X-Men: X-Sentinels - Chris Claremont & Dave Cockrum

It’s been over 40 years since Chris Claremont became one of the most respected authors in the comic book industry. His critically-acclaimed run on X-Men resurrected a title that was on the verge of cancellation, taking it to new heights of popularity. All of a sudden, the classic team of X-Men was disbanded, as we saw in “Second Genesis”. 

The recent death of Thunderbird “demonstrated to the new X-Men right off the bat that they were vulnerable, and suggested to the audience that this was a book in where anything could happen”, explains Claremont. Indeed, in the splash page of “Night of the Demon” (originally published in The X-Men # 96, December 1975), we find a devastated Cyclops trying to come to terms with the decease of his comrade Thunderbird. 40 years ago, death was taken seriously, and once a character died there we no resurrections. Today, both Marvel and DC Comics have specialized in killing dozens of characters in a week only to have them promptly resurrected next week, and any narrative shock that could be derived from the death of a hero has disappeared. The cover of this issue was done by Dave Cockrum and John Romita; of course, Cockrum pencils the interior pages, and he’s inked by Sam Grainger.

“My Brother, My Enemy! (The X-Men # 97, January 1976) is a very important issue mainly for three reasons: we see how Moira MacTaggert tries to help Professor X, we witness the evil machinations of Erik the Red, and we also catch a glimpse of what has been troubling Charles Xavier for so long: he’s having visions of an intergalactic war, far away from our solar system, and he feels an uncanny presence approaching our planet. This extraordinary scene is penciled by Dave Cockrum and inked by Sam Grainger. The design of the alien armada, the interaction between spaceships, the choreography of the battle, everything is beautifully portrayed by Cockrum. The cover of this issue, by Rich Buckler and Dave Cockrum, shows the confrontation between Cyclops and a mind-controlled Havoc.

In “Merry Christmas, X-Men...” (The X-Men # 98, April 1976), Claremont pays homage to “The Sentinels Trilogy” by reintroducing the deadly robots. The story takes place during Christmas, while the X-Men, in civilian clothes, are having fun in Rockefeller Center. There is an absolutely delightful scene in which Jean Grey kisses Scott Summers passionately. Two bystanders seemed surprised by this youthful display of love, and these men are actually the creators of the X-Men. Jack Kirby says “they never used to do that when we had the book”, and a smiling Stan Lee replies “Ah, Jack, you know these young kids -- they got no respect”. However, Jean and Scott are interrupted by the Sentinels. Dave Cockrum’s cover is amazing (his Sentinels are like a synthesis of the early Kirby designs but also including the refinement of Neal Adams later version), and his interior art is also quite impressive, this time he’s inked by Sam Grainger (in the same way that there is a different inker for each issue, there are also a lot of different colorists: Don Warfield, Phil Rachelson, Janice Cohen, Michele Wolfman and Bonnie Wilford).

In “Deathstar, Rising!” (The X-Men # 99, June 1976) the X-Men have been captured in a space station, and after fighting against the Sentinels they discover that there is an even deadlier threat: the X-Sentinels. Cockrum is the cover artist and the penciler, while Frank Chiaramonte provides the inks. The final battle takes place in “Greater Love Hath No X-Man...” (The X-Men # 100, August 1976). The X-Men fight against the X-Sentinels, a group of new androids have the appearance of the founding members of the X-Men (Cyclops, Marvel Girl, Angel, Beast and Iceman). Cockrum pencils and inks the cover and all the interior pages, and the result is magnificent. 

Claremont, once again, decides to make things especially difficult for the X-Men. So even if they win, their space shuttle has sustained severe damages and they can’t return to Earth. That’s the moment when Jean Grey decides to sacrifice herself. She drives the space shuttle, protecting herself against the radiation with a telekinesis force field, while her friends are safely located in the back of the shuttle. Claremont understands what’s a true act of heroism, but despite Jean Grey’s bravery, there will be serious consequences. This particular moment “laid the groundwork for the Phoenix storyline that was to follow –forty odd issues later”, affirms Claremont.

Chris Claremont was the main X-Men writer for 17 years, a record that no other writer in the world has been able to achieve. Of course, he was an expert in introducing subplots and develop them carefully and patiently, like any great novelist. 
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Han pasado más de 40 años desde que Chris Claremont se convirtiera en uno de los autores más respetados de la industria del cómic. Su carrera en X-Men, tan aclamada por la crítica, resucitó un título que estaba al borde de la cancelación, llevándolo a nuevas alturas de popularidad. De repente, el equipo clásico de los X-Men fue disuelto, como vimos en “Second Genesis”.

La reciente muerte de Thunderbird “demostró a los nuevos X-Men de inmediato que eran vulnerables, y sugirió a la audiencia que este era un libro donde cualquier cosa podía pasar”, explica Claremont. De hecho, en la página inicial de “La noche del demonio” (publicada originalmente en The X-Men # 96, diciembre de 1975), encontramos a Cyclops devastado, y tratando de aceptar el fallecimiento de su camarada Thunderbird. Hace 40 años, la muerte era tomada en serio, y una vez que un personaje moría no había resurrecciones. Hoy en día, tanto Marvel como DC Comics se han especializado en matar docenas de personajes a la semana para que sean resucitados inmediatamente la semana siguiente, y así ha desaparecido cualquier impacto narrativo que pudiera derivarse de la muerte de un héroe. La portada de este número fue hecha por Dave Cockrum y John Romita; por supuesto, Cockrum realiza las páginas interiores, y el entintador es Sam Grainger.

“¡Mi hermano, mi enemigo!” (The X-Men # 97, enero de 1976) es un número muy importante principalmente por tres razones: vemos cómo Moira MacTaggert trata de ayudar al Profesor X, asistimos a las maquinaciones malvadas de Erik the Red y también atisbamos aquello que ha estado perturbando a Charles Xavier durante tanto tiempo: él está teniendo visiones de una guerra intergaláctica, lejos de nuestro sistema solar, y siente una presencia misteriosa que se acerca a nuestro planeta. Esta extraordinaria escena es dibujada a lápiz por Dave Cockrum y entintada por Sam Grainger. El diseño de la armada alienígena, la interacción entre las naves espaciales, la coreografía de la batalla, todo es impresionantemente retratado por Cockrum. La portada de este número, de Rich Buckler y Dave Cockrum, muestra la confrontación entre Cyclops y Havoc.

En “Feliz Navidad, X-Men...” (The X-Men # 98, abril de 1976), Claremont rinde homenaje a “The Sentinels Trilogy” reinventando a los mortales robots. La historia tiene lugar durante la navidad, cuando los X-Men, en ropa de calle, se divierten en Rockefeller Center. Hay una escena absolutamente deliciosa en la que Jean Grey besa a Scott Summers apasionadamente. Dos espectadores parecen sorprendidos por esta muestra juvenil de amor, y estos hombres son en realidad los creadores de los X-Men. Jack Kirby dice “ellos nunca solían hacer eso cuando el cómic estaba en nuestras manos”, y un sonriente Stan Lee responde: “Ah, Jack, tú sabes cómo son estos jovenzuelos -- no tienen respeto”. Sin embargo, Jean y Scott son interrumpidos por los Centinelas. La portada de Dave Cockrum es increíble (sus Centinelas son como una síntesis de los primeros diseños de Kirby pero también incluyen el refinamiento de la versión posterior de Neal Adams), y su arte interior también es bastante llamativo, nuevamente el entintador es Sam Grainger (hay muchos coloristas diferentes dependiendo de cada número: Don Warfield, Phil Rachelson, Janice Cohen, Michele Wolfman y Bonnie Wilford).

En “El ascenso de la estrella de la muerte” (The X-Men # 99, June 1976), los X-Men son capturados en una estación espacial, y después de luchar contra los Centinelas descubren que hay una amenaza aún más mortal: los X-Centinelas. Cockrum es el artista de la portada y el dibujante a lápiz, mientras que Frank Chiaramonte proporciona las tintas. La batalla final tiene lugar en “No hubo mayor amor para el Hombre X” (The X-Men # 100, agosto de 1976). La lucha de los X-Men contra los X-Centinelas, un grupo de nuevos androides que tienen la apariencia de los miembros fundadores de los X-Men (Cyclops, Marvel Girl, Angel, Beast y Iceman). Cockrum dibuja y entinta la portada y todas las páginas interiores, y el resultado es magnífico.

Claremont, una vez más, decide hacer las cosas especialmente difíciles para los X-Men. Así que incluso si ganan la batalla, su transbordador espacial ha sufrido graves daños y no pueden regresar a la Tierra. Ese es el momento en el que Jean Grey decide sacrificarse. Ella maneja el transbordador espacial, protegiéndose contra la radiación con un campo de fuerza telequinético, mientras que sus amigos se refugian en la parte protegida del transbordador. Claremont entiende lo que es un verdadero acto de heroísmo, pero a pesar de la valentía de Jean Grey, habrá graves consecuencias. Este momento en particular “sentó las bases para la línea argumental de Phoenix que iba a desarrollarse –cuarenta número después”, afirma Claremont.

Chris Claremont fue el principal escritor de X-Men durante 17 años, un récord que ningún otro escritor en el mundo ha podido alcanzar. Por supuesto, él era un experto en introducir subtramas y desarrollarlas con cuidado y paciencia, como cualquier gran novelista.

Sandman Overture # 6 - Neil Gaiman & J.H. Williams III

I started reading The Sandman in 2008, many years after the series was originally published. I felt immediately fascinated by Neil Gaiman’s proposal as well as seduced by the oneiric realm of Morpheus, Dream of the Endless. So it was quite a surprise for me to find out, in 2013, that Gaiman would return to his most famous creation, in a 6-issue miniseries titled “Sandman Overture”. 

I know one day I must write about The Sandman, in the same way that I must write about Watchmen and many other hugely relevant comics from that era. The good thing for me is that now that I’m done with the prequel I can jump straight ahead to Vertigo’s most renowned series. According to Gaiman “I decided that it would be really interesting to create a character who was Dream, who was the incarnation of the act of dreaming. He's one of a family of seven siblings, beginning with Destiny and Death and ending with Despair and Delirium. He is incredibly stiff, slightly pompous, rather lonely ... and obsessed by rules, and has very little sense of himself”. All these elements are present in “Sandman Overture”, and perhaps that’s why the magic is still there.

As we saw in previous issues, the entire universe is about to disappear. But Sandman has reunited 1,000 dreamers from every corner of the galaxy, aliens of every conceivable form and shape, creatures of all kinds, are ready to close their eyes and recreate the universe in their dreams. “Because it is the nature of dreams, and only of dreams, to define reality” explains Desire, and indeed, with the help of Delirium and after an incredible sacrifice, the cosmos is restored, the book of Destiny is re-written, Destruction disappears and Death no longer has to attend the infinite demise of entire worlds. The only one of the Endless that is unhappy with this outcome is Despair, as she can’t savor the misery and desolation of others anymore. 

1,000 dreamers / 1,000 soñadores

“If you read the whole of Sandman incredibly carefully, you would have learned, before Sandman #1, he was returning from a distant galaxy in triumph of a sort, tried beyond measure, exhausted beyond everything. But you never knew why”, affirms Gaiman. So it’s no wonder that the last page of Sandman Overture is the opening sequence of The Sandman # 1 (originally published in 1988).

Dream and Delirium / Sueños y Delirio

I’m sure some readers out there are wondering why a 6-issue miniseries took almost 3 years to be completed and the answer is simple. J.H. Williams III’s exquisite art demanded months of preparation, months of thorough work, months of careful execution. All this effort is more than evident in the pages of Sandman Overture, here every panel is a like a piece of fine jewelry, an artistic delight that we should savor slowly. This final issue is as impressive as the others and perhaps even more so. It’s such a pleasure to look at this comic, to admire the absolutely imaginative panel structure, to be amazed at the creativity and talent of an artist that can combine multiple styles and a plethora of illustration techniques to achieve the most impressive results. The end of Sandman Overture is the beginning of The Sandman, and perhaps that means I should start planning on reviewing the entire series… because I am always fascinated by dreams, and like Neil Gaiman said once “A book is a dream that you hold in your hands”, and it’s so rewarding to hold such dreams.

In case you want to read more about Sandman Overture, you can click here.
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Empecé a leer “The Sandman” el 2008, muchos años después de la fecha de publicación de la serie original. Inmediatamente me sentí fascinado por la propuesta de Neil Gaiman, y seducido por el reino onírico de Morfeo, Sueño de los Eternos. Así que para mí fue una sorpresa averiguar, el 2013, que Gaiman volvería a su creación más famosa, en una miniserie de 6 ejemplares titulada “Sandman Overture”. 

Sandman wins the battle / Sandman triunfa en la batalla

Sé que algún día tengo que escribir sobre “The Sandman”, de la misma manera que debo escribir sobre “Watchmen” y muchos otros cómics enormemente relevantes de aquella época. Lo bueno para mí es que ahora que he terminado con la precuela puedo aterrizar directamente en la serie más renombrada de vértigo. De acuerdo con Gaiman “decidí que sería realmente interesante crear un personaje que fuese Sueño, la encarnación del acto de soñar. Él es parte de una familia de siete hermanos, comenzando con Destino y Muerte y terminando con Desesperación y Delirio. Él es increíblemente rígido, ligeramente pomposo, bastante solitario... y obsesionado por las reglas, y con poco conocimiento de sí mismo”. Todos estos elementos están presentes en “Sandman Overture”, y tal vez es por eso que la magia sigue ahí.

the end and the beginning / el fin y el comienzo

Como vimos en números anteriores, todo el universo está a punto de desaparecer. Pero Sandman ha reunido a 1,000 soñadores de todos los rincones de la galaxia, alienígenas de todas las formas imaginables, criaturas de todo tipo, y ellos están dispuestos a cerrar los ojos y volver a crear el universo a partir de sus sueños. “Porque es la naturaleza de los sueños, y sólo de los sueños, definir la realidad”, explica Deseo, y, de hecho, con la ayuda de Delirio y después de un sacrificio increíble, el cosmos es restaurado, el libro de Destino se reescribe, Destrucción desaparece y Muerte ya no tiene que asistir a la inacabable extinción de mundos enteros. La única de los Eternos que no está contenta con este resultado es Desesperación, ya que no podrá disfrutar la miseria y la desolación de los demás.

“Si lees todo Sandman muy cuidadosamente, descubrirás que antes de Sandman # 1, él estaba regresando de una galaxia distante, luego de un triunfo, tras haber enfrentado una dura prueba, agotado al máximo. Pero nunca supiste por qué”, afirma Gaiman. Así que no es de extrañar que la última página de “Sandman Overture” sea la secuencia inicial de The Sandman # 1 (publicado originalmente en 1988).

Estoy seguro que algunos lectores se preguntarán por qué una miniserie de 6 ejemplares demoró casi 3 años en ser completada y la respuesta es sencilla. El exquisito arte de J. H. Williams III exigió meses de preparación, meses de trabajo minucioso, meses de cuidadosa ejecución. Todo este esfuerzo es más que evidente en las páginas de “Sandman Overture”, aquí cada viñeta es una como una pieza de joyería fina, un deleite artístico que debemos saborear lentamente. Este último número es tan impresionante como los demás y tal vez aún más. Es un placer mirar este cómic, admirar la estructura absolutamente novedosa de las viñetas; y sorprenderse por la creatividad y el talento de un artista que capaz de combinar varios estilos y una gran cantidad de técnicas de ilustración para lograr los resultados más impresionantes. El fin de “Sandman Overture” es el comienzo de “The Sandman”, y tal vez eso significa que debería empezar a reseñar la serie original... porque siempre me han fascinado los sueños, tal como dijo Neil Gaiman alguna vez: “Un libro es un sueño que puedes sujetar con tus manos”, y es tan gratificante poder sujetar semejantes sueños.

Si quieren leer más sobre “Sandman Overture” pueden hacer click aquí.

Anderson PSI Division: Revenge - John Wagner, Alan Grant & Brett Ewins

It was known as “the galaxy’s greatest comic”, and I would be hard-pressed to find a better sci-fi anthology (in England or anywhere else in the world): 2000AD. The late 70s and early 80s were a golden age for this weekly British publication; during those years, writers such as John Wagner, Alan Grant, Peter Milligan, Alan Moore, Pat Mills, Neil Gaiman, Steve Moore and Grant Morrison created some of the most fascinating stories ever. 

Brian Bolland

At the same time, a group of wonderfully gifted artists started to gain recognition: Brett Ewins, Carlos Ezquerra, Mike McMahon, Dave Gibbons, Kevin O'Neill, Ian Gibson, Brian Bolland, Garry Leach, Bryan Talbot, Alan Davis, Brendan McCarthy, etc. It’s hard to believe that all of them were once under the same roof, editorially speaking. Obviously, with so many talented creators, 2000AD truly became the galaxy’s greatest comic.

When I was still in elementary school, my favorite comics were not published by either Marvel or DC. My heroes weren’t Superman, Batman, Spider-Man or the X-Men. The superpowered folk came into my life much later, when I was in high school. The heroes I admired were quite human in nature, and not just because they didn’t need superhuman abilities in order to save the day, but mainly because they seemed, at least to me, a lot more relatable than the traditional American do-gooders. I was a huge fan of Johnny Alpha (Strontium Dog), Sam Slade (Robo-Hunter), Rogue Trooper, Dan Dare, Judge Dredd and many others (which reminds me, by the way, that someday I should write a review about each one of these titles).

Among that elite group, perhaps Dredd was the one I respected the most. And along with Dredd, there came Judge Cassandra Anderson, from the PSI Division. A judge with psychic abilities and a very perky personality, Anderson has always been one of my favorite female characters. She was Dredd’s opposite, but in many ways she was also the ideal complement. If Dredd stands for science, logic and severity, Anderson embraces the supernatural, the instinct and a good sense of humor. 

Brett Ewins

So it’s only fitting that Anderson’s first appearance would involve the greatest supernatural threat Mega-City One had ever faced: the Four Dark Judges. Writers John Wagner and Alan Grant unleashed the dark judges in “Revenge” (originally published in 1985, in 2000AD progs # 416 through 427). Judge Death had been planning his revenge for a long time, and with the assistance of Fire, Fear and Mortis, he’ll wreak havoc upon Mega-City once again. At first, Death is able to manipulate Anderson, but eventually, Anderson’s telepathic powers give her the upper hand. “Anderson… I’ve always disliked your flippant attitude, but I’ve never –until recently– doubted your competence”, affirms Chief Judge McGruder. And indeed, against impossible odds, Anderson finally defeats the dark judges.

Brett Ewins

“Revenge” was released exactly 30 years ago, and to me it’s a special story for one reason: Brett Ewins. As I’ve mentioned before, back in the day, 2000AD was the home of the most gifted artists in comics. Many of them eventually migrated to the American comic book industry, becoming even more famous and influential. Others, however, did not. Ewins was one of them. Luckily for me, I had access to most of the stories he illustrated for 2000AD, such as a few Tharg's Future Shocks, some absolutely amazing Judge Dredd adventures (the excellent “Haunting of Sector House 9”, also scripted by Wagner, still remains amongst my favorites), and a couple of ABC Warriors and Rogue Trooper episodes. 

Ever since I was a child I found Ewins art absolutely captivating. He had a unique way of portraying gestures and facial expressions, and an amazing grasp on urban settings, his street punks and perps looked so real, and he was always so original when it came to futuristic clothing and gadgets. Ewins seemed to combine the best features of his colleagues: from Bolland, a delicate brush and an intense love for details; from McCarthy, a colorful extravagance and an untamed visual energy; from Gibbons, an absolute understanding of sequential storytelling; and so on. Ewins was one of the most brilliant British artists, and for decades he struggled with his inner demons, a battle that left him exhausted and diminished the amount and frequency of his artistic contributions. He passed away on February 2015. He hadn’t been drawing for over 10 years, but he had already left a precious legacy in the pages of Judge Dredd and Judge Anderson - PSI Division. 
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“2000 AD” era conocido como “el cómic más grandioso de la galaxia”, y de hecho sería muy difícil encontrar una mejor antología de ciencia ficción (en Inglaterra o en cualquier otra parte del mundo). La edad de oro de esta publicación británica semanal empezó a fines de los 70s y continuaría hasta principios de los 80s; durante esos años, escritores como John Wagner, Alan Grant, Peter Milligan, Alan Moore, Pat Mills, Neil Gaiman, Steve Moore y Grant Morrison crearon las más alucinantes historias. 

Judge Anderson

Al mismo tiempo, un grupo de maravillosos y talentosos artistas comenzaría a ganar reconocimiento: Brett Ewins, Carlos Ezquerra, Mike McMahon, Dave Gibbons, Kevin O'Neill, Ian Gibson, Brian Bolland, Garry Leach, Bryan Talbot, Alan Davis, Brendan McCarthy, etc. Es difícil creer que todos ellos estuvieron alguna vez bajo el techo de la misma editorial. Obviamente, con tantos creadores talentosos, 2000AD se convirtió verdaderamente en el mejor cómic de la galaxia.

Cuando yo todavía estaba en primaria, mis cómics favoritos no eran los que publicaba Marvel o DC. Mis héroes no eran Superman, Batman, Spider-Man o los X-Men. Los superhéroes entraron en mi vida mucho después, cuando ya estaba en secundaria. Los héroes que admiraba eran de condición bastante humana, y no sólo porque no necesitaban habilidades sobrehumanas para salir victoriosos, sino sobre todo porque resultaba, al menos desde mi punto de vista, mucho más fácil identificarse con ellos que con los tradicionales bienhechores estadounidenses. Fui un gran fan de Johnny Alfa (Strontium Dog), Sam Slade (Robo-Hunter), Rogue Trooper, Dan Dare, Judge Dredd y muchos otros (por cierto, algún día debería escribir una reseña sobre cada uno de ellos).

Entre ese grupo de élite, quizás Dredd era al que más respetaba. Y junto con Dredd, llegó la Jueza Cassandra Anderson, de la División PSI. Una jueza con habilidades psíquicas y una personalidad muy alegre, Anderson siempre fue uno de mis personajes femeninos favoritos. Ella era lo opuesto a Dredd, pero en muchos aspectos también era el complemento ideal. Si Dredd es sinónimo de la ciencia, la lógica y la severidad, Anderson reúne lo sobrenatural, el instinto y un buen sentido del humor.

the arrival of Death / la llegada de Muerte

Así que es lógico que la primera aparición de Anderson implicaría la mayor amenaza sobrenatural que Mega-City One había enfrentado: los Cuatro Jueces Oscuros. Los escritores John Wagner y Alan Grant liberan a los jueces oscuros en "Revancha" (publicado originalmente en 1985, en “2000AD” # 416 a 427). El Juez Muerte había estado planeando su venganza por un largo tiempo, y con la ayuda de Fuego, Miedo y Mortis, causaría estragos en Mega-City una vez más. Al principio, Muerte es capaz de manipular a Anderson, pero finalmente ella usa sus poderes telepáticos para ganar ventaja. “Anderson... siempre me ha disgustado tu actitud impertinente, pero nunca -hasta hace poco- he dudado de tu competencia”, afirma McGruder, la jefa de los jueces. Y, en efecto, contra viento y marea, Anderson finalmente logra derrotar a los jueces oscuros.

the dark judges / los jueces oscuros

"Revenge" se publicó hace exactamente 30 años, y para mí es una historia especial por una razón: Brett Ewins. Como he mencionado antes, en su día, “2000 AD” fue el hogar de los artistas más talentosos. Muchos de ellos eventualmente migraron a la industria del cómic estadounidense, haciéndose aún más famosos e influyentes. Otros, sin embargo, no lo hicieron. Ewins era uno de ellos. Afortunadamente para mí, tuve acceso a la mayoría de las historias que él ilustró para “2000 AD”; un puñado de “Tharg's Future Shocks”, algunas aventuras absolutamente increíbles de Juez Dredd (la excelente “Haunting of Sector House 9”, también con guión de Wagner, está entre mis favoritas), y un par de episodios de “ABC Warriors” y “Rogue Trooper”.

McGruder & Anderson

Desde que era niño el arte de Ewins me parecía absolutamente cautivador. Él tenía una manera única de retratar gestos y expresiones faciales, y una asombrosa comprensión de los entornos urbanos, sus punks callejeros y sus delincuentes se veían tan reales, y él siempre fue sumamente original cuando se trataba de retratar ropa futurista y todo tipo de artilugios. Ewins parecía combinar las mejores características de sus colegas: de Bolland, heredó un trazo delicado y un intenso amor por los detalles; de McCarthy, una colorida extravagancia y una energía visual sin domesticar; de Gibbons, un gran entendimiento de la narrativa secuencial; y así sucesivamente. Ewins fue uno de los artistas británicos más brillantes, y por décadas luchó contra sus demonios internos, una batalla que lo dejó exhausto y disminuyó la cantidad y frecuencia de sus contribuciones artísticas. Falleció en febrero del 2015. Él no había dibujado desde hacía más de 10 años, pero ya había dejado un valioso legado en las páginas de “Judge Dredd” y “Anderson - PSI Division”.

Miracleman # 15 - Alan Moore & John Totleben

“Were I someone else I’d wish to god that I did not, but being god, have none to whom I might address such pleas”, explains Miracleman, lost in his thoughts and wandering the empty halls of Olympus. Even as an omnipotent deity, he is no stranger to remorse. He regrets what happened years ago in London. He still has nightmares about it. He remembers not just the destruction of the city, but rather more vividly the inhuman torture inflicted by Johnny Bates upon defenseless humans.

Alan Moore combines future and present in “Nemesis” (originally published in Miracleman # 15, November 1988), the unforgettable narrative climax of the Olympus saga, carefully suggesting the similitudes between Earth’s greatest superhero and his vengeful former sidekick. Artist John Totleben shares with us a remarkable splash page in which the vicious Johnny Bates is sitting down, looking not tired but rather mildly bored after hours of senseless destruction. Surrounded by countless decapitated heads and the ruins of what once was England’s capital, Bates awaits the arrival of the hero.

In his tormented and cruel mind, Bates has but one goal: to kill Miracleman. Of course, his former mentor is now accompanied by the emissary of the Warpsmiths, Miraclewoman and other allies. The ensuing battle is brutal and very impressive. One by one, all of Miracleman’s comrades fail to stop Bates. During the fight, Alan Moore describes the characters surprising powers and Totleben makes sure to translate his imaginative ideas and concepts into unique and haunting images.

“The battle, far too big to be contained by simple facts, has spawned so many different legends, each with its own adherents; as valid, if not more so, as the truth”, affirms Miracleman in his Olympian future. In two wonderful pages, Moore unleashes his creativity with six legendary reinterpretations of the Battle of London, the battle for the preservation of the world. 

Johnny Bates

In the end, Aza Chorn, Ambassador of the Warpsmiths, comes up with the right strategy to defeat Bates. Bates is like an immortal god of destruction, of death and war, he can be neither killed nor destroyed, but he can be hurt. And when hurt, he forgets he’s a superhuman creature and reacts like only a wounded normal human being would. The result: he utters the word that reverts him to his real self: a 13 year-old kid, still frightened and injured after the sexual abuse suffered in the previous chapter.

Miracleman kills his former ally / Miracleman mata a su ex-aliado

As orphans, Miracleman and Kid Miracleman had found in each other a surrogate family. They had been friends and partners for a long time. But things had changed as we saw in the beginning of the series. Now Miracleman finally understands that there can only by one solution, one heartbreaking alternative. He breaks Johnny’s skull, and then holds his lifeless body with the same agony a father would carry his son’s corpse. 

This unforgettable scene was first scripted as a single page “but feeling this key moment needed more space, Totleben expanded it to convey the depth of Miracleman’s anguish and the extent of London’s destruction”. Like a Renaissance artist that spends years painting the apocalypse or the infernal netherworld, Totleben devoted a considerable amount of time to one of the best double page spreads I’ve seen in my life. Like hell on Earth, like the consequence of an impossible war, we can admire in these two pages a mural of unprecedented artistic value, a dramatic composition that describes in outstanding detail the horror of Bates tanathic triumph. I could spend hours looking at this double page spread and I would still be shocked by the violent images of impaling, dismemberment, mutilation, beheading and death. Totleben takes a most visceral approach to devastation, and conveys the most intense human emotions in these two pages. Miracleman and the lifeless Johnny Bates are only a fraction of the apocalypse.

The final page is another masterful touch by Totleben; it occurs years after the catastrophe. Olympus has been placed above the last urban vestiges of what was once known as London. A melancholic and meditative Miracleman walks among the thousands of skeletons that guard the ruins of the obliterated metropolis. He sits down and takes a skull, just like Johnny Bates did on the initial splash page. Moore sums it all up brilliantly: “These charnel pastures serve as a reminder, a memento mori, never letting us forget that though Olympus pierce the very skies, in all the history of Earth, there’s never been a heaven; never been a house of gods… that was not built on human bones”.

To get a better understanding of this third volume I ask you to please check the following links:

Miracleman # 11 
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-11-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 12
http://artbyarion.blogspot.com/2015/02/miracleman-12-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 13
http://artbyarion.blogspot.com/2015/03/miracleman-13-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 14
http://artbyarion.blogspot.com/2015/04/miracleman-14-alan-moore-john-totleben.html
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“Si yo fuera otro desearía pedirle a dios no ser yo mismo, pero al ser dios, no tengo a nadie a quien dirigir semejantes súplicas”, explica Miracleman, perdido en sus pensamientos y vagando por los pasillos vacíos del Olimpo. Incluso al ser una deidad omnipotente, no es ajeno al remordimiento. Él lamenta lo que sucedió hace años en Londres; algo que todavía le provoca pesadillas. Además de la destrucción de la ciudad, él recuerda vívidamente la tortura inhumana infligida por Johnny Bates a seres humanos indefensos.

Totleben's most dramatic scene / la escena más dramática de Totleben

Alan Moore combina futuro y presente en “Némesis” (publicado originalmente en Miracleman # 15, noviembre de 1988), el inolvidable clímax narrativo de la saga del Olimpo, en donde se sugiere cuidadosamente las similitudes entre el mayor superhéroe de la Tierra y su vengativo ex-compañero. El artista John Totleben comparte con nosotros una notable página en la que el cruel Johnny Bates está sentado, no se ve cansado, sino ligeramente aburrido después de horas de destrucción sin sentido. Rodeado de innumerables cabezas decapitadas y las ruinas de lo que alguna vez fue la capital de Inglaterra, Bates espera la llegada del héroe.

En su mente atormentada y maligna, Bates tiene un sólo objetivo: matar a Miracleman. Por supuesto, su antiguo mentor está acompañado por el emisario de los Warpsmiths, Miraclewoman y otros aliados. La batalla es brutal y sumamente impresionante. Uno por uno, todos los camaradas de Miracleman fracasan contra Bates. Durante la lucha, Alan Moore describe los sorprendentes poderes de estos personajes y Totleben se asegura de traducir sus ideas e imaginativos conceptos en imágenes únicas y arrebatadoras.

“La batalla, demasiado inmensa para ser contenida en hechos simples, ha dado lugar a tantas leyendas distintas, cada una con sus propios seguidores; tan válidas, o acaso más, que la verdad”, afirma Miracleman en su futuro olímpico. En dos páginas maravillosas, Moore da rienda suelta a su creatividad con seis reinterpretaciones legendarias de la batalla de Londres, la batalla por la salvación del mundo.

an intense fragment of the apocalypse / un intenso fragmento del apocalipsis

Al final, Aza Chorn, embajador de los Warpsmiths, piensa en la estrategia adecuada para derrotar a Bates. Bates es como un dios inmortal de la destrucción, la muerte y la guerra, y no puede ser matado ni destruido, aunque sí herido. Y cuando es herido, él olvida que es una criatura sobrehumana y reacciona tal como lo haría un ser humano normal. El resultado: pronuncia la palabra que lo convierte en su verdadero ser: un niño de 13 años de edad, todavía asustado y herido después del abuso sexual sufrido en el capítulo anterior.

Years after the destruction of London / años después de la destrucción de Londres

Al ser huérfanos, Miracleman y Kid Miracleman habían encontrado el uno en el otro a una familia sustituta. Habían sido amigos y socios durante mucho tiempo. Pero las cosas habían cambiado, como vimos en el comienzo de la serie. Ahora Miracleman finalmente entiende que solamente queda una solución, una desgarradora alternativa. Él rompe el cráneo de Johnny, y luego sostiene su cuerpo sin vida con la misma agonía de un padre que carga el cadáver de su hijo.

original cover by Totleben / portada original de Totleben

Esta escena inolvidable fue inicialmente concebida como una sola página “pero sintiendo que este momento clave necesitaba más espacio, Totleben la amplió para transmitir la profundidad de la angustia de Miracleman y el grado de destrucción de Londres”. Como un artista del Renacimiento que pasa años pintando el apocalipsis o el inframundo, Totleben dedicó una cantidad considerable de tiempo para una de las mejores páginas dobles que he visto en mi vida. Al igual que el infierno en la Tierra, como la consecuencia de una guerra imposible, podemos admirar en estas dos páginas un mural de valor artístico sin precedentes, una composición dramática que describe con sobresaliente detalle el horror del triunfo tanático de Bates. Podría pasar horas contemplando esta página doble y seguiría sorprendiéndome con las imágenes violentas de empalamiento, desmembramiento, mutilación, decapitación y muerte. Totleben adopta un enfoque visceral en relación a la devastación, y transmite las más intensas emociones humanas en estas dos páginas. Miracleman y un Johnny Bates sin vida son apenas una fracción de este apocalipsis.

La página final es otro toque magistral de Totleben; ocurre años después de la catástrofe. El Olimpo sobrevuela por encima de los últimos vestigios urbanos de lo que antes era Londres. Un Miracleman melancólico y meditativo camina entre los miles de esqueletos que custodian las ruinas de la metrópolis arrasada. Se sienta y sujeta un cráneo, tal como lo hace Johnny Bates en la página inicial. Moore resume todo brillantemente: “Estos pastos sepulcrales sirven como un recordatorio, un memento mori, que nunca nos permitirá olvidar que aunque el Olimpo perfora los mismísimos cielos, en toda la historia de la Tierra, nunca ha habido un paraíso; nunca ha habido una casa de los dioses... que no haya sido construida sobre huesos humanos”.

Para entender mejor este tercer volumen les pido que por favor revisen los siguientes links:

Miracleman # 11 
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-11-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 12
http://artbyarion.blogspot.com/2015/02/miracleman-12-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 13
http://artbyarion.blogspot.com/2015/03/miracleman-13-alan-moore-john-totleben.html

Miracleman # 14
http://artbyarion.blogspot.com/2015/04/miracleman-14-alan-moore-john-totleben.html

Sandman Overture # 4 - Neil Gaiman & J.H. Williams III

Are we obsessed with our dreams or do we not pay attention to them? Are dreams the fuel that keeps us going or the substance the combusts and burns our minds? For Sandman, dreams are his realm. For the rest of the universe, however, dreams are something else entirely. 

As the Dreamlord meets his father, he thinks about his duties as an Eternal but also as a son. Morpheus father is in constant flux, he changes from an adult man, to a young man, to a child and then to an old man again, he is all of them at once. Not particularly enthusiastic about his son’s visit, at first he refuses to help him. This sequence is fantastically illustrated by J.H. Williams III. The artist creates a visual continuity that goes beyond the limits of the panel, effectively fusing the barriers between one page and the other. In his talented hands, the constant change in ages is evident and at the same time consistent. We never lose track of the characters or the elements of the page, even if the limits between them are blurred. Certainly this is some of the most extraordinary art I’ve seen in a comic book in a long time.

After conferring with his father, Morpheus, a feline version of himself and a child named Hope continue their journey until reaching the gates of the City of the Stars. Once again, J.H. Williams III unleashes his creativity, as he plays with the page design, the perspective and, of course, even the credits. The double page spread that shows the characters descending into the city is also an unforgettable composition. I guess the artist hasn’t done anything as groundbreaking as this since his days in Alan Moore’s “Promethea”. 

One of my favorite moments take place while Sandman talks with an insane star. The protagonist tells a poignant and sad tale about the weight of the responsibilities an Eternal must endure. In an alien planet, in a distant galaxy, a girl started breaking down “the walls between dreaming minds”. As his realm was threatened, the Lord of Dreams quickly traveled to this planet, but he only saw an innocent girl who had powers beyond her comprehension, thus he spared her life. But as the days went by, every living creature in this world was “locked into the same dream”, trapped inside the girl’s dream. An entire planet goes insane as the girl sleeps and dreams. Eventually, Death arrives, and gives him an ultimatum. Dream understands it’s time to act, even if it’s too late. “You could have killed just one girl. Instead you are killing a world”, affirms Death. Back in the present, Morpheus knows that this time he cannot hesitate. Sacrifices must be made in order to ensure the integrity of the cosmos. 

Sandman meets his father / Sandman se reúne con su padre

J.H. Williams III’s art throughout this fourth chapter is truly impressive (including, of course, his stunning cover). Some of his pages are the fruit of graphic experimentation, others are the result of patience and a very depurated technique, but in all of them we can find a distinctive seal of visual creativity, an inimitable style that turns Williams III into one of the most accomplished and gifted illustrators of the comic book industry.
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¿Estamos obsesionados con nuestros sueños o no les prestamos atención? ¿Los sueños son el combustible que nos dan energía o la sustancia que arde y se quema rápidamente en nuestras mentes? Para Sandman, los sueños son su reino. Para el resto del universo, sin embargo, los sueños son algo totalmente diferente.

The City of the Stars / la Ciudad de las Estrellas

Cuando el Amo de los Sueños se encuentra con su padre, reflexiona sobre sus deberes como uno de los Eternos pero también como hijo. El padre de Morfeo está en una metamorfosis constante, se transforma de adulto a adolescente, de niño a anciano, todo al mismo tiempo. Él no está particularmente entusiasmado con la visita de su hijo, y al principio se rehúsa a ayudarlo. Esta secuencia está fantásticamente ilustrada por J.H. Williams III. El artista crea una continuidad visual que va más allá de los límites de la viñeta, fusionando las barreras entre una página y otra. En sus talentosas manos, el constante cambio de edad es evidente y al mismo tiempo consistente. Nunca perdemos de vista a los personajes ni a los elementos de la página, incluso si es que los límites entre ambos se difuminan un poco. Ciertamente, este es el arte más impresionante que he visto en un cómic en mucho tiempo.

Perspective madness / la locura de la perspectiva

Luego de la conferencia con su padre, Morfeo, una versión felina de sí mismo y una niña llamada Hope (Esperanza) continúan su viaje hasta llegar a las puertas de la Ciudad de las Estrellas. Una vez más, J.H. Williams III desata su creatividad al jugar con el diseño de la página, la perspectiva y, por supuesto, incluso con los créditos. La página doble que muestra a los personajes descendiendo en la ciudad también es una composición inolvidable. Supongo que el artista no ha hecho algo así de innovador desde sus días en el  “Promethea” de Alan Moore. 

Uno de mis momentos favoritos ocurre cuando Sandman habla con una estrella enloquecida. El protagonista narra un triste e interesante relato sobre el peso de las responsabilidades de un Eterno. En un planeta alienígena, en una galaxia lejana, una niña había empezado a romper "las barreras entre las mentes que sueñan". Como su reino se ve amenazado, el Amo de los Sueños viaja rápidamente a este planeta, pero lo único que ve es una chica inocente con poderes más allá de su comprensión, por lo tanto le perdona la vida. Pero mientras pasan los días, todos los seres vivos de este mundo son "encadenados al mismo sueño", atrapados dentro del sueño de la muchacha. Un planeta entero enloquece mientras la chica duerme y sueña. Eventualmente, Muerte llega y da un ultimátum. Sandman entiende que es hora de actuar, incluso si es demasiado tarde. “Podrías haber matado solamente a una niña. En lugar de ello, estás matando un mundo”, afirma Muerte. De vuelta al presente, Morfeo sabe que esta vez no pude titubear. Debe hacer sacrificios para asegurar la integridad del cosmos. 

Graphic experimentation / experimentación gráfica

El arte de J.H. Williams III en este cuarto capítulo es realmente impresionante (incluyendo, por supuesto, su estupenda portada). Algunas de sus páginas son fruto de la experimentación gráfica, otras son el resultado de la paciencia y de la técnica más depurada, pero siempre encontramos un sello distintivo de creatividad visual, un estilo inimitable que convierte a Williams III en uno de los más talentosos y exitosos ilustradores de la industria del cómic.

Planetary # 3 - Warren Ellis & John Cassaday

Perhaps the origin of ghosts is as primordial as mankind’s most ancient rituals. Death is not always the final answer, some spirits seem to linger on the physical plane, seeking revenge, demanding justice, or simply, trying to complete one final task, one last obligation, before resting in peace.

After visiting the monsters graveyard in a Japanese island, the Archeologists of the Impossible are now in Hong Kong. There are rumors of a phantom cop, a spectral figure that hunts and exterminates criminals. Elijah Snow, Jakita Wagner and the Drummer show up in Hong Kong’s Planetary offices, and they start investigating the ghost’s origin.

In the same way Warren Ellis explored the classic superhero prototype (from ‘pulp’ adventurers to the Justice League of America) in “All Over the World” and B-movie monsters in “Island”, now the British writer reconstructs the timeless archetype of a vengeful soul, in this case exemplified by an honorable Hong Kong police officer that was betrayed and murdered by his partner.

As contrived as this concept may seem, it has been used countless of times in the superhero genre. Literally hundreds of characters have sworn to avenge the death of a loved one (Peter Parker avenges his dead uncle, Daredevil avenges his dead father, Punisher avenges his dead wife and children, Batman, Nightwing and the second Robin avenge their dead parents, etc.). And Warren Ellis takes that as the basic premise of “Dead Gunfighters” (published in Planetary # 3, June 1999). 

the ghost of Hong Kong / el fantasma de Hong Kong

The ghost cop of Hong Kong isn’t the first and certainly won’t be the last one. He is one of many, one of the hundreds of men that were unjustly murdered and cruelly betrayed by those they trusted the most. Planetary’s archeological investigation uncovers a gigantic and sinister structure, trapped inside of it, there are over a hundred squeezed bodies, forever in agony, forever waiting for redemption. This impressive scene is fantastically illustrated by John Cassaday, an artist with the ability to draw over one hundred contorting bodies and a fascinating structure that doesn’t seem to belong to our world.

Elijah Snow, Jakita Wagner and the Drummer understand that helping the cause of the ghost guarantees only one thing: the arrival of a new ghost. Because murder and betrayal are frequent in Hong Kong; and, undoubtedly, they are also frequent in the rest of the world.  

In this third issue, Cassaday focuses not only on fast-paced action sequences but also on the way those sequences are presented. There is an exquisite sense of design, a visual sophistication that very few artists could achieve. Particularly, I love the first pages, they are examples of clean and effective graphic narrative. A demonstration of Cassaday’s talent can be seen in his marvelous images and his meticulous architecture. 
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vengeance against criminals /
venganza contra los criminales

Tal vez el origen de los fantasmas es tan primordial como los ritos más antiguos de la humanidad. La muerte no siempre es la respuesta final, algunos espíritus se aferran al plano físico, buscando venganza, exigiendo justicia o, simplemente, intentando completar una tarea final, una última obligación, antes de descansar en paz.

Después de visitar un cementerio de monstruos en una isla japonesa, los Arqueólogos de lo Imposible están ahora en Hong Kong. Hay rumores de un policía fantasma, una  figura espectral que caza y extermina criminales. Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer van a la oficina de Planetary en Hong Kong, y empiezan a investigar el origen del fantasma.

Así como Warren Ellis exploró el prototipo clásico del superhéroe (desde aventureros ‘pulp’ hasta la Liga de la Justicia de América) en “Por todo el mundo” y los monstruos de películas de serie B en “Isla”, ahora el escritor británico reconstruye el arquetipo atemporal de un alma vengativa, en este caso ejemplificada por un honorable oficial de la policía de Hong Kong que fue traicionado y asesinado por su compañero.

extraordinary design and amazing architecture / extraordinario diseño y arquitectura asombrosa

Aunque parezca un concepto predecible, ha sido utilizado incontables veces en el género superheroico. Literalmente cientos de personajes han jurado vengar la muerte de un ser querido (Peter Parker venga a su tío muerto, Daredevil venga a su padre muerto, Punisher venga a su esposa e hijos muertos, Batman, Nightwing y el segundo Robin vengan a sus padres muertos, etc.). Y Warren Ellis toma esto como la premisa básica de “Pistoleros muertos” (publicado en "Planetary" # 3, junio de 1999). 

The details of destruction / los detalles de la destrucción

El policía fantasma de Hong Kong no es el primero y ciertamente no será el último. Él es uno de muchos, uno de los centenares de hombres que fueron injustamente asesinados y cruelmente traicionados por aquellos en quienes más confiaban. La investigación arqueológica de Planetary descubre una gigantesca y siniestra estructura, atrapados en ella, hay más de cien cuerpos que se retuercen, eternamente en agonía, eternamente en espera de la redención. Esta impresionante escena está fantásticamente ilustrada por John Cassaday, un artista con la habilidad de dibujar más de cien cuerpos contorsionados en una fascinante estructura que no parece pertenecer a nuestro mundo.

Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer entienden que ayudar a la causa del fantasma garantiza una sola cosa: la llegada de un nuevo fantasma. Porque el asesinato y la traición son frecuentes en Hong Kong; e, indudablemente, también son frecuentes en el resto del mundo.

En este tercer número, Cassaday se enfoca no sólo en secuencias de acción trepidante, sino también en la forma en la que esas secuencias son presentadas. Hay un exquisito sentido de diseño, una sofisticación visual que muy pocos artistas podrían lograr. Particularmente, me encantan las primeras páginas, son ejemplos de una narrativa gráfica pulcra y efectiva. Una demonstración del talento de Cassaday puede verse en sus maravillosas imágenes y su meticulosa arquitectura.