoras en buena medida de emblemáticos personajes como el Conan de Robert E. Howard. Maroto creó 3 personajes que, sin duda, rinden homenaje al bárbaro de Cimmeria. En primer lugar, Wolff, un guerrero solitario, de gesto adusto y espada siempre en mano. Wolff se publicó de manera serializada a fines de los 60s, y aunque las ilustraciones corrían a cargo de Maroto, el guión estaba en manos de Luis Gasca (quien firmaba bajo el seudónimo ‘Sadko’). Gasca intentó insuflar en estos relatos un estilo grandilocuente que no cuajaba del todo, y su enfoque formulaico y un tanto repetitivo hacen que el resultado final sea un tanto deslucido. No obstante, ya desde esta época, Maroto destacaba tremendamente gracias a su enorme imaginación visual y su espectacular sentido de la composición. 

El segundo personaje se llamó Dax, y apareció por primera vez en los 70s, en las páginas de “Eerie”, reconocida revista editada por Warren. En esta ocasión, Esteban Maroto fue el autor completo; es decir, escribía, dibujaba a lápiz y entintaba cada una de las páginas de Dax. El resultado, desde luego, fue una obra de enorme belleza gráfica, que se complementaba con argumentos interesantes y bien planteados.

Trapped in the webs of the she-spider / atrapados en las redes de la araña hembra

Viendo las páginas de Dax, es evidente que Maroto estaba en la cúspide, artísticamente hablando. Como señala Juan Miguel Aguilera en el prólogo, el talento de Maroto consistía en “convertir la página entera en una única y bella ilustración que tenía sentido por sí misma”, propuesta que Maroto conservaría y refinaría aún más en años posteriores; lo cierto es que “sus páginas mantenían un estilo inconfundible, entre barroco y modernista. Sus dibujos recordaban a las ilustraciones de principios del siglo XX, y a la vez parecían asombrosamente modernos”. Maroto tiene toda la destreza de los grandes maestros de la pintura y la ilustración, pero al mismo tiempo también posee la sensibilidad especial y la pasión del creador de cómics. “Su composición combinaba los elegantes y sinuosos trazos con los blancos del papel, las manchas de tinta y las tramas, para crear un conjunto extraordinariamente bello, por el que era un placer pasear la vista y perderse en los detalles”. 

Korsar and his lover / Korsar y su amante

Finalmente, Korsar fue un personaje diseñado para cumplir con las exigencias de una editorial alemana. A diferencia de Wolff y Dax, Korsar tenía más aventuras eróticas que heroicas. Aunque los guiones a veces no eran del todo sólidos, el arte de Maroto brillaba con luz propia. Como podrán imaginarse, esa editorial alemana también se fue a la quiebra, y la editorial española que tradujo los primeros capítulos de Korsar eventualmente sufrió el mismo destino. De todos modos, para un artista de la talla de Maroto, el declive del mercado editorial español no fue tan catastrófico, y de hecho Roy Thomas terminaría buscándolo para colaboraciones en Savage Sword of Conan y otros títulos similares (como anécdota, habría que mencionar que Maroto fue el responsable de renovar el look de Red Sonja, alejándolo de la versión original de Barry Windsor-Smith y proporcionándole el conocidísimo bikini metálico, el mismo que la guerrera continua usando hasta la actualidad).

Maroto es uno de los más grandes artistas de España y uno de los mejores de toda Europa; sin embargo, como señala Josep Mª Beá en una entrevista “la crítica especializada inició una injusta campaña de desprestigio hacia Maroto en la que se empleó un ensañamiento rayano a la crueldad”. Al margen de polémicas y malentendidos, lo importante es que el legado de Maroto perdura.

Druuna: Morbus Gravis - Serpieri

The first time in my life that I saw the work of the great Italian artist Paolo Eleuteri Serpieri, was in the pages of the sci-fi anthology Zona 84. However, I had to wait many years to read Druuna’s first saga (originally published in 1985 by Alessandro, an Italian publisher). There must be some sort of magic in the Mediterranean Sea, because the most prestigious masters in erotic art come from Italy: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc.

With exquisite lines, elegant inks and gorgeous watercolor, Serpieri turned “Druuna” into an impressive work of art. The Italian artist gracefully balances the profusion of details, a deep understanding of human anatomy and a great knowledge of composition. However, it is worth noting that Serpieri's style would continue to evolve thus becoming even more refined. "Morbus Gravis" is a first step in Serpieri's artistic development; in the sequel, "Delta", we’ll see how much his art improves.

"Morbus Gravis" means, literally, grave morbidity. Morbid derives from 'mori' (to die) in Latin and that is why, etymologically, this word is mostly associated with disease; however, in time it would take on a new meaning: vice, moral degeneration, mental illness. It isn't surprising, then, that the key for Serpieri's proposal lies within these words: Druuna is a beautiful and healthy woman living in a sick and depraved world.

Druuna

Druuna's world is as scary as a nightmare; in fact, all this horror allows the author to explore amazing oneiric scenarios and insanely baroque situations. Serpieri explained that “there is a contrast between Druuna, the female character, who is rather sexy, pretty, lush, opulent, and the destruction that surrounds her, for instance, that terrible disease that destroys all humans. Druuna, however, cannot be contaminated because she is innocent”.

Mutants and mosters / monstruos y mutantes

Nevertheless, Serpieri understands the term 'innocent' according to its classical meaning. Innocent comes from 'in-nocens', the negation of 'nocens' (harmful, in Latin). Therefore, the real meaning of innocent is a man or woman who does not harm others, who is harmless. Innocent has never been a synonym for virgin, even though many people insist on bequeathing the word with such meaning. Druuna, of course, is innocent in the true sense of the term; although she is tender and sweet, she is also totally perverse, as Lacan would define perversion: she is the instrument of the will-to-enjoy of the other.

the consequences of seduction / las consecuencias de la seducción

This is an important aspect, and if we miss it, we will not fully understand Serpieri's proposal. An uninformed reader might say that Druuna is simply a passive woman, a victim of sexual abuse, both in the hands of humans as well as monstrous creatures. But such a statement would be wrong. Druuna is perverse to the extent that she is the instrument of the will-to-enjoy of the other, and that means that she becomes irreplaceable for all the men who have sex with her. Through the unrestricted use of her sexuality and physical appeal, she manages to survive in a corrupted and decadent world. Druuna is trapped “in an absurd, terrible, insane context”, and yet she manages to prevail thanks to the power of eroticism. Let's remember that erotic derives from the Greek ‘érōs’; id est, physical love, sexual desire, what Freud would denominate libido or life instinct. Therefore, in this scenario scarred by death and putrefaction, sex is essential.
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La primera vez en mi vida que entré en contacto con la obra del genial artista italiano Paolo Eleuteri Serpieri, fue gracias a la revista “Zona 84”. Sin embargo, hasta el día de hoy no había tenido oportunidad de leer la primera saga de Druuna, publicada originalmente en 1985 por la editorial Alessandro. Alguna magia debe haber en el mar Mediterráneo, porque lo cierto es que los más prestigiosos creadores de arte erótico provienen de Italia: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc. 

A most peculiar survival strategy / una peculiar estrategia de supervivencia

Con un trazo exquisito y un dominio magistral de la tinta china y la acuarela, Serpieri convierte a Druuna en una tremenda obra de arte. El artista italiano equilibra con elegancia la profusión de detalles, una concepción deliciosa de la anatomía humana y un gran conocimiento de la composición. Sin embargo, vale la pena señalar que el estilo de Serpieri seguiría evolucionando y perfeccionándose cada vez más. “Morbus Gravis” marcaría una primera etapa en el ejercicio artístico de Serpieri, que se vería complementado con el virtuosismo gráfico de la secuela “Delta”.

Druuna is under Schastar's protection of / Druuna está bajo la protección de Schastar

“Morbus Gravis” significa, literalmente, morbo grave. Morbo, a su vez, deriva de ‘mori’ (morir) en latín y es por eso que, etimológicamente, esta palabra está sobre todo asociada a la enfermedad; no obstante, con el tiempo adquirió un nuevo significado: vicio, degeneración moral, padecimiento mental. No nos debe extrañar, entonces, que en este juego de palabras se encuentre la clave de la propuesta de Serpieri: Druuna es una mujer hermosa y sana que vive en un mundo enfermizo y depravado.

Even Schastar was once human / incluso Schastar alguna vez fue humano

El mundo de Druuna es más aterrador que cualquier pesadilla, y de hecho el horror y la monstruosidad que acosan a la protagonista permiten que el autor explore con maestría escenarios oníricos de un barroquismo alucinante. En palabras del propio Serpieri: “Existe un contraste entre Druuna, que es el personaje femenino, bastante guapa, sexy, exuberante, opulenta, y el ambiente de destrucción que la rodea, por ejemplo, esa enfermedad terrible que destruye a todos los humanos. Druuna, en cambio, no puede contaminarse por el hecho de ser inocente”.

Dangerous beasts / bestias peligrosas

No obstante, vale la pena aclarar que Serpieri entiende el término ‘inocente’ de acuerdo a su acepción clásica. Inocente deriva de ‘in-nocens’, es la negación de ‘nocens’ (nocivo, en latín). Por lo tanto, el significado real de inocente es aquel sujeto que no hace daño a otros, alguien inofensivo. Inocente nunca ha sido sinónimo de virgen, por más que mucha gente se empeñe en darle ese significado. Druuna, por supuesto, es inocente en el sentido auténtico del término; aunque ella es tierna y dulce, también es totalmente perversa, tal como Lacan definiría la perversión: ella es instrumento de la voluntad de goce del otro.

Este es un punto importante, y si lo pasamos por alto, no entenderemos cabalmente la propuesta de Serpieri. Un lector poco informado podría afirmar que Druuna es una mujer pasiva, víctima de innumerables abusos sexuales, tanto a mano de seres humanos como de criaturas monstruosas. Pero tal afirmación sería errónea. Druuna es perversa en la medida que es instrumento de la voluntad de goce del otro, y esto significa que se vuelve imprescindible para todos los hombres que tienen sexo con ella. Mediante el uso irrestricto de su sexualidad y su apabullante atractivo físico, ella logra sobrevivir en un mundo corrompido y en decadencia. Druuna está atrapada “en un contexto absurdo, terrible, demencial”, y sin embargo logra imponerse gracias al poder del erotismo. Recordemos que erotismo deriva del griego ‘érōs’; es decir, el amor físico, el deseo sexual, lo que Freud denominaba libido o pulsión de vida. Por lo tanto, en un escenario signado por la muerte y la putrefacción, el sexo se vuelve imprescindible. 

El otro Necronomicón - Antonio Segura & Jaime Brocal

Writers like Edgar Allan Poe and H. P. Lovecraft continue to inspire many comic adaptations, not only in the US but also in Europe and the rest of the world. Lovecraft, in particular, seems to be the epitome of horror and a major figure that paves the way for those who want to delve into this genre.

For over 20 years, Antonio Segura Cervera and Jaime Brocal Remohí, the best comic book authors from Valencia, decided to create a very special series titled “The other Necronomicon”, an obvious reference to the sinister and always elusive book often mentioned in the works of Lovecraft.

Initially, the tandem Brocal-Segura keep up the suspense and the shocking outcomes in standalone episodes, set in the late 19th century. In fact, even Lovecraft makes an appearance in one of these short stories; away from Providence, the novelist is tracking down an ancient book, a rarity that is preceded by strange legends. Anyone who owns such volume will be forever doomed. Lovecraft, of course, does not believe in such superstitions, and finds the owners of this arcane volume: a group of deformed individuals who perform at the local circus, as part of the Freak Show. Lovecraft is not impressed by the horrific features of this men and women, but after spending the evening with them, he ends up discovering their secret. The owner of the cursed book has been transformed into one of the oldest and primordial creatures, and when this monstrosity is finally released it devours everyone. Lovecraft barely manages to escape.

One of the most interesting elements of “The Other Necronomicon” is the way in which its creators introduce metafiction in the plot. A century after the death of Lovecraft, the other Necronomicon falls into the hands of Alberto Breccia, renowned artist from Argentina. In fact, Breccia himself gives the book to his friends Segura and Brocal as a gift, warning them about the pages of this ancient manuscript, which terrified even Lovecraft himself with "events that he dared not write about [...] abominations that no even him would dare to disclose".

H.P. Lovecraft

Excited at such a proposal, the editor of Creepy's Spanish edition, Josep Toutain, gives carte blanche to the creative team from Valencia to do a comic book about all this. Thus, the standalone episodes are complemented with stories that combine fantasy and reality. This is how the men in black (as drawn by Breccia in “Mort Cinder”, in the 60s), appear first in fiction, and then in the "real" life of Antonio Segura and Jaime Brocal; they both become protagonists of their own story (even Toutain has a supporting role here). The ominous presence of the men in black is frightening, but as Segura and Brocal keep telling stories about the other Necronomicon, the supernatural occurrences start invading their lives. Finally, besieged by dark forces and evil entities, Segura and Brocal decide to quit, refusing to continue with this project.

Josep Toutain, Antonio Segura & Jaime Brocal

Nonetheless, they leave behind a fine selection of extraordinary and shocking stories: the chronicle of an asylum in which the old men organize pagan rites to invoke the primordial beings described by Lovecraft; the transformation of men into beasts due to a demonic melody transcribed in the corpse of a man with stitched lips and severed hands; a perfume expert who uses ingredients suggested in some ancient scrolls, creating a hellish smell able to transform the most peaceful man into the wildest animal; and so on.

The epilogue is a nod to the reader. Breccia himself, in his native Argentina, dismayed by what has happened to his Spanish colleagues, is harassed by a girl of angelic features and a wicked smile. The girl takes him to a bar for blind people, and promises him eternal youth in exchange for the Necronomicon. The sex scene between a rejuvenated Breccia and an inhuman female creature amidst the blind men is worthy of praise.

Antonio Segura was one of the best Spanish writers of the 80s. Segura was lucky enough to work with the most talented artists and Brocal is one of them. With a great understanding of black and white, the artist comes up with eerie and spooky images. At the same time, he is able to pay homage to Breccia's artistic style. The violent scenes are particularly shocking, and the visual rhythm is intense. Certainly, “The other Necronomicon” is one of the greatest horror stories ever produced in Spain.
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Autores como Edgar Allan Poe y H.P. Lovecraft han inspirado infinidad de adaptaciones al cómic, no solamente en Estados Unidos sino también en Europa y en el resto del mundo. Lovecraft en particular parece ser el santo grial de la literatura de terror y el maestro al que debe rendirse homenaje, sobre todo por aquellos que aspiren a hacerse un sitial en este concurrido género.

nightmare or reality? / ¿pesadilla o realidad?

Hace ya más de 20 años, Antonio Segura Cervera y Jaime Brocal Remohí, máximos exponentes del panorama comiquero de Valencia, decidieron crear una muy particular serie titulada “El otro Necronomicón”, en obvia alusión al siniestro y siempre elusivo libro a menudo mencionado en la obra de Lovecraft. 

Al inicio, el tándem Segura-Brocal garantiza el suspenso y la sorpresa a través de historias auto-conclusivas, breves pero muy contundentes, ambientadas a fines del siglo XIX. De hecho, el mismo Lovecraft hace acto de aparición en uno de estos relatos; lejos de Providence, el novelista rastrea un libro antiquísimo, una rareza que viene precedida de extrañas leyendas. Todo aquel que posea ese volumen, estará condenado para siempre. Lovecraft, desde luego, no cree en semejantes supersticiones, y encuentra a los propietarios más recientes del aciago volumen: un grupo de individuos deformes, que se ganan la vida en un circo de “Freak Shows”. Lovecraft no se impresiona ante las horrorosas facciones de este grupo de miserables, pero al pasar la velada con ellos, termina descubriendo el secreto que ocultan. El propietario del libro maldito se había estado transformando, poco a poco, en una criatura primordial, más antigua que la raza humana, y esa monstruosidad finalmente se libera y devora a todos los que lo rodean. Lovecraft a duras penas logra escapar. 

One of Brocal's most shocking scenes / una de las escenas más impactantes de Brocal

Uno de los elementos más interesantes de “El otro Necronomicón” es la forma en la que sus creadores recurren a la metaficción. Porque el otro Necronomicón, un siglo después de la muerte de Lovecraft, cae en las manos de Alberto Breccia, reconocido artista argentino. De hecho, es el mismo Breccia quien obsequia el tomo maldito a sus amigos Segura y Brocal, advirtiéndoles que las páginas de ese vetusto manuscrito espantaron al mismísimo Lovecraft con “hechos que no se atrevió a novelar […] abominaciones que ni él se atrevió a divulgar”. 

Entusiasmado ante semejante propuesta, el editor de la edición española de “Creepy”, Josep Toutain, les da carta blanca a la dupla valenciana para que conviertan los horrores del libro en un cómic. De esta forma, los episodios auto-conclusivos se van alternando con relatos que mezclan magistralmente fantasía y realidad. Así, los hombres de negro (tal como los dibuja Breccia en “Mort Cinder”, en los 60s), aparecen primero en la ficción, y luego en la vida de Antonio Segura y Jaime Brocal; ambos se convierten, paulatinamente, en protagonistas de su propio relato (incluso Toutain tiene desempeña un papel secundario). La ominosa presencia de los hombres de negro es ya de por sí aterradora, pero conforme Segura y Brocal siguen narrando historias del otro Necronomicón, lo sobrenatural empieza a imponerse en sus vidas. Finalmente, asediados por las fuerzas oscuras y por la maldad en estado puro, Segura y Brocal renuncian y se niegan a seguir con este proyecto.

Alberto Breccia

En el camino, no obstante, dejan una selección de extraordinarias y espeluznantes historias: la crónica de un asilo en el que los ancianos organizan ritos arcanos para invocar a los seres primordiales descritos por Lovecraft; la transformación de hombres en bestias a causa de las notas de una melodía demoníaca transcrita en un cadáver con los labios cosidos y las manos cercenadas; el especialista en perfumes que al utilizar las recetas de unos arcanos pergaminos, crea un aromo propio del infierno, capaz de transmutar al individuo más pacífico en el más sanguinario salvaje; y así sucesivamente.   

El epílogo, sin duda, es un guiño al lector. El propio Breccia, en su Argentina natal, consternado por lo que le ha ocurrido a sus colegas españoles, es a su vez acosado por una muchacha de rostro angelical y sonrisa perversa. Una chica que lo lleva a un bar para ciegos, y le promete la juventud eterna a cambio del otro Necronomicón. La escena de sexo entre un rejuvenecido Breccia y la inhumana criatura con forma de hembra en medio del bar de ciegos es, simplemente, de antología.

Como ya he señalado antes, Antonio Segura fue uno de los mejores guionistas españoles de la época del boom del cómic adulto. Segura tuvo la suerte de trabajar siempre con los artistas más talentosos, y Brocal es uno de ellos. Con un gran manejo de la tinta china, el blanco y negro adquiere, en manos de este artista, un acento sobrecogedor y tenebroso. Al mismo tiempo, Brocal es capaz de homenajear, cuando hace falta, el estilo de maestros como Breccia. Las escenas violentas son especialmente impactantes, y el ritmo narrativo y visual es insuperable. Sin duda, “El otro Necronomicón” es una de las grandes historias de terror del cómic español.

La muralla - Josep Mª Beà

The 80s sure were a milestone for American comic books, and in the same decade Spain would proudly celebrate the so-called boom of adult comics. Childish publications and imitations of foreign material would disappear, and a proper comic industry of the highest quality would start taking form. However, a decade later, the Spanish crisis left comic companies in bankruptcy. That's why now, 30 years after this golden era, readers have barely heard of great authors like Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura and many others.

Josep Maria Beà i Font, an author from Barcelona, rose to fame with “Tales from the galactic tavern” (published in “1984”, a science fiction magazine edited by Josep Toutain). However, he always had a preference for surrealism and fantasy (in a Salvador Dali-meets-comics sort of way). “Josep M Beà's peculiar philosophy, the way he  analyzes life, his intellectual and critical sense of humor and his human values, which are reflected in these works, turn this author into one of the most unusual comic creators of the world”. Indeed, these are the elements that are channelized in "The Wall" (serialized in 1983 and published as a trade paperback in 1987), a delicious graphic novel full of metaphors, thoughts and surrealism in its purest form.

Cat, the protagonist of the story is a feline trapped in a huge ship built out of stone that navigates through a nonexistent ocean. Countless individuals of different animal or humanoid species are in the ship. They all experience a slow and agonizing journey in which nothing seems to make sense. In this incredible setting, Cat misses his family and remembers nostalgically his past and the Spanish society, still recovering from Franco's dictatorship.

Cat in a fight / Gato en una pelea

Cat remembers the hypocrite priests from his religious school, sadistic men who would find pleasure instilling fear into the kids hearts, describing hell and making them feel guilty for all the “sins” of the flesh. However, despite this bleak context, there is a prevailing good mood, a sardonic tone, a knowing wink as well as the author's ironic laughter. Challenging, yet honest, Josep Maria Beà reveals how perverted these priests actually were; and at the same time he underlines the cleverness, the slyness and the ingenuity of school students.

While the stone ship continues its voyage, the crewmen begins to lose their calm and their sanity. Cat, at some point, must fight to preserve his life. Of course, there will be all kinds of unexpected problems on board, such as the inexplicable appearance of a beautiful woman, the only one in the vessel, a very horny female that demands from Cat the kind of sexual intercourse that would be inadmissible in any other story: the feline-human carnal union. Finally, Cat and the rest of the crew abruptly land on a strange jungle. Hidden behind the vegetation, Cat will find the mysterious wall that, so far, no one has been able to cross alive.

Cat is easily seduced / Gato es fácilmente seducido

Josep Maria Beà shows here all his talent not only as a writer but also as a penciler and an inker. With fine and delicate lines, the Catalan artist gives his characters -mostly anthropomorphic cats- great expressiveness, while giving free rein to his imagination with insane designs that consolidate the atmosphere of this graphic novel. Finally, Beà is also in charge of lettering and coloring, making an effort with the use of watercolors and hand-painted panels. Undoubtedly, this is a spectacular work that deserves to be read over and over again.
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Mientras que los años 80 fueron un hito de innegable importancia para el panorama estadounidense de cómics, en esa misma década España celebraría el así llamado Boom del cómic adulto. Atrás quedaba la época de publicaciones infantiloides o remedos de material extranjero, y se empezaba a consolidar una industria de primer nivel, que no tenía nada que envidiarle a ningún vecino europeo o del otro lado del Atlántico. Sin embargo, una década más tarde, la crisis española dejó en la bancarrota a las editoriales de cómics. Es por eso que ahora, 30 años después de aquella edad de oro, hay lectores que no conocen ni recuerdan a los grandes autores de antaño, como Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura, entre otros.  

Buying a sex doll / comprando una muñeca inflable

El autor barcelonés Josep Maria Beà i Font alcanzó la fama con “Historias de la taberna galáctica” (publicada en “1984”, la revista pionera de ciencia ficción de Josep Toutain). Sin embargo, siempre tuvo una predilección por la fantasía de corte surrealista (al mejor estilo de un Salvador Dalí en versión viñetas). “La curiosa filosofía con que Josep M Beà analiza la vida, su intelectual y crítico sentido del humor y sus valores humanos, que se proyectan en sus obras, convierten a este autor en uno de los más insólitos creadores del cómic mundial”. Precisamente, son estos los elementos que convergen en “La muralla” (serializada en 1983 y publicada en formato álbum en 1987), una deliciosa novela gráfica cargada de metáforas, reflexiones y surrealismo en su estado más absurdo y puro.

Gato, el protagonista de la historia, es un felino atrapado en un inmenso navío de piedra que surca un océano inexistente. Innumerables individuos de diversas especies animales o humanoides lo acompañan en un viaje lento y agónico en el que nada parece tener sentido. En este increíble escenario, Gato añora a su familia y recuerda lleno de nostalgia su pasado, firmemente anclado a una sociedad española todavía muy marcada por los rezagos del franquismo. 

A surrealistic landscape / un paisaje surrealista

Ahí están los curas hipócritas del colegio religioso en el que se educó, los párrocos sádicos que se saciaban al instaurar en los chavales el miedo al infierno y al recriminarles por todos los “pecados” del cuerpo. Sin embargo, pese a este contexto que podría parecer desolador, impera el humor, el tono sardónico, el guiño cómplice y la carcajada irónica del autor. Desafiante y a la vez honesto, Josep Mª Beà nos revela qué tan perversos podían ser estos representantes del clero; y, al mismo tiempo, subraya la picardía, la astucia y el ingenio de los alumnos escolares.

Mientras el barco de piedra continúa su travesía, la tripulación empieza a perder la calma y la cordura. Gato, en algún momento, deberá luchar para preservar su vida. Desde luego, también habrá todo tipo de enredos inesperados a bordo, como la inexplicable aparición de una bella mujer, la única en toda la nave, que muy cachonda le exige a Gato una unión carnal que en cualquier otra historia sería inadmisible: el coito felino-humano. Finalmente, Gato y el resto de la tripulación encallan en una jungla extraña. Escondida tras la vegetación, se encuentra la misteriosa muralla, que hasta ahora ningún ser vivo ha podido cruzar.

Josep Mª Beà demuestra aquí todo su talento no sólo como guionista sino también como dibujante a lápiz y entintador. Con trazos finos y delicados, el artista catalán otorga a sus personajes –la mayoría felinos antropomorfos– una gran expresividad, a la vez que da rienda suelta a su imaginación con diseños demenciales que consolidan la atmósfera de esta novela gráfica. Finalmente, Beà también está a cargo del rotulado y del coloreado, esmerándose en el empleo de acuarelas, y pintando a mano viñeta por viñeta. Sin duda, se trata de una obra espectacular que merece ser leída una y otra vez.