La máquina - Tomás Prochazka Núñez (Centro Colich)

Hace un par de horas estuve presente en la inauguración de “La máquina” de Tomás Prochazka Núñez, en el Centro Colich de Barranco. En años anteriores, ya había tenido la suerte de ver de cerca los cuadros de este talentoso artista limeño, así que mis expectativas eran altas.

“La máquina” deja constancia de un interesantísimo proceso creativo, que empezó con la idea de “la máquina de cosas bonitas” para convertirse luego en la “máquina de redención”; conforme Tomás iba preparando el cuadro principal de la muestra, sus ideas fueron depurándose sin perder de vista la meta final: un tratado sobre la belleza, que sintetiza con maestría la influencia de grandes maestros europeos (Joaquín Sorolla, por ejemplo) y la propia visión del artista.

A diferencia de las muestras sin forma ni fondo que pululan tan a menudo en nuestra capital, la de Tomás tiene una sólida coherencia temática y un objetivo claro. Además del cuadro principal, de gran formato, también se ha tenido el acierto de incluir los estudios previos. A mí, particularmente, siempre me ha fascinado observar los estudios, ya sean simples pliegues de ropa en grabados de Durero o rostros aislados en frescos de Da Vinci. Sin duda, en “La máquina”, el todo es mayor que la suma de las partes, pero cada parte juega un rol clave y proporciona al espectador un inigualable placer estético.

Desde luego, lo primero que hice al llegar a la acogedora casona barranquina fue saludar y felicitar a Tomás Prochazka por tan extraordinaria muestra, y por fortuna, junto con mis amigos Iván Fernández-Dávila, Elizabeth López Avilés y Eduardo Deza (todos artistas), pudimos conversar con él y averiguar el génesis de “La máquina”. Uno de los detalles más curiosos es que Tomás, en vez de usar una modelo, creó ex nihilo un rostro capaz de transmitirnos su ideal de belleza, una cara tan llena de vida y calidez que pareciera pertenecer a un humano de carne y hueso (por cierto, como nos confesó, la base de dicho rostro es una escultura de arcilla que se encuentra a buen resguardo en su taller).

Llegué a la muestra sin saber qué encontraría, pero quedé fascinado desde el primer instante. Como ya he mencionado antes, cuando vi la obra de Tomás por primera vez, en Corriente Alterna, supe que nos seguiría deslumbrando con su gran dominio del pincel, su composición exquisita y su empleo sobrio y a la vez sumamente expresivo del color. 

Los dibujos que suelo hacer para mis amigos en la contraportada de mis cómics
(a modo de agradecimiento por su constante apoyo)

Finalmente les recomiendo que se den una vuelta por el Centro Colich para poder admirar los cuadros en persona (las fotos que he incluido aquí simplemente no les hacen justicia). Una vez más, felicito a Tomás por su excelente labor.

José Luis Carranza - Catedral (Galería Enlace)

Cada dos años, José Luis Carranza vuelve a sorprendernos con cuadros de una belleza sobrecogedora. Hace pocas horas, se inauguró “Catedral” en la Galería Enlace (San Isidro). En esta ocasión, se establece un juego entre el significante de la iconografía religiosa clásica y el significado otorgado por el artista. 

Carranza nos deslumbra con escenarios repletos de luz y oscuridad, color y movimiento y, sobre todo, mucha pasión. Los cuadros son espectaculares, y tienen una intensidad que pocos artistas son capaces de lograr. Observar de cerca una obra tan singular es un placer estético inigualable, porque uno es capaz de apreciar cada pincelada, de distinguir la presión del óleo sobre el lienzo. En manos de este artista peruano, el arte respira y vive, y renueva en nosotros la pasión por la pintura.

De manera acertada, Carranza involucra en sus escenas a personajes espectrales, con ojos vitrificados, casi purulentos, elemento que se ha convertido en una característica central de su estilo. Cada cuadro es una explosión cromática, un despliegue apabullante de destreza y buen pulso. Esta es una obra sumamente valiosa en la que se suceden simultáneamente múltiples corrientes artísticas, siempre algo hay de surrealismo, de expresionismo, de arte figurativo.

El 2013, Carranza impresionó al público y a la crítica con “Retorno a la isla de Citera”, y el 2011 lo hizo con “El reflejo de la muerte”. Luego de estas dos excelentes muestras, el artista ha demostrado que continúa mejorando y perfeccionando su estilo. 

Aunque los cuadros bordean los 15,000 dólares, en la misma noche de la inauguración hubo varios que se vendieron, y seguramente en los próximos días habrá aún más ventas. Carranza, por suerte, nunca ha permitido que el éxito lo obnubile, y sigue manteniendo el mismo trato cordial. Para mí fue un gusto saludarlo y felicitarlo por tan magnífica muestra. Ahora me toca esperar con impaciencia hasta la próximo que ya será el 2017. 

La publicidad que no conocías - REVE (Centro Colich)

Conocí a Renzo Núñez Melgar Vega (hoy más conocido como REVE) a fines del 2010, en la inauguración de la tristemente desaparecida galería Shock, en la plaza San Francisco de Barranco.

En ese primer momento, por supuesto, no había visto ninguno de sus cuadros, pero nos hicimos amigos y empecé a ir de visita a su taller (que por aquel entonces compartía con el talentoso Asad López de Castilla).

Desde la primera vez que entré a esa simpática casona barranquina quedé absolutamente impresionado con el arte de REVE, y a partir de entonces para mí se convirtió en una apremiante necesidad ir a su taller y observar al artista en el momento mismo de la creación. 

Al inicio iba con el pretexto de mostrarle los cómics que me publicaban en Estados Unidos y recuerdo que casi siempre celebrábamos la ocasión con un buen vino servido no en copas sino en vasos de metal (igualitos a los que tenían en el Govinda hace años); aunque el verdadero jolgorio consistía en largas conversaciones sobre todo tipo de temas, desde  The Walking Dead (el cómic y sobre todo la extraordinaria serie de televisión) hasta el panorama artístico limeño.

Después iba simplemente, me aparecía sin avisar ni nada. Siempre con ganas de ver en qué cuadros estaba trabajando Renzo en ese momento. Y todas las veces, sin excepción, encontraba en su obra un inigualable deleite visual.

Obviamente, en el último lustro, no me he perdido muestra alguna de REVE. Y lo mejor es que antes de ver la obra terminada he podido admirar de cerca el proceso creativo. Esa cercanía es algo que no comparto con ningún otro artista, y creo que es gracias a esa posición de espectador privilegiado que he podido apreciar matices y detalles que podrían pasar desapercibidos para el resto del público.

En ocasiones anteriores ya he comentado Lima Rock City (en la Sala de Arte de Viajes El Corte Inglés) y Un día en la vida (en la Galería Enlace), así que ahora quiero hablar de La publicidad que no conocías, una extraordinaria propuesta que va de la mano con un increíble despliegue artístico y con una deslumbrante destreza pictórica.

Si en ocasiones anteriores REVE había reelaborado portadas clásicas de los discos de rock de los 60s y 70s, lo que ahora hace es apropiarse de figuras tan icónicas como Elvis Presley, Keith Richards, Mick Jagger, Bob Dylan, David Bowie o George Harrison, y transplantarlas al engañoso mundo de la publicidad, pero no al marketing de las grandes marcas del mundo sino de los productos peruanos de aquellos años. Ahí tenemos, por ejemplo, los cigarrillos Inca, los fósforos Inti, el té Herbi, etc.

Esta noche asistí a la inauguración en el concurrido Centro Colich, acompañado por mi amigo Andreé Ferro. Llegamos muy temprano para poder apreciar los cuadros antes que la sala se repletara. Felicité a REVE y me encontré con muchos otros fans del artista.

Al final del año siempre hago un balance de lo mejor del arte en Lima y desde ya puedo afirmar que La publicidad que no conocías se perfila como una de las mejores y más imprescindibles muestras del 2015.

Michele Del Campo - Viaje de no retorno (Galería Enlace)

I admire the work ok Michele Del Campo: he’s a very talented artist and his paintings are extraordinary and beautiful. I could say many things about his depictions of young people, his chromatic juxtapositions, his luminescent settings, his subtle –almost subliminal- message / meaning... But I think it would be better if this time I simply quote the artist. After all, how could we not pay attention to the words of a true creator like Michele Del Campo?

Al otro lado

…But what does “Viaje de no retorno” (Journey of no Return) mean?

Until now I have been referring to the title of my upcoming solo exhibition without lingering on its meaning in the context of my exhibition. Now that I have already created most of the pieces for the show and I have been analyzing the ideas behind most of them, I should explain what is the general concept behind the whole exhibition. I avoided revealing it before because that would have constrained and limited my process of investigation from the beginning. Instead, in a project of long duration (one year or one year and a half) the ideas and concepts can change slightly along with the artist as a person, with his experience, knowledge and inspiration, and that is positive for creativity. In fact this exhibition represents a big change of line into my work, which also reflects some changes that I have gone through as a person.

In “Journey of no Return” my intention is to show an existentialist, melancholic and gloomy view of certain youth that see no bright future in front of them.
 
I am trying to depict the abandonment, the emptiness, the feeling of deception and loss and, in some cases the degeneration in behavior produced by their loss of values and perspectives. An image that is antithetical to the bright and happy picture that the capitalist world sells to them to direct their aspirations. They have realized that they will never reach the idyllic future – ideas of justice, comfort, welfare, beauty and happiness- that is advertised all around them in our consumerist society and, therefore, have allowed themselves to fall down, to go astray and aimless through a journey that will not admit a return, a “Journey of no Return”.

The exhibition will open on November 4th at the Galería Enlace Arte Contemporáneo (Lima, Peru) and will be available to view until December 2nd.

Michele Del Campo

Cementerio de coches

By the way, I’m including my recently inked page. You can find the penciled version on my previous post. And soon I’ll have the final version ready. Drawing these two pages for Chris Lewis, an American writer, has been quite difficult compared to other scripts. Although the final result is not bad, especially taking into account time constraints. What do you think about the paintings? What about my page?

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Camino a la oscuridad

La Galería Enlace tuvo el acierto de invitar a Perú al artista italiano, radicado en Inglaterra, Michele Del Campo. Ya antes había visto algunos trabajos de este gran artista y siempre me fascinó la naturaleza ambigua de sus hombres y mujeres, siempre en el límite entre lo aceptado y lo rechazado, y es que Michele se esfuerza por compartir con nosotros la mirada que tiene sobre la juventud de hoy. No la juventud exitosa que come en restaurantes de moda, viaja a menudo y compra carros del año; sino esa otra juventud, la inmensa mayoría, la que está resbalando en los límites entre la legalidad y la clandestinidad, entre la marginalidad y la pobreza.

Es especialmente revelador que un artista italiano nos confronte tan brutalmente con una realidad que no resulta ajena a los latinoamericanos (y tampoco a los europeos). La muestra titulada “Viaje de no retorno”, está actualmente en exhibición en la Galería Enlace y abierta al público hasta el 2 de diciembre; se compone de diez cuadros de gran formato, todos con una energía única, con un tratamiento de la luminosidad y, en general, con una pasión que sorprenderá a cualquier espectador.

catalogue / catálogo

“Al otro lado” es un cuadro de casi dos metros por tres metros, en el que se admira el dominio absoluto de la técnica de este talentosísimo italiano. Con pinceladas seguras, precisas, y con yuxtaposiciones cromáticas realmente soberbias, Michele nos permite entrar en su mundo, pero sólo hasta donde ese mayestático muro nos permite. Allende la barrera divisoria se encuentra la promesa que todos deben anhelar: el nuevo iPod, la ropa de marca, en una palabra, el paraíso desde la sociedad del consumo. No obstante, y como resulta evidente, el grupo de jóvenes que están en este cuadro se encuentran al margen de dicha sociedad. Con una actitud matonesca y casi de pandilleros, no hacen sino demostrar su verdadero yo: el despojo, el resentimiento, la exclusión social. Hoy, más que nunca, los problemas económicos a gran escala se hacen sentir en el primer mundo y ya no son más realidad exclusiva de nuestros países. No deja de ser anecdótico, por no decir sintomático, que uno de los cuadros de esta muestra “Una de ellos” que presenta a un grupo de adolescentes tirando piedras a una fábrica fue realizado el mismo día en que sucedieron los disturbios generados por los ciudadanos relegados de las afueras de Londres, que atacaron diversos comercios y locales de la gran ciudad.

“Cementerio de coches” mide aproximadamente dos metros por dos metros, y es un ejemplo del poder del erotismo en manos de un maestro de la pintura. El hiperrealismo, corriente de la que Michele es deudor, tiene aquí su exponente máximo. En un cementerio de automóviles, viejos y oxidados, en el que podemos identificar cada modelo de carro, cada avería, cada destrozo y hasta cada brizna de hierba, una destartalada furgoneta nos permite atestiguar el coito apresurado, nervioso, casi desconcertado de una pareja, suponemos, de jóvenes que deben realizar el acto allí mismo en vez de ir a un hotelillo, seguro por falta de dinero. Al no develar los cuerpos por completo, Michele pone nuestra imaginación a trabajar. Este es un cuadro sumamente sugestivo, realmente único.

my inks / mis tintas

El tríptico “Camino a la oscuridad” tiene 1.70m de alto por 4m de ancho. El túnel es colosal, gigantesco, y de pie frente al cuadro podemos sentirnos caminando en esa oscuridad, siguiendo a esa mujer por las vías del tren, buscando quizá ser arrollada. La presencia del suicidio es clara en algunos de los cuadros de Michele, y es que la adolescencia y la juventud sueles ser catalizadores de los deseos autodestructivos que nos llevan a actos desesperados. El juego de luces y sombras, la armonía entre los colores, el movimiento y dinamismo de la figura de la mujer, todo se conjuga armónicamente en esta gran obra de arte.

Ver los cuadros de Hugo Salazar y Michele Del Campo la noche misma de la inauguración fue un verdadero privilegio; y ahora, en la medida de lo posible, trataré de comentar más cuadros de estos artistas. Michele Del Campo, además de hablar italiano e inglés, también maneja el español, y gracias a eso pudo entender mi nombre y firmarme el catálogo. Si bien se queda 20 días en Perú, al día siguiente de la muestra partía para Arequipa y Cusco. Me contó que era su primera visita al Perú y, obviamente, tenía pensado aprovechar su viaje para hacer un poco de turismo. Me hubiese gustado hacerle una entrevista, pero ya será para su próxima visita. Al fin y al cabo, ha vendido suficientes cuadros aquí en Lima como para garantizar una segunda muestra.

Finalmente, incluyo mi página ya entintada. La versión a lápiz está en el post anterior. Y pronto tendré la lista la versión final. Dibujar estas dos páginas para el guionista norteamericano Chris Lewis ha sido lo más difícil que me han mandado hasta ahora, pero creo que no ha quedado mal, sobre todo teniendo en cuenta las limitaciones de tiempo. ¿Qué opinan de los cuadros? ¿Y de mi página?  

Hugo Salazar: Historias fantasiosas de un leñador -Galería Enlace

Los colosos custodios de un rey ficticio

Often regarded as something meaningless, dreams are in fact a serious matter. A dream can mean just one moment in your life when you come across a very sensitive point or even an epiphany, and in these cases it is as serious as any other event. 

A dream can let you know how obsessed you are with someone else, or how you have stopped caring for somebody you used to love, or how you understand / interpret the meaning of happiness or how you see certain mental constructions we tend to believe so firmly in real life.


I love to remember my dreams; to me it doesn’t matter whether if they are good or bad. Even a nightmare will tell me something about myself. 

I was reading not too long ago an interview on Hugo Salazar, an amazing Peruvian artist. He had a dream once. To take his art seriously and make a commitment with it. And so he did. And today we can see his magnificent paintings because of that decision. Because of that dream.

El joven ermitaño de las viejas cuerdas

I don’t really need to say anything else. The paintings are so powerful that they can speak for themselves. Just take a look at them (and forgive me for the low resolution of my pics, I promise I’ll get better ones soon enough). 


And tell me what you think of them. I'm also posting my pencils for an upcoming issue of The Gathering, and I want to hear your opinions about it.

Finally, I would like to share a more elaborated opinion on Hugo's paintings and I'll do so in Spanish, so bear with me.  

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La nave de los locos

Ayer viernes se inauguraron dos muestras realmente extraordinarias en la Galería Enlace: “Historias fantasiosas de un leñador” de Hugo Salazar Chuquimango y “Viaje de no retorno” de Michele Del Campo. Lo primero que vi, al llegar, fue el cuadro “Los colosos custodios de un rey ficticio” y quedé hipnotizado. No solamente hay una atmósfera cargada, rebosante casi de sensualidad, sino también una síntesis (o un sincretismo) de la tradición artística europea y la peruana; Hugo Salazar enlaza modelos masculinos de claros rasgos autóctonos en posturas clásicas que nos puede recordar a los prerrafaelistas e incluso a los manieristas. Hay un verdadero despliegue de formas, una geometría preciosa que encauza nuestra mirada y nos permite sumergirnos en este espectacular cuadro.

catálogo

“El joven ermitaño de las viejas cuerdas” podría ser un homenaje al Baco de Michelangelo Merisi da Caravaggio pero no en un contexto divino sino netamente onírico; con trazos de una belleza sobrecogedora, el artista nos hace reflexionar sobre los cánones del arte en la actualidad. 

En “La nave de los locos” el desborde de la imaginación va de la mano con un dominio pictórico que pocos artistas alcanzan en toda una vida. Inspirado por surrealistas como Salvador Dalí, Salazar reelabora esta corriente y la adapta a nuestros tiempos… y no necesita más de un cuadro para lograrlo. 

La muestra reúne doce cuadros, todos magníficos, todos alucinantes, y estará abierta al público de lunes a viernes hasta el 2 de diciembre en la Galería Enlace (avenida Pardo y Aliaga 676, San Isidro).

Cuando saludé a Hugo, lo felicité y le dije que nunca había visto un cuadro suyo. Que es una verdad a medias. Había visto fotos de sus cuadros, pero nunca pude ir a su primera muestra individual "Entumecido por la vigilia" en la galería del ICPNA. La suya era una de las muestras que más interés me despertaban, pero por una serie de motivos no llegué a verla. Se me pasó. Esta vez, por supuesto, pienso incluso regresar a Enlace para ver nuevamente estos doces cuadros que, literalmente, me han dejado sin aliento.

mi dibujo todavía en proceso

Por cierto, después de que Hugo me firmara el catálogo de la muestra, conversé con Roberto Ascóniga (director de la galería) y con Michele Del Campo. En mi siguiente post aprovecharé para hablar de la segunda muestra que también me encantó. Me encontré con muchos amigos artistas, como Marcos Palacios, John Chauca, Roberto Cores, Julio Garay, y todos estuvimos de acuerdo en una misma cosa: la obra de Hugo nos había dejado deslumbrados.

Galería Shock + Tanta de Miraflores

I visited Shock Gallery on Friday. There is one painting that I really like and has been in the gallery since December. Every time I go there I want to ask the price and the name of the artist, and I always forget to do so. What would Freud say about that? Other curious paintings: Wonder Woman, and especially the two works in smaller format done by my friend David Rejas, he also has a very interesting painting in the “erotic room” which I’ll post in the near future.


At lunch time I decided to go on foot to Tanta. I had an existential dilemma… should I photograph food? Of course not, we all know it’s tacky to do so. But my friend Maria Fe, who’s probably doing the same in London, has convinced me that it’s alright to do it as long as there is an artistic purpose. So, there, my lunch.
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El día viernes me di una vuelta por la Galería Shock, en Barranco. Aproveché la ocasión para tomar algunas fotos de los cuadros que me parecieron más interesantes. Uno de ellos me ha llamado la atención desde diciembre, fecha en la que se inauguró la galería. Siempre tengo la intención de preguntar el precio y el nombre del artista, y siempre se me olvida. ¿Qué diría Freud sobre ese tipo de descuidos? Otros cuadros curiosos son el de Wonder Woman, seguido por dos obras de David Rejas en formato más pequeño. En la bien llamada “sala erótica” hay otro cuadro de mi amigo David, que ya comentaré en una próxima ocasión.


Después, me fui caminando hasta el Tanta de Miraflores, que está relativamente cerca de mi casa. Tuve un dilema existencial cuando el mozo me trajo el plato. ¿Le tomo foto o no? Ya todos sabemos que es de muy mal gusto fotografiar platos de comida, pero mi amiga María Fe, que supongo estaré haciendo lo mismo en Londres, me ha convencido que no hay ningún problema siempre y cuando haya fines artísticos de por medio. Así es que ahí va la foto.

 

PLAY

Three young artists are gathered in “PLAY”. When I went to the inauguration this Thursday, I run into a lot of familiar faces. However, I did have more than enough time to look at the paintings. I found the works of Andrés Miró Quesada and Andrés Chávez Alcorta particularly striking.


Miró Quesada focuses on the male body and keeps faces veiled or fully hidden. In the first painting a couple of hands grab (almost grope) an electronic gadget. In the second one, we’re privy to quite an interesting voyeuristic exercise. The third painting is very erotic, and its energy resides precisely in that which we cannot see, thus the refusal to reveal nothing but a couple of arms ignites the viewer’s imagination.


The paintings of Andrés Chávez Alcorta are equally fascinating. In Toy Soldier we witness the performativity associated with iconic war-themed elements; while at the same time Toy Soldier plays with concepts like Boy Toy and so on. The second painting reminds me of wonderful artists like Jo Chen and Rodin Esquejo.

After such great painting I can only say "we need more"!
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“PLAY”, actualmente en la sala Luis Miró Quesada Garland, congrega a tres jóvenes artistas: Andrés Miró Quesada, Andrés Chávez Alcorta y Patricia Gygax. La inauguración fue el jueves y me encontré con más personas de lo que hubiese imaginado. Algunos de Corriente Alterna otros de mi colegio, como Sofía Lores y Matías Cillóniz. Matías me explicó, por ejemplo, que en los cuadros de Miró Quesada existía un estudio fotográfico previo; imagino que el proceso total de la obra ha requerido un trabajo minucioso y enérgico.


Los cuatro cuadros de Miró Quesada tienen varios elementos en común. Lo importante en ellos es la preeminencia del cuerpo y la ausencia de rostros. Esto puede observarse claramente en las dos manos que se aferran con fruición al aparatito electrónico, y crean una imagen más expresiva que una docena de muecas.

En el segundo cuadro, este esquema se reitera en un escenario de aparente paz y orden. Aunque no deja de ser curiosa la expresión casi de voyeur de los cerditos de porcelana.

El tercer cuadro es sumamente sugerente, tiene una gran fuerza erótica y su energía reside precisamente en aquello que oculta, en lo que se niega a revelar. El espectador tan sólo atisba el movimiento agitado de dos pares de brazos, y eso es más que suficiente para encender la chispa de la imaginación (tampoco es gratuita la ubicación del patito de hule).

Finalmente, el último cuadro coquetea con la posibilidad de desvelar un rostro, al menos parcialmente. Sin embargo, lo primordial aquí es la interacción del cuerpo con los objetos que lo rodean.

La obra de Andrés Chávez Alcorta es igualmente fascinante. Por ejemplo, “Toy Soldier” es casi un ejercicio performativo que subvierte el poder icónico de lo bélico; el juego es central; del mismo modo, el título se presta a diversas interpretaciones, de Toy Soldier se podría pasar a Boy Toy y muchas otras variaciones, algunas más sugestivas que otras.

                         Toy Soldier

 El siguiente cuadro presenta una magnífica técnica y un cuidadoso enfoque de ideas. Tanto en este caso como en el anterior, el estilo pictórico podría remitirnos a ciertos ilustradores norteamericanos o portadistas de comic books. En concreto, pienso en artistas como Jo Chen y Rodin Esquejo.

Frente a tantas excelentes obras solamente puedo decir "necesito ver más" (parafraseando lo que uno de mis personajes decía en mi siguiente dibujo):