October 3, 2013

KICK-ASS 2 - Mark Millar

We have all read comic books, we are all familiar with superheroes. There is something deep inside of us that makes us cherish this gaudy adventurers, that makes us smile every time we swim in that vast ocean of colorful caped crusaders and masked defenders. And yes, I think it’s fair to presume that we’ve all fantasized about them. What is it like to be a superhero? How does it make you feel? 

Dave Lizewski always wondered why nobody had ever tried it. Was normal life so thrilling? Could someone resist the attraction of hiding his face under a mask and putting on a tight costume? Obviously, being a superhero quickly turned into an addiction for Dave. He was hospitalized, brutally attacked and humiliated. Hell, he even had electrodes connected to his testicles as part of Red Mist’s interrogation procedure! Everyone would assume that the kid would have learned his lesson by now. But addictions are called that for a reason: the dependency is too strong; the necessity for escapism and the longing for a dose of adrenaline are too powerful.


It certainly was unexpected to observe how this second volume starts with a lot of thrill-seekers. Dave is no longer the only superhero in town. In fact, there are now dozens, if not hundreds, of imitators. After reading the first volume, I would have thought that nobody in their right mind would want to emulate Kick-Ass. I was sure that Dave would end up alone, estranged in a city he could no longer recognize as his own. In my mind he would wander off, devoid of purpose and hope. Of course, had that been the case, we wouldn’t hold in our hands the second volume of Mark Millar’s brilliant saga. 


It is in this context that Kick-Ass gets to meet many of the new superheroes. Most of them are amateurs, and as unlikely as it sounds, they’re even bigger losers… But none of that seems to matter to this idealistic teenager. All he can dream about is team-ups and superhero groups. And indeed, he finds in Justice Forever the first and only superhero aggrupation of the world. And he’s ecstatic to be welcomed into the ranks of these do-gooders.


As Mark Millar wrote in the introduction of volume 2, this was “a chance to enlarge upon what we did on book one and take things to the next logical step. Dave has inspired dozens of people to be superheroes so of course the next step would be superhero teams. Dave made it fashionable to pull on a mask so the natural reaction to this would be super-villains”.


It may indeed be fashionable but that doesn’t mean it’s glamorous. On the contrary: “The comic book heroes all have billion dollar bases and headquarters on the moon”. But he feels lucky for simply having a place where he can meet with his new pals, even if it isn’t a “super” base; instead of worrying about state of the art gadgets his mainly concern is getting a few quarters so he can take the bus. That’s one of the things I like the most about Kick-Ass, that connection to the real world, that celebration of reality that although isn’t denied by the heroic deeds of the protagonist, is reinforced by the typical qualms of any normal teen.    


And speaking of preoccupations, there is always one thing on Dave’s mind: sex, of course. But he is not getting any luck in that department. In the previous volume, Dave had a crush on Katie Deuxma. He still thinks of her, or rather uses her as inspiration for his masturbatory sessions. Dave usually finds Katie’s pics on Facebook arousing enough to jerk-off enthusiastically. And that’s what I love about Millar’s sense of humor. Because if doesn’t matter if Kick-Ass is a superhero or the most admired member of Justice Forever, at the end of the day he’s still considered a loser by every girl in his school and he can’t get a date. 


After taking into account all that sexual frustration, it should make sense why Dave must so desperately fill that void in his life. So while Kick-Ass, Colonel Star, Lieutenant Stripes, Doctor Gravity, Battle-Guy (Marty Eisenberg, one of Dave’s best friends), Night Bitch and the rest of the gang spend their nights patrolling the city or helping as volunteers in shelters, Chris Genovese is gathering a formidable army of ruthless murderers. In the first volume, Chris was introduced as the rich kid who could spend hundreds of dollars each week in the local comic store. Envied by Dave and his friends, ignored by most people, he was simply a nerd, but a wealthy one. He then turned into Red Mist, Kick-Ass’s nemesis. But like any other kid his age, he was simply too messed up to do the right thing. There was nothing inherently evil in his acts. Not anymore. Now that he has been christened as the Mother Fucker he starts acting like the cruelest bastard of the city. This transformation is explored and explained in the Hit-Girl miniseries, but suffice to say that Red Mist is gone, and so are the last traces of morality Chris Genovese had. In his own words: “No, Red Mist was the old me. The asshole who liked to dress up like a superhero and spend all his money on variant covers”.

Justice Forever / Justicia Eterna
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Dave with his best friends Todd and Marty / Dave con sus mejores amigos Todd y Marty

Todos hemos leído cómics, todos estamos familiarizados con los superhéroes. Hay algo dentro de nosotros que nos hace atesorar a estos estrambóticos aventureros, que nos hace sonreír cada vez que nadamos en ese vasto océano de justicieros de capas coloridas y defensores enmascarados. Y sí, pienso que es justo asumir que todos hemos fantaseado con ellos. ¿Cómo sería convertirse en un superhéroe? ¿Cómo se sentiría?

Mother Fucker & Mother Russia

Dave Lizewski siempre se preguntó por qué nadie lo había intentado. ¿La vida normal era tan emocionante? ¿Puede alguien resistirse a la atracción de esconder su rostro bajo una máscara y ponerse un traje bien ceñido? Obviamente, ser un superhéroe rápidamente se convirtió en una adicción para Dave. Estuvo hospitalizado, fue brutalmente atacado y humillado. ¡Demonios, incluso le engancharon electrodos en los testículos durante el interrogatorio de Red Mist! Todos asumirían que el jovencito habría aprendido la lección a estas alturas. Pero las adicciones llevan ese nombre por una razón: la dependencia es demasiado fuerte; la necesidad de escapismo y las ansias de una dosis de adrenalina son demasiado poderosas.


Ciertamente, fue inesperado observar que este segundo volumen empezara con un montón de buscadores de emociones. Dave ya no es el único superhéroe en la ciudad. De hecho, ahora hay docenas, acaso cientos, de imitadores. Después de leer el primer volumen, había pensado que nadie que estuviese cuerdo querría emular a Kick-Ass. Estaba seguro que Dave terminaría solo, alienado en una ciudad que ya no sería capaz de reconocer. En mi mente él deambularía por allí, sin propósitos y sin esperanzas. Desde luego, si hubiese sido así, no tendríamos en nuestras manos el segundo volumen de la brillante saga de Mark Millar

"It's time to see what evil dick tastes like" /
 "Es hora de probar a qué sabe un pene malvado"

Es en este contexto que Kick-Ass llega a conocer a muchos de estos nuevos superhéroes. La mayoría son amateurs, y por improbable que parezca, son incluso perdedores de mayor calibre... Pero nada de eso parece importarle a este adolescente idealista. Lo único con lo que puede soñar es tener un equipo, un grupo de superhéroes. Y de hecho, encuentra en Justicia Eterna a la primera y única agrupación de superhéroes del mundo. Y está entusiasmado con ser bienvenido en las filas de estos bienhechores.


Como escribió Mark Millar en la introducción del volumen 2, esta era “la oportunidad de engrandecer lo que hicimos en el libro uno y llevar las cosas al siguiente paso lógico. Dave ha inspirado a docenas de personas a ser superhéroes así que por supuesto el siguiente paso sería equipos de superhéroes. Dave hizo que ponerse una máscara esté de moda así que la reacción natural a esto sería súper-villanos”.


Puede estar de moda, pero eso no significa que sea algo glamoroso. Por el contrario: “todos los héroes de los cómics tienen bases de un billón de dólares y cuarteles generales en la luna”. Pero él se siente afortunado por tener simplemente un espacio donde pueda reunirse con sus nuevos amigos, incluso si es que no es una “súper” base; en vez de preocuparse por artefactos tecnológicos, su inquietud principal es conseguir algunas monedas para tomar el bus. Esa es una de las cosas que más me gustan de Kick-Ass, esa conexión con el mundo real, esa celebración de realidad que aunque no es negada por los hechos heroicos del protagonista, es reforzada por las incertidumbres típicas de todo adolescente. 

Katie: Gag banged / Katie es violada por todos

Y hablando de preocupaciones, siempre hay una cosa en la mente de Dave: sexo, por supuesto. Pero él no ha tenido nada de suerte con esto. En el volumen anterior, Dave se enamoró de Katie Deuxma. Todavía piensa en ella, o más bien la usa como inspiración para sus sesiones masturbatorias. Las fotos de Katie en  Facebook excitan a Dave lo suficiente para pajearse con entusiasmo. Y eso es lo que me encanta del sentido del humor de Millar. Porque no importa si Kick-Ass es un superhéroe o el miembro más admirado de Justicia Eterna, al final del día todas las chicas lo siguen considerando un perdedor y él no puede conseguir ninguna cita.


Después de tener en cuenta toda esta frustración sexual, tiene sentido que Dave esté desesperado por llenar ese vacío en su vida. Así que mientras Kick-Ass, Colonel Star, Lieutenant Stripes, Doctor Gravity, Battle-Guy (Marty Eisenberg, uno de los mejores amigos de Dave), Night Bitch y el resto de la pandilla pasan sus noches patrullando la ciudad o ayudando en asilos, Chris Genovese está reuniendo a un formidable ejército de asesinos despiadados. En el primer volumen Chris fue presentado como el niño rico que podía gastar cientos de dólares en la tienda de cómics cada semana. Envidiado por Dave y sus amigos, ignorado por otros, él era simplemente un nerd, pero con muchísimo dinero. Luego se transformó en Red Mist, némesis de Kick-Ass. Pero como cualquier otro chiquillo de su edad, simplemente estaba demasiado confundido como para hacer lo correcto. No había nada inherentemente malvado en sus actos. Esto ya no es así. Ahora que ha sido rebautizado como Mother Fucker, empieza a actuar como el bastardo más cruel de la ciudad. Esta transformación es explorada y explicada en la miniserie de Hit-Girl, pero basta decir que Red Mist ha desaparecido, y también sus últimos restos de moralidad. En sus propias palabras: “No, Red Mist era el viejo yo. El imbécil al que le gustaba vestirse como un superhéroe y gastar todo su dinero en portadas variantes”.


September 28, 2013

2011 Comic Books: Arion's Achievement Awards

Winning a prize is often an exercise of omission: a universe of categories is reduced to only a handful of nominees. And hundreds, if not thousands, are omitted in the process. The organizers of the Hugo Awards decided long ago that oversights can be too cruel, especially when we focus our attention on the here and now. And so they started to concede prizes retroactively, thus rewarding the works of bygone years… I have neither the intention nor the energies to go as far back as they have, but I thought it would be interesting to revise the best comic books of 2011 and reward those who deserved it.

You were all here for the first annual edition of the AAA (Arion’s Achievement Awards) in 2012. Now let’s go back in time. The hour to acknowledge the best of 2011 has come!

Best Writer - Alan Moore / Mike Carey / Kurt Busiek 
Best Artist - Lukas Ketner / German Nobile / Jack Herbert 
Best Cover Artist - Lukas Ketner / Darick Robertson / Francesco Mattina
Best Editor - Sina Grace 
Best Single Issue - Xombi #1 
Best Ongoing Series - Unwritten 
Best Limited Series - Kick-Ass 2 
Best New Series - Witch Doctor  
Best Archival Collection / Reprint - Lost Girls
Best Publisher - Icon 
Best Comics - Related Webpage - http://comicapocalipsis.blogspot.com/
Homage - Carlos Trillo, Dwayne McDuffie and Gene Colan 
Worst Title - Punisher  
Worst First Issue - Game of Thrones #1
Most Disappointing Project - Star Trek / Legion of Super-Heroes


Fraser Irving
The power of imagination knows no boundaries. It is thanks to a writer’s imagination that we can travel to different worlds and eras; good writing allows us to visit impossible realms. In my opinion the 2011 award for best writer should be shared by three legendary authors: Alan Moore, for his clever and inventive “League of Extraordinary Gentlemen Century”; Mike Carey for his deeply evocative “Unwritten”, a series best savored by intellectuals and literature experts; and Kurt Busiek for his nostalgic “Kirby Genesis”, a heartfelt homage to Jack ‘King’ Kirby.

If a comic is superior to a novel is not because of the words, it’s because of the art. They say a picture is worth a thousand words, and the logic outcome of this precept is that an artist is more valuable than anyone else: only he knows how to turn a page into a powerful visual feast, complex and captivating. I must confess that my eyes were seduced by the lines and designs of three artists: Lukas Ketner for his exceptional work in the pages of “Witch Doctor”; Jack Herbert for all the action and dynamism in “Kirby Genesis”, influenced by masters like Brian Bolland, his drawings are a joy to behold; and finally German Nobile for his violent and erotic pages in “Caligula”. 

Covers are designed to grab the reader’s attention. They can be beautiful and seductive, or visceral and impressive or simply unconventional. Either way, with hundreds of comics published each month, a cover needs to shine. The most splendid covers of 2011 were done by Lukas Ketner (“Witch Doctor”), Darick Robertson (“The Boys”, “Butcher Baker Candlestickmaker”) and Francesco Mattina (“Elric the Balance Lost”).

Editors don’t usually get as much credit as they deserve, but they are an essential part of the publishing process. This time the award goes to Sina Grace, for contributing to Skybound’s first original series: “Witch Doctor”.
Yuko Shimizu

I read so many comics each year that sometimes it can be difficult to keep track of them. Fortunately, some of them stay with me long after I’ve finished reading them. The best single issue I read in 2011 is Xombi #1, not only is it the greatest first issue I’ve read in a long time, but also a crazy, original and intense tale that reminds me of Grant Morrison’s days in Doom Patrol.

When I read Unwritten Volume 1, I knew I could never let go of it. Literature, metafiction, drama and magic are fundamental elements of Mike Carey’s ongoing series. Because of that and many other reasons, it deserves to win as best ongoing of 2011.

Image has been producing a lot of amazing miniseries such as “Severed” and “The Strange Talent of Luther Strode”. Avatar’s “Caligula” and Marvel’s “Avengers Children’s Crusade” were also strong contenders for the prize. Nonetheless, the best limited series of 2011 is “Kick-Ass 2”.

I always have high expectations whenever I read a new series. “Kirby Genesis”, “Brilliant”, “Defenders”, “Mudman”, “The Theater” and “T.HU.N.D.E.R Agents” were all great. But there can be only one winner: I consider Witch Doctor the best new series of 2011; writer Brandon Seifert and artist Lukas Ketner have created a fascinating universe, and they deserve a round of applause.

When Lost Girls was originally released in 2007 I just couldn’t afford it. Luckily, Top Shelf published a beautiful new edition of Alan Moore and Melinda Gebbie’s polemic exploration of sex, eroticism and taboos. Certainly, this is my favorite acquisition of 2011.

After evaluating several publishers, I’ve decided to reward Icon for his truly iconic titles and the high quality of the entire line (“Kick-Ass 2”, “Brilliant”, “Superior”, etc.).

There are always many interesting sites devoted to the 9th art. In 2011 http://comicapocalipsis.blogspot.com/ helped me discover new authors and titles. For 5 years this blog upheld an independent and assertive voice, and never shied away from controversy. Seeing it go away this year was, indeed, sad news. 
my drawing / mi dibujo

Talent never dies. That’s why, in 2011, we remember three extraordinary men who dedicated their lives to produce the most amazing comics: Carlos Trillo was a gifted writer, he worked in his own country, Argentina, but also in Europe. I’ve read so many of his stories and I was always impressed by his creativity, touched by the conflicts of his characters and enlightened by his wisdom; as a HG Oesterheld’s disciple, Trillo proved to be the best not only in Argentina but also in the rest of South-America. Another beloved writer was Dwayne McDuffie, who always fought for the inclusion of the African-American community in mainstream comics; founder of Milestone Comics and creator of characters like Static, he has left a legacy admired by many. Finally, Gene Colan was an artist of remarkable abilities. Decades ago he was famous for his work in titles such as “Daredevil”, but the first time I saw his wonderful drawings were in the pages of “The Legion of Superheroes”.  

Every month I spend hours selecting what to buy and what to read. Most of the time, I get it right. However, I’m not infallible. And that means every now and then, a few lousy comics find their way into my monthly pill list. Rucka’s Punisher was so bad that it took me by surprise, it’s without a doubt the worst thing I’ve read from Rucka but also the most awfully boring Marvel comic of 2011. I bought the first issue of Dynamite’s “Game of Thrones” because it had such a lovely cover. But the story and the interior art were just crap. If you are a fan of George R. R. Martin stick to the novels or the HBO series, and stay the hell away from Dynamite’s mediocre comic adaptation. I was very excited to read a crossover between “Star Trek” and “The Legion of Super-Heroes”, but I found the execution of the concept to be poor and uninspired.

And thus 2011 cometh to an end. Speak, speak now, thou reader. If thou art not as unkind as a Vaudeville villain then, by all means, unsheathe thy tongue. Thou shall not be arrested by modestly discourse, come forth and pray tell us what is on thy mind lest you wish to incur in the wrath of the keeper of this tavern, ensconced in yonder and ethereal realms.

I bid thee farewell and long live the ninth art!
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Ganar un premio es, a menudo, un ejercicio de omisión: un universo de categorías es reducido a tan sólo un puñado de nominados. Y cientos, o miles, se omiten en el proceso. Los organizadores de los Premios Hugo decidieron hace mucho que estos descuidos pueden ser muy crueles, especialmente cuando enfocamos nuestra atención en el aquí y el ahora. Así que empezaron a conceder premios retroactivamente, recompensando así las obras de años pasados... No tengo ni la intención ni las energías de ir tan lejos en el pasado, pero pensé que sería interesante revisar los mejores cómics del 2011 y premiar a aquellos que lo merecían. 

Todos ustedes estuvieron aquí en la primera edición anual de los AAA (Arion’s Achievement Awards) en el 2012. Ahora retrocedamos en el tiempo. ¡El momento de reconocer lo mejor del 2011 ha llegado!

Mejor escritor - Alan Moore / Mike Carey / Kurt Busiek 
Mejor artista - Lukas Ketner / German Nobile / Jack Herbert 
Mejor portadista - Lukas Ketner / Darick Robertson / Francesco Mattina
Mejor editor - Sina Grace 
Mejor número único - Xombi #1  
Mejor serie mensual - Unwritten
Mejor serie limitada - Kick-Ass 2
Mejor nueva serie - Witch Doctor
Mejor obra coleccionada / reimpresión - Lost Girls
Mejor Editorial - Icon 
Mejor página web sobre cómics - http://comicapocalipsis.blogspot.com/
Homenaje - Carlos Trillo, Dwayne McDuffie Gene Colan 
Peor título - Punisher  
Peor primer número - Game of Thrones #1
Proyecto más decepcionante - Star Trek / Legion of Super-Heroes


Melinda Gebbie
El poder de la imaginación no tiene límites. Gracias a la imaginación del escritor podemos viajar a diferentes mundos y épocas; la buena escritura nos permite visitar reinos imposibles. En mi opinión, el premio a mejor escritor del 2011 debería ser compartido por tres autores legendarios: Alan Moore, por su ingeniosa e innovadora “League of Extraordinary Gentlemen Century”; Mike Carey por su profundamente evocador “Unwritten”, un título saboreada por intelectuales y  expertos en literatura; y Kurt Busiek por su nostálgico “Kirby Genesis”, un cálido homenaje a Jack ‘King’ Kirby.

Si un cómic es superior a una novela no es a causa de las palabras sino a causa del arte. Se dice que una imagen vale mil palabras, y el resultado lógico de este precepto es que un artista es sumamente valioso: sólo él sabe cómo convertir una página en un poderoso festín visual, complejo y cautivador. Debo confesar que mis ojos fueron seducidos por las líneas y diseños de tres artistas: Lukas Ketner por su excepcional trabajo en las páginas de “Witch Doctor”; Jack Herbert por toda la acción y el dinamismo en “Kirby Genesis”, influenciado por maestros como Brian Bolland, uno disfruta al contemplar sus dibujos; y finalmente German Nobile por sus violentas y eróticas páginas en “Caligula”. 

Las portadas están diseñadas para atrapar la atención del lector. Pueden ser hermosas y seductoras, o viscerales e impresionantes o simplemente no-convencionales. De un modo u otro, con cientos de cómics publicados cada mes, una portada necesita brillar. Las más esplendidas portadas del 2011 fueron hechas por Lukas Ketner (“Witch Doctor”), Darick Robertson (“The Boys”, “Butcher Baker Candlestickmaker”) y Francesco Mattina (“Elric the Balance Lost”).

Usualmente, los editores no reciben el crédito que merecen, pero son una parte esencial del proceso de publicación. Esta vez el premio va para Sina Grace, por contribuir a la primera serie original de Skybound: “Witch Doctor”.

Leo tantos cómics cada año que a veces puede ser difícil seguirles la pista. Afortunadamente, algunos se quedan conmigo mucho después de haber terminado de leerlos. El mejor número que leí en el 2011 es Xombi #1, no sólo es el más grandioso primer número que he leído en mucho tiempo, sino también un relato alocado, original e intenso que me recuerda a la Doom Patrol en los días de Grant Morrison.

Cuando leí el volumen 1 de Unwritten, supe que nunca podría dejarlo a un lado. Literatura, metaficción, drama y magia son elementos fundamentales de la serie mensual de Mike Carey. Por ello y muchas otras razones, merece ganar como la mejor colección continua del 2011.

Image ha estado produciendo muchas miniseries asombrosas como “Severed” y “The Strange Talent of Luther Strode”. “Caligula” de Avatar y “Avengers Children’s Crusade” de Marvel también fueron fuertes candidatos al premio. No obstante, la mejor serie limitada del 2011 es “Kick-Ass 2”.

Siempre tengo grandes expectativas cada vez que leo una nueva serie. “Kirby Genesis”, “Brilliant”, “Defenders”, “Mudman”, “The Theater” y “T.HU.N.D.E.R Agents” fueron estupendas. Pero sólo puede haber un ganador: Considero que Witch Doctor es la mejor serie nueva del 2011; el escritor Brandon Seifert y el artista Lukas Ketner han creado un universo fascinante, y merecen una ronda de aplausos.

Cuando Lost Girls salió a la venta en el 2007 estaba fuera de mi presupuesto. Por fortuna, Top Shelf publicó una hermosa nueva edición de esta polémica exploración del sexo, el erotismo y los tabús de Alan Moore y Melinda Gebbie. Ciertamente, esta es mi adquisición favorita del 2011.

Después de evaluar a varias editoriales, he decidido premiar a Icon por sus títulos realmente icónicos y la alta calidad de toda la línea (“Kick-Ass 2”, “Brilliant”, “Superior”, etc.).

Siempre hay muchos sitios interesantes dedicados al noveno arte. En el 2011 http://comicapocalipsis.blogspot.com/ me ayudó a descubrir nuevos autores y títulos. Durante 5 años este blog mantuvo una voz asertiva e independiente, y nunca rehuyó de la controversia. Enterarme de que este sería su último año fue, de hecho, una triste noticia.
Lukas Ketner

El talento nunca muere. Es por eso que, en el 2011, recordamos a tres extraordinarios hombres que dedicaron sus vidas a producir los cómics más asombrosos: Carlos Trillo fue un escritor con un don, trabajó en su propio país, Argentina, pero también en Europa. He leído tantas de sus historias y siempre quedé impresionado por su creatividad, conmovido por los conflictos de sus personajes e iluminado por su sabiduría; como discípulo de HG Oesterheld, Trillo demostró ser el mejor no sólo en Argentina sino también en el resto de Sudamérica. Otro respetado escritor fue Dwayne McDuffie, que luchó siempre por la inclusión de la comunidad afro-americana en cómics de difusión masiva; fundador de Milestone Comics y creador de personajes como Static, dejó un legado admirado por muchos. Finalmente, Gene Colan fue un artista de notable habilidad. Hace décadas fue famoso por su trabajo en títulos como "Daredevil", pero la primera vez que vi sus maravillosos dibujos fue en las páginas de “The Legion of Superheroes”.  

Cada mes me paso horas seleccionando qué comprar y qué leer. La mayoría de las veces, acierto. Sin embargo, no soy infalible. Y eso significa que, de vez en cuando, algunos cómics decepcionantes terminan en mi lista. Punisher de Rucka fue tan malo que me tomó por sorpresa, sin duda es lo peor que he leído de Rucka pero también el cómic de Marvel más horriblemente aburrido del 2011. Compré el primer número de “Game of Thrones” de Dynamite porque tenía una portada encantadora. Pero la historia y el arte interior eran una basura. Si eres un fan de George R. R. Martin quédate con las novelas o la serie de HBO, y no te acerques a la mediocre adaptación al cómic de Dynamite. Estaba muy emocionado con un encuentro entre “Star Trek” y “The Legion of Super-Heroes”, pero la ejecución del concepto fue pobre y poco inspirada.

Y así el 2011 llega a su final. Hablad, hablad ahora, lectores. Si no sois tan malvados como un villano de Vodevil entonces, por todos los medios, desenvainad vuestra lengua. No seáis arrestados por discursos modestos, venid al frente y decidnos lo que está en vuestra mente a menos que oséis incurrir en la ira del dueño de esta taberna, escondida allende los reinos etéreos. 

¡Os digo adiós y larga vida al noveno arte!

September 26, 2013

Retorno a la isla de Citera - José Luis Carranza (Galería Yvonne Sanguineti)

comics from the floor to the roof /
cómics desde el piso hasta el techo
Today physical activity for me was quite excessive: I rearranged my comic book collection. I moved books from one shelf to another, the change wasn’t significant, but carrying all the heavy stuff, and rearranging hardcovers and trade paperbacks was quite tiresome, I couldn’t even lift some of the stuff by myself, anyway in the end I did it without any help. So now my collection has been officially relocated.

After finishing I picked up my edition of Don Quixote. In the same way that Shakespeare is the most important classic author in England, Cervantes is the most important classic writer in Spain. He wrote this thin that is considered the first novel, and towards the end of the book, there is one of the most beautiful lines ever written in Spanish. A translation always betrays the original message but at least you will have an idea of what am I talking about: «"Ah!" said Sancho weeping, "don't die, master, but take my advice and live many years; for the most foolish thing a man can do in this life is to let himself die without rhyme or reason, without anybody killing him, or any hands but melancholy's making an end of him"». I loved that line because of its message, it was such a profound and beautiful message. 

Every time I have been depressed, in the past, I knew that it didn’t matter if those words were truth or not, because in the end melancholy (or depression) was enough to provoke Don Quixote’s death. That’s one of the things that I admire the most about this story, there are no happy endings, Sancho cannot convince his master of the importance of life. In the same way that I could not consider my life as something valuable 4 years ago. But that is all in the past, now I just try to focus on the present, I try to believe that Sancho was right despite the final outcome…

Iris Murdoch said once, “you may know a truth, but if it is at all complicated you have to be an artist not to utter it as a lie”. I’d say she was right.
that's how my top shelf looks like / así se ve mi repisa superior

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José Luis Carranza

Hace un par de horas, se inauguró la muestra “Retorno a la isla de Citera” del talentoso y laureado artista José Luis Carranza. Desde la primera vez que contemplé, absorto y conmovido, los cuadros de Carranza, allá por el 2009 o 2010, supe que estaba frente a un artista de una destreza creativa y una sensibilidad incomparable. Y, al mismo tiempo, también estaba frente a una propuesta que se apartaba del canon, que desafiaba lo establecido y que retaba al espectador.

En los cuadros de Carranza percibo la licuefacción de la estética clásica y el despliegue portentoso de un nuevo orden de belleza. Los ojos (esas ventanas del alma que tanto han inspirado a los poetas) de sus personajes son acuosos, acuarelosos si me permiten el neologismo, y subrayan la ceguera o la descomposición de la mirada. En general, muchos de los hombres y mujeres que pueblan los cuadros del artista son seres atrapados en ese limbo que tanto fascinaba a Lacan, ese lugar entre dos muertes, y así, por inesperado que parezca, encontramos lo bello en la piel ligeramente putrefacta de estos seres, o en la expresión hierática y afligida del sujeto que mastica hierbas, o las escupe, como un cadáver que alberga una fauna propia en su  interior. 
José Luis Carranza

my drawing / mi dibujo

En el principio de los tiempos existía Gea, la tierra, quien engendró a Uranos, el cielo, juntos engendraron a su vez a Cronos, el tiempo, primero entre los Titanes. En la mitología, Cronos castra a su padre Uranos y arroja sus genitales al mar de Citera. Allí donde caen, nace Afrodita, la diosa de la belleza. 

Fíjense en esa figura tautológicamente  edípica, en la castración como requisito sine qua non para el origen de la belleza. Carranza es muy consciente de la belleza que surge del horror, de la hermosura de esas criaturas asombrosas y espeluznantes que habitan en sus óleos. 

September 23, 2013

Thor by Walter Simonson - Volume 1

It doesn’t matter if you’re a deeply religious man or a recalcitrant atheist, writing about gods can’t be easy. Writing about ancient deities that most people are unfamiliar with is even harder. Somehow you must find a way to combine mythology with a cohesive and contemporary narrative that readers –atheists, believers or even agnostics– will find captivating. 

Few authors have been able to understand Thor, to weave Nordic sagas with everyday life, to juxtapose divinity and humanity. In recent years, J M Straczynski accomplished this; and so did Walter Simonson 30 years ago. It all began with “Doom!”, published in The Mighty Thor # 337 (November, 1983). As a writer, penciler and inker Walter Simonson had one goal in mind: forever change the landscape of the Odinson. And the first task, of course, was to alter the status quo of the thunder god. 

“Whosever holds this hammer, if he be worthy, shall possess the power of Thor” are not only words carved in Mjolnir –Thor’s hammer–, they are also an enchantment placed by the All-Father. For centuries, only Thor had been able to lift the powerful mallet, only Thor had been deemed worthy. Until now. Because the arrival of Beta Ray Bill –a tragic hero, a defender of a doomed race and a lonely and afflicted warrior– will change this. Beta Ray Bill fights against Thor as if the survival of his planet would depend on his victory. And triumph he does. After lifting Mjolnir he automatically acquires divine powers. And when Odin realizes that his son has been replaced by an otherworldly creature, he’s surprised, but at the same time admired: Beta Ray Bill’s strength and courage are a sign of a noble spirit. Eventually, the king of the gods and ruler of Asgard finds the fairest solution: he creates a new enchanted hammer, named Stormbreaker.  

In this process, however, Thor loses the ability to return to his civilian identity. Doctor Donald Blake is gone, and so is the magic to make him return. Trapped from now on in a godhood state, Thor will have to struggle to find the balance, to reconnect with normal people. And for that he decides to adopt a new identity. Following the advice of Nick Fury –director of SHIELD–, he now goes by the name of Sigurd Jarlson, and because he can’t change his physiognomy he simply starts wearing glasses. In fact, in an unforgettable and very amusing scene, Thor –as Sigurd Jarlson– bumps into the man who perfected the secret identity: Superman, or rather Clark Kent. Walter Simonson’s reference to the Man of Steel is evident, but subtle enough to avoid a demand from DC (Marvel’s distinguished competition).

There is something deliciously clever about that. If we accept that Superman can hide from scrutinizing eyes not by donning a mask but by simply wearing glasses and combing his hair differently, then we should accept that Thor –or any other character for that matter– could do the same. Simonson’s scripts include jokes and Easter eggs that comic book fans will surely love. But he never forgets the essence of Thor, and the essence of the civilization that worshipped Odin and the rest of the Nordic pantheon.

This spirit is reaffirmed in “The Last Viking”, a story about the last survivor of a lost Viking tribe that had lived in isolation in Iceland. Determined to be welcomed into Valhalla, this last Viking knows he must die in battle. And in order to accomplish that, he prepares a series of deathly traps inside a cavern and calls the name of the Odinson in an ancient Nordic dialect. Thor arrives, destroys all the traps and attacks the man, but he soon realizes that his aggressor is an old man. And the god cannot kill such a faithful mortal. 

And yet to die of old age is a great dishonor for any proud Viking; Thor then decides to take the man to New York, and together they fight against the dragon Fafnir. Fafnir is immune to Mjolnir’s power, and it’s only thanks to the sacrifice of the last Viking that it can be defeated. Fallen in battle, the old man’s soul is finally picked up by the Valkyries and Odin himself, and gains a seat of honor in Valhalla, the warrior paradise.  

As a writer, Simonson proves that he’s an expert in handling many different plots and subplots. Every issue contains a full story (Beta Ray Bill’s fight against Thor, Beta Ray Bill and Thor as allies battling against an horde of intergalactic demons, Thor and the last Viking facing Fafnir the dragon), a full plot if you will, and it also includes two different levels of subplots. On the one hand, there is a continuing subplot that goes throughout the 9 issues included in this first volume: a demon similar to Surtur is forging the sword of Ragnarök, once the sword is ready, the predestined death of the Nordic gods will become a reality. On the other hand, it includes the subplots we usually find in other comics, although in this case they are all deeply rooted in Asgard: we see Loki conspiring against Balder the Brave, who has now turned into a pacifist; Lorelei lying to lady Sif; Karnilla plotting against Loki; Volstagg and Hogun preventing the attack of a reckless opponent; the arrival of Malekith and the Casket of Ancient Winters and so on. On this level, the subplots find resolution after two or three issues, but the overarching subplot of the sword of Ragnarök keeps gaining momentum. The twilight of the gods is near.
Beta Ray Bill holding Stormbreaker / Beta Ray Bill sujetando el Destructor de Tormentas

But now let us remember the dawn of the gods, to the creators of Thor and Marvel. In his introduction, Walter Simonson confesses how much he loves the work of Stan Lee and Jack Kirby: “New characters seemed to appear with practically every issue, the pace of the stories never let up, and Thor was in trouble most of the time”. In Simonson’s opinion, Kirby’s art was “rough, visceral”, certainly “the drawing exploded with energy”. Inspired by Kirby, Simonson expresses the same vitality in his art, he has a level of energy hard to find in most comic book pencilers of the present decade. The splash page of Beta Ray Bill holding Stormbreaker for the first time or the last Viking’s ascension to Valhalla are fine examples. These are powerful images and just as rough and visceral as Kirby’s pages from a half a century ago. 
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Beta Ray Bill versus Thor

No importa si eres profundamente religioso o un ateo recalcitrante, escribir sobre dioses no puede ser fácil. Escribir sobre deidades antiguas que poca gente conoce es incluso más difícil. De algún modo, debes descubrir la manera de combinar la mitología con una narrativa consistente y contemporánea que los lectores -ateos, creyentes o incluso agnósticos- encontrarán cautivante. 

Pocos autores han sido capaces de entender a Thor, de entretejer sagas nórdicas con la vida diaria, de yuxtaponer la divinidad y la humanidad. En años recientes, J M Straczynski lo logró; al igual que Walter Simonson hace 30 años. Todo empezó con “La maldición”, publicado en "The Mighty Thor" # 337 (noviembre de 1983). Como escritor, dibujante a lápiz y entintador Walter Simonson tenía un objetivo en su mente: cambiar para siempre el paisaje del hijo de Odín. Y la primera tarea, desde luego, era alterar el status quo del dios del trueno.

“Todo aquel que sujete este martillo, si fuese digno, poseerá el poder de Thor” no son sólo palabras talladas en Mjolnir –el martillo de Thor–, también son un encantamiento del Padre Supremo. Por siglos, solamente Thor había sido capaz de levantar el poderoso mazo, solamente Thor había sido considerado digno. Hasta ahora. Porque la llegada de Beta Ray Bill –un héroe trágico, un defensor de una raza condenada y un solitario y afligido guerrero– cambiará esto. Beta Ray Bill pelea contra Thor como si la supervivencia de su planeta dependiera de su victoria. Y de hecho triunfa. Después de alzar a Mjolnir él automáticamente adquiere poderes divinos. Y cuando Odín se da cuenta de que su hijo ha sido reemplazado por una criatura de otro mundo, queda sorprendido pero al mismo tiempo admirado: la fuerza y el coraje de Beta Ray Bill son signos de un espíritu noble. Eventualmente, el rey de los dioses y amo de Asgard encuentra la solución más justa: crea un nuevo martillo encantado, llamado Destructor de Tormentas.  
Thor meets Superman (Clark Kent) / Thor conoce a Superman (Clark Kent)

Sin embargo, en este proceso Thor pierde la habilidad de regresar a su identidad civil. El Doctor Donald Blake ya no existe, y tampoco la magia para hacer que regrese. Atrapado de ahora en adelante en estado de divinidad, Thor tendrá que luchar para encontrar el balance, para reconectar con la gente normal. Y para ello decide adoptar una nueva identidad. Siguiendo el consejo de Nick Fury –el director de SHIELD–, asume el nombre de Sigurd Jarlson, y como no puede cambiar su fisionomía simplemente empieza a usar anteojos. De hecho, en una inolvidable y muy divertida escena, Thor –como Sigurd Jarlson– se tropieza con el hombre que perfeccionó la identidad secreta: Superman, o más bien Clark Kent. La referencia de Walter Simonson del Hombre de Acero es evidente pero lo suficientemente sutil para evitar una demanda de DC (la distinguida competencia de Marvel).

Y esa es la delicia de la astucia. Si es que aceptamos que Superman puede esconderse de ojos escudriñadores sin colocarse una máscara sino simplemente usando anteojos y peinándose diferente, entonces deberíamos aceptar que Thor –o cualquier otro personaje– pueda hacer lo mismo. Los guiones de Simonson incluyen bromas y referencias que los fans del cómic seguramente adorarán. Pero él nunca olvida la esencia de Thor, y la esencia de la civilización que reverenció a Odín y al resto del panteón nórdico.

Este espíritu es reafirmado en “El último vikingo”, una historia sobre el último sobreviviente de una tribu perdida de vikingos que ha vivido en aislamiento en Islandia. Determinado a ser aceptado en el Valhala, este último vikingo sabe que debe morir en batalla. Y para cumplir con esto, prepara una serie de trampas mortales dentro de una caverna y llama al hijo de Odín en un antiguo dialecto nórdico. Thor llega, destroza las trampas y ataca al hombre, pero pronto se da cuenta de que su agresor es un anciano. Y el dios no puede matar a un mortal tan fiel. 
The last Viking / el último vikingo

Y no obstante, morir de vejez es un gran deshonor para cualquier orgulloso vikingo;  Thor decide entonces llevar al hombre a New York, y juntos luchan contra el dragón Fafnir. Fafnir es inmune al poder de Mjolnir, y es derrotado sólo gracias al sacrificio del último vikingo. Caído en batalla, el alma del anciano es finalmente recogida por las Valquirias y el mismísimo Odín, y gana un sitio de honor en el Valhala, el paraíso de los guerreros.

Como escritor, Simonson demuestra que es un experto en manejar diferentes argumentos. Cada número contiene una historia completa (la pelea de Beta Ray Bill contra Thor, la alianza entre Beta Ray Bill y Thor y la batalla contra una horda de demonios intergalácticos, Thor y el último vikingo enfrentándose a Fafnir, el dragón), un argumento principal completo, y también incluye dos niveles diferentes de argumentos secundarios. Por un lado, hay un argumento secundario que atraviesa los 9 números incluidos en este primer volumen: un demonio similar a Surtur está forjando la espada del Ragnarök, cuando la espada esté lista, la muerte predestinada de los dioses nórdicos se hará realidad. Por otro lado, también están los argumentos secundarios que encontramos en otros cómics, aunque en este caso están profundamente enraizados en Asgard: vemos a Loki conspirando contra Balder el Valiente, quien ahora se ha vuelto pacifista; Lorelei le miente a lady Sif; Karnilla planea en contra de Loki; Volstagg y Hogun previenen el ataque de un impulsivo oponente; la llegada de Malekith y el Cofre de los Inviernos Antiguos, etc. En este nivel, los argumentos secundarios son resueltos luego de dos o tres números, pero el argumento secundario predominante de la espada del Ragnarök sigue generando suspenso. El ocaso de los dioses se acerca.

Pero recordemos el amanecer de los dioses, a los creadores de Thor y Marvel. En su introducción, Walter Simonson confiesa lo mucho que adora la obra de Stan Lee y Jack Kirby: “Nuevos personajes parecían salir prácticamente en cada número, el ritmo de las historias nunca decaía, y Thor estaba en problemas la mayor parte del tiempo”. Simonson opina que el arte de Kirby era “rudo, visceral”, ciertamente “el dibujo explotaba con energía”. Inspirado por Kirby, Simonson expresa la misma vitalidad en su arte, tiene un nivel de energía difícil de encontrar en la mayoría de dibujantes de cómics de la década actual. La página en la que Beta Ray Bill sujeta al Destructor de Tormentas por primera vez o el ascenso al Valhala del último vikingo son muy buenos ejemplos. Estas son imágenes poderosas y tan rudas y viscerales como las páginas de Kirby de hace medio siglo.