Winter Soldier # 1 - Ed Brubaker & Butch Guice

Lee Bermejo

I read Captain America’s relaunch last year and I didn’t feel particularly interested in it. It’s not that Ed Brubaker came up with a bad story, it’s just that I didn’t feel the urge to know what would happen next. I have had a few problems with Brubaker in the past, his first arc in Daredevil was intense and unforgettable, but after a while some of his narrative resources seemed a bit stagnant, a bit monotonous.

So I was a bit on the fence when I saw the solicitations for Winter Soldier. But Lee Bermejo’s cover was quite persuasive. And so I preordered it. I read it. And I enjoyed it. Brubaker returns to that which he does best: spies, intrigues and crime with a noir feel. And Butch Guice is the ideal artistic partner for such a project. I must admit that since page one I felt immediately seduced by Guice’s wonderful art. His pages in Captain America were great, but I think he’s even greater here.

Guice has graphically rechanneled the tradition of Marvel’s espionage books of the past, and thus, we have a certain sense of Jim Steranko’s Nick Fury in these pages. Just the thought of having 9 panels in a single page (quite a striking page, by the way) is like a revolutionary statement nowadays, in an era which artists seem quite comfortable with several splash pages and double page spreads per issue. The layout of the panels and the grittiness of Guice’s inks converge in a magnificent visual treat.

Butch Guice

Winter Soldier does feel like a very nice homage to the comics of the past, with an outstanding artistic approach and a very solid script. Someone could ask, however, what is the relevance of Russian spies in the 21st century? Well, as Slavoj Žižek wrote recently “we no longer have wars in the old sense of a conflict between sovereign states in which certain rules apply”. This, of course, finds a special validation if the course of Winter Soldier’s first issue, in which James “Bucky” Barnes remembers that during the Cold War, one skillful agent, in the right time and the right place, could be more effective than an army. Ivan Kragoff (also known as the villainous Red Ghost) subscribes to this idea too, which is in itself quite logical since in today’s world one terrorist, given the opportunity, can be more harmful than an entire army.

9 amazing panels / 9 viñetas asombrosas

Why did Bucky Barnes replace Captain America a couple of years ago? Steve Rogers, the idealistic and noble hero had died trying to protect innocent lives in the aftermath of Civil War. But this was also a symbolic death that had a clear statement: America, as we knew it, was gone. Or, at least, there had been some profound changes, and that is why Bucky, as the new Captain America, could do things that Steve Rogers would not even consider. Aided by Natasha Romanov (AKA the Black Widow), Winter Soldier faces a dangerous threat and unknown enemies in this new title, enemies that have decided to attack the embassy of Latveria. The target? Doctor Doom.


Certainly, what I referred to as “change” can be exemplified not only by Bush’s Patriotic Act but also by Jonathan Alter’s Newsweek article ‘Time to Think about Torture’; here, an average American citizen, in the end, arrives to a debatable conclusion: “It’s a new world, and survival may well require old techniques that seemed out of the question”.


One of the things that I enjoyed the most before the return of Steve Rogers was the constant questioning in Bucky’s mind. He knew he had resorted to all these ‘old techniques’, he knew that as the Winter Soldier he had killed and tortured many people, and yet he was now using the mantle of America’s most beloved hero. These internal contradictions transformed Bucky into a multidimensional character that had nothing to do with his more naïve and childish iteration from the 40s. Here’s hoping that Brubaker and Guice will take us again into a similar path of enjoyment.

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Winter Soldier & Black Widow

Leí el inicio de la nueva etapa del Capitán América el año pasado y no me sentí particularmente interesado. No es que Ed Brubaker escribiese un relato pobre, sino que no sentí ninguna urgencia en saber qué pasaría a continuación. He tenido algunos problemas con Brubaker en el pasado, su primer arco en Daredevil fue intenso e inolvidable, pero después algunos de sus recursos narrativos se sentían como estancados, monótonos.

Así que cuando me enteré de que saldría Winter Soldier dudé. Pero la portada de Lee Bermejo fue bastante persuasiva. Así que hice mi compra por adelantado. Lo leí. Y lo disfruté. Brubaker regresa a lo que mejor sabe hacer: espías, intrigas y crimen con un aire a serie negra. Y Butch Guice es el aliado artístico ideal para semejante proyecto. Debo admitir que desde la primera página me sentí inmediatamente seducido por el maravilloso arte de Guice. Sus páginas en Capitán América eran muy buenas, pero creo que aquí son incluso mejores.

Guice ha canalizado la tradición de los títulos de espionaje de Marvel de antaño, y de este modo, tenemos páginas que nos recuerdan al Nick Fury de Jim Steranko. Sólo la idea de tener 9 viñetas en una sola página (preciosa página, por cierto) parece revolucionario en la actualidad, en una etapa en la que los artistas se sienten más cómodos mientras menos tengan menos viñetas que elaborar. La distribución de los paneles y la determinación de las tintas de Guice convergen en un magnífico festín visual.

Doctor Doom

Winter Soldier es un óptimo homenaje a los cómics del pasado, con un estupendo enfoque artístico y un guión muy sólido. Alguien podría preguntar, sin embargo, ¿qué relevancia tienen los espías rusos en el siglo XXI? Bueno, como escribió Slavoj Žižek hace poco "ya no hay guerras en el viejo sentido de un conflicto entre estados soberanos en donde se aplican ciertas reglas". Esto, por supuesto, es especialmente válido en el transcurso del primer número de Winter Soldier, en el que James “Bucky” Barnes recuerda que durante la Guerra Fría, un agente capaz, en el lugar y en el momento adecuado, podía ser más más efectivo que un ejército. Ivan Kragoff (también conocido como el villano Red Ghost) piensa exactamente lo mismo, que no deja de ser bastante lógico, y es que en el mundo de hoy un terrorista, si tiene la oportunidad, puede causar más daño que todo un ejército.

¿Por qué Bucky Barnes reemplazó al Capitán América hace un par de años? Steve Rogers, el héroe noble e idealista había muerto intentando proteger vidas inocentes en el desenlace de Civil War. Pero esta fue también una muerte simbólica que tenía un significado: Estados Unidos, como lo conocíamos, ya no existía. O, por lo menos, habían ocurrido profundos cambios, y es por ello que Bucky, como el nuevo Capitán América, podía hacer cosas que Steve Rogers ni siquiera consideraría. Ayudado por Natasha Romanov (Black Widow), Winter Soldier se enfrenta a una peligrosa amenaza y a enemigos desconocidos en esta nueva colección, enemigos que han decidido atacar la embajada de Latveria. ¿El objetivo? Doctor Doom.

Ciertamente, el 'cambio' al que me refería puede ser ejemplificado no sólo por el Acta Patriótica de Bush sino también por el artículo de Newsweek de Jonathan Alter "Es momento de pensar en la tortura"; aquí, un típico ciudadano norteamericano llega a una debatible conclusión: "Es un nuevo mundo, y la sobrevivencia puede requerir viejas técnicas que antes no habríamos considerado".

Una de las cosas que más disfruté antes del regreso de Steve Rogers fue el constante cuestionamiento interno de Bucky. Él sabía que había recurrido a todas estas 'viejas técnicas', él sabía que, como Winter Soldier, había asesinado y torturado a mucha gente, y no obstante estaba usando el manto del héroe más amado de Estados Unidos. Estas contradicciones internas transformaron a Bucky en un personaje multidimensional que no tenía nada que ver con su versión más inocente e infantil de los años 40. Espero que Brubaker y Guice no se aparten del buen camino.

Severed # 7 - Snyder, Tuft & Attila Futaki

Scott Snyder and Scott Tuft have created an engrossing tale about horror and childhood, about the level of poverty in the 20s (id est, the failure of society) and the search of the father (id est, the nom de pere, the one and final instance that helps us make sense of the world). When Jack Garron run away from his mother in a futile attempt to find his father, he almost got raped in a train, he befriended a cross-dressing girl named Sam, and eventually decided to trust in an old and sinister salesman with a special hunger for innocent flesh.

Imbricated amidst the poverty and the famine of rural America, we have the presence of this incarnation of evil, this traveling salesman that eats the bodies of children. Cannibalism here, understood as the act of eating a member of our own species, mirrors the reality of the world in which 12-year-old Jack lives. What is America during the depression if not a big, wounded animal that tries to devour itself hoping to placate a hunger that had never been experienced before?

Attila Futaki

Cannibalism is often associated with wilderness, with the lack of law. There is an old joke about an explorer that finds a tribe of savage men and asks them if they’re cannibals, the answer is quite revealing: “No, there aren’t any more cannibals in our region. Yesterday, we ate the last one”. According to them, there are no more cannibals, but the subject of enunciation proves that cannibalism exists.

The mysterious salesman has always acted like a predator that hides under false subterfuges, such as the joke mentioned above. According to Kant, this exemplifies “the intrusion of the ‘subject of enunciation’ of law: this obscene agent who ate the last cannibal in order to ensure the order of the law”. Hegel later on found out that law and duty would always have an obscene side, like the reverse of a coin. Thus the salesman obeys his own law so faithfully and compulsively that he is, indeed, the obscene side of the law. He is the man that will get rid of cannibals by eating them.


Now that Jack is tied up and defenseless, the salesman explains to him that he enjoys eating children with dreams. He hunts them down, gives them a glimpse of whatever it is they desire, and then butchers them to pieces. Much can be said about cannibalism and its connection with America in the 20s, and all of this could be imbricated in the ever illusive parental figure that fuels Jack’s dreams. But I don’t want to spoil this last issue to anyone. Suffice to say that the horror is present from page one to the last.

Of course, if the salesman looks horrifying to us it is because of Attila Futaki’s art. I have commented several times the enormous talent of this artist, but in the pages of the final issue of Severed, Attila is even greater than usual. The darkness of Jack’s imprisonment is quite intense here, the final confrontation between a wounded and armless Jack and the salesman are beautiful and yet terrifying at the same time. This is the final issue of an amazing miniseries, if you haven’t read it yet, you still have the chance to buy the hardcover. I urge you to do it.

And my other reviews:

Severed # 1, Severed # 2, Severed # 3, Severed # 4, Severed # 5 & Severed # 6

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Jack loses an arm / Jack pierde un brazo

Scott Snyder y Scott Tuft han creado un cautivador relato sobre el horror y la infancia, sobre el nivel de pobreza de los 20 (es decir, el fracaso de la sociedad) y la búsqueda del padre (es decir, el nom de pere, la instancia final que nos ayuda a darle sentido al mundo). Cuando Jack Garron huyó de su madre en un fútil intento de encontrar a su padre, casi sufre una violación en un tren, entabló amistad con una chica que asumía una identidad masculina y eventualmente confió en un viejo y siniestro vendedor con un apetito por la carne inocente.

Imbricada en la pobreza y el hambre de la Norteamérica rural, tenemos la presencia de esta encarnación del mal, este vendedor viajante que come cuerpos de niños. El canibalismo, aquí, es entendido como el acto de devorar a un miembro de nuestra propia especie, y refleja la realidad del mundo en el que vive Jack, un niño de 12 años. ¿Qué es Estados Unidos durante la depresión si no un gran animal herido que trata de devorarse a sí mismo esperando aplacar el hambre que nunca antes había experimentado?

final confrontation / la confrontación final

El canibalismo es asociado a menudo con lo salvaje, con la ausencia de ley. Hay una vieja broma sobre un explorador que encuentra una tribu de salvajes y les pregunta si son caníbales, la respuesta es claramente reveladora: "No, ya no hay caníbales en nuestra región. Ayer, nos comimos al último". Según ellos, no hay más caníbales, pero el sujeto de enunciación demuestra que el canibalismo existe.

El misterioso vendedor siempre ha actuado como un depredador que se esconde bajo falsos subterfugios, como la broma que he mencionado. De acuerdo a Kant, esto ejemplifica "la intrusión del 'sujeto de enunciación' de la ley: este agente obsceno que se comió al último caníbal para asegurar el cumplimiento de la ley". Hegel luego diría que la ley y el deber siempre tendrán un lado obsceno, como el reverso de la moneda. Por lo tanto, el vendedor obedece su propia ley tan compulsiva y fielmente que él es, de hecho, el lado obsceno de la ley. Él es el hombre que elimina a los caníbales comiéndoselos.

Ahora que Jack está atado e indefenso, el vendedor le explica que disfruta comiéndose a niños soñadores. Los caza, les permite atisbar aquello que desean, y luego los masacra, los hace pedazos. Se podría decir mucho sobre el canibalismo y su conexión con los Estados Unidos en los años 20, y todo esto podría imbricarse en la figura paterna eternamente elusiva que alimenta los sueños de Jack. Pero no quisiera arruinar las sorpresas de este último número. Basta decir que el terror está presente desde la primera hasta la última página.

Por supuesto, si el viajante se ve terrorífico es gracias al arte de Attila Futaki. He comentado diversas veces el enorme talento del artista, pero en estas páginas finales, Attila está incluso mejor que al inicio. La oscuridad que aprisiona a Jack es bastante intensa, la confrontación final entre Jack herido -y sin un brazo- y el vendedor es bella y aterrorizante a la vez. Este es el último número de una asombrosa miniserie, si no la han leído, todavía tienen la oportunidad de comprar el tomo recopilatorio, y deberían hacerlo.

Y mis otras reseñas:

Severed # 1, Severed # 2, Severed # 3, Severed # 4, Severed # 5 & Severed # 6

No Place Like Home # 1 - Angelo Tirotto & Richard Jordan

Horror appeals to me in so many different levels. Unlike other people, I find horror movies -or comic books- as fascinating, if not more, than the pseudo-intellectual academic rubbish I was forced to read before majoring in Literature. So whenever I come across something horror-related, I give it a try. I simply can’t help it.

How does this new horror title from Image Comics begin? After five years, Dee returns to Kansas, to her parents’ funeral. They died after a hurricane destroyed their house, or so she has been told. But whatever has happened to her parents had happened before, decades ago. And now it’s happening again.

Angelo Tirotto, inspired by L. Frank Baum and the Wizard of Oz, uses elements that are quite familiar to us but at the same time introduces enough mystery and intrigue to keep us at the edge of our seats. Dee has returned to her origins, to her past. Home is what she knows, and it still looks and feels very much like usual. Except that we know that truth is not knowledge. Truth is rather what makes knowledge stumble. At times truth has been incarnated in the history of mankind, by the child, by the woman, by the outcast; from their supposed ignorance comes a truth which disorganizes those who know. The outcast here is the ‘town drunk’, the only man who knows the truth and is willing to disorganize those who know, or think they know, the real cause of the demise of Dee’s parents.

Dee & Lizzie

Knowledge depends on language and articulation, and apparently consistency fixed by the master signifier. Dee’s old friends and relatives talk to her serenely, calmly. To speak the truth is always to accept inconsistency. But after yet another gruesome death in town, Dee perhaps will understand that in order for her to survive she must first find the truth, even if that means disarticulating knowledge… everything you know can be a lie, after all.

the town drunk / el borracho del pueblo

Richard Jordan’s pages are quite exquisite, and since I had never read anything from Tirotto before “No place like home” it was the art which sold me on this. I’m glad I preordered the first issue. I like the way Richard’s characters look real, they’re very down-to-Earth people after all; this artist has clearly found his style, and he has a special quality that you recognize in every page. A really promising start.

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Richard Jordan (art)

El terror me interesa por muchos motivos. A diferencia de otras personas, encuentro las películas o cómics de terror tan o más fascinantes que toda la quincalla pseudo-intelectual que he tenido que leer en la facultad de literatura. Así que cada vez que veo algo de terror, mi interés se aviva. No lo puedo evitar.

¿Cómo empieza este nuevo título de terror de Image Comics? Después de 5 años, Dee regresa a Kansas, al funeral de sus padres. Ellos murieron cuando un huracán destrozó su hogar, o eso es lo que se dice. Pero lo que le pasó a sus padres ya ha ocurrido antes, hace décadas, y ahora está sucediendo de nuevo.

Angelo Tirotto, inspirado por L. Frank Baum y El mago de Oz, usa elementos que nos resultan bastante familiares pero al mismo tiempo introduce suficiente misterio e intriga como para mantenernos en tensión. Dee ha regresado a sus orígenes, a su pasado. Ella conoce su hogar, y todo se ve y se siente como ella recuerda. Sin embargo, nosotros sabemos que la verdad no es conocimiento. La verdad es más bien aquello que hace que el conocimiento se tambalee. A lo largo de la historia de la humanidad, la verdad ha sido en ocasiones encarnada por niños, mujeres, marginados; desde su supuesta ignorancia llegó una verdad capaz de desorganizar a aquellos que saben. El marginado aquí es el 'borracho del pueblo', el único hombre que posee la verdad y está dispuesto a desorganizar a aquellos que saben, o que creen que saben, la causa real de la muerte de los padres de Dee.

El conocimiento depende del lenguaje y la articulación, y aparentemente la consistencia es fijada por el significante amo. Los viejos amigos de Dee y sus familiares hablan con ella serenamente, calmadamente. Decir la verdad es siempre aceptar la inconsistencia. Pero luego de otra siniestra muerte en el pueblo, Dee tal vez comprenda que para sobrevivir primero debe encontrar la verdad, incluso si eso significa desarticular conocimientos... en efecto, todo lo que conoces puede ser una mentira.

a secret from the past / un secreto del pasado

Las páginas de Richard Jordan son exquisitas, y como nunca había leído nada de Tirotto antes de “No place like home”, fue el arte lo que me sedujo. Me alegra haber comprado el primer número. Me encanta la manera en que los personajes de Richard se ven reales, porque al fin y al cabo son gente común y corriente; este artista ha encontrado su estilo, y tiene una cualidad especial que se reconoce en cada página. Un inicio realmente prometedor.

I don’t believe - Abel Bentín (Galería Lucía de la Puente)

Otto; or, Up With Dead People (2008)
Directed by Bruce La Bruce

Bruce La Bruce's film is a brilliant analysis of contemporary displaced people, individuals who live on the margins of society, groups that struggle to obtain validation of either legal or social nature.

"Otto" is the story of an outcast teenager. Now, there would be nothing original about this except for one detail: In a world in which the living dead are humanity's recurrent plague, Otto is a boy that defines himself as a non flesh-eating zombie with an identity crisis.

From the very beginning, the viewer is aware of a narration inside a narration, in a way that would be comparable to Propst literary models. "Up with Dead People" is the movie that lesbian intellectual Medea is filming, with references to Hélène Cixous views on the essential bisexuality of L'ecriture femenine, as well as Irigaray's Speculum of the other Woman (the mirroring of the female body surmounts feminist theory in this film as Hella, Medea's girlfriend, can only appear on screen as a black and white image from old reels of 1910-1920 movies, thus enabling a parallel between these two women and even classic and contemporary cinema).

In the first scene Otto rises from the grave, a classic image that has transcended the 7th art and has forever become part of popular culture. Ever since Romero's "Night of the Living Dead" (1968) filmmakers have toyed with one of humanity's most fierily rooted fears: death or rather the question "what happens after Death?". Romero and others have also explored the living dead as a metaphor of social marginality and the reification of the subaltern thus creating one of the most fascinating sub-genres in film's history.

my sketch / mi boceto

This film proudly assumes this cultural heritage and builds upon it. As the narrator's voice tell us in the first scenes, these dead people have little or nothing to do with the classic flesh-eating, brain-devouring zombie. Those who are alive judge them as "An echo of their own somnambulistic conformist behavior". Normal society is exposed as a tyrannical Lacanian "Great Other", a Great Other that demands adaptation or extinction. Insofar heterosexual normative is carried out the Great Other is satisfied. The symbolic order, that which constitutes what one would perceive as "reality", can never suppress the "real" (id est, the obstacle of the symbolic order). But the real can only exist after the symbolic order (which relies greatly on language, the widest symbolization process known) has been fully inserted in everyone's mind. Then, it's only logical that zombies are finally able to reclaim language and reasoning. If zombies were the outsiders of past decades, they are now entities that can never fit in and that are constantly aware of their own situation. What can be more destabilizing for the heterosexual normative than homosexuality taken to the extreme?, in this case, a new wave of gay zombies that prey upon male flesh, in a very carnal and literal way.

Otto lives, or unlives, eating animals instead of humans. He runs away from those who would seek to harm him. And he finds a way to define himself thanks to Medea and her movie which is full of theory references. As Medea's brother so aptly confirms, here the subject is "the empty signifier upon which you could project any particular gender".

Jacques Lacan's psychoanalytic theory derives from Levi-Strauss structuralism (after Saussure and Jacobson linguistic studies). They would affirm that certain structures have invariably persisted in humanity's development. One of such structures is the dual nature of language. When Saussure defined langue and parole he decided that the entire language was nothing more than a system of signs, signs that had arbitrary value and that would only have meaning in their relation with other signs. If so, the human language can only exist in a dual system of opposition (signifier / signified: signifier as the acoustic image generated by an idea or object and signified as the word in any given language that is utilized to retrieve that acoustic image from our memory). This fundamental duality has its first manifestation in sexual gender (males versus females). And as Lacan explains, the first structure one encounters as one enters into the world is that of sex, one is either a man or a woman, no one can be both or neither. Or at least that's what heterosexual normative would have us believe. There is no place for a third sex and has never been one, hermaphrodites and other variants have been utterly discarded by psychoanalytic theory.

John Chauca Laurente

Lacan, nonetheless, accepts in his sexuation graphic that being a woman doesn't necessarily mean to occupy the female position or that being a man doesn't necessarily mean to occupy the male position. He also accepts that the male and female positions have evolved through history and adapted to social requirements, being a man or being a woman, as gender affiliated roles, is a sign of arbitrariness, in the sense that there is nothing human that can be defined as a masculine or feminine behavior. Everything is a social construction. And as such is an empty signifier. Gender roles are different now compared to recent centuries, or even decades, and they keep changing. Nothing is set in stone.

Does "Otto" attempt to disrupt the Lacanian structure? Otto has experienced idealized love (indisputably visible in his flashbacks as a living boy), savage and destructive sex with a costumed gay that thinks Otto is disguised as a zombie, and the possibility of a more complete relationship with Fritz, the movie star. He deals with the masculine position in his first love, he assumes sex as the ultimate manifestation of a consumer-based capitalist world (to consume and cannibalize are here synonyms), and finally accepts the failure to insert himself into society (after his brief relationship with Fritz) and wanders towards the north, hoping to find people like him, hoping to find, perhaps, a Utopian gay civilization in which the living and non-living can finally divert their basic and seemingly irreconcilable natures.
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Abel Bentín

El día de ayer se inauguraron cinco interesantísimas muestras de arte en Barranco. Abel Bentín, un artista joven y sumamente talentoso, presentó “I don’t believe” en la Galería Lucía de la Puente. En una muestra anterior, “Candyvore”, Abel había trabajado con figuras como los cráneos de caramelo o la violencia casi sangrienta del fudge con chispitas de caramelo, y se trataba de piezas tan apetecibles que provocaba devorarlas. Ahora, no obstante, las esculturas de Abel nos traen rezagos de la ternura de los animales y la inocencia de los dibujos animados; tenemos, entonces, las manos de Mickey Mouse o el imposible cráneo del Pato Donald.

Simultáneamente, también en Lucía de la Puente, la artista Sandra Gamarra presentó una serie de cuadros que juegan con ciertas estructuras, o desestructuras (también podríamos hablar de deconstrucción aunque la propia artista utiliza el término destrucción), y por ejemplo utiliza el lugar de enunciamiento del artista o juega con originales combinaciones de imágenes realistas en situaciones totalmente irrealistas o hasta surrealistas. Dos muestras maravillosas y dos artistas extraordinarios, aunque lo mejor de la noche, indudablemente, fue la presencia de mi amigo Max, que por fin se animó a asistir a uno de estos eventos.

Abel Bentín

En el transcurso de la noche nos encontramos con bastante gente, varios visitantes asiduos de la galería como Christian Fuchs, Hugo Alegría, Carmen Alegría y José Medina (editor de ArtMotiv) además de artistas como Dare Dovidjenko y Mariella Agois. Luego de las copas de malbec de Navarro Correas y los vasos de Johnnie Walker Black Label, me di cuenta que el sempiterno pisco Ferreyros había sido reemplazado por el nuevo pisco Portón, que por supuesto me animé a probar. También, desde luego, me encontré con amigos de mi colegio como José Aturo Lugón y Rafael Velásquez. Fiel a las siempre atinadas recomendaciones de Rafael, Max y yo decidimos ir a Domingo Laboratorio Creativo, aunque pasamos antes por la Galería Yvonne Sanguineti.

En Yvonne Sanguineti se inauguraban dos muestras, “Al fondo… ¿hay sitio?” de John Chauca Laurente, y Les fleurs du bien de Estrella Levy Gazit. Los cuadros de Chauca, siempre irreverentes, subvierten imágenes icónicas tanto de la historia peruana como del arte universal, así, tenemos a un conocido prócer de la patria saltando de un acantilado, no en el caballo emblemático con el que aparece en todos los libros escolares, sino con una moto; de igual modo, la Mona Lisa tiene el rostro cubierto con el sticker de una carita feliz, y el Hombre de Vitruvio, de Leonardo Da Vinci aparece reinventado.

Sandra Gamarra

En palabras del propio Chauca: “Se dice que la práctica hace al maestro. Yo agregaría: la práctica y mucha observación. Porque: ¿Qué es uno? ¿Un interdenominacional predicador del “Malogrando se Aprende” en cinco lecciones y por correspondencia?,  ¿Un insípido degustador de ideas almacenadas en las papeleras de reciclaje de las memorias del Señor Peter Kam Troupus y para colmo Erectus?, o acaso ¿Un enredador de historias incivilizadas con final feliz, más IGV y romance incluidos? A lo mejor, un sumo pontífice de lo absurdo que reclama para sí los restos fósiles y mancillados de La Oreja de Van Gogh, masterizado en disco de vinilo de 45 R.P.M., o simple y llanamente, un aprendiz de artista -en pleno estado de ebullición- cuya efervescencia rebalsa, incluso, los límites de lo que hasta ahora  ha conocido,  y quien harto de enmudecer ante tanto cuestionamiento irrefutable, solo se permite balbucear: ¡Qué fácil es pintar difícil y qué difícil es pintar fácil!”. Las fotos de Estrella Levy Gazit son, como explica el conocido fotógrafo Piero Pereira “objetos que reflejan o traslucen otros objetos que además se reflejan entre sí”.

En Domingo, Max y yo pudimos pintar con crayolas las innumerables fotocopias de los trabajos de Abel Bentín, y es que como parte de la muestra Sketch, podíamos intervenir libremente un largo corredor completamente tapizado de imágenes de Abel. Mientras pintábamos con la crayolas, como niños chiquitos, Max y yo nos tomamos un par de vasos de vodka, ahí sí como niños grandes, ofrecidos gentilmente tanto por mi amigo Rafael como por Gabriel Lama (Rafael me lo presentó hace años y desde entonces somos amigos), director y promotor de esta innovador espacio cultural. Fue una noche realmente divertida.

The Strange Talent of Luther Strode # 5 - Jordan, Moore & Sobreiro

I have to be completely honest about The Strange Talent of Luther Strode. When I first saw it solicited I felt allured by the presence of a male teenager as a protagonist. Add to that the notion of the Charles Atlas method giving you superpowers and, suddenly, the fact that the writer and the artist were completely unknown to me became irrelevant. I wasn’t really planning on preordering the second issue, I mean, most of the time I only get the first issue through DCBS and after reading it I decide if I want to get the rest of the series, which means that instead of preorders I just put these titles in a list for future purchases in MidtownComics or MyComicShop.

But then, since I had already preordered the second issue based solely on its awesome cover I decided to remain a faithful reader until the end. And so, today, I finished reading the fifth installment of this astonishing miniseries. And let me tell you, I’m so glad that I stayed on board.

If I had to use one word to define this issue it would be violence. But it’s not violence without purpose. Quite the contrary, all the dismemberment and disembowelment is there to confront us, the readers, to make us analyze about the way in which we approach graphic violence.

Violence is concomitant to the human nature. It existed before the Middle Age and the French Revolution, during the Holocaust and the Stalinist repression, and well after the Iraq war or the horrifying events at Abu Ghraib. Philosopher Slavoj Žižek dissects several instantiations of violence that we see on the TV news every day. According to Žižek, we should try to circumvent fetishizing violence; we ought to emphasize that “graphic descriptions and gory horror stories sometimes end up appealing to us out of shock and fascination - leading to a preoccupation with the gruesome details of each instantiation of violence. Hence [we] try to resist the allure of its horror and achieve a more dispassionate engagement that may help us to see the underlying causes more clearly”.

As Justin Jordan shares with the readers in the last pages of Luther Strode, violence is here for a reason. It’s never gratuitous. We either care for these characters or we don’t, and when we see them brutally attacked by their enemies, we can no longer remain as dispassionate readers. Here the shock and fascination of blood and gore moments are the one and true sympathetic device used by the writer to makes us suffer as much as the protagonists do. I’d say it’s never easy to accomplish something like this, but then again Justin manages to do just that.

Tradd Moore has really knocked the ball out of the park here. There are some really unique sequences. Felipe Sobreiro once again reminds us of the importance of color, and surprises us with his vibrant chromatic choices. Let’s just pay attention to the struggle between the Librarian and Pete (Luther’s best friend), and also the magnificent double page spread, violence reaches its peak and it’s intensified by Petra’s reaction in 12 small frames. Top notch stuff.

For more, click here:

The Strange Talent of Luther Strode # 1, The Strange Talent of Luther Strode # 2, The Strange Talent of Luther Strode # 3, The Strange Talent of Luther Strode # 4
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Tengo que ser completamente honesto sobre “The Strange Talent of Luther Strode” (“El extraño talento de Luther Strode”). Antes de que saliera el primer número me sentí interesado por la premisa: un adolescente que, al utilizar el método de Charles Atlas ganaba súper poderes, así que a pesar de no conocer ni al guionista ni al dibujante compré por adelantado el primer número.

El asunto pudo haber quedado allí (como sucede con otros títulos que pruebo y abandono), pero cuando vi cuál sería la asombrosa portada del # 2, decidí nuevamente comprarlo por adelantado, y al final decidí permanecer como un fiel lector. Hoy terminé de leer el quinto capítulo de esta extraordinaria miniserie. Y déjenme decirles que me alegra haber seguido comprándola.

Si tuviera que usar una palabra para definir el # 5, sería violencia. Pero no es violencia sin propósito. Por el contrario, todas las mutilaciones y destripamientos están allí para confrontarnos, a nosotros los lectores, para hacernos analizar de qué forma nos aproximamos a la violencia gráfica.

La violencia es análoga a la naturaleza humana. Existía antes de la Edad Media y de la revolución francesa, durante el Holocausto y la represión estalinista, y mucho después de la guerra de Irak y los terribles eventos en Abu Ghraib. El filósofo Slavoj Žižek estudia varias instancias de la violencia, esa que vemos en las noticias de televisión a diario. De acuerdo con Žižek, deberíamos eludir el hecho de fetichizar la violencia; deberíamos enfatizar que "las historias de descripciones gráficas y terror sangriento a veces nos llaman la atención a causa del shock y la fascinación - que llevan a una preocupación por los detalles truculentos de cada una de las instancias de violencia. Por ello, intentamos resistir el atractivo de este horror y alcanzamos un distanciamiento desapasionado que puede ayudarnos a ver las causas subyacentes más claramente".

Tal como Justin Jordan comparte con sus lectores en las páginas finales, la violencia está aquí por una razón. Nunca es gratuita. Sí nos importa lo que ocurre con estos personajes, y cuando los vemos brutalmente atacados por sus enemigos, ya no podemos permanecer como lectores desapasionados. Aquí, el shock y la fascinación por la sangre son el recurso utilizado por el escritor para generar empatía, y para hacernos sufrir tanto como los personajes. Diría que nunca es fácil conseguir algo así, pero Justin lo logra.

Tradd Moore ha hecho un gran trabajo. Hay algunas secuencias realmente únicas. Felipe Sobreiro nuevamente nos recuerda la importancia del color, y nos sorprende con sus vibrantes elecciones cromáticas. Prestemos atención a la pelea entre el Bibliotecario y Pete (el mejor amigo de Luther) y también a la magnífica página doble, en la que la violencia máxima se intensifica con la reacción de Petra en 12 pequeñas viñetas. Espectacular.

Y aquí hay más:


The Strange Talent of Luther Strode # 1, The Strange Talent of Luther Strode # 2, The Strange Talent of Luther Strode # 3, The Strange Talent of Luther Strode # 4