Doom Patrol vol. 2 - Grant Morrison & Richard Case

Is a crazy artist a common stereotype? Sometimes it is. And clearly if we take a look at British writers like Alan Moore or Grant Morrison we will realize how eccentric they are and how their work has benefitted tremendously due to their unique peculiarities. 

Brian Bolland

That becomes more than evident in Grant Morrison’s foreword: “I decided straight away that I would attempt to restore the sense of the bizarre that made the original Doom Patrol so memorable. I wanted to reconnect with the fundamental, radical concept of the book – that here was a team composed of handicapped people […] This was a group of people with serious physical problems and, perhaps, one too many bats in the belfry”.

Morrison successfully reinstated the Doom Patrol as the strangest super-group in the world in “Crawling From the Wreckage”, and the next step was to create the Brotherhood of Dada, adversaries worthy of this unsettling team of deranged heroes. Mr. Nobody, the leader of the brotherhood, would describe himself as “the spirit of the twenty-first century, the abstract man. The virtual man. The notional man”, for him good and evil are “outmoded concepts for an antique age”, therefore his only mission is to celebrate the absurdity of life, to exacerbate chaos and to alter or destroy the meaning of things.

In “Nowhere Man” (originally published in Doom Patrol # 26, September 1989), Morrison shares with us the uncanny and hilarious secret origin of Mr. Nobody. And that’s the preamble for one of the most ambitious, wildly creative and insanely brilliant sagas of the Doom Patrol; in “The Painting That Ate Paris” (Doom Patrol # 27, November 1989), we get to see the glorious first accomplishment of the Brotherhood of Dada. 

Simon Bisley

In addition to Mr. Nobody, we have such unusual characters like The Quiz, who literally has all the superpowers you haven’t thought of, and in order to be defeated, all you have to do is think about those superpowers (of course, thinking about hundreds of extraordinary abilities can be actually quite a challenging task); Sleepwalk has unlimited strength so long as she remains asleep while using her powers; The Fog can absorb people but he doesn’t like to do that because then he can’t get rid of all those voices inside his head and Frenzy, an illiterate, homeless man who can turn into a living cyclone.  

Simon Bisley

Unable to deal with illogical threats, such as a painting with the ability to devour the entire city of Paris, the Justice League have no other choice but to wait for the Doom Patrol to save the day. In “Labyrinths” (Doom Patrol # 28, December 1989) and “The Kingdom of No” (Doom Patrol # 29, January 1990), we witness the arrival of the Fifth Horseman, the harbinger of the apocalypse, a creature that travels from one level of the painting to the next, gaining more and more strength each time. Every level of the painting represents a specific artistic movement: realism, impressionism, futurism, fauvism, surrealism, symbolism, cubism, abstractionism and so on. Therefore the only possibility to neutralize this powerful creature is by trapping it on the Dadaism level, thus forcing the horseman to lose all meaning and to embrace absurdity.

Simon Bisley

When the Doom Patrol fails, the Brotherhood of Dada must rescue the protagonists; in fact, when the painting throws up Paris and the Doom Patrol barely manages to escape from it, the brotherhood stays behind, forever living outside our reality. 

Simon Bisley

The Scottish writer also excels in more intimate and character-oriented issues, as we can see in “Going Underground” (Doom Patrol # 30, March 1990) a delirious journey through the exscinded mind of Crazy Jane and her 64 radically different personalities. The saga of the Cult of the Unwritten Book takes place in “The Word Made Flesh” (Doom Patrol # 31, April 1990), “Decreator” (Doom Patrol # 32, May 1990) and “The Puppet Theater” (Doom Patrol # 33, June 1990). Morrison constantly surprises us with dozens of original and wonderfully outlandish concepts; I would dare say that today any writer would take any of those concepts and turn it into a 6-issue miniseries, and the fact that Morrison can include so many page after page just proves how, back in the 80s, he was truly at the top of his game.

Simon Bisley

Before the arrival of the Decreator (a cosmic entity with enough power to eliminate the entire solar system), there are symptoms of the upcoming doomsday. Many odd enemies show up: the Dry Bachelors (composed of lifeless human skin scales), the Mystery Kites (made of skin and bones of murder victims), the Spectres of Delirium, the Never-Never Boys, the Pale Police (with the ability to trap people inside the maze of their own fingerprints), the Hiroshima Shadows (radioactive and atomic ghosts from Japan), the Little Sisters of Our Lady of the Razors, etc. And even against impossible odds, the Doom Patrol finds the way to force the Decreator to go away; in the process they use the Sagrada Familia cathedral in Barcelona as a mystic tuning fork. “Gaudi designed this cathedral to gather and broadcast spiritual energies”, explains Crazy Jane, that and Cliff Steele’s incursion into the extradimensional town of Nurnheim are enough to guarantee the survival of our world.

“The Soul of a New Machine” (Doom Patrol # 34, July 1990) is one of my favorite chapters. It revolves around the philosophical distinction between mind and body, and the prevalence of the former over the latter. While Cliff Steele’s robotic body is under repair, his brain is carefully placed in a tank full of liquid nutrients. As Robotman, Cliff Steele is a fascinating contradiction, a human mind forever trapped inside a robotic body, how much of his humanity has been lost? And what happens when his robotic body develops its own consciousness. At the same time, the Brain and Monsieur Mallah break into the Doom Patrol’s headquarters. The Brain is also a mind without a body, a tormented soul always hoping to find a way to experience life physically. His ally and close partner is Monsieur Mallah, a super intelligent gorilla. Together they discuss about philosophy, cultural movements, history and art; sure, they’re some of the most recurring Doom Patrol supervillains but in the hands of Morrison they’re also a fascinating couple. And, indeed, the author reveals that even if the Brain has no body, he still has feelings and needs; indeed, the Brain and Monsieur Mallah love each other. However, this is more of a Platonic love since the Brain has no body and therefore no way to express his feelings towards Monsieur Mallah, that’s why his original plan is to take over the robotic body of Cliff Steele. This is definitely one of the weirdest and most surreal romantic tales I’ve ever read, and one of DC Comics first stories that openly dealt with homosexuality.

The Painting That Ate Paris / el cuadro que devoró París

Richard Case’s pages get better witch each issue and, in the words of editor Tom Peyer, “watching him grow from a raw but confident talent to an inspired master craftsman has been one of Doom Patrol’s most satisfying rewards”. I must also praise the magnificent covers by Simon Bisley, an artist capable of introducing insanity in visually striking compositions. “Morrison and artist Richard Case took over that fourth-tier superhero series at the beginning of 1989 and spent the next four years driving it through zones of surreal madness that comics had scarcely visited before (and mostly haven’t revisited)”; this wonderful creative team would keep on pushing the envelope, deconstructing the superhero genre while reminding us why rare is a synonym of valuable, and why weird and prodigy fit so well in the same sentence.
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¿Qué tan común es el estereotipo del artista loco? Claramente, si echamos un vistazo a escritores británicos como Alan Moore o Grant Morrison nos daremos cuenta de lo excéntricos que son y veremos cómo su trabajo se ha beneficiado enormemente debido a sus rarezas y peculiaridades.

Justice League of America & Doom Patrol

Eso es evidente en el prólogo de Grant Morrison: “decidí enseguida que iba a intentar restaurar ese sentido de rareza que hizo que la Patrulla Condenada original fuese tan memorable. Quería volver a conectar con el concepto fundamental, radical del título –que aquí había un equipo compuesto por gente con discapacidades [...] Este era un grupo de personas con graves problemas físicos y, tal vez, más de un tornillo suelto”.

This is not a job for Superman / este no es un trabajo para Superman

Morrison reafirmó a la Doom Patrol como el más extraño súper-grupo del mundo en “Arrastrándose desde los escombros”; el siguiente paso era la creación de la Hermandad de Dadá, dignos adversarios de este equipo de héroes inquietantes y trastornados. Mr. Nobody, el líder de la hermandad, se describe a sí mismo como “el espíritu del siglo XXI, el hombre abstracto. El hombre virtual. El hombre conceptual”, en su opinión, el bien y el mal son “conceptos anticuados de una época antigua”, así que su única misión es celebrar lo absurdo de la vida, agravar el caos y alterar o destruir el significado de las cosas.

En “El hombre de ningún lado” (publicado originalmente en Doom Patrol # 26, septiembre de 1989), Morrison comparte con nosotros el extraño e hilarante origen de Mr. Nobody. Y ese es el preámbulo de una de las sagas más ambiciosas, tremendamente creativas e increíblemente brillantes de Doom Patrol; en “El cuadro que devoró París” (Doom Patrol # 27, noviembre de 1989), podemos ver la gloriosa primera misión de la Hermandad de Dadá.

Además de Mr. Nobody, tenemos personajes inusuales como The Quiz, que literalmente tiene todos los poderes en los que no has pensado, y con el fin de ser derrotado, todo lo que tienes que hacer es pensar en esos súper poderes (por supuesto, pensar en cientos de habilidades extraordinarias puede ser en realidad una tarea bastante difícil); Sonámbula tiene fuerza ilimitada, siempre y cuando permanezca dormida mientras usa sus poderes; Niebla puede absorber personas, pero no le gusta hacerlo porque entonces no puede deshacerse de todas esas voces dentro de su cabeza y Frenesí es un vagabundo analfabeto que puede convertirse en un ciclón viviente.

The Word Made Flesh / la palabra hecha carne

Incapaz de hacer frente a amenazas tan ilógicas como un cuadro con la capacidad de devorar a toda la ciudad de París, la Liga de la Justicia no tienen otra opción que esperar a que la Doom Patrol solucione el problema. En “Laberintos” (Doom Patrol # 28, diciembre de 1989) y “El reino de No” (Doom Patrol # 29, enero de 1990), asistimos a la llegada del Quinto Jinete, el precursor del apocalipsis, una criatura que viaja de un nivel de la pintura a la siguiente, ganando cada vez más fuerza. Cada nivel de la pintura representa un movimiento artístico específico: realismo, impresionismo, futurismo, fovismo, surrealismo, simbolismo, cubismo, abstraccionismo y así sucesivamente. Por lo tanto, la única posibilidad de neutralizar a esta poderosa criatura es atrapándola en el nivel del dadaísmo, forzando así al jinete a perder todo significado y a aceptar lo absurdo.

Cuando la Doom Patrol fracasa, la Hermandad de Dadá debe rescatar a los protagonistas; de hecho, cuando el cuadro vomita París y la Doom Patrol apenas logra escapar con vida, la hermandad se queda en la pintura, viviendo para siempre fuera de la realidad.

El escritor escocés también sobresale en capítulos más íntimos, como podemos ver en “Ir bajo tierra” (Doom Patrol # 30, marzo de 1990), un viaje delirante por la mente escindida de Crazy Jane y sus 64 personalidades radicalmente diferentes. La saga del Culto del Libro No Escrito se desarrolla en “La palabra hecha carne” (Doom Patrol # 31, abril de 1990), “Descreador” (Doom Patrol # 32, mayo de 1990) y “El teatro de títeres” (Doom Patrol # 33, junio de 1990). Morrison nos sorprende constantemente con docenas de conceptos originales y maravillosamente extravagantes; me atrevería a decir que hoy en día cualquier escritor tomaría uno de esos conceptos y lo convertiría en una miniserie de 6 ejemplares, y el hecho de que Morrison pueda incluir tantas ideas página tras página demuestra que, en los 80s, él estaba en su mejor momento como guionista. 

Decreator / Descreador

Antes de la llegada del Descreador (una entidad cósmica con el poder suficiente para borrar todo el sistema solar), hay síntomas del inminente día del juicio final. Aparecen muchos enemigos estrambóticos: los Solteros Secos (compuestos por partículas de piel humana sin vida), las Cometas Misteriosas (hechas de la piel y de los huesos de las víctimas de homicidio), los Espectros del Delirio, los Chicos de Nunca-Nunca Jamás, la Policía Pálida (capaces de atrapar a las personas dentro del laberinto de sus propias huellas digitales), las Sombras de Hiroshima (fantasmas radiactivos y atómicos de Japón), las Hermanitas de la Virgen de la Maquinilla de Afeitar, etc. Contra viento y marea, la Doom Patrol encuentra la manera de alejar al Descreador; en el proceso utilizan la Sagrada Familia de Barcelona como un afinador místico. “Gaudí diseñó esta catedral para recoger y transmitir energías espirituales”, explica Crazy Jane, y con la incursión de Cliff Steele en la ciudad extradimensional de Nurnheim se garantiza la supervivencia de nuestro mundo.

The Brain & Monsieur Mallah

“El alma de una nueva máquina” (Doom Patrol # 34, julio de 1990) es uno de mis capítulos favoritos. Gira en torno a la distinción filosófica entre la mente y el cuerpo, y la primacía de la primera sobre la segunda. Mientras que el cuerpo robótico de Cliff Steele está en reparación, su cerebro es colocado cuidadosamente en un tanque lleno de nutrientes líquidos. Como Robotman, Cliff Steele es una contradicción fascinante, una mente humana para siempre atrapada dentro de un cuerpo robótico, ¿cuánto de su humanidad se ha perdido? ¿Y qué ocurre cuando su cuerpo robótico desarrolla una conciencia propia? Al mismo tiempo, Brain y Monsieur Mallah irrumpen en el cuartel general de la Patrulla Condenada. Brain es también una mente sin cuerpo, un alma atormentada que espera encontrar una manera de experimentar la vida física. Su aliado y compañero cercano es Monsieur Mallah, un gorila súper inteligente. Juntos discuten acerca de filosofía, movimientos culturales, historia y arte; desde luego, ellos supervillanos recurrentes de la Doom Patrol, pero en manos de Morrison también son una pareja fascinante. Y, de hecho, el autor revela que, incluso si Brain no tiene cuerpo, todavía tiene sentimientos y necesidades; de hecho, Brain y Monsieur Mallah se aman. Sin embargo, este es un amor platónico ya que Brain no tiene cuerpo y por lo tanto no tiene manera de expresar sus sentimientos hacia Monsieur Mallah, es por eso que su plan es apoderarse del cuerpo robótico de Cliff Steele. Esta es sin duda uno de los relatos románticos más extraños y surrealistas que he leído, y una de las primeras historias de DC Comics que tratan abiertamente el tema de la homosexualidad. 

Las páginas de Richard Case mejoran número tras número y, en palabras del editor Tom Peyer, “verlo crecer desde un talento en bruto hasta ser un maestro artesano que nos inspira ha sido una de las recompensas más satisfactorias de Doom Patrol”. También debo elogiar las magníficas portadas de Simon Bisley, un artista capaz de introducir la locura en composiciones visualmente sorprendentes. “Morrison y el artista Richard Case se encargaron de una serie de superhéroes de cuarta categoría a principios de 1989, y pasaron los siguientes cuatro años llevándola a través de zonas de locura surrealista que los cómics apenas habían visitado en aquella época (y que no se han revisitado desde entonces)”; este maravilloso equipo creativo seguiría rompiendo esquemas con la deconstrucción del género de superhéroes, haciéndonos recordar por qué lo raro es sinónimo de valioso, y por qué extraño y prodigio encajan tan bien en una misma frase. 

June Comics / cómics de junio

Unlike previous months, in June I only got a few comics. Doctor Strange and Cinema Purgatorio were quite good. I bought Rebirth # 1 because it was a giant-sized issue with a very low price (which I always appreciate), and some of my favorite artists were in it; I have to admit it was surprisingly satisfactory. However, the best issue of the month was Alan Moore’s Providence # 9. And now, without further ado, here are June comics as per solicitations:  

CINEMA PURGATORIO #2 
(W) Alan Moore & Various (A) Kevin O'Neil & Various (CA) Ignacio Calero. Welcome once again to the theatre of the macabre! Alan Moore and Kevin O'Neill are your hosts as the finest creators in all of comics join us in an anthology to end all anthologies. Cinema Purgatorio is the ongoing monthly series which brings together the powerhouse creators to tell stories that only Avatar Press could. These tales claw into your brain and nest there as you attempt to recover from the horrors you've witnessed. Illustrated in stark moody black & white, every page of this series is filled with visions from the minds of your favorite creators. Every issue is perfect-bound, with no ads, and all of the works are very long-form, there are no collections planned before 2018. Jump in now and embrace the new future of comics. The one of which Alan Moore has always dreamed. It's here, now. Hiding in the dark corner. Welcome to Cinema Purgatorio.

DC UNIVERSE REBIRTH #1 
It all begins here. Do not skip to the last page. Do not let a friend or message board ruin this comic for you. The future (and past) of the DC Universe starts here. Don't say we didn't warn you! THEY SAID IT: 'Rebirth is about focusing in on the core of the character and their respective universe,' says writer and DC Entertainment Chief Creative Officer Geoff Johns. 'It brings back what has been lost, the legacy of the characters, the love and the hope of the DCU!'.

DOCTOR STRANGE #8
(W) Jason Aaron (A/CA) Chris Bachalo. THE LAST DAYS OF MAGIC STORY CONTINUES! All of Doctor Strange's magic has been destroyed and our world is on the edge of disaster. What on Earth can Stephen do? Rated T+

PROVIDENCE #9 Pantheon Cvr (MR)
(W) Alan Moore (A/CA) Jacen Burrows. The world of H.P. Lovecraft has begun to invade the mind of Robert Black. His quest began as project to write a book but the more he is exposed to these horrors the closer to the edge of insanity he is pushed. The cracks in the world seem to be widening as he nears some inexplicable crescendo of horror. Alan Moore and artist Jacen Burrows have created the most realized version of Moore's Lovecraftian vision ever published. Fans and classical scholars have flocked to the pages of Providence to decipher the many layers of story being told in this masterpiece. Moore has written every cover detail, every single page, and every nuance of this work to create an unforgettable series. Fans of Moore's immersive style and meticulous grasp of storytelling will be thrilled to add this essential piece of comics history to their collections! Available with Regular, Pantheon, Portrait, Dreamscape Wraparound, Women of HPL, and a special Ancient Tome Incentive cover, all by collaborator Jacen Burrows.
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A diferencia de meses anteriores, en junio hubo poquitos cómics. "Doctor Strange" y "Cinema Purgatorio" me gustaron bastante. Compré "Rebirth" porque era un especial extra grande a un precio bajo (algo que siempre valoro), y algunos de mis artistas favoritos estaban allí; debo admitir que fue sorprendentemente satisfactorio. Sin embargo, el mejor cómic del mes fue "Providence" de Alan Moore. Así que sin más preámbulos los dejo con los cómics de junio:

my drawing / mi dibujo

CINEMA PURGATORIO #2
¡Bienvenidos una vez más al teatro de lo macabro! Alan Moore y Kevin O'Neill serán vuestros anfitriones en esta antología. Estos relatos quedarán grabados en vuestros cerebros y allí anidarán a medida que intentéis recuperaros de los horrores que habéis presenciado. Ilustraciones a blanco y negro, todas las páginas son fieles a la intención de sus creadores.

DC UNIVERSE REBIRTH #1
Todo comienza aquí. El futuro (y el pasado) del Universo DC. No digáis que no os lo advertimos. Así lo dijeron: “REBIRTH se centra en el núcleo del personaje y en su respectivo universo”; y “recupera lo que se ha perdido, el legado de los personajes, el amor y la esperanza del Universo DC”.

DOCTOR STRANGE #8
“Los Últimos Días de la Magia” continúan. Toda la magia del Doctor Extraño ha sido destruida y nuestro mundo está al borde del desastre.

PROVIDENCE #9 (MR)
El mundo de H.P. Lovecraft ha comenzado a invadir la mente de Robert Black. Su viaje comenzó como un proyecto para escribir un libro pero al exponerse cada vez más a los horrores, se ha ido acercando al borde de la locura. Las grietas en el mundo parecen estar aumentando, mientras que el inexplicable terror va en crescendo. Disponible en portadas Regular, Panteón, Retrato, Escenario onírico, Mujeres de Lovecraft, y Tomo Antiguo, todas hechas por Jacen Burrows.

Captain America: War and Remembrance - Roger Stern & John Byrne

As Captain America, Steve Rogers is the living embodiment of the American Dream. “I’m totally human! But I’m fighting for a cause… a dream! And that makes all the difference”, explains the Sentinel of Liberty. The hero’s strength lies not in his muscles but in his heart, what makes him invincible isn’t his shield but rather his conviction of doing the right thing. 

                  251: John Byrne  []  252: Al Milgrom                

Roger Stern understood what made Captain America so special: Steve Rogers, the man under the mask, was every bit as important as the Avengers leader. Thanks to Stern and Byrne we witnessed Steve Rogers’ private life. As a freelance artist, Steve has to actively look for any possible job in advertising agencies, and try to meet all deadlines even if that means staying up all night. I often wonder how much of the authors’ own lives had found its way into the adventures of Marvel’s most respected superhero. 

253: Byrne & Rubinstein  []  254: Byrne & Rubinstein

Both Roger Stern and John Byrne were also freelance artists, under the unfair but frequent ‘work for hire’ system that still exists today. We get to see Steve Rogers exhausted after patrolling the streets as Captain America, unable to sleep because he has work to do, he has a deadline, and if he fails the agencies will simply ask another freelance to complete the work. As endearing as these scenes can be in fiction, they still ring true especially if we consider how many sleepless nights Stern and Byrne had, and not only during their Captain America run but also after decades of devoting their creative energy to an industry that has ostracized them and sometimes flat out rejected them in recent years.

255: Frank Miller & John Romita Jr.

One of my favorite scenes in “The Mercenary and the Madman” (originally published in Captain America # 251, November 1980), involves Bernie Rosenthal helping Steve Rogers after he has spent around 30 hours without sleeping. In certain moments, we can almost feel as if we’re invading the hero’s privacy, but Stern presents the situations with such subtlety and intelligence that it really is a delight to learn more about the man, after all, we are already quite familiar with his superhero side. 

After leaving his Brooklyn Heights apartment, Captain America discovers that Batroc and Mr. Hyde are working together. They have hijacked a Roxxon ship transporting countless tons of liquid gas, enough to burn half of New York, killing millions of lives in the process; their demands are quite simple: a one billion dollar ransom. After a couple of nights without sleeping, Captain America is already showing signs of fatigue and thus he’s easily defeated by Mr. Hyde.  

In “Cold Fire!” (Captain America # 252, December 1980), the true confrontation is between Batroc and Mr. Hyde, as they each represent a different kind of villain. Batroc, a refined French mercenary and a master in hand to hand combat desires nothing but a luxurious life, while Mr. Hyde wants to destroy New York even after receiving the ransom. These two opposing perspectives are cleverly summarized in Batroc’s statement: “Taking money from a thieving oil cartel like Roxxon is one thing, but mass murder is quite a different matter! Batroc shall have no part of it”.

Captain America & The Avengers

Throughout the issue, even Captain America criticizes the Roxxon CEO for his complete disregard for the safety of the citizens of New York. In fact, when Captain America visits the district attorney he runs into corrupt politicians who take briberies from powerful companies. Stern and Byrne constantly highlight problems that continue to exist even after 3 decades. “Steve Rogers is a patriot and an idealist, but he’s no starry-eyed fool. As he grew up, he saw corruption, bigotry, and hypocrisy first hand”, explains Roger Stern. That’s why, perhaps even more than other heroes, Captain America is the only one who can understands how negative selfishness and greediness can be for any society.

Steve Rogers & Bernie Rosenthal 

And that’s also why Captain America is the only hero capable of inspiring people, even mercenaries like Batroc. As a matter of fact, Batroc risks his life saving Captain America and fighting against Mr. Hyde, an adversary so powerful that the French man could not vanquish without help. After an impressive battle (spectacularly illustrated by Byrne), Mr. Hyde is defeated, and Batroc tries to run away with all the money. When he’s captured a strange complicity seems to take place between the hero and the mercenary, Batroc is famous for his code of honor, so he accepts his defeat calmly and elegantly. But Captain America confesses that if not for the money, he would have felt tempted to let the mercenary run away. After all, albeit briefly, they worked together as allies. By the way, the cover of this issue was penciled by Al Milgrom and inked by Joe Rubinstein.

“Should Old Acquaintance Be Forgot” (Captain America # 253, January 1981) and “Blood on the Moors” (Captain America # 254, February 1981) are a heartfelt homage to WWII and even fantasy/horror literature (especially Bram Stoker’s Dracula). Captain America travels to England, to answer the call of Lord Falsworth, formerly known as Union Jack, a British hero that was a member of the Invaders in the 40s. Captain America is delighted to see Jacqueline Falsworth Crichton (AKA Spitfire) after so many years, but for her, the presence of the Sentinel of Liberty is quite painful, as it reminds her of how old she is now. Captain America hasn’t aged a day because he was in suspended animation for decades, but the people he met during the war are now old, tired and powerless. The villain is the evil vampire known as Baron Blood, and in order to win this battle Captain America is helped by Kenneth Crichton (Lord Falsworth’s grandson) and his best friend Joey Chapman, a working-class youngster. In the end, Joey Chapman will become the new Union Jack, thus breaking the tradition of having only noble men as the heroes of the United Kingdom.

Finally, “The Living Legend” (Captain America # 255, March 1981) is a very entertaining retelling of Captain America’s origin. Stern and Byrne did everything they could to fix a few inconsistencies and continuity errors that had piled up over the years. The result is a wonderful standalone adventure, and one that also marks the end of the Stern-Byrne era (and with a great Frank Miller cover). Stern had already plotted the next 3 issues, and Byrne had already penciled 6 pages of what would be their tenth issue, but sadly it all came to a sudden stop (luckily those 6 pages are included in the Marvel Universe Omnibus by John Byrne). 

Batroc & Mr. Hyde

Many fans have come up with interesting hypothesis trying to explain the abrupt departure of Stern and Byrne. John Byrne affirms that editor in chief Jim Shooter put some pressure on Jim Salicrup, the editor of Captain America, and as a result both Stern and Byrne quit. However, in a more recent declaration, Stern pointed out that at the time there were no royalty payments for creators, and their only additional compensation was a “continuity bonus” which was made effective after the creative team had completed 6 consecutive issues. It’s possible that due to the strict deadlines (the same ones that made Steve Rogers stay up all night!), the editors suggested a fill-in issue, which meant that Byrne and Stern wouldn’t receive their next “continuity bonus”. Unsatisfied with how they were being treated, Stern and Byrne resigned, leaving the readers forever hungry for the next issues which, I’m sure, would have been absolutely fantastic. 
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Al asumir la identidad de Captain America, Steve Rogers es la encarnación viviente del sueño americano. “¡Soy totalmente humano! Pero estoy luchando por una causa... ¡un sueño! Y eso hace toda la diferencia”, explica el Centinela de la Libertad. La fuerza del héroe no reside en sus músculos, sino en su corazón; lo que lo hace invencible no es su escudo, sino la convicción de actuar con justicia.

Batroc and Cap fight together / Batroc y el Capi pelean juntos

Roger Stern entendía muy bien por qué Captain America era tan especial: Steve Rogers, el hombre bajo la máscara, era igual de importante que el líder de los Vengadores. Gracias a Stern y Byrne, somos testigos de la vida privada de Steve Rogers. Como artista freelance, Steve tiene que esforzarse en la búsqueda de algún posible trabajo temporal en agencias de publicidad, y tratar de cumplir con los plazos de entrega, incluso si eso significa permanecer despierto toda la noche. A menudo me pregunto cuánto de la vida de los autores se refleja en las aventuras del superhéroe más respetado de Marvel.

Roger Stern y John Byrne también eran artistas freelance, bajo el injusto pero frecuente sistema de “trabajo por encargo” que todavía existe hoy día. Aquí vemos a un Steve Rogers agotado, después de patrullar las calles como Captain America, incapaz de dormir porque tiene trabajo pendiente, fechas límites, y si no termina a tiempo la agencia simplemente le pedirán a otro freelance que termine el trabajo. Aunque estas escenas puede ser entrañables en la ficción, tienen un origen bastante verídico sobre todo si tenemos en cuenta que Stern y Byrne pasaron muchas noches sin dormir, no sólo durante su etapa en Captain America, sino a lo largo de las varias décadas en las que le dedicaron toda su energía creativa a una industria que, en años recientes, los ha condenado al ostracismo y al rechazo.

The Invaders

En una de mis escenas favoritas de “El mercenario y el loco” (publicado originalmente en el Captain America # 251, noviembre de 1980), Bernie Rosenthal ayuda a Steve Rogers después de que él ha estado alrededor de 30 horas sin dormir. En ciertos momentos, casi podemos sentir que estamos invadiendo la privacidad del héroe, pero Stern presenta las situaciones con tal sutileza y astucia que realmente es una delicia averiguar más sobre el humano, después de todo, ya estamos bastante familiarizados con su lado superhumano.

Baron Blood

Después de salir de su apartamento en Brooklyn Heights, Capitán América descubre que Batroc y Mr. Hyde están trabajando juntos. Ellos han secuestrado un barco de Roxxon que transporte incontables toneladas de gas líquido, suficiente como para quemar la mitad de New York, causando millones de muertes en el proceso; sus demandas son muy simples: un rescate de un billón de dólares. Después de un par de noches sin dormir, Captain America muestra signos de fatiga y por lo tanto es fácilmente derrotado por Mr. Hyde.

Joey Chapman 

“¡Fuego frío!” (Captain America # 252, diciembre de 1980), da paso a la verdadera confrontación entre Batroc y Mr. Hyde; cada uno de ellos representa un tipo diferente de villano. Batroc, un mercenario francés refinado y un maestro en el combate mano a mano, no desea otra cosa sino una vida de lujos, mientras que Mr. Hyde quiere destruir New York, incluso después de recibir el dinero del rescate. Estos dos puntos de vista opuestos son adecuadamente resumidos en la declaración de Batroc: “Quitarle dinero a una multinacional petrolera como Roxxon, que nos roba a todos, es una cosa; ¡pero el asesinato en masa es un asunto muy diferente! Batroc no participará en algo semejante”.

A lo largo del capítulo, incluso el Captain America critica el gerente general de Roxxon por su total falta de interés en la seguridad de los ciudadanos de New York. De hecho, cuando Captain America visita al fiscal del distrito se encuentra con políticos corruptos que aceptan sobornos de empresas poderosas. Stern y Byrne resaltan constantemente problemas que continúan existiendo incluso ahora después de 3 décadas. “Steve Rogers es un patriota y un idealista, pero no es tonto ni un iluso. Cuando creció, vio la corrupción, la intolerancia y la hipocresía de primera mano”, explica Roger Stern. Por eso, tal vez incluso más que otros héroes, el Capitán América es el único que entiende de qué manera el egoísmo y la avaricia pueden ser negativos para cualquier sociedad.

Union Jack

Y también por dicho motivo, el Capitán América es el único héroe capaz de inspirar a la gente, incluso a los mercenarios como Batroc. De hecho, Batroc se arriesga para salvar a Captain America y lucha contra Mr. Hyde, un adversario tan poderoso que el francés apenas logra hacer tambalear. Después de una batalla impresionante (espectacularmente ilustrado por Byrne), Mr. Hyde es derrotado, y Batroc trata de huir con todo el dinero. Cuando es capturado una extraña complicidad parece tener lugar entre el héroe y el mercenario, Batroc es famoso por su código de honor, así que acepta su derrota con calma y con elegancia. Pero el Capitán América confiesa que si no fuera por el dinero, se habría sentido tentado a dejar que el mercenario huyese. Después de todo, aunque sea brevemente, habían sido aliados. Por cierto, la portada de esta edición fue hecha a lápiz por Al Milgrom y entintada por Joe Rubinstein.

Steve Rogers & Bucky Barnes

“Si acaso las viejas amistades fuesen olvidadas” (Captain America # 253, enero de 1981) y “Sangre en los pantanos" (Captain America # 254, febrero de 1981) son un honesto homenaje a la Segunda Guerra Mundial y a la literatura de fantasía / terror (especialmente “Drácula” de Bram Stoker). Capitán América viaja a Inglaterra, para responder a la llamada de Lord Falsworth, anteriormente conocido como Union Jack, un héroe británico que fue miembro de los Invasores en los 40s. A Captain America le complace ver a Jacqueline Falsworth Crichton (alias Spitfire) después de tantos años, pero para ella, la presencia del Centinela de la Libertad es bastante dolorosa, ya que le recuerda su edad actual. Captain America no ha envejecido ni un sólo día porque estuvo en animación suspendida durante décadas, pero las personas que conoció durante la guerra ahora son ancianos, cansados y sin poderes. El villano es el malvado vampiro conocido como Baron Blood (Barón Sangre), para ganar esta batalla Captain America le pide ayuda a Kenneth Crichton (nieto de Lord Falsworth) y a su mejor amigo Joey Chapman, un joven de clase obrera. Al final, Joey Chapman se convertirá en el nuevo Union Jack, rompiendo así la tradición de aceptar solamente nobles como los héroes del Reino Unido.

Por último, “La leyenda viviente” (Captain America # 255, marzo de 1981) recuenta el origen del Capitán América. Stern y Byrne hicieron todo lo posible para arreglar algunas incoherencias y errores de continuidad que se habían acumulado durante los años. El resultado es una maravillosa aventura auto-conclusiva, que también marca el fin de la era Stern-Byrne (la grandiosa portada es de Frank Miller). Stern ya había escrito los siguientes 3 números, y Byrne ya había dibujado a lápiz las 6 primeras páginas de lo que sería su décimo número, pero lamentablemente todo se detuvo de manera abrupta (por suerte esas 6 páginas se incluyen en el Marvel Universe Omnibus de John Byrne).

Muchos fans han intentado explicar la repentina salida de Stern y Byrne. John Byrne afirma que Jim Shooter, el editor en jefe, presionó a Jim Salicrup, el editor de Captain America, y como resultado, tanto Stern y Byrne renunciaron. Sin embargo, en una declaración más reciente, Stern señaló que en esa época no había pago de regalías a los creadores, y la única compensación adicional que ellos recibían era un “bono de continuidad” que se hacía efectivo después de que el equipo creativo completara 6 números consecutivos. Es posible que debido a los estrictos plazos de entrega (¡los mismos que obligaban a Steve Rogers a permanecer despierto toda la noche!), los editores propusieran un número de relleno (con otros autores), lo que significaba que Byrne y Stern no recibirían su próximo “bono de continuidad”. Insatisfechos con la forma en que estaban siendo tratados, Stern y Byrne renunciaron; a los lectores no los quedó otra alternativa que soñar con esos próximos números que, estoy seguro, hubiesen sido absolutamente fantásticos.

Névé - Dieter & Lepage

When I began writing and drawing my own comics, I developed a ‘critical’ eye so to speak; it is no coincidence that this blog and my first comics appeared pretty much at the same time. Drawing has allowed me to understand the real difficulties that every artist (regardless of his age or nationality) must face. Now good art completely captures my attention. And after browsing some pages of Névé I immediately fell in love with the exquisite artwork of Emmanuel Lepage.

In 2010 Glénat published a deluxe hardcover edition that included the five albums of Névé, written by Dieter and illustrated by Lepage. Each album represents a key moment in the life of Névé, a French teenager; but there is also a particular color that represents different aspects of his personality.

“Bleu Regard” (“Blue Gaze”) was originally published in September 1991. In this album, Névé witnesses the death of his father, an arrogant alpinist determined to climb the peak of the Aconcagua, in Argentina. “This expedition is only the beginning of a painful and steep ascent into adulthood”. Indeed, Névé will never be able to forget this traumatic event.

Emmanuel Lepage’s art is gorgeously vibrant, with moments of majestic calmness; the characters jump, hike and climb dynamically, but at the same time they stand still admiring the beauty of the snowy mountain. In the hands of Lepage, peace and conflict, inaction and movement, warmth and coldness, are no longer contradictory but rather complementary concepts.

The wonderful colors are provided by Marie-Paule Alluard, who understands perfectly how to make these natural scenes stand out even more with the application of a soft hue or a sober pigment. Instead of Flaubert’s 'mot juste'. What we see here is exemplary penciling, inking and coloring, and such combination should be denominated as 'image juste'. Obviously, in this chapter blue prevails, with its poetic allusions (let’s remember Charles Baudelaire’s passion for L'azur), Lepage’s illustrations are like pure and unbridled poetry, and the way the color unfolds before us has a semantic meaning; after all, blue is a synonym for sadness, a prelude to depression.

Aconcagua, Argentina

“Soley Vert” (“Green Sun”) was published in September, 1992. Névé is still coming to terms with the death of his father. He’s not the enthusiastic boy we saw in the first chapter; now he is a brooding, melancholic and bad-tempered teenager. His cousin Laurent is his legal guardian, but his own inexperience and immaturity intensify the conflict with Névé. Interested in ethnography, Névé visits the island of Saint Denis; there he finds poverty and misery, and as a French citizen he’s rebuffed by the locals.

Despite economic hardship, the island is a green paradise. There are plants and forests everywhere. It’s all green, at least as far as the eye can see. But the title refers mainly to a strange luminous effect during sunset. Lepage art is breathtakingly beautiful, especially in the ‘green sunset’ scene or during the storm sequence.

In December 1994, “Passion Rouge” (“Red Passion”) was released. The protagonist is still a shy kid but tries to embrace the possibility of friendship. Névé meets Emily, an attractive although mysterious Irish girl. The fragility of first love, in a way, mirrors Emily’s home: an ancient monastery in ruins. Lepage certainly highlights the architectural beauty of the place.

climbing is like flying? / ¿escalar es como volar?

In this chapter, Lepage’s hyper-realistic style is complemented by a more impressionistic approach: the paintings done by Emily's stepfather. However, Névé well uncover a terrible secret: the model in the paintings is always the same: Emily; and she is in different but very provocative poses. The old painter had been sexually abusing Emily for several years, while the mother pretended that there was nothing going on. Frightened, Névé intends to return home, but he is easily seduced by Emily. As a consequence, the boy has his first sexual experience. Lepage offers truly moving images, and also conveys all the power of eroticism in this grim story. In the end, the stepfather is stabbed by the mother, and Emily decides never to talk again with Névé.

“Blanc Népal” (“White Nepal”) was released in January 1996. Névé and her aunt Marlène travel to Nepal, to an ashram, a kind of sect made up by a lot of European men and women desperate to learn the wisdom of Buddha and to have a life of tranquility, in a rural setting, devoid of luxuries and material goods. Marlène still feels responsible for the death of Névé’s father; after all, she was the only survivor of that expedition. Now she is easy prey to the manipulations of this group of people. Névé tries to protect her, but his clumsiness and impatience prevent him from succeeding.

Névé

White is the main color in this chapter; at times, Lepage uses an opaque white that seems to symbolize the end of innocence; on other occasions, however, white is simply the Asian color for mourning. The central point here was the painful reconciliation with the past. While Marlène listens carefully to the “wise” men and their worthless philosophy, Névé reads “Demian”, by Herman Hesse. The strange final kiss between the two boys, at the end of Hesse’s novel, stirs something in Névé. The French teen befriends a Nepalese young man, and they spend a lot of time together.

Saint Denis

“Désirs Noirs” (“Black Desires”), published in May 1997, is the darkest period in Névé’s life. Névé is about to turn 20, and he’s forced to work in a boring travel agency. He rejects constantly the girls who approach him. It is a time of crisis for Névé, and that's why he decides to return to alpinism. Climbing a mountain with a group of strangers may look like a peculiar therapy, but the truth is that this activity allows Névé to reconnect with his true self.

about to jump / apunto de saltar

On the mountain, Névé meets Alexandre. Both recite the poem “Mon rêve familier” by Paul Verlaine (who scandalized the 19th century society due to his forbidden romance with the underage Arthur Rimbaud). There is the feeling of a forbidden passion in the way that Névé looks at Alexandre. They hug in the shadows, they touch and kiss each other, and then they turn away ashamed.

Even more than in previous chapters, black lines prevail; most of the scenery is dimly lit, and there are many nocturnal sequences. For Névé, being heartbroken is like being lost in the shadows. Finally, after much consideration, he manages to stand up and confess his love for Alexandre. Finally, becoming an adult means stop worrying about what others think of him, while admitting his true desire.

Névé is an excellent graphic novel, and a fine example of what the French bande dessinée can accomplish. It is also a stunning work of art, a thorough study of the relationship between human beings and their environment, a special journey that celebrates the vicissitudes and conflicts of adolescence, and the dramas of early youth. In essence, it is an essential work for those who love the 9th art.
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Desde hace ya varios años o, más concretamente, desde que empecé a escribir y dibujar mis propios cómics, tengo una actitud crítica hacia el noveno arte que, quizás, antes no era tan evidente. No es coincidencia que este blog y mis primeros cómics hayan visto la luz del día más o menos en las mismas fechas. Dibujar me ha permitido entender, íntimamente, las verdaderas dificultades a las que se enfrenta todo artista, de cualquier nacionalidad o época. Es por eso que hoy, cada vez más a menudo, el buen arte captura por completo mi atención. Y tras haber ojeado de pura casualidad algunas páginas de Névé quedé inmediatamente cautivado por el exquisito trazo de Emmanuel Lepage.

Emily's home / el hogar de Emily

En el 2010 la editorial Glénat publicó un lujoso volumen integral en tapa dura que recopilaba los cinco álbumes de la extraordinaria serie de Névé, creada por el guionista Dieter e ilustrada por Lepage. Cada álbum representa un momento clave en la vida del adolescente Névé, pero también un color en particular que identifica una característica esencial de su personalidad. 

Love is fragil / el amor es frágil

“Bleu regard” (“Mirada azul”), se publicó originalmente en setiembre de 1991. Névé, apenas un chiquillo, presencia la muerte de su padre, un curtido alpinista que, presa del orgullo y la soberbia, decide a toda costa escalar la cima del Aconcagua, en Argentina. “Esta expedición no es más que el principio de una dolorosa y empinada ascensión hacia la vida adulta”. En efecto, el traumático evento marcará para siempre la vida de Névé.

Las páginas de Emmanuel Lepage son, simultáneamente, un estallido pictórico y también un momento de calma majestuosa; los personajes saltan, trepan y escalan con un enorme dinamismo, pero al mismo tiempo, también quedan inmóviles frente al hermoso espectáculo de la montaña nevada. Paz y conflicto, inacción y movimiento, calor humano y frialdad climática, se convierten más en aspectos complementarios que en ideas contradictorias gracias al excelente pincel de Lepage. 

Los maravillosos colores son proporcionados por Marie-Paule Alluard, quien entiende a la perfección cómo lograr que estos escenarios naturales destaquen aún más con la aplicación justa de un cierto matiz o una suave tonalidad. Más que el ‘mot juste’ del que hablaba Flaubert, aquí hay una línea ideal y un color ejemplar, que se conjugan magistralmente para crear la ‘image juste’. Obviamente, en este capítulo impera el azul, en su vertiente poética (recordemos la pasión de Charles Baudelaire por L'azur), y es que realmente Lepage hace poesía visual, pura y desenfrenada pero también el color se despliega ante nosotros con una carga semántica más grave: el azul como sinónimo de la tristeza, como antesala de la depresión.

Un año después, en setiembre de 1992, se publicó “Vert Solèy” (“Sol verde”). Névé todavía está procesando la muerte de su padre. Ha desaparecido el chiquillo entusiasta del primer capítulo y ahora sólo queda el adolescente meditabundo, melancólico y a veces simplemente malgeniado. Su primo Laurent ha asumido el rol de tutor legalmente, pero su propia inexperiencia e inmadurez acentúan el conflicto con Névé. Con un afán etnográfico, Névé recorre las inmediaciones de la isla de Saint Denis. Lo que encuentra es pobreza y miseria, y un cierto resentimiento de los lugareños hacia los franceses. 

Névé's first sexual experience / la primera experiencia sexual de Névé

A pesar de las carencias económicas, la isla es un paraíso verde. Hay bosques por doquier, y plantas en todas partes. El verde está sumamente presente. Pero el título hace referencia sobre todo a un extraño efecto de la luz que se produce durante el atardecer estival. El arte de Lepage es de una belleza sobrecogedora, basta ver la representación de la tormenta que azota la isla para convencernos del enorme talento de este artista francés. 

Nepal

En diciembre de 1994, aparece “Rouge passion” (“Rojo pasión”). Los autores nos descubren a un protagonista a veces avasallado por el pudor, pero también seducido por promesa de la amistad. Névé conoce a Emily, una chica irlandesa que lo deja profundamente impresionado. La fragilidad del primer amor es magistralmente representada por Lepage mediante diversos detalles, por ejemplo, el hogar de Emily es una antigua abadía en ruinas. El recinto tiene una belleza arquitectónica inigualable, que Lepage nos transmite intensamente, pero también tiene un aura a decadencia y a podredumbre. 

En este capítulo, el estilo hiperrealista de Lepage le da la bienvenida a algunas intervenciones pictóricas de primer nivel: los cuadros que el padrastro de Emily pinta a escondidas. Sin embargo, cuando Névé inspecciona los cuadros a escondidas desentraña un terrible secreto: la modelo es siempre la misma, Emily, en todo tipo de poses provocativas. El viejo pintor había estado abusando sexualmente de Emily por varios años, y la madre se hacía de la vista gorda. Asustado, Névé pretende regresar a su casa, pero es fácilmente seducido por Emily, y es así como el adolescente tiene su primera experiencia sexual. Lepage nos ofrece imágenes realmente conmovedoras, y también convoca todo el poder del erotismo en este relato sombrío. Al final, el padrastro es acuchillado por la madre, Emily decide recluirse, rechazando a Névé. 

“Blanc Népal” (“Blanco Nepal”) es publicado en enero de 1996. Névé y su tía Marlène viajan a Nepal, a un ashram, una especie de secta compuesta por un montón de europeos desesperados por aprender la sabiduría de buda y por llevar una vida sosegada, campestre, desprovista de lujos y bienes materiales. Marlène todavía se siente responsable por la muerte del padre de Névé, al fin y al cabo, ella apenas logró sobrevivir en aquel fatídico viaje. Y ella es presa fácil de las manipulaciones de este grupo de personas. Névé intenta protegerla, pero su torpeza adolescente y su impaciencia le juegan una mala pasada. 

Névé and his new friend / Névé y su nuevo amigo

El blanco es el color central en este capítulo; por momentos, Lepage utiliza un blanco crepuscular que pareciera hacer referencia al fin de la inocencia; en otras ocasiones, no obstante, el blanco denota el luto oriental. Para los autores, el eje temático de este álbum era la dolorosa reconciliación con el pasado. Mientras Marlène escucha con atención a los supuestos sabios que hacen gala de su asertividad, Névé se dedica a leer Demian de Herman Hesse. El extraño beso final entre el joven protagonista y su amigo, el mismo que pone fin a la novela, causará en Névé un efecto inesperado. El muchacho francés se hace muy amigo de un joven nepalés, y cada vez pasan más tiempo juntos. 

“Noirs Désirs” (“Negros deseos”), con fecha de mayo de 1997, es la etapa más oscura en la vida de Névé. A los 20 años, Névé se ve forzado a trabajar en una aburrida agencia de turismo, y constantemente se aleja de las chicas que demuestran interés en él. Es un momento de crisis para Névé, y es por eso que decide regresar al alpinismo. Escalar una montaña con un grupo de desconocidos puede parecer una peculiar terapia, pero lo cierto es que esta actividad, practicada por Névé desde niño, le permite reconectarse con su verdadero yo. 

Es en este escenario en el que Névé conoce a Alexandre. Ambos recitan de memoria el poema “Mon rêve familier” de Paul Verlaine, quien escandalizó a la sociedad francesa decimonónica debido a su romance prohibido con el joven Arthur Rimbaud. Hay algo de prohibido en el primer intento de acercamiento entre Névé y Alexandre. Ambos se abrazan en la penumbra, se tocan, se besan, y luego se alejan avergonzados. 

Névé & Alexandre

Incluso más que en capítulos anteriores, Lepage hace prevalecer la tinta negra, los escenarios escasamente iluminados, la noche. Para el mismo Névé, la desilusión amorosa es como estar sumido en las sombras. Por fin, luego de mucha reflexión, logra ponerse en pie y confesar su amor por Alexandre. Para él, finalmente, ser adulto significa dejar de preocuparse por lo que los demás piensan de él, y admitir su verdadero deseo.

Névé es una excelente novela gráfica, y prueba irrefutable de que la bande dessinée francesa sigue estando más viva que nunca. Es también una obra de arte deslumbrante, un estudio concienzudo de la relación entre el ser humano y su entorno, una travesía especial que celebra las vicisitudes y los conflictos de la adolescencia, pero también los dramas propios de la juventud temprana. En esencia, se trata de una obra imprescindible para todos los amantes del noveno arte.

Pensemos bien con Liniers - MAC

Gracias al invalorable apoyo del MAC y del BBVA Banco Continental, actualmente podemos disfrutar de la magnífica muestra “Pensemos bien con Liniers”. Se trata de una cuidada selección de dibujos, ilustraciones, pinturas e incluso hasta esculturas del gran historietista argentino. 

Saludé a Liniers hace 5 años, cuando la editorial Polifonía publicó “Lo que hay antes de que haya algo”; de hecho, él me firmó un ejemplar del volumen en tapa dura y también incluyó una pequeña caricatura del gato Fellini, ubicuo personaje de las tiras cómics.

En esta ocasión, sin embargo, Liniers estuvo presente solamente durante el día y se fue antes del cóctel de inauguración. De todos modos, fue una noche espectacular, con una amplia variedad de bocaditos gourmet y una fina selección de licores. Me encontré con viejos amigos como Didi Arteta, Gabriela Ibáñez y hasta mi ex jefe de la revista COSAS. 

Luego, con más calma, volví a visitar el museo barranquino. Era necesario ver una vez más los maravillosos originales de Liniers. Para un amante del noveno arte como yo, es realmente un lujo poder tener acceso a las páginas originales y poder observar el trazo del autor, su prolija aplicación de acuarelas y los apuntes a lápiz realizados en los márgenes de las hojas. La muestra también incluye pinturas en gran formato y otras obras, pero sin duda el verdadero tesoro son las historietas.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a color)

La muestra sigue abierta al público en el MAC, y para aquellos que viven en Barranco, la entrada es gratuita los días domingos. Vale la pena darse una vuelta por ahí.