April 28, 2016

Superior - Mark Millar & Leinil Francis Yu

In the eyes of many adults, superhero comics are disposable entertainment aimed primarily at teenagers. A cruel preconception, certainly, but one that still carries weight to this day. For decades, entire generations of readers have enjoyed watching their favorite heroes fighting against endless hordes of villains. This never-ending battle for justice began 78 years ago in the pages of Superman, and it soon multiplied and prospered in many other superhero titles.

These “adolescent power fantasies” continue to be just as effective today as they were in 1938, although nowadays it would be impossible to keep track of how many new super-powered characters are created each month. So what happened to the original superhero? Has the Man of Steel thrived or is he slowly rusting and falling into oblivion? A few years ago, Mark Millar and Filipino artist Leinil Francis Yu decided to answer that question with an impressive miniseries titled Superior (originally published from December 2010 to March 2012).  

The Scottish writer reminds us that these teenage power fantasies can go beyond the basic confrontation between good and evil. Superheroes are so powerful because we want them to be invincible, if we fail they do not, if we surrender they persevere; they’re the best version of ourselves, and that’s why we can never get enough of them. 

“Superior had been created in the nineteen-thirties, a symbol of hope for the hardest of times. The banks had failed, unemployment was soaring, and America was on its knees when two cartoonists put pen to paper and helped us forget our worries for a while”. However, some superheroes can become outdated. Simon Pooni and his best friend Chris discuss about the relevance (or lack thereof) of Superior, a classic superhero that is no longer popular with comic book readers or moviegoers. For Chris, Superior is “too much of a boy-scout” and he should be “more bad-ass”, for Simon, Superior is intrinsically better than anyone else simply because he’s always willing to do the right thing. 

Nonetheless, when Simon reads Superior comics or watches the movies it’s purely about escapism. And how could it be any other way if we consider his current condition? “Multiple sclerosis breaks the link between your brain and random motor functions.  Some say it’s like being buried alive in your own skin”. He needs crutches to stand on his own feet, and his body is deteriorating rapidly; Simon may be only 12, but he is already doomed to a lifetime of pain and paralysis.

In this desperate scenario, Simon accepts the proposal of a mysterious creature named Ormon. And in the blink of an eye, he is transformed into a real version of Superior. In addition to Superman, the Scottish writer cleverly draws inspiration from two other sources: Captain Marvel comics and the movie “Big”. When 12-year-old Billy Batson utters the word Shazam he is magically transformed into a powerful hero and, at the same time, he becomes an adult. The ultimate adolescent power fantasy may explain Captain Marvel’s huge popularity in the 40s, as it combines the two greatest wishes any kid could have: to gain superpowers and to be respected as an adult (if only momentarily). 

But having the body of an adult and the mind of a child can be quite difficult, and that’s why a movie like “Big” explores the complicated relationship between the protagonist (a young boy who has been magically transformed into an adult) and the world around him. How does Simon deal with aging 20 years overnight? How can he relate to his school friends? How can he understand what’s expected of him now that he is an adult?
Simon Pooni: past and present / Simon Pooni: pasado y presente

Millar takes this fascinating premise even further. Simon Pooni is now Superior. And he’s ready to live up to his new name. So Superior starts doing the things Superman could never do in the comics: solve the problems of the real world. Superior finds a way to stop the war in the Middle East without a single casualty, he gets rid of the world’s nuclear arsenal, he promotes pacifism and tolerance, and he does everything he can to help impoverished African countries. In addition to saving thousands of lives, Superior also defends his friend Chris against the school bullies, proving that there is no such thing as a ‘small’ problem. Certainly, Superior is not a typical superhero simply because he’s ready to take a political stance in a way that no corporate-owned character could. 

Billy Batson would become Captain Marvel for a few hours. Simon Pooni can only be Superior for a week. But during that week he manages to accomplish more than any other fictional hero in decades. Superior was “dedicated to Christopher Reeve and Richard Donner with love and admiration”, and it’s one of the finest examples of what a superhero could or should be.  

Finally, I must say that graphically, this miniseries is a real delight. All 7 issues (plus the covers) were penciled by Leinil Francis Yu, an artist famous for his dynamism and his incredible visual energy. In order to avoid delays, Yu’s frequent collaborator and Filipino inker Gerry Alanguilan was assisted by Jason Paz and Jeff Huet; Dave McCaig was replaced by Filipino colorist Sunny Gho (assisted by Javier Tartaglia). Truly, a magnificent miniseries that everyone should pay attention to.
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A los ojos de muchos adultos, los cómics de superhéroes son un entretenimiento desechable dirigido principalmente a los jóvenes. Un cruel prejuicio que todavía no ha desaparecido. Durante décadas, generaciones enteras de lectores han disfrutado viendo a sus héroes favoritos luchando contra interminables hordas de villanos. Esta interminable batalla por la justicia comenzó hace 78 años en las páginas de Superman, y rápidamente prosperó y se multiplicó en muchas otras colecciones de superhéroes.
Superior (Simon Pooni) and his friend Chris / Superior (Simon Pooni) y su amigo Chris
Estas “fantasías de poder adolescente” siguen siendo tan eficientes ahora como lo eran en 1938, aunque hoy en día sería imposible hacer un seguimiento a la cantidad de nuevos personajes súper-poderosos que son creados cada mes. ¿Y qué pasó con el superhéroe original? ¿El Hombre de Acero prosperó o está oxidándose lentamente y cayendo en el olvido? Hace algunos años, Mark Millar y el artista filipino Leinil Francis Yu decidieron responder esa pregunta con una impresionante miniserie titulada “Superior” (publicada originalmente entre diciembre del 2010 y marzo del 2012).
Superior learns how to fly / Superior aprende a volar
El escritor escocés nos recuerda que estas fantasías de poder adolescente pueden ir más allá de la confrontación básica entre el bien y el mal. Los superhéroes son tan poderosos porque queremos que sean invencibles, ellos jamás fracasan, nosotros sí, y si acaso nos rendimos ellos perseveran; son una mejor versión de nosotros mismos, y es por eso que nunca nos cansamos de ellos.
Ormon and Sharpie (the school bully) / Ormon y Sharpie (el abusivo del colegio)
“Superior había sido creado en los años 30s, un símbolo de esperanza para la época más difícil. Los bancos habían caído, el desempleo se había disparado, y Estados Unidos estaba de rodillas cuando dos historietistas emplearon la pluma y el papel y nos ayudaron a olvidar nuestras preocupaciones por un rato”. Sin embargo, algunos superhéroes se vuelven obsoletos. Simon Pooni y su mejor amigo Chris discuten acerca de la relevancia (o irrelevancia) de Superior, un superhéroe clásico que ya no es popular entre los que leen cómics o van al cine. Para Chris, Superior es “demasiado boy-scout” y debería ser “más temible”, para Simon, Superior es intrínsecamente mejor que cualquier otro simplemente porque él está siempre dispuesto a hacer lo correcto. 
Superior versus Ormon

No obstante, cuando Simon lee cómics de Superior o ve las películas es por puro escapismo. ¿Y cómo podría ser de otro modo si tenemos en cuenta su condición actual? “La esclerosis múltiple rompe el vínculo entre el cerebro y las funciones motoras. Algunos dicen que es como ser enterrado vivo en tu propia piel”. Él necesita muletas para sostenerse, y su cuerpo se deteriora rápidamente; Simon apenas tiene 12 años, pero ya está condenado a una vida de dolor y parálisis.

En este desesperado escenario, Simon acepta la propuesta de una misteriosa criatura llamada Ormon. Y en un abrir y cerrar de ojos, se transforma en una versión real de Superior. Además de Superman, el escritor escocés se inspira en los cómics de “Captain Marvel” y en la película “Quisiera ser grande”. Cuando Billy Batson, un niño de 12 años, pronuncia la palabra Shazam se convierte mágicamente en un poderoso héroe y, al mismo tiempo, en un adulto. Esta definitiva fantasía de poder juvenil explica la enorme popularidad de Captain Marvel en los 40s, ya que combina los dos mayores deseos que cualquier chico podría tener: ganar superpoderes y ser respetado como un adulto (aunque sea momentáneamente).

Sin embargo, tener el cuerpo de un adulto y la mente de un niño puede ser muy difícil, y es por eso que una película como “Quisiera ser grande” explora la complicada relación entre el protagonista (un chico que ha sido transformado mágicamente en un adulto) y su entorno. ¿Cómo encara Simon el hecho de ser 20 años mayor de la noche a la mañana? ¿Cómo puede relacionarse con sus compañeros de escuela? ¿De qué manera entiende lo que se espera de él ahora que es un adulto?


Simon loses his powers / Simon pierde sus poderes
Millar lleva esta fascinante premisa aún más lejos. Simon Pooni es ahora Superior. Y está listo para honrar su nuevo nombre. Así que Superior empieza a hacer las cosas que Superman jamás podría hacer en los cómics: resolver los problemas del mundo real. Superior encuentra una manera de detener la guerra en el Medio Oriente sin una sola baja, se deshace del arsenal nuclear del mundo, promueve el pacifismo y la tolerancia, y hace todo lo posible para ayudar a los países africanos empobrecidos. Además de salvar miles de vidas, Superior también defiende a su amigo Chris contra los matones de la escuela, lo que demuestra que no hay tal cosa como un problema ‘pequeño’. Ciertamente, superior no es un superhéroe típico simplemente porque él está listo para asumir una postura política que los personajes establecidos no podrían asumir.

Billy Batson se convertía en Captain Marvel durante algunas horas. Simon Pooni sólo puede ser Superior por una semana. Sin embargo, durante esa semana se las arregla para lograr más que cualquier otro héroe ficticio de las últimas décadas. Superior está “dedicado a Christopher Reeve y Richard Donner con amor y admiración”, y es uno de los mejores ejemplos de lo que podría o debería ser un superhéroe.

Por último, hay que decir que gráficamente, esta miniserie es una verdadera delicia. Los 7 ejemplares (además de las portadas) fueron dibujados a lápiz por Leinil Francis Yu, un artista famoso por su dinamismo y su increíble energía visual. A fin de evitar retrasos, Gerry Alanguilan, entintador filipino y colaborador frecuente de Yu, fue ayudado por Jason Paz y Jeff Huet; David McCaig fue reemplazado por el colorista filipino Sunny Gho (ayudado por Javier Tartaglia). Verdaderamente, una magnífica miniserie que todos deberían leer.

April 25, 2016

We Stand On Guard - Brian K. Vaughan & Steve Skroce

For decades, it has been a commonplace in comics or movies to portray Americans as the good guys, and other nations as potential or real enemies. While some might consider this as evidence of a twisted ideology, I simply see it in terms of the place of enunciation within the entertainment industry. Which makes sense if we remember that, in addition of being the hero (never the villain) of your own story, you will probably insert your narrative line into familiar surroundings, id est, your state, city or town.

In We Stand On Guard, Brian K. Vaughan abandons the fantasy genre that has been so rewarding to him in titles like “Saga” to return to his roots, the realm of science fiction in general, and the post-apocalyptical subgenre in particular. In the same way that “Y The Last Man” was about the struggle for survival after a major catastrophe, We Stand On Guard focus on two survivors (brother and sister), two Canadians that have made it through the cataclysmic war between the United States of America and Canada. “I’ve always been fascinated by friendships and rivalries between our two great nations” explains Vaughan, and in this new miniseries, the American writer explores the notion of an all-out war between the US and Canada. 

When I first read the solicitations for We Stand On Guard I thought this was a very amusing premise, and I was sure that every Vaughan fan would enjoy it. Turns out, I was wrong. As we can see in the letter section, the American writer received a few angry messages from his own countrymen. One particular reader from Kentucky accused Brian K. Vaughan of being a liberal (whatever the hell that means in our postmodern society), and admits he’s disgusted by the way the US is portrayed here, like “a violent, bloodthirsty nation who murders civilians in [a] surprise attack”. However, in real life the United States isn’t always seen like a benevolent nation (and it has been that way for years). So that’s why it’s so important for Vaughan to subvert the basic assumption of “Americans are always the good guys”.  

I think there is something especially alluring about this confrontation, because Americans and Canadians actually have so much in common that one automatically considers them as the ideal allies but never as enemies. Here, nevertheless, things are different. And as we follow the misadventures of a Canadian guerrilla group we also get to see the cruelty of the US military leaders. Vaughan balances the fight sequences with flashbacks to the past, in which we get to know how the protagonists survived in a hostile environment. 
Before the war / antes de la guerra

According to Jim Johnson, Vaughan's miniseries is an “excellent futuristic military thriller”, but this isn’t the kind of book that attempts to provide a definitive answer: “the questions that remain are the stuff of modern day political arguments, where each side believes themselves to be correct”. Both Canadians and Americans seem to share a lot of responsibility regarding the origin of the war. 

I had very fond memories of Steve Skroce, he was one of the few Marvel pencilers in the 90s who had his own style, different to what was ‘fashionable’ back then. I saw his work for the first time in the pages of X-Man, and I became a fan right away. Of course now, after 20 years, Skroce has changed and evolved as an artist. Perhaps his experience drawing storyboards for the Wachowskis (in “The Matrix” trilogy) has given him more refinement and confidence than ever. His pages now have a calmness and a clarity that were absent in his X-Man days. And his covers are imaginative, subtle and stunning. 

“Skroce does get more opportunity to show off his skills beyond drawing impressive military hardware; he adds a futuristic flair to urban landscapes as well, all while rendering the timeless beauty of nature with equal dexterity. Colorist Matt Hollingsworth’s enhancements make all of it look beautiful, breathtaking or alarming, depending on the context”, affirms Jim Johnson, and I agree with him.
Canada under attack / Canadá bajo ataque
The author had already reflected upon international politics in his critically acclaimed “Y: The Last Man”, and in We Stand On Guard the creative team “successfully take elements from today’s headlines and, with the slightest of nudges, turn them into something decidedly threatening, surprisingly believable and tremendously engaging”, explains Jim Johnson. Certainly, we should be thanking Vaughan and Skroce for producing such a fine miniseries.
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Durante décadas, un lugar común en los cómics o las películas ha sido retratar a los estadounidenses como los buenos, y a otras naciones como enemigos potenciales o reales. Mientras que algunos podrían considerar esto como la evidencia de una retorcida ideología política, para mí es simplemente consecuencia del lugar de enunciación al interior de la industria del entretenimiento. Es lógico que, además de ser el héroe (nunca el villano) de tu propia historia, también insertes la línea narrativa en un entorno familiar, es decir, tu estado, ciudad o pueblo.
Canadian guerrilla / la guerrilla canadiense
En “We Stand On Guard”, Brian K. Vaughan abandona el género fantástico que ha sido tan ventajoso para él en títulos como Saga para volver a sus raíces, el reino de la ciencia ficción en general, y el subgénero post-apocalíptico, en particular. De la misma manera que en Y The Last Man veíamos la lucha por la supervivencia después de una gran catástrofe, “We Stand On Guard” se enfoca en dos supervivientes (hermano y hermana), dos canadienses que han resistido la guerra catastrófica entre los Estados Unidos de América y Canadá. “Siempre he estado fascinado por las amistades y rivalidades entre nuestras dos grandes naciones”, explica Vaughan, y en esta nueva miniserie, el escritor estadounidense explora la noción de una guerra sin cuartel entre ambos países. 
everyday problems / problemas cotidianos 

Desde el inicio, la premisa de “We Stand On Guard” me pareció bastante amena, y estaba seguro de que todos los fans de Vaughan la disfrutarían. Aunque no fue así del todo. Como podemos ver en la sección de cartas, el escritor estadounidense recibió algunos airados mensajes de sus propios compatriotas. Un lector de Kentucky, por ejemplo, acusaba a Brian K. Vaughan de ser un liberal (lo que sea que aquello signifique en nuestra sociedad postmoderna), y admitió estar disgustado por la forma en que los Estados Unidos es retratado aquí, como “una nación violenta y sanguinaria que asesina civiles en [un] ataque sorpresa”. Sin embargo, en la vida real Estados Unidos no siempre es vista como una nación benevolente (y eso no es algo nuevo). Así que por eso es tan importante para Vaughan subvertir el supuesto básico de “los norteamericanos son siempre los buenos”.

Creo que hay algo especialmente atrayente en esta confrontación, porque los estadounidenses y los canadienses en realidad tienen tanto en común que uno los considera automáticamente como los aliados ideales pero nunca como enemigos. Aquí, sin embargo, las cosas son diferentes. Y a medida que seguimos las desventuras de un grupo de guerrilleros canadienses también vemos la crueldad de los líderes militares de Estados Unidos. Vaughan equilibra las secuencias de batalla con flashbacks al pasado, y así descubrimos cómo los protagonistas sobrevivieron en un ambiente hostil.
American soldiers versus Canadian rebel / soldados estadounidenses versus rebelde canadiense
De acuerdo con Jim Johnson, la miniserie de Vaughan es un “excelente thriller militar futurista”, pero este no es el tipo de serie que intenta dar una respuesta definitiva: “las preguntas que quedan son la materia de las discusiones políticas de hoy en día, donde cada lado cree estar en lo correcto”. Tanto los canadienses como los estadounidenses parecen compartir la responsabilidad en relación con el origen de la guerra.
Impressive American millitary forces / las impresionantes fuerzas militares estadounidense
Tenía muy buenos recuerdos de Steve Skroce, fue uno de los pocos dibujantes de Marvel en los 90s que tenía su propio estilo, diferente a lo que estaba “de moda” en aquel entonces. Vi su trabajo por primera vez en las páginas de “X-Man”, y me convertí en un fan de inmediato. Por supuesto, ahora, después de 20 años, Skroce ha cambiado y evolucionado como artista. Quizás su experiencia como dibujante de storyboards para los Wachowski (en la trilogía de “The Matrix”) le ha dado más refinamiento y confianza que antes. Sus páginas tienen ahora una calma y una claridad que estaban ausentes en sus días de “X-Man”. Y sus portadas son imaginativas, sutiles y sorprendentes.
Canadians never surrender / los canadienses jamás se rinden
“Skroce tiene más de una oportunidad para mostrar sus habilidades más allá del impresionante dibujo de material militar; él añade un toque futurista a los paisajes urbanos, a la vez que realza la belleza eterna de la naturaleza con igual destreza. El colorista Matt Hollingsworth hace que todo se vea hermoso, impresionante o alarmante, dependiendo del contexto”, afirma Jim Johnson, y estoy de acuerdo con él.

El autor ya había reflexionado sobre la política internacional en su aclamado “Y: The Last Man”, y en “We Stand On Guard” el equipo creativo “aborda con éxito los titulares de hoy y, con el menor de los empujones, los convierte en algo decididamente amenazador, sorprendentemente creíble y tremendamente atractivo”, explica Jim Johnson. Ciertamente, debemos agradecer a Vaughan y Skroce por producir una miniserie así de buena.

April 23, 2016

March Comics / cómics de marzo

Unlike other months, there were only a few comics in March, but they were good ones. Doctor Strange continues to surprise me; I’ve also been enjoying Paper Girls a lot more than I thought I would. I would consider The Young Protectors as the best comic of the month, but it wasn’t originally published in 2016, so to follow my own rules, I’d say International Iron Man # 1 wins this time. And now without further ado here are March comics as per solicitations:

ALL-NEW, ALL-DIFFERENT AVENGERS #6
(W) Mark Waid (A) Mahmud A. Asrar (CA) Alex Ross. The villain pulling the Avengers' strings stands revealed - someone who's been a part of Avengers history for almost all of the team's existence, in a way you've never seen them before! The All-New, All-Different Avengers' first story arc ends here - and you won't guess who's left standing on the last page. Rated T+

DISCIPLINE #1 
(W) Peter Milligan (A/CA) Leandro Fernandez. Between fighting her sister and hating her husband, Melissa still finds time to fall in lust with a stranger who's an awful lot more than he seems. What appears to be a simple seduction is revealed as something much darker and more dangerous. This controversial and erotically-charged tale of sex, death, and metamorphosis begins with an explosion of carnality and weirdness.

DOCTOR STRANGE #6
(W) Jason Aaron (A) Chris Bachalo (CA) Kevin Nowlan. 'THE LAST DAYS OF MAGIC' STARTS NOW! The Emperikul have arrived, leaving universes purged of magic in their wake. Their next target? The Marvel Universe. And with Doctor Strange weakened beyond measure? We don't have a chance! Rated T+

HUCK #5 
(W) Mark Millar (A/CA) Rafael Albuquerque. An old grudge leads to deadly threats against Huck and those he holds dear.
my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color)

INTERNATIONAL IRON MAN #1 
(W) Brian Michael Bendis (A/CA) Alex Maleev. Who is Tony Stark, really? Since learning that he was adopted as a baby, this question has cast a shadow over Stark's life. Now, it is time to uncover what his legacy truly is, a journey that will carry Tony into new directions as a man and as a super hero. Alongside his strange new quasi-ally Doctor Doom, Iron Man will discover new things about the Marvel Universe he didn't know existed before! A character deconstruction from Bendis and Maleev along the lines of their award-winning DAREDEVIL run! Rated T+

JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #4 (MR) 
(W) Mark Millar (A) Chris Sprouse (CA) Frank Quitely. A new villain ups the ante with a threat that unites former enemies-and creates new ones.

PAPER GIRLS #2
(W) Brian K. Vaughan (A/CA) Cliff Chang. The hottest new ongoing series of the year continues, as the Paper Girls witness the impossible.

PAPER GIRLS #4
(W) Brian K. Vaughan (A/CA) Cliff Chang. What lurks beneath the streets of Stony Stream?

THE YOUNG PROTECTORS 
The Young Protectors Volume 1: Engaging the Enemy is a multi-chapter superhero comic created by writer Alex Woolfson, penciler Adam DeKraker and colorist Veronica Gandini. 
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A diferencia de otros meses, sólo hubo unos cuantos cómics en marzo, pero valieron la pena. “Doctor Strange” continúa sorprendiéndome; también he estado disfrutando “Paper Girls” mucho más de lo que hubiese imaginado. Considero que el mejor cómic del mes es “The Young Protectors” pero no fue publicado originalmente en el 2016, así que para seguir mis propias reglas, diría que “International Iron Man” gana esta vez. Y ahora, sin mayores preámbulos, aquí están los cómics de marzo:

ALL-NEW, ALL-DIFFERENT AVENGERS #6
No podréis imaginar quién queda de pie en la última página.

DISCIPLINE #1
Luego de pelear con su hermana y odiar a su marido, Melissa aun encuentra tiempo para caer en la lujuria con un desconocido que es muchísimo más de lo que parece ser. Una seducción sencilla se revela como algo mucho más oscuro y  peligroso. Este relato polémico y cargado de erotismo, sexo, muerte y metamorfosis comienza con una explosión de carnalidad y rarezas.

DOCTOR STRANGE #6
Estos son los últimos días de la magia. El enemigo ha llegado, tras eliminar la magia en múltiples universos. ¿Su próximo objetivo? La Tierra.

HUCK #5
Un viejo rencor genera amenazas mortales contra HUCK.

INTERNATIONAL IRON MAN #1
¿Quién es TONY STARK, en realidad? Luego de descubrir que fue adoptado, este asunto ha ensombrecido la vida de STARK. Ahora, es el momento de descubrir cuál es su legado; Tony emprenderá un nuevo camino. Junto a DOCTOR DOOM su insólito aliado, IRON MAN descubrirá cosas nuevas sobre su mundo.

JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #4
Un nuevo villano. Una nueva amenaza unirá a antiguos enemigos.

PAPER GIRLS #2
Serán testigos de lo imposible.

PAPER GIRLS #4
¿Quién está al acecho bajo las calles del pueblo?

THE YOUNG PROTECTORS 
The Young Protectors Volumen 1: Engaging the Enemy. (W) Alex Woolfson, (A/CA) Adam DeKraker, (C) Veronica Gandini.

April 19, 2016

Doctor Strange Vol. 1 - Jason Aaron, Chris Bachalo & Kevin Nowlan

I still remember the first time I read a Doctor Strange comic. It was an old 80s issue, the kind you would often find in the quarter bin. Instead of getting whatever was considered “cool” at the moment I decided to get Doctor Strange; there was something special (should I dare say magical?) about this issue written by Roger Stern and magnificently illustrated by Paul Smith.
1: Chris Bachalo

I didn’t know anything about the character back then, and even now I can’t consider myself an expert in the Sorcerer Supreme, but that issue turned me into a fan. From then on, I’ve always said that Doctor Strange is one of my favorite Marvel superheroes, just like Arion, Lord of Atlantis, is one of my favorite DC heroes (which should be rather obvious if we take into account this blog’s title). Both heroes share one element in common: magic. 

However, the Master of the Mystic Arts eventually fell under a spell of bad luck. For some undecipherable reason, the creation of Stan Lee and Steve Ditko was slowly fading away. Years after the cancellation of his title, Stephen Strange would still appear here and there as a supporting character in the Avengers books and a few other titles… certainly a minor role for one of Marvel’s most powerful heroes. 

So when I heard last year that Marvel would give Doctor Strange another chance I must confess I became rapidly excited. And when I found out that Jason Aaron and Chris Bachalo would be the creative team behind this mystical relaunch, I knew it would be a hit. And turns out I was right. “The Way of the Weird” (originally published in Doctor Strange # 1, December 2015) is a wonderful voyage through fantastic realms, supernatural threats and peculiar wizards. The second issue (January 2016) and “Eaters of Magic” (Doctor Strange # 3, February 2016) are very entertaining. Aaron’s whimsical and humorous portray of the Sorcerer Supreme is complemented by a plethora of crazy ideas and bizarre elements, which are splendidly illustrated by Chris Bachalo. 
2: Chris Bachalo   []   3: Chris Bachalo 
“I walk alone through the nameless reaches of the netherworld. Each day weirder than the last. Each new challenge liable to end with my doom or damnation or final descent into screaming madness”, explains Stephen Strange, but despite all that, he loves his mission: being Earth’s first (and often only) line of defense “against all manner of magical threats”.   
4: Kevin Nowlan  []  5: Kevin Nowlan
However, as we can see in “The Art of Puking Without Puking” (Doctor Strange # 4, March 2016), being the Sorcerer Supreme isn’t easy, and it demands a level of sacrifice not many heroes could withstand. “If a normal punch takes a physical toll on the one who throws it, what do you imagine the price of casting a spell to be?”, asks the Ancient One, mentor of Stephen Strange. For years, readers have ignored what was that price, and now everything is finally being revealed. Personally, I think that it’s an excellent idea to try to understand the logic behind the magic. In the process, Doctor Strange is humanized, and he becomes an even more complex and appealing character than he already was.

Another one of my favorite moments is the complicity between Strange and his faithful manservant Wong; in many ways, they are like Bruce Wayne and Alfred Pennyworth, they share an almost symbiotic relationship and one cannot exist without the other, so much that they’ll do anything they can to guarantee their mutual survival. Nevertheless, until now we had never seen the things that Wong had to do in order to bring back Stephen Strange from the brink of death, in so many occasions. The answers are shocking, and everything fits in perfectly. I’d say that “Pound of Flesh” (Doctor Strange # 5, April 2016) proves Aaron’s impressive narrative talent. 
Doctor Strange, Earth's Sorcerer Supreme / Doctor Strange, el Hechicero Supremo de la Tierra
I’ve been a fan of Chris Bachalo since I first saw his work on Neil Gaiman’s Death: the High Cost of Living. And after so many years, his style continues to evolve, embracing expressivity and movement above all else. Bachalo is the ideal fit for this collection of demented scenarios, weird extra-dimensional monsters and anomalous events. Although Bachalo is in charge of most of the covers, Kevin Nowlan is responsible for the fantastic covers of issues 4 and 5, his magnificent contribution to the world of Doctor Strange consists in his elegant lines and inspired designs (the cover for issue # 4, in particular, is my favorite). Can’t wait to read the next issues! 
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Todavía recuerdo la primera vez que leí un cómic de Doctor Strange. Era un viejo ejemplar de los 80s, relegado en la sección de saldos. En vez de adquirir el título de moda en aquel entonces, decidí quedarme con Doctor Strange; había algo especial (¿me atrevería a decir mágico?) en este cómic escrito por Roger Stern y magníficamente ilustrado por Paul Smith.
There is no such thing as a normal day for Stephen Strange / ningún día es normal para Stephen Strange
Hace un par de décadas no conocía mucho sobre el personaje, e incluso ahora tampoco me considero un experto en el Hechicero Supremo, pero ese cómic me convirtió en un fan. A partir de entonces, siempre he dicho que Doctor Strange es uno de mis superhéroes favoritos de Marvel, al igual que Arion, Señor de la Atlántida, es uno de mis predilectos en DC (algo que debería ser bastante obvio si tenemos en cuenta el título de este blog). Ambos héroes comparten un elemento en común: la magia.

Sin embargo, el maestro de las artes místicas eventualmente cayó bajo un hechizo de mala suerte. Por alguna razón indescifrable, la creación de Stan Lee y Steve Ditko se desvanecía lentamente. Años después de la cancelación de su colección, Stephen Strange todavía aparecía de vez en cuando como personaje secundario en los Vengadores y algún otro título más... ciertamente un papel de poca relevancia para uno de los más poderosos héroes de Marvel.
Doctor Strange meets his mystic colleagues / Doctor Strange se reúne con sus colegas místicos
Así que cuando el año pasado supe que Marvel le daría otra oportunidad he de confesar que me sentí entusiasmado. Y cuando descubrí que Jason Aaron y Chris Bachalo serían el equipo creativo detrás de este místico relanzamiento, imaginé que sería un éxito. Y resulta que así fue. “El camino de lo extraño” (publicado originalmente en Doctor Strange # 1, diciembre del 2015) es una travesía maravillosa a través de reinos fantásticos, amenazas sobrenaturales y magos peculiares. El segundo número (enero del 2016) y “Devoradores de magia” (Doctor Strange # 3, febrero de 2016) fueron realmente entretenidos. Aaron retrata al hechicero supremo con humor y fina ironía, complementando el argumento con una gran cantidad de ideas locas y elementos raros, todos espléndidamente ilustrados por Chris Bachalo.
Is someone stealing magic? / ¿alguien se está robando la magia?

“Camino solitariamente por los confines del inframundo. Cada día más extraño que el anterior. Cada nuevo reto próximo a terminar con mi condenación o el descenso final hacia la bulliciosa locura”, explica Stephen Strange, pero a pesar de todo eso, le encanta su misión: ser la primera (y a menudo única) línea de defensa de la Tierra “contra todo tipo de amenazas mágicas”.

Sin embargo, como podemos ver en “El arte de vomitar sin vómitos” (Doctor Strange # 4, marzo del 2016), ser el Hechicero Supremo no es fácil, y requiere un tipo de sacrificio que muy pocos héroes podrían soportar. “Si un puñetazo normal tiene una consecuencia física para aquel que suelta el golpe, ¿cuál imaginas que es el precio de soltar un hechizo?”, pregunta el Anciano, mentor de Stephen Strange. Durante años, los lectores han ignorado cuál era ese precio, y ahora por fin será revelado. En mi opinión, esta es una excelente idea que permite entender la lógica detrás de la magia. En el proceso, Doctor Strange es humanizado, y se convierte en un personaje aún más complejo e interesante.

Otro de mis temas favoritos es la complicidad entre Strange y su fiel criado Wong; en muchos aspectos, ellos son como Bruce Wayne y Alfred Pennyworth, comparten una relación casi simbiótica y uno no puede existir sin el otro, a tal punto que harán todo lo posible para garantizar su supervivencia. Sin embargo, hasta ahora nunca habíamos visto las cosas que Wong había tenido que hacer, en tantas ocasiones, para preservar la vida de Stephen Strange. Las respuestas son impactantes, y todo encaja a la perfección. “Libra de carne” (Doctor Strange # 5, abril del 2016) demuestra el impresionante talento narrativo de Aaron.

He sido un fan de Chris Bachalo desde que vi por primera vez su trabajo en “Death: the High Cost of Living” de Neil Gaiman. Y después de tantos años, su estilo sigue evolucionando, asimilando la expresividad y el movimiento por encima de todo. Bachalo es el complemento ideal para esta colección de escenarios demenciales, monstruos extra-dimensionales y eventos anómalos. Aunque Bachalo está a cargo de la mayor parte de las portadas, Kevin Nowlan es responsable de las fantásticas portadas de los números 4 y 5, su magnífica contribución al mundo de Doctor Strange consiste en sus líneas elegantes y diseños inspirados (la portada del número 4, en particular, es mi favorita). ¡Estoy impaciente por leer los próximos ejemplares!

April 16, 2016

Mamamia - Dédalo

En un mismo día, más de 30 artistas abren las puertas de sus talleres en Barranco Open Studios, "un evento cultural único sin precedentes", y además Dédalo nos sorprende con un montaje totalmente renovado en Mamamia.

Lo primero que hice fue caminar hacia el malecón de Barranco, al jirón 28 de Julio, calle que solía frecuentar hace años, cuando muchos amigos de mi colegio vivían allí. El taller de Rhony Alhalel está ubicado en la zona más privilegiada del distrito, en uno de los lugares más preciosos de Lima. Fue verdaderamente un lujo poder observar de cerca los cuadros de Rhony y, al mismo tiempo, disfrutar de la espléndida vista al Océano Pacífico. Conversamos un rato y luego me fui hasta el Centro Cultural Juan Parra del Riego y visité el taller de Tomás Prochazka Núñez, un espacio lleno de energía creativa. Poder mirar los bocetos de Tomás y los dibujos previos a la realización de sus cuadros fue algo realmente extraordinario.


En la noche, asistí puntualmente a la inauguración de Mamamia. Mientras saboreaba un delicioso chilcano heladito, cortesía de pisco Finca Rotondo, conversé un buen rato con Sebastián Lores, Eduardo Lores y María Elena Fernández. Desde hace más de 10 años soy un visitante asiduo de Dédalo, la hermosa casona barranquina de María Elena sigue siendo un punto de encuentro para personas creativas. Cuando esté lejos del Perú, extrañaré noches como esta. 
mi dibujo (versión a color)
Mamamia es uno de mis eventos anuales predilectos, y es por eso que le he dedicado una cobertura especial en este blog durante 6 años consecutivos. Por cierto, si quieren revisar ediciones anteriores de Mamamia, hagan click en el siguiente link.

April 12, 2016

Nameless - Grant Morrison & Chris Burnham

Nameless doesn’t mean anonymous. Nameless is a rebellion anthem, an inconformity statement that takes the readers by surprise. Nameless is an expert of the occult trapped in a very dangerous situation. He’s also a dream-traveler, an oneiric adventurer that vaguely reminds us of Cobb and his team in Christopher Nolan's Inception.

The only difference is that more than dreams, the protagonist seems to be a specialist in nightmares. There is a fascinating persecution from one bad dream to the next, which takes place in “Shit Rains Down” (published in Nameless # 1, February 2015). The hallucinatory state is superbly depicted by Chris Burnham. After a few pages, we will be stepping into the strangest dream ever. But weirdness doesn’t stop there. A gigantic asteroid named Xibalba is about to collide against our planet. And there is an unexplained connection between the monsters Nameless has seen in his nightmares and an ominous sign carved on the surface of the asteroid. There is not much time to save the world, but the man without name reluctantly accepts to participate in a space mission. 

“The Double Headed Horror at the Door” (Nameless # 2, March 2015) takes us all the way to the moon. Nameless lands in a top secret lunar base owned by Mr. Darius, his new boss. As he gets to meet the rest of the crew, he immediately understands that this is no mere space voyage, this is first and foremost an esoteric expedition into unknown realms. Accompanied by a group of astronauts, he will now intercept Xibalba. There is a strong feeling of claustrophobia and constant threats, as well as something very creepy about the rock carvings found on Xibalba’s surface; the evidence of alien intelligence and an ancient otherworldly civilization are quite disturbing. 

“Into the Burrows” (Nameless # 3, April 2015) begins with the exploration of Xibalba; and it certainly is one the most fantastic and captivating sequences I've read in a long time. The minuscule spaceship is like an insect flying around the ruins of a great and sinister civilization. But only Nameless realizes that this isn’t a monument to greatness or an abandoned temple, this is a filthy prison built for titans and alien giants, this is a nightmarish landscape no one can escape from. Burnham’s art is absolutely gorgeous. The scale of the ruins is massive and the darkness and creepiness of the asteroid is almost palpable. I was particularly shocked by one of Burnham splash pages. Human bodies horribly mutilated but not by human hands. That much remains clear in this brutal image that no one could overlook.
"Nameless" is a name / "Nameless" es un nombre
a game of panels and colors / un juego de viñetas y colores
Morrison and Burnham continue to unleash hell in “Dark House” (Nameless # 4, June 2015), a shocking examination of insanity, depravity and sadism. With an unusual narrative, the Scottish writer blurs the dividing line between the oneiric world and the real world, while focusing at the same time on the disgusting organic froth that Nameless finds in Xibalba.

“Star of Fear” (Nameless # 5, September 2015) provides a much needed background to understand the origin of this cosmic threat. The ‘secret origin’ of Nameless is told in a pulse pounding chapter, with some terrifying scenes, brimming with the kind of repulsive elements that Burnham has exceled in portraying throughout this miniseries. “Wormwood Palace” (Nameless # 6, December 2015) is the grand finale, and even amongst all the chaos and the craziness, there is a logical outcome that will defy the readers’ expectations. 

Chris Burnham is a magnificent artist. Although influenced by masters such as Frank Quitely, Burnham has developed a unique style, both vibrant and dynamic. In Nameless, the artist excels at page designs and panel placements, he looks for the best possible graphic elements in each frame and makes it all work in one arresting illustration. It is no wonder that Morrison chose him for this project, in which Burnham shines like a star with his imaginative compositions, his highly expressive characters and his astonishing creatures. Of course, Nathan Fairbairn’s colors are spot on, enhancing Burnham’s amazing work. Obviously Burnham would end up winning the 2015 Arion’s Achievement Award for Best Artist among many other important trophies.
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Nameless no significa sin nombre. Nameless es un himno de rebeldía, una declaración de disconformidad que sorprenderá a los lectores. Nameless es un experto en ocultismo atrapado en una situación muy peligrosa. También es un viajero de sueños, un aventurero onírico que nos recuerda vagamente a Cobb y su equipo en “Inception” de Christopher Nolan.
Getting closer to Xibalba / acercándose a Xibalba

La única diferencia es que más que sueños, el protagonista parece ser un especialista en pesadillas. En “Llueve mierda” (publicado en Nameless # 1, febrero del 2015) hay una persecución fascinante que va de una pesadilla a la siguiente. El estado alucinatorio está magníficamente representado por Chris Burnham. Pero lo extraño no se detiene allí. Un asteroide gigantesco llamado Xibalba está a punto de chocar contra nuestro planeta. Y hay una conexión inexplicable entre los monstruos que Nameless ha visto en sus pesadillas y el ominoso símbolo tallado en la superficie del asteroide. No queda mucho tiempo para salvar el mundo, pero el hombre sin nombre acepta a regañadientes participar en una misión espacial.

“El horror de dos cabezas a las puertas” (Nameless # 2, marzo del 2015) nos lleva hasta la luna. Nameless aterriza en una base lunar propiedad del señor Darius, su nuevo jefe. A medida que va conociendo al resto de la tripulación, entiende inmediatamente que este no es un simple viaje espacial, sino una expedición esotérica hacia reinos desconocidos. Acompañado por un grupo de astronautas, él interceptará a Xibalba. Hay una fuerte sensación de claustrofobia y amenazas constantes, así como indicios muy siniestros acerca de las inscripciones encontradas en la superficie de Xibalba; las evidencias de la inteligencia extraterrestre y de una antigua civilización de otra galaxia son bastante perturbadoras.
The horros of Xibalba / los horrores de Xibalba
“En las excavaciones” (Nameless # 3, abril del 2015) comienza con el recorrido por Xibalba; y sin duda se trata de una de las secuencias más fantásticas y fascinantes que he leído en mucho tiempo. La nave espacial es como un minúsculo insecto volando en torno a las ruinas de una tenebrosa y gran civilización. Pero sólo Nameless se da cuenta de que esto no es un monumento a la grandeza o un templo abandonado, esto es una prisión construida para titanes y gigantes alienígenas, se trata de un paisaje de pesadilla del que nadie puede escapar. El arte de Burnham es realmente precioso. La escala de las ruinas es enorme y la oscuridad y fealdad del asteroide es casi palpable. Me sorprendió particularmente una página en la que Burnham muestra cuerpos humanos horriblemente mutilados. Una imagen brutal que nadie podría pasar por alto.
Earth plunging into chaos / la Tierra cae en el caos
“Casa oscura” (Nameless # 4, junio del 2015) examina de manera impactante la locura, la depravación y el sadismo. Con una narrativa inusual, el escritor escocés borra la línea divisoria entre el mundo onírico y el mundo real, mientras se enfoca al mismo tiempo en la repugnante viscosidad orgánica que Nameless encuentra en Xibalba.
Human versus alien / humano versus alienígena
“Estrella de miedo” (Nameless # 5, setiembre del 2015) nos ofrece el origen de esta amenaza cósmica. El pasado de Nameless es contado en un capítulo rico en suspenso, con escenas aterradoras, lleno de esos elementos repulsivos que Burnham ha retratado magistralmente a lo largo de esta miniserie. “Palacio de ajenjo” (Nameless # 6, diciembre del 2015) es el capítulo final, incluso en medio de todo el caos y la locura, llega un desenlace lógico que desafiará las expectativas de los lectores.
a monster bigger than a cathedral / un monstro más grande que una catedral
Chris Burnham es un magnífico artista. A pesar de la influencia de maestros como Frank Quitely, Burnham ha desarrollado un estilo único, vibrante y dinámico. En “Nameless”, el artista sobresale gracias a sus diseños de página y la estructura de las viñetas, buscando siempre los mejores elementos gráficos en cada encuadre y dándole realce a las ya de por sí cautivadoras ilustraciones. No es de extrañar que Morrison lo eligiera para este proyecto, y es que aquí Burnham brilla como una estrella con sus composiciones imaginativas, sus expresivos personajes y sus asombrosas criaturas. Por supuesto, los colores de Nathan Fairbairn son muy acertados, potenciando el increíble trabajo de Burnham. Obviamente Burnham terminaría ganando el premio a mejor artista en el Arion's Achievement Awards del 2015, entre muchos otros trofeos importantes.

April 8, 2016

Tragaldabas - Enrique Jiménez Corominas

I remember that when I was still in high school, buying comics wasn't so easy. Bookshops didn't have entire sections devoted to the 9th art and I had no LCS in my neck of the woods, so finding comics actually required a lot of patience. However, every now and then, I would bump into a dusty treasure, like single issues and trade paperbacks from Spanish publishers. I became very fond of such books, and slowly but surely, I started putting together a very special collection that would include issues of Zona 84, Totem, Comix Internacional and, of course, Creepy (all of them edited by Toutain).

In the second and final run of the Spanish edition of Creepy, Josep Toutain had the good sense of serializing “Tragaldabas” in 6 monthly chapters. The author was Enrique Jiménez Corominas, a 20-year old artist with plenty of talent and enough audacity to compete against veteran creators.

The first chapter of “Tragaldabas” was published in 1990, in the pages of Creepy # 1. Corominas unleashed all his creativity, not only as an artist but also as a writer. The series moved in two directions, on one hand, we have the main plot, in which a religious fanatic kidnaps Saray, a smart journalist responsible for discrediting many sects and pseudo-messiahs; captured by this sinister and fat man, Saray is tortured while forced to listen to the peculiar parables that he tells her. The parables are a fundamental aspect of “Tragaldabas”; obviously, these are not fables or spiritual tales, but rather twisted, violent and often terrifying stories. Thanks to this dual structure, Corominas satisfies his readers by offering a complete story in each Creepy issue (one of the parables told by the captor), while gradually developing the main plot (id est, the intellectual and physical confrontation between the victim and her abductor).

Clearly influenced by the legendary Bernie Wrightson, Corominas also pays homage to Doré's illustrations and Goya's engravings. With precise lines, highly expressive and of a baroque nature, Corominas represents nightmarish landscapes decorated with convulsive and misshapen bodies, quite often mutilated and disfigured.
Saray and her cruel captor / Saray y su cruel secuestrador
Corominas’s style is impressive; a master of ink and brushes, he also has the amazing ability of providing each drawing with an overwhelming amount of detail, texture and figures hidden in the shadows. If we observe, for instance, the first double page spread we'll find an extraordinary image, in which different angles are intertwined in a dramatic composition, light and shadow conceptually divide the perverse world of the religious fanatic (a world, by the way, plagued by macabre symbols, columns coated with human heads and ominous figures barely sketched or blurred in this demonic architecture) and the threatened and vulnerable world of Saray, who seems to be the only body able to attract light.
the church of evil / la igleasia del mal
Another double page spread worthy of praise shows us a wide circular horizon, while the sun sets over this fictional city. At the center, a church erupts with violence; that’s how Corominas balances the visual perspective and reinforces the overwhelming symbolism of his concepts. In another page we see a shark devouring a man, a clear example of Corominas's passion for classic illustration.

It has been many years since I read “Tragaldabas” for the first time, and although the script is a bit flawed, the art is truly wonderful, and in my opinion that's reason enough to pay attention to this graphic novel.
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Recuerdo que cuando todavía estaba en el colegio, comprar cómics implicaba una ardua labor de búsqueda. Las librerías no tenían secciones dedicadas al noveno arte y, en general, salvo alguna que otra honrosa excepción, el arte de encontrar cómics requería una inmensa paciencia. En ese entonces, ir a la feria del libro era siempre un momento emocionante, porque existía la posibilidad de encontrar allí alguna novedad. A menudo la búsqueda era infructuosa, pero a veces uno tenía la suerte de tropezarse con saldos de las editoriales españolas, y vaya que eso era todo un hallazgo. Fue así como llegaron a mis manos, poco a poco, ejemplares de Zona 84, Totem, Comix Internacional y, por supuesto, Creepy (todos ellos editados por Toutain).
The torment begins / el tormento comienza
En la segunda y última etapa de la edición española de Creepy, Josep Toutain tuvo el acierto de incluir una serie de 6 capítulos titulada “Tragaldabas”. El autor era Enrique Jiménez Corominas, un joven de 20 años que demostraba un virtuosismo gráfico superior al de muchos dibujantes, incluso aquellos que contaban con años de práctica continua.
Another victim / otra víctima
El primer capítulo de “Tragaldabas” sería publicado en 1990, en las páginas de Creepy # 1. Allí, Corominas da rienda suelta a su creatividad, no solamente como dibujante sino también como guionista. Narrativamente, la serie se bifurcaba en dos direcciones, por un lado, la trama central, en la que un siniestro fanático religioso secuestra a Saray, una inteligente periodista que se encarga de desacreditar, mediante meticulosas investigaciones, a incontables sectas y supuestos ‘mesías’; apresada por este hombre de gordura casi obscena, Saray deberá soportar una serie de torturas mientras escucha las curiosas parábolas que le son narradas. Es, precisamente, en estas parábolas en las que podemos observar la segunda vertiente de “Tragaldabas”; obviamente, no son fábulas ni cuentos espirituales, sino relatos retorcidos, sangrientos y a menudo aterrorizantes. Gracias a esta doble estructura, Corominas satisface a sus lectores ofreciendo una historia completa en cada número de Creepy (una de las parábolas contadas por el secuestrador), a la vez que desarrolla paulatinamente el núcleo argumental (es decir, la confrontación intelectual y física ente la víctima y su verdugo). 
Parables / parábolas
Claramente influenciado por el legendario Bernie Wrightson, Corominas también canaliza con elegancia las ilustraciones de Doré y los grabados de Goya. Con un trazo minucioso, sumamente expresivo y pletórico en su riqueza casi barroca, Corominas representa paisajes dignos de una pesadilla, con cuerpos convulsos, deformes, a veces poéticamente escultóricos y otras simplemente mutilados y desfigurados. 
Saray tries to run away / Saray intenta escapar

Corominas impresiona desde el primer instante, gracias a su dominio absoluto de la tinta china y a su sorprendente capacidad de dotar a cada dibujo con una abrumadora cantidad de detalles, relieves y figuras ocultas en la oscuridad de las sombras. Si observamos, por ejemplo, la primera página doble encontraremos una imagen extraordinaria, en los que los planos picados y contrapicados se entrecruzan en una dramática composición, la luz y la sombra dividen conceptualmente al mundo perverso del fanático religioso (mundo, por cierto, plagado de símbolos macabros, columnas revestidas con cabezas humanas y figuras ominosas apenas esbozadas o simplemente difuminadas entre esta arquitectura demoníaca) y al mundo vulnerable y bajo amenaza de Saray, quien parece ser el único cuerpo capaz de atraer la luz en este escenario.

Otra  página doble digna de ser analizada es la que nos muestra un horizonte amplio y circular, en medio de un atardecer que sume en la oscuridad a la ciudad ficticia en la que transcurre esta saga. Desde el centro brotando con violencia la iglesia en la que Saray está aprisionada. Corominas realiza un impecable juego de falsas perspectivas que refuerzan el simbolismo arrollador de sus conceptos. Otras páginas, como la del tiburón que devora un hombre, son ejemplos claros de la pasión que Corominas siente por la ilustración clásica como forma artística.

Han pasado ya muchos años desde que leí “Tragaldabas” por primera vez, y aunque el guión presenta alguna que otra falencia, el arte sigue siendo una verdadera maravilla, y solamente por eso merece toda nuestra atención.