Saga of the Swamp Thing # 20 & 21 - Alan Moore, Day & Bissette

covers by Tom Yeates /portadas de Tom Yeates  

We live in a world without mystery. Science seems to have explained everything; there are no dark and secret corners, every island has long been discovered, every ancient culture has been studied, every aspect of the human mind has been investigated. And yet, we know nothing. 

When we are children, we see the world with excitement. Everything is new, everything is possible. Everything is a mystery. As we grow up, we find explanations for everything, we embrace reason and discard passion. Everything seems old, and we grow tired ever so easily.

Alan Moore reminds us of all this in “Loose Ends” (originally published in Saga of the Swamp Thing # 20 in January 1984), the extraordinary beginning of Moore’s epic run. The Swamp Thing sees himself as a human who has turned into a monster while Anton Arcane, his archenemy, is a human who has lost even his last shred of humanity. Either way, they’re both monstrous elements that can never fit into the world. 

Arcane is dead, and Swamp Thing is persecuted by an army of mercenaries under the orders of Sunderland. Sunderland is a successful entrepreneur, a self-made man who has built a vast financial empire. He intends to kill this creature of the swamps of Louisiana. And, against all odds, he succeeds. 

Like Goya said once, “the sleep of reason produces monsters”, and Sunderland is all reason, cold rationality and selfishness. His men arrive with weapons and reflectors. The entire forest is surrounded by lights, and suddenly, all comforting shadows are gone. The mystery of the Swamp Thing is revealed, confronted and dealt with.

There is a strong sense of nostalgia in Moore’s pages, which reminds me of a couple of particularly moving tales. One of them is from “The Spirit” by Will Eisner, and it describes the youthful passion of a dreamer who wants to travel and discover an island, who wants to do what the great explorers of the past have done, and he sets about in this unfruitful journey, and in the end, he and his companion realize that there are no more islands to discover, no virgin lands; as painful as it sounds, there is nothing new under the sun. 

In a similar venue, in the novella "The Queen of Air and Darkness" by Poul Anderson a group of men in an alien planet hear rumors about strange beings that resemble mythical creatures from Celtic legends. Can this be possible? In a future in which technology has eradicated life’s greatest enigmas, this might very well be the last mystery on the galaxy. And, of course, once they find the answer they seek, they realize that by eliminating mysteries their lives are now even emptier than before. 

Moore manages to convey a similar feeling of hopelessness. We see the desperate fight of the Swamp Thing, but in the end, the sheer numbers of his opponents overpower him. Moore is famous for his full script approach, and the result is a magnificent visual composition, penciled by Dan Day and inked by John Totleben; using birds or plants as part of the framing, the beauty of the page is made evident not only by the thorough renditions of bodies and shadows but also by the astounding design. 

Loose Ends / Cabos sueltos

In Moore’s first issue, the protagonist is shot in the head and dies. So it’s only fitting then, to have his autopsy in the following chapter. A very unconventional beginning, but quite engaging at the same time. Saga of the Swamp Thing # 20 (February 1984) is considered one of the best stand-alone adventures ever published. With this story -“The Anatomy Lesson”- Alan Moore ushers in a new era of comic book storytelling. For decades to come, critics and authors will talk about deconstruction. I’d venture to say it all started here. 

Dan Day & John Totleben

Back in the day, Len Wein and Bernie Wrightson created the Swamp Thing. Years later, Wein got in touch with Moore and offered him to continue the saga of this spooky character. Moore agreed on a few conditions, one of them, was to re-tweak the origin. Moore creates a fascinating narrative that encompasses the primigenius birth and in doing so he finds structural fissures that he brilliantly resolves. He, therefore, applies deconstruction to this fictitious world. Now, I won’t spoil the story in case you haven’t read it (and if you haven’t what the hell are you waiting for?), but even if we forget for a second the groundbreaking ideas developed here, this issue also includes a great display of literary techniques. 

the death of Swamp Thing / la muerte de Swamp Thing

This isn’t a chronologically linear story, the first and last page are the present, while the rest are different moments in the past, we have situations that took place months and weeks ago, and others that occurred only a few days prior... Moore’s talent is more than enough to guide us effortlessly through this timeline, and everything fits together so brilliantly at the end of the issue. In “The Anatomy Lesson”, the narrator’s voice belongs to Jason Woodrue, the Floronic Man -an obscure DC villain that is transformed into a formidable opponent by the British writer. Moore usually enjoys shifting the focal point in his narrative, and that also implies talking through the voices of different characters: “I am laughing, laughing very loudly. Friends have told me it’s not a sound conducive to tranquility” […] “It won’t spoil things if there’s no blood. The blood doesn’t matter. Just the dying. The dying’s all that matters”.

The art is superb, and of course, how could it not be when you have Stephen R. Bissette as penciler, John Totleben as inker and Tatjana Wood as colorist? Bissette and Totleben are a perfect match, they are both inspired by masters such as Bernie Wrightson, but they also have new artistic proposals. Moore, Bissette and Totleben created a truly classic run, and now, almost 30 years later, it’s still much better than any other ongoing regular series. 
_______________________________________________________________________
_______________________________________________________________________

The Anatomy Lesson / La lección de anatomía

Vivimos en un mundo sin misterio. La ciencia parece explicarlo todo; no hay rincones oscuros ni secretos, cada isla ha sido descubierta, cada civilización antigua ha sido estudiada, cada aspecto de la mente humana ha sido investigado. Y sin embargo, no sabemos nada.

Cuando somos niños, vemos el mundo con emoción. Todo es nuevo, todo es posible. Todo es un misterio. Cuando crecemos, encontramos explicaciones para todo, abrazamos la razón y descartamos la pasión. Todo nos parece viejo, y nos sentimos cansados.

Alan Moore nos recuerda todo esto en "Cabos sueltos" (originalmente publicado en Saga of the Swamp Thing # 20 en enero de 1984), el extraordinario comienzo de la épica etapa de Moore. Swamp Thing se ve a sí mismo como un humano que se ha convertido en un monstruo, mientras Anton Arcane, su archienemigo, es un humano que ha perdido hasta el último retazo de su humanidad. De un modo u otro, ambos son elementos monstruosos que nunca podrán encajar en el mundo.

Arcane está muerto, y Swamp Thing es perseguido por un ejército de mercenarios bajo las órdenes de Sunderland. Sunderland es un exitoso empresario que ha construido un vasto imperio financiero. Su intención es matar a esta criatura de los pantanos de Louisiana. Y, en contra de lo que podríamos esperar, tiene éxito.

Como dijo Goya alguna vez, "el sueño de la razón produce monstruos" y Sunderland es razón pura, racionalidad fría y egoísmo. Sus hombres llegan con armas y reflectores. El bosque entero está rodeado de luces y repentinamente las acogedoras sombras se desvanecen. El misterio de Swamp Thing es revelado, confrontado y eliminado.

Stephen Bissette & John Totleben

Hay un fuerte sentimiento de nostalgia en las páginas de Moore, que me recuerdan a un par de historias bastante conmovedoras. Una de ellas es de “The Spirit” de Will Eisner, y describe la pasión juvenil de un soñador que quiere viajar y descubrir una isla, quiere hacer lo mismo que los grandes exploradores del pasado, y se embarca en una travesía inútil y al final, él y su acompañante descubren que ya no quedan islas por descubrir, ni tierras vírgenes; puede sonar doloroso, pero lo cierto es que no hay nada nuevo bajo el sol.

De modo similar, en la novela breve "La reina del aire y la oscuridad" de Poul Anderson, un grupo de hombres en un planeta extraño escuchan rumores sobre raras criaturas que se asemejan a seres míticos de las leyendas celtas. ¿Puede esto ser posible? En un futuro en el que la tecnología ha erradicado los más grandes enigmas de la vida, este bien podría ser el último misterio de la galaxia. Y, por supuesto, una vez que encuentran las respuestas, se dan cuenta de que al eliminar los misterios sus vidas están ahora más vacías que antes.

Moore logra transmitir un sentimiento similar de desesperanza. Vemos la desesperada lucha de Swamp Thing, pero al final, es abrumado por la fuerza numérica de sus oponentes. Moore es famoso por sus guiones exhaustivos, y el resultado es una magnífica composición visual, dibujada a lápiz por Dan Day y entintada por John Totleben; al usar aves o plantas como parte de los encuadres, la belleza de la página se hace evidente no sólo por las cuidadosas ilustraciones de cuerpos y sombras sino por el asombroso diseño. 
En el primer número de Moore, el protagonista recibe una bala en la cabeza y muere. Así que tiene sentido que en el siguiente capítulo viéramos su autopsia. Un inicio muy poco convencional, pero realmente cautivador. Saga of the Swamp Thing # 20 (febrero de 1984) es considerada una de las mejores historias auto-conclusivas. Con esta historia -"La lección de anatomía"- Alan Moore genera una nueva era en la narrativa de los cómics. En las siguientes décadas, críticos y autores hablarán sobre la deconstrucción. Me aventuraría a decir que todo empezó aquí.

Floronic Man (Jason Woodrue)

Hace tiempo, Len Wein y Bernie Wrightson crearon a Swamp Thing. Años después, Wein se puso en contacto con Moore y le ofreció continuar la saga de este espeluznante personaje. Moore accedió con algunas condiciones, una de ellas era darle un nuevo giro al origen. Moore crea una narrativa fascinante que engloba el nacimiento primigenio y encuentra fisuras estructurales que resuelve brillantemente. Él, por lo tanto, aplica la deconstrucción a este mundo ficticio. Ahora, no arruinaré las sorpresas en caso que no hayan leído este cómic (y si no lo han hecho, ¿qué diablos están esperando?), pero incluso si olvidamos por un segundo las ideas innovadoras desarrolladas aquí, este número también reúne una gran variedad de técnicas literarias.

Este no es un relato linear cronológicamente, la primera y la última página son el presente, mientras el resto son diferentes momentos del pasado, tenemos situaciones que ocurrieron hace meses o semanas, y otras que ocurrieron sólo hace pocos días... El talento de Moore es más que suficiente para guiarnos sin esfuerzo a través de esta línea temporal, y todo encaja tan genialmente al final del número. En "La lección de anatomía", la voz del narrador pertenece a Jason Woodrue, el Hombre Florónico -un oscuro villano de DC que es transformado por el escritor británico en un formidable oponente. Moore usualmente disfruta cambiando el punto focal en su narrativa, y eso también implica hablar a través de las voces de diferentes personajes: "Estoy riendo, riendo a carcajadas. Me han dicho que no es un sonido que conduzca a la tranquilidad [...]" "No arruinará las cosas si no hay sangre. La sangre no importa. Sólo la muerte. La muerte es lo único que importa".

El arte es soberbio y, desde luego, ¿cómo podría no serlo con los lápices de Stephen R. Bissette, las tintas de John Totleben y los colores de Tatjana Wood? Bissette y Totleben trabajan muy bien juntos, ambos están inspirados por maestros como Bernie Wrightson, pero también tienen nuevas propuestas artísticas. La etapa de Moore, Bissette y Totleben es clásica, y ahora, casi 30 años después, sigue siendo mucho mejor que cualquier serie regular actual.

Concrete: Three Uneasy Pieces - Paul Chadwick

The first time I read a Concrete story was within the pages of Cimoc -comic written backwards- a publication from Spain that lasted over 13 years. These were classic Concrete stories, usually no more than 6 or 8 pages long. But Paul Chadwick -creator, writer and artist- didn’t need more pages to captivate the reader, to share with us his preoccupations and the way he saw the world. 

There was something unique about Concrete, in the same way that I think there’s something unique about Paul Chadwick: outspoken, slightly rebel, a bit of an outcast, more human and humane than other characters (and authors). In a way, I’d venture to say that Concrete is Paul’s alter ego. With an unprecedented level of creativity in the American comic book industry, Paul gave us some of the best comic books in the late 80s. Thinking outside of the box led him to work outside the big two, and so he found a home in Dark Horse Comics. 

Balancing a few sci-fi elements with a very realistic background, Paul managed to create fascinating and beautiful stories without ever giving into futile conflicts. The author made us feel fascinated by a very intimist approach, something that had rarely been seen in the United States. So it’s no wonder that the series won the most important recognitions of the industry: Eisner award for Best Continuing Series (1988 and 1989), Best Black-and-White Series (1988 and 1989), Best New Series (1988), and Best Writer/Artist award (1989). In addition to the Eisner award, Concrete also received the Harvey award for Best New Series in 1988.

Intersection / Intersección

After almost two decades, Paul Chadwick finally came up with three more Concrete stories: “Intersection”, “In a wound in the Earth” and “Everything Looks Like a Nail”. The first one was published in Dark Horse Presents vol. 2 # 1 (just like the first Concrete appearance in the 80s was in Dark Horse Presents vol. 1 # 1). I bought it in 2011 and I’m buying it now again. 

“Intersection” talks about coincidences, about running into certain people at the wrong time. As I read this, in full color, I immediately thought of old times, and black and white Concrete stories. “In a wound in the Earth” is quite an interesting tale about an agonizing man that gets rescued by Concrete and his friends, after babbling about condemnation he dies, leaving an indecipherable mystery behind him.

However, the story that shocked me the most was “Everything Looks Like a Nail” which is a reference to the old saying “If all you have is a hammer, everything looks like a nail”. We are very used to violence nowadays. Sure, violence existed in the past, as a matter of fact, the circus in the Roman Empire was quite violent, but even two thousand years ago there were some rules, a fight to the death in exchange of freedom and glory. Today, on the contrary, we have violence without any sort of justification. And thus we constantly hear in the news about mass shootings in the US, about people killing other people for absolutely no reason at all. While in the past violence served a purpose (instill fear in the king’s subjects, maintain dominion over slaves, conquering other kingdoms, etc.) today violence is only a manifestation of a blind rage that know no boundaries.

Again, in only 8 pages, Paul Chadwick proves once again why he’s one of the best writers in the comic book medium. And, relying in his usually intimate and sober storytelling, all that Paul talks about is tasers and the way police officers keep electrocuting people, sometimes old men or children, with very feeble justifications. Is almost heartbreaking to watch Concrete trying to fix this situation. Although most of the time violence is invincible, in the final page we realize there might still be hope for us.
__________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________

In a wound in the Earth / En una herida en la Tierra

La primera vez que leí una historia de Concrete fue en las páginas de Cimoc -cómic al revés- una publicación española que duró más de 13 años. Eran historias clásicas de Concrete, usualmente de 6 u 8 páginas. Pero Paul Chadwick -creador, escritor y artista- no necesitaba más páginas para cautivar al lector, para compartir con nosotros sus preocupaciones y su forma de ver el mundo.

Concrete era algo único, al igual que Paul Chadwick es alguien único: idealista, ligeramente rebelde, un poco marginado, más humano y humanitario que muchos otros personajes (y autores). De algún modo, me aventuraría a decir que Concrete es el 'otro yo' de Paul. Con un nivel de creatividad sin precedentes en la industria norteamericana del cómic, Paul nos entregó algunos de los mejores cómics de fines de los 80. Sus ideas fuera de lo normal lo llevaron a trabajar fuera de Marvel y DC, y así encontró un hogar en  Dark Horse Comics. 

Balanceando algunos elementos de ciencia ficción con elementos muy realistas, Paul se las arregló para crear historias hermosas y fascinantes sin caer jamás en conflictos fútiles. El autor nos fascinaba con un enfoque muy intimista, algo muy poco visto en Estados Unidos. Así que no es ninguna sorpresa que la serie ganó los más importantes reconocimientos de la industria: el premio Eisner a mejor serie continua (1988 y 1989), mejor serie en blanco y negro (1988 y 1989), mejor nueva serie (1988), y mejor escritor/artista (1989). Además del Eisner, Concrete también recibió el premio Harvey a la mejor nueva serie en 1988.

Everything Looks Like a Nail / Todas las cosas se ven como clavos

Después de casi dos décadas, Paul Chadwick finalmente realizó tres historias más de Concrete: "Intersección", "En una herida en la Tierra" y "Todas las cosas se ven como clavos". La primera fue publicada en Dark Horse Presents vol. 2 # 1 (al igual que la primera aparición de Concrete que fue en Dark Horse Presents vol. 1 # 1 en los 80). Lo compré el 2011 y también ahora por segunda vez.

"Intersección" habla sobre coincidencias, sobre tropezarse con ciertas personas en el momento equivocado. Mientras leí esto, a todo color, inmediatamente pensé en los viejos tiempos, en las historias de Concrete a blanco y negro. "En una herida en la Tierra" es un relato bastante interesante sobre un hombre agonizante que es rescatado por Concrete y sus amigos, luego de balbucear sobre la condenación, muere, y deja tras de sí un misterio indescifrable.

Sin embargo, la historia que más me impactó fue "Todas las cosas se ven como clavos", una referencia al viejo refrán que afirma que "cuando todo lo que tienes es un martillo, todas las cosas se ven como clavos". Estamos muy acostumbrados a la violencia actualmente. Desde luego, la violencia existía en el pasado, de hecho, el circo romano era bastante violento, pero incluso hace dos mil años había reglas, una pelea hasta la muerte a cambio de la libertad y la gloria. Hoy en día, al contrario, tenemos violencia sin ningún tipo de justificación. Y por ello, constantemente, escuchamos en las noticias sobre homicidios en masa en Estados Unidos, sobre personas matando a otras personas sin ninguna razón. Mientras en el pasado la violencia servía a un propósito (insuflar miedo en los súbditos del rey, mantener a los esclavos dominados, conquistar otros reinos, etc.) en el presente la violencia es sólo una manifestación de ira ciega sin límites.

De nuevo, en sólo 8 páginas, Paul Chadwick demuestras por qué es uno de los mejores escritores del mundo del cómic. Y, confiando en su narrativa íntima y sobria, lo único de lo que habla Paul es sobre los 'tasers' y el modo en el que los policías siguen electrocutando gente, a veces ancianos o niños, con las justificaciones más endebles. Casi nos parte el corazón ver a Concrete intentando remediar esta situación. Aunque la mayoría de las veces la violencia es invencible, en la página final nos damos cuenta de que todavía hay esperanza para nosotros.

Punk Rock Jesus # 1 - Sean Murphy

cover / portada

We always have a choice: sometimes we go with the writer; others, with the artist. I know that when I bought the first issue of Joe the Barbarian I did so based entirely on two very compelling reasons: writer Grant Morrison plus Vertigo. I didn’t know who the artist was and I didn’t care. Nonetheless, when I saw the first page I took a deep breath. It wasn’t just a regular comic book page, like the ones I see by the thousands. This was something else, far better than the average output of the “big two”.

As I kept reading I quickly forgot about the other comics I had read in the previous months. It was the art, you see. I found it unique. Sean Murphy’s pages were alive, they were as young as the protagonist of the story -a child- as vibrant and dynamic as the best of Eisner’s works, as unforgettable as classics such as Uderzo and Goscinny or Hergé. In just a few minutes, Sean Murphy had accomplished what usually takes years for other artists: he had turned into one of my favorites.

This time I followed the same reasoning. I saw Vertigo and Sean Murphy in the same sentence and I had no hesitations, I had to preorder Punk Rock Jesus. I had never read anything written by Sean and I honestly didn’t know what to expect. More often than not, I’ve been disappointed by stories written by well established artists. But when I started reading Punk Rock Jesus I immediately felt the intensity of the story and, just like that, I felt transported again. There is something very refreshing and also inspiring in Sean’s newest miniseries. 

the calm before the storm... / la calma antes de la tormenta...

fantastic last frame / una última viñeta fantástica

The opening frames, like a brief calm before the storm, are the preamble to a violent and devastating scene. Then, as the narrative unfolds, we understand the kind of world these characters live in. It’s the future, but no an alternative, completely unlikely future, but one that feels awfully close, premonitory even. A world in which corporate greed is even greater than now, and that’s saying a lot. A world in which ignorance and obscurantism still coexist with reason and scientific thoughts (not unlike today’s world). In this future, the “trivialization of culture” has turned Earth into a barren and infertile land, except that nobody realizes it yet. But perhaps that’s why everyone is so keen on the second coming of humankind’s most regarded messiah. Indeed, a corporation has succeeded in cloning Jesus Christ, will this be a sign of salvation or the last omen of doom?  

In crisp black and white, Sean shows all his strengths as a penciler and inker. I stayed in awe, admiring every line. There is something magical in the facial expressions of the characters, in their body language, something unexpected and delightful in the way Sean arranges his frames and distributes bodily movement; everything he does is graceful and charming. In my opinion, many pencilers choose the cartoonish approach to conceal their artistic limitations; on the contrary, when Sean does it, he turns every drawing into a masterpiece. Extraordinary.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________  

Excellent composition / una composición excelente

A great combination of light and shadows /
una gran combinación de luces y sombras

Siempre tenemos una opción: a veces elegimos al escritor; otras, al artista. Cuando compré el primer número de "Joe the Barbarian" lo hice solamente por dos poderosas razones: el escritor Grant Morrison y Vertigo. No sabía quién era el artista y no me importaba. No obstante, al mirar la primera página respiré con calma. No era una simple página de cómic, como las miles que suelo ver. Era algo más, algo mucho mejor que la producción habitual de Marvel y DC.

Mientras seguía leyendo, rápidamente olvidé los cómics de los meses anteriores. Era el arte. Me pareció único. Las páginas de Sean Murphy estaban vivas, eran tan jóvenes como el protagonista de la historia -un niño- tan vibrantes y dinámicas como los mejores trabajos de Eisner, tan inolvidable como los clásicos de Uderzo y Goscinny o Hergé. En pocos minutos, Sean Murphy había logrado lo que a otros artistas usualmente les toma años: se había convertido en uno de mis favoritos.

Esta vez seguí el mismo razonamiento. Vi "Vertigo" y "Sean Murphy" en la misma oración y ya no tenía dudas, tenía que comprar "Punk Rock Jesus". Nunca había leído nada escrito por Sean, y honestamente no sabía qué esperar. A menudo, las historias escritas por artistas establecidos me han decepcionado. Pero cuando empecé a leer Punk Rock Jesus sentí de inmediato la intensidad de la historia y, así, me sentí nuevamente transportado. Hay algo muy refrescante y también muy inspirador en la nueva miniserie de Sean.

A clever page design / un inteligente diseño de la página

Las secuencias iniciales, como la breve calma antes de la tormenta, son el preámbulo a una escena violenta y devastadora. Luego, conforme la narrativa es desarrollada, entendemos el tipo de mundo en el que viven estos personajes. Es el futuro, pero no un futuro inverosímil ni improbable, sino uno muy cercano, incluso premonitorio. Un mundo en el que la codicia corporativa es incluso mayor que ahora, y eso ya nos dice bastante. Un mundo en el que la ignorancia y el oscurantismo aún coexisten con la razón y el pensamiento científico (tal como sucede en nuestro mundo actualmente). En este futuro, la "trivialización de la cultura" ha convertido al mundo en un terreno yermo y desolado, aunque nadie se ha dado de ello todavía. Pero tal vez es por eso que todos están tan pendientes del segundo advenimiento del más querido mesías de la humanidad. De hecho, una corporación ha tenido éxito en clonar a Jesús, ¿será esto una señal de salvación o el último presagio de la condena final?

En crepitante blanco y negro, Sean nos muestra toda su fortaleza como dibujante a lápiz y como entintador. He quedado asombrado al admirar cada uno de sus trazos. Hay algo mágico en la expresión facial de sus personajes, en su lenguaje corporal, algo inesperado y deliciosa en la forma en la que Sean distribuye sus viñetas y los movimientos del cuerpo. Todo lo que hace tiene gracia y encanto. En mi opinión, muchos dibujantes optan por un enfoque caricaturesco para ocultar sus propias limitaciones artísticas; por el contrario, cuando Sean elige lo caricaturesco lo convierte en una obra maestra. Extraordinario.

Hit-Girl # 2 - Mark Millar & John Romita Jr

There seems to be something intrinsically hilarious in the attitudes and obsessions of nerds and geeks. Perhaps one day their language and their daily preoccupations will prompt a thorough sociological study. In the meantime, it’s no wonder that as the world is confronted with a universe of nerdiness, the only result can be humor. This is why The Big Bang Theory is such a successful TV series. It’s funny for people who understand geeky dialects and can differentiate between a Romulan and a Vulcan, and it’s also funny -and very much so- for people who suddenly realize that there are, indeed, thousands of individuals that can speak like Klingons or elves from the Lord of the Rings. 

Mark Millar’s true heart is closer to Dave Lizewski than we could possibly imagine. Mark has been reading comic books since he was a child, he has been visiting comic book conventions since he was 17. Geekyness oozes out of his pores… So it just comes natural for him to narrate the life of a 17 year-old boy that, overrun by his passion for superheroes, eventually turns into an urban hero. 

But since the first issue of Kick-Ass it was made clear to us, the readers, that Dave was living in the real world. And that no matter how hard he tried, he could never be as cool as the Batman. There is, however, one character that is as invincible as Batman, as defiant as Daredevil and as lethal as the Punisher: Hit-Girl.

I couldn’t stop laughing while I was reading the second chapter of the Hit-Girl miniseries. There are so many intelligent jokes about the nerd community that at some point one forgets that this is supposed to be fiction. Dave Lizewski talking about his article in CBR -Comic Book Resources, nuff said!- illustrates my point. Who, in their sane mind, would devote hours in writing about the paper stock of a well-known comic book imprint? There are things the fans do out of love, and there are others they do as a result of an excessive amount of free time: idle hands are the devil’s playground, goes an old saying. So how can Dave stop being so lazy?

Mindy -Hit-Girl- starts training him. And she takes that task very seriously. Which, of course, can only provoke laughter in the readers. Watching Kick-Ass crashing through windows until he gets the hang of it is not only amusing but also a very smart reference to classic superhero clichés. At the same time, Dave tells Mindy what to do to fit in and make friends in school. A lot of changes need to be made, she has to wear certain clothes, listen to a certain type of music, pay attention to teen pop idols, etc. All this shallow world -which is far away from the cozy universe of nerdiness- seems idiotic to Mindy, but eventually she decides to take this as an undercover mission. Will she succeed or fail in making friends? Will Dave finally learn how to do a dramatic entrance crushing through a window? It doesn’t matter, the only thing that matters here is that I can’t remember the last time I had so much fun with a comic book miniseries.
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________

Parece haber algo intrínsecamente hilarante en las actitudes y obsesiones de los nerds y los geeks. Tal vez algún día su lenguaje y sus preocupaciones cotidianas sean materia de un estudio sociológico. Mientras tanto, no es ninguna sorpresa que cuando el mundo es confrontado con el universo nerd, el único resultado posible es el humor. 

Es por eso que "The Big Bang Theory" es una serie de televisión tan exitosa. Es divertida para las personas que entienden el dialecto geek y que pueden diferenciar a un romulano de un vulcano, y es también divertida -y mucho- para las personas que de pronto descubren que hay, en realidad, miles de individuos que hablan como los klingon o los elfos de "El Señor de los Anillos".

El corazón de Mark Millar es más cercano al de Dave Lizewski de lo que podríamos imaginar. Mark ha estado leyendo cómics desde niño, ha estado visitando convenciones de cómics desde que tenía 17 años. Lo geek se le sale a borbotones... Así que para él es natural narrar la vida de un chico de 17 años que, superado por su pasión por los súper-héroes, eventualmente se convierte en un héroe urbano. 

Pero desde el primer número de Kick-Ass resultaba claro para los lectores que Dave vivía en el mundo real. Y no importaba lo mucho que lo intentase, nunca podría ser tan genial como Batman. Hay, sin embargo, un personaje que es tan invencible como Batman, tan desafiante como Daredevil y tan letal como Punisher: Hit-Girl.

No pude dejar de reírme mientras leía el segundo capítulo de la miniserie de Hit-Girl. Hay tantas bromas inteligentes sobre la comunidad nerd que en algún momento uno olvida que lo que está leyendo es -supuestamente- ficción. Cuando Dave Lizewski habla sobre su artículo en CBR -Comic Book Resources- mi punto queda ilustrado. ¿Qué persona cuerda dedicaría horas a escribir sobre el tipo de papel de una conocida editorial? Hay cosas que los fans hacen por amor, y otras que hacen al disponer de una cantidad excesiva de tiempo libre: las manos ociosas son el patio de juegos del diablo, afirma un refrán. ¿Qué puede hacer Dave para dejar de ser tan perezoso?

my drawing / mi dibujo

Mindy -Hit-Girl- empieza a entrenarlo. Algo que ella toma muy en serio. Y eso, por supuesto, provoca la risa de los lectores. Mirar a Kick-Ass romper ventanas hasta que sepa cómo hacerlo es no sólo divertido sino también una astuta referencia a los clásicos clichés súper-heroicos. Al mismo tiempo, Dave le explica a Mindy qué debe hacer para encajar en el colegio y hacer amigas. Para ello hacen falta muchos cambios, ella deberá empezar a usar cierto tipo de ropa, escuchar cierto tipo de música, prestar atención a los ídolos pop juveniles, etc. Todo este mundo artificial -que se aleja mucho del acogedor universo de lo nerd- le parece estúpido a Mindy, pero eventualmente decide tomarse todo el asunto como una operación encubierta. ¿Tendrá éxito o fracasará al hacer amigos? ¿Dave finalmente aprenderá cómo hacer una entrada dramática a través de una ventana? No importa, lo único que importa aquí es que no puedo recordar la última vez que me divertí tanto con un cómic.

Julián - Sergio Dapello (Centro Colich)

50 Ways of Saying Fabulous
Directed by Stewart Main

Stewart Main's production is a coming-of-age story that bears little resemblance to other typical and predictable movies. 12 year-old Billy idly watches a TV show with his best friend, a rather tomboyish girl who excels at boys sports and acts a bit manly. Inspired by what he sees on TV, Billy wears a fake ponytail and pretends to be Lana, the heroine of the sci-fi series while Lou, the girl, poses as the male hero. They subvert traditional gender affiliated roles as part of a game, but they are also aware of a certain otherness, a certain counterpart that can exist only in private.

The figure of the double, largely described in fantastic literature, is usually developed when the main character fails to recognize his own-self, and starts experiencing a feeling of alienation. The double can adopt several forms, as for instance the form of the exact replica of the character, like in Dostoyevsky's "The double", or on the contrary, it can become the form of an absence of reflection in the mirror image, a horrifying 'presence' as in Maupassant's "Le Horla". Clearly Billy and his friend Lou find an ideal refugee in the form of fictional characters that supply that which they are lacking; Billy is a boy that wishes to be a girl, and Lou is a girl that wishes to be a boy.

Sergio Dapello

In this scenario, two other characters will help develop the dynamic of the double. First of all is Roy, the new kid in the school, who soon becomes attracted to Billy. A most revealing moment takes place when Roy is picked on by kids that held him to the ground, as a consequence of all this roughhousing, the young boy exhibits an erection that soon makes the other lads lose interest in him. This moment is defined by the emergence of sexual excitation in Roy's penis, an irruption of the drive of the real in his body; such pulsations also exist in Billy who stays behind and accepts Roy's invitation to touch his "stiffy".

Alejandro Hernández

Do they experiment joy only through phallic exploration? The phallus has no image, the absence of representation in the visual field "signifies that in everything that is imaginary localization, the phallus appears in the form of a lack". As the days go by, Billy is not acquitted of guilt, but nonetheless he decides to join his friend Roy in a shack, wherein they mutually masturbate. But why does Billy seem uncomfortable after these sessions? Perhaps because if the phallus 'is characterized by a lack', then any image would only 'mask' that lack, evoking something which is absent, and in principle one can define that absence as something that pertains to our bodily existence in so far as what is missing in the virtual image is our real existence itself. In the same way Billy can never truly be Lana, from the TV show, he cannot envision his acts with Roy except in the darkness and secrecy of the shack. But what part of our anatomy permits the distinction between oneself and one's own image, including the multitude of others with whom we tend to identify? It is this distinction that seems to get distorted and somewhat effaced in the phenomenon of the double.

The second important character in the story is Jamie, a guy in his twenties. As soon as he enters into the scene, Billy seems to forget all about Roy. He now starts daydreaming about this guy, this strange adult that could eventually pay some attention to him. But before Billy can get closer to Jamie, he must first decide if he should adopt the male or the female position, which is basically the same decision Lou has to make. As the relationship with Roy deteriorates, new problems will arise. The double, again, could signal the coming of ominous events. 
http://www.imdb.com/title/tt0429482/reviews
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________

mi entrevista en la revista Dosis (edición de agosto)

Esta ha sido una muy semana muy gratificante por dos motivos. En primer lugar, el miércoles recibí mis ejemplares de la revista Dosis del mes de agosto. Después de algunas semanas complicadas -un poquito tensas- poder sentarme y leer con calma mi entrevista ha sido una maravilla. Son dos páginas dedicadas a mí y a mis cómics. Agradezco a Guido Cuadros por la excelente entrevista y por tener la paciencia de tomarme como quince fotos hasta que al final quedé satisfecho con una de ellas. Les recomiendo a todos que consigan la revista que -al igual que Oveja Negra en sus inicios- es fácil de encontrar y, mejor aún, es GRATIS.

La encuentran en los siguientes lugares: Librería Ibero (Av. Mariscal Óscar R. Benavides – Ex Diagonal – #500 Miraflores), Zeta Bookstore (Av. Comandante Espinar #219, Miraflores), Centro Cultural España (Jr. Natalio Sánchez #181 alt. cuadra 6 de la Av. Arequipa), Centro Cultural Británico de Miraflores, Centro Cultural de la PUCP (Av. Camino Real #1075, San Isidro), Fundación Telefónica (Av. Arequipa #1155), ICPNA,  Azko Social (Jr. Camaná #934 puesto #14, Cercado de Lima), Librería Crisol del Jockey Plaza (Av. Javier Prado Este 4200), Crisol de Plaza San Miguel (Tienda 55 – 56) y Crisol del Óvalo Gutierrez, ADUNI (Av. Bolivia cuadra 53, cruce con Av. Alfonso Ugarte, Breña), Casa de la Literatura Peruana (Jr. Ancash #207, Cercado de Lima), ''La Noche'' de Barranco (Bolognesi #307), Tienda El Grito (Galerías Brasil, 2do piso, Stand 71-B) y Búho Comunicaciones (Alcanfores 492, Of. 412 Edificio Thunderbird, Miraflores).

Y también pueden descargarla gratuitamente en formato virtual aquí: www.dosis.pe

mi boceto

Y a la alegría de ver mi entrevista publicada se suma mi encuentro con Max en el Centro Colich… aunque no nos veíamos desde hacía un par de meses estuvimos conversando por horas. Se inauguraban dos muestras: “Julián” de Sergio Dapello y “Preciosos y Malditos” de Alejandro Hernández. La obra de Dapello juega mucho con el formato del cómic, y su encanto reside precisamente en los trazos fuertes, en el uso generoso de la tinta china y en el recurso muy bien manejado de la caricatura, no hace falta decir que yo, como guionista y dibujante de cómics he sentido que su propuesta es sumamente valiosa. Por otro lado, Hernández presentó cuadros de gran simbolismo y expresividad (no en vano ha ganado el 2010 ganó el premio Adolfo Winternitz).

Mientras le contaba a Max algunos secretos de Plus TV que no suelo comentar con otras personas, me encontré con diversos amigos como Carmen Alegría, Hugo Alegría, Julio Garay, Isabelle Decenciere, etc. También hablé un rato con José Arturo Lugón, Adriana Bustamante. Una de las grandes sorpresas de la noche, sin duda, fue comprobar que Max es un gran experto en historia romana, tema que siempre ha sido de mi interés. Recordamos a los doce césares -en una época, incluso, me había memorizado en qué años había gobernado cada uno- así que pasamos de Julio César a César Augusto y la Pax Romana, a las intrigas de Cleopatra y Marco Antonio, de Tiberio a las locuras de Calígula, de Claudio al incendio de Roma durante el reinado de Nerón, de la novela “Quo Vadis” a los advenedizos Galba, Otón y Vitelio, y a los tres últimos césares (en el libro de Suetonio, “Los doce césares”, solamente se habla de estos primeros doce), Vespasiano, Tito Flavio y Domiciano. La verdad es que me he divertido muchísimo hablando sobre todo esto, no todos los días me encuentro con personas que comparten el mismo interés por la historia (aunque, claro, seguramente los chilcanos y las copas de vino también contribuyeron a animar las cosas).

También aproveché para darme una vuelta con Max por Dédalo, donde se inauguraba la muestra de joyas “Piel frágil” de Arturo Claudett. Allí saludé a María Elena Fernández y a Eduardo Lores. Contra toda pronóstico, esta semana ha sido bastante mejor que las anteriores. Ojalá la próxima sea, al menos, la mitad de buena.

Los dejo con un boceto que hice para uno de los más entusiastas compradores de The Gathering (Rodrigo Castro) y uno de mis mejores amigos del colegio (nos conocemos desde los cinco años, o sea hace 23 años). Como uno de sus personajes favoritos es Hulk, decidí hacer un dibujo basado en el estilo de Kevin Nowlan y distribuirlo a lo largo de cuatro contracarátulas de The Gathering, todas debidamente autografiadas.