Legends of the Dark Knight Annual # 5 - Chuck Dixon & Quique Alcatena

In 1970, Frank Robbins and Neal Adams created the perfect adversary for Batman: Man-Bat! Even the name made perfect sense. Instead of having a man dressed as a bat to fight crime we have a bat in the shape of a man committing crimes although due to the beastly nature of the Man-Bat, one could argue that those are not in fact real crimes. 

The idea behind Man-Bat is reminiscent of literary classics such as Dr. Jekyll and Mr. Hyde. We have this idea of a scientist who comes up with some sort of potion; upon drinking that potion this man, who is usually described as a very professional and intelligent individual, with high moral values and also a natural kindness in his heart, id est Dr. Jekyll, due to the potion will eventually be transformed into an opposite version of himself, a monster not only physically but also morally, id est Mr. Hyde. Here Dr. Kirk Langstrom is a zoologist with a specialization in the field of chiropterology, and he invents a strange serum and tests it on himself.

In “Wings” (July 1995), writer Chuck Dixon takes advantage of the concept of Batman as an urban legend, who is represented in newspapers as a bat creature, so there is certainly a lot of similarities between the hero and his adversary. Dixon also manages to tell a compelling story that involves Kirk Langstrom working as a scientist dealing with his insecurities and his fear of having a loving relationship with the woman of his dreams. After drinking the serum he is slowly turning into a monster, and we get to see the frustration, the pain and the emotional turmoil that the character goes through. 

This story would not be the same without the magnificent art by Argentinian artist Quique Alcatena, whose precise brushes and inks give every page a unique texture, in which the amount of details is considerable. Every figure and every character help to create a notion of darkness. Alcatena is the perfect artist for gothic horror and we can see that in many of his designs, which celebrate dark Gothic architecture; in his representation of Batman, especially, we can see a darker than night figure, reminiscent of the designs that Leonardo da Vinci did while analyzing the wings of a bat. 

Alfred Pennyworth & Bruce Wayne

Alcatena combines all of this into fascinating pages. I would consider this one of the best works in his career. Of course some of my favorite panels involve Man-Bat, but there is one in particular in which he is just holding the phone sitting on his bed and he looks absolutely miserable, he is indeed a monster but also a monster who dreams to become human again. Man-Bat therefore is not the typical villain that Batman must fight against. Man-Bat is a man trapped in a bad decision: he is Mr. Hyde trying to turn back into Dr. Jekyll. And of course Batman will help him achieve that goal.

________________________________________________________________________________________________________

________________________________________________________________________________________________________

En 1970, Frank Robbins y Neal Adams crearon al adversario perfecto para Batman: Man-Bat. Incluso el nombre tenía perfecto sentido. En lugar de tener un hombre vestido de murciélago para combatir el crimen, tenemos a un murciélago de forma humanoide que comete crímenes, aunque debido a la naturaleza bestial de Man-Bat, se podría argumentar que esos no son crímenes reales.

Dr. Kirk Langstrom

La idea detrás de Man-Bat recuerda a clásicos literarios como Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Tenemos la idea de un científico que inventa algún tipo de poción; Al beber esa poción, este hombre, que generalmente se describe como un individuo muy profesional e inteligente, con altos valores morales y también una bondad natural en su corazón, o sea Dr. Jekyll, debido a la poción eventualmente se transformará en una versión opuesta de sí mismo, un monstruo no sólo físicamente sino también moralmente, o sea Mr. Hyde. Aquí el Dr. Kirk Langstrom es un zoólogo con especialización en el campo de la quiropterología, e inventa un suero extraño que prueba en sí mismo.

Miserable

En “Alas” (julio 1995), el escritor Chuck Dixon aprovecha el concepto de Batman como una leyenda urbana, que se retrata en los periódicos como una criatura tipo murciélago, por lo que ciertamente hay muchas similitudes entre el héroe y su adversario. Dixon también logra contar una historia convincente que involucra a Kirk Langstrom trabajando como científico y lidiando con sus inseguridades y su miedo de tener una relación amorosa con la mujer de sus sueños. Después de beber el suero, poco a poco se está convirtiendo en un monstruo, y podemos ver la frustración, el dolor y la confusión emocional que atraviesa el personaje.

Man-Bat versus Batman

Esta historia no sería la misma sin el magnífico arte del artista argentino Quique Alcatena, cuyos precisos pinceles y tintas dan a cada página una textura única, en la que la cantidad de detalles es considerable. Cada figura y cada personaje ayudan a crear una noción de oscuridad. Alcatena es el artista perfecto para el horror gótico y lo podemos ver en muchos de sus diseños, que celebran la arquitectura gótica oscura; en su representación de Batman, sobre todo, podemos ver una figura más oscura que la noche, que recuerda los diseños que hizo Leonardo da Vinci al analizar las alas de un murciélago.

Batcave

Alcatena combina todo esto en páginas fascinantes. Consideraría que este es uno de los mejores trabajos de su carrera. Por supuesto, algunas de mis viñetas favoritas involucran a Man-Bat, pero hay una en particular en la que él simplemente sostiene el teléfono sentado en su cama y se ve absolutamente miserable, de hecho es un monstruo, pero también un monstruo que sueña con convertirse en humano nuevamente. Por tanto, Man-Bat no es el típico villano contra el que Batman debe luchar. Man-Bat es un hombre atrapado en una mala decisión: es el Sr. Hyde que intenta volver a convertirse en el Dr. Jekyll. Y, por supuesto, Batman lo ayudará a lograr ese objetivo.

Frankenstein Alive, Alive # 4 - Steve Niles, Bernie Wrightson & Kelley Jones

It’s hard to believe that it’s been 6 years since the first issue of Frankenstein Alive, Alive hit the shelves. I had high expectations in 2012 and Bernie Wrightson exceeded them in a way that surprised me considerably. I have often said that for most artists, there’s a period in their lives when they reach their peak, and after that it’s a slow decline, kind of like a metaphor for life in general, as you get older, your mind might still be sharp but the body starts failing on you.

Bernie Wrightson might be the only artist that, in his final years, was not only as good as he used to be in the 70s and 80s, but even better. It was obvious for me that I needed to review each issue separately because that was the best way to focus on his amazing art. 6 years ago I was still drawing comics more or less on a consistent basis, and I think everyone who has ever drawn more than one page has experienced the physical difficulty of sitting down for hours, using only one arm and one hand, doing movements that require both strength and precision. It’s easy to get tired, even our eyes get tired after watching constantly the page we’re drawing. I guess this is why many artists are able to produce a large amount of work while they’re young, because they still have the physical resistance to do it.

With old age, there comes an aching body, sored muscles and fatigue. Evidently, for most artists the solution is to find shortcuts. Instead of hundreds of details they will only draw a dozen, instead of painstakingly illustrating one panel for hours they’ll just rush through it. At age 64, however, Wrightson put more effort in one page of Frankenstein Alive, Alive than most current artists do in their entire careers. Of course, that amount of effort took time. And that’s why in 5 years only 3 issues of this title came out. But they were always worth the wait.

I do not know why Wrightson decided to focus on Frankenstein. Was it because in the past he had already produced work based on Mary W. Shelley’s novel? Or the ideas of death and resurrection resonated deeply in him? For an artist, life goes beyond the years we exist on this earth. Because whatever art that we may leave behind is, by definition, an extension of our own life, and thus we can still exist and be remembered so long as there is someone reading or admiring what we have done.

Wrightson's magnificent composition / magnífica composición de Wrightson

I have said before that even under normal circumstances, at a certain age it’s difficult for any artist to maintain the level of quality of their better years. Wrightson exceeded all my expectation with those issues of Frankenstein Alive, Alive. But what I didn’t know as a reader, was that these were not at all normal circumstances for him. Not even his battle with cancer discouraged him from continuing working on his final masterpiece. In the end, as it so often happens, that battle came to an abrupt end. In 2017 we lost one of the greatest artists in the history of comic books.

Wrightson didn’t get to finish the last issue, but it has still been published thanks to the collaboration of Kelley Jones, a magnificent artist who has always been heavily influenced by Wrightson. The result is an outstanding comic that serves as a last will and testament but also as a reminder that not even old age can stop us, as long as there is fire within us, and the ability to produce art. Wrightson knew that. And his extraordinary work will never be forgotten. 
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Es difícil creer que han pasado 6 años desde que se publicó el primer número de Frankenstein Alive, Alive. Tenía grandes expectativas en el 2012 y Bernie Wrightson las superó y de una manera que me sorprendió considerablemente. He dicho a menudo que para la mayoría de los artistas, hay un período en sus vidas en el que están en la cima, y después de eso vemos un declive lento, como una metáfora de la vida en general, a medida que envejeces, tu mente aún puede ser aguda pero el cuerpo comienza a fallarte.

Frankenstein

Bernie Wrightson quizás sea el único artista que, en sus últimos años, no sólo fue tan bueno como solía serlo en los 70s y 80s, sino incluso mejor. Era obvio para mí que necesitaba revisar cada ejemplar por separado porque esa era la mejor manera de enfocarme en su increíble arte. Hace 6 años, yo todavía dibujaba cómics más o menos de forma constante, y creo que todos los que alguna vez han dibujado más de una página han experimentado la dificultad física de sentarse durante horas, usando sólo un brazo y una mano, haciendo movimientos que requieren tanto fuerza como precisión. Es fácil cansarse, incluso nuestros ojos se cansan después de mirar constantemente la página que estamos dibujando. Supongo que esta es la razón por la cual muchos artistas pueden producir una gran cantidad de trabajo mientras son jóvenes, porque aún tienen la resistencia física para hacerlo.

the house burns down / la casa se incendia

Con la vejez, llegan los achaques, los músculos adoloridos y la fatiga. Evidentemente, para la mayoría de los artistas, la solución es encontrar atajos. En lugar de centenares de detalles, solo dibujarán una docena, en lugar de ilustrar minuciosamente una viñeta durante horas, simplemente se apresurarán. A los 64 años, sin embargo, Wrightson puso más esfuerzo en una página de Frankenstein Alive, Alive que la mayoría de los artistas actuales en toda su carrera. Por supuesto, esa cantidad de esfuerzo llevó tiempo. Y es por eso que en 5 años salieron solo 3 números de este título. Pero la espera siempre valió la pena .

No sé por qué Wrightson decidió centrarse en Frankenstein. ¿Fue porque en el pasado ya había producido un trabajo basado en la novela de Mary W. Shelley? ¿O las ideas de la muerte y la resurrección resonaron profundamente en él? Para un artista, la vida va más allá de los años que existimos en esta tierra. Porque cualquier arte que podamos dejar atrás es, por definición, una extensión de nuestro propia ser, y así aún podemos existir y ser recordados en tanto haya alguien leyendo o admirando lo que hemos hecho.

Child birth (art by Kelley Jones) / el nacimiento del niño (arte de Kelley Jones)

He dicho antes que incluso en circunstancias normales, a cierta edad es difícil para un artista mantener el nivel de calidad de sus mejores años. Wrightson superó todas mis expectativas con los números de Frankenstein Alive, Alive. Pero lo que no sabía como lector, era que estas no eran en absoluto circunstancias normales para él. Ni siquiera su batalla contra el cáncer lo desalentó, mientras seguía trabajando en su última obra maestra. Al final, como sucede tan a menudo, esa batalla llegó a un abrupto final. En el 2017, perdimos a uno de los mejores artistas en la historia de los cómics.

Wrightson no llegó a terminar el último número, pero ha sido publicado gracias a la colaboración de Kelley Jones, un magnífico artista que siempre ha estado muy influenciado por Wrightson. El resultado es un cómic sobresaliente que sirve como una última voluntad y testamento pero también como un recordatorio de que ni la vejez puede detenernos, siempre y cuando haya fuego dentro de nosotros, y la capacidad de producir arte. Wrightson lo sabía. Y su extraordinario trabajo nunca será olvidado.

Planetary # 20 - Warren Ellis & John Cassaday

When Stan Lee created the Marvel Universe, many of his characters were born out of an accident involving cosmic rays, gamma bombs, radioactive spiders, etc. For instance, the Fantastic Four, Marvel’s premiere superhero family, gained superpowers after a space expedition in which they received a full blast of cosmic rays. While Reed Richards, Sue Storm, Ben Grimm y Johnny Storm decided to use their powers and resources to help mankind, in Planetary, the Four use those same abilities to oppress people and control the world. 

Randall Dowling (the equivalent of Mr. Fantastic), Kim Süskind (the equivalent of the Invisible Woman), William Leather (the equivalent of the Human Torch) and Jacob Greene (the equivalent of the Thing) have been Elijah Snow’s main antagonists for years. And they won’t allow that the alien structure from “Mystery in Space” falls in the hands of the Archaeologists of the Impossible. Therefore they send their most powerful member, Jacob Greene, to destroy Snow’s angels and take possession of this extraterrestrial vessel.

In “Rendezvous” (published in Planetary # 20, September 2004), Jacob Greene starts his violent expedition, annihilating all humanoids that get in his way. Although the Archaeologists of the Impossible would like to have more time to see more of the alien ecosystem, they also understand that Greene must be stopped at all costs. Just like he did in the previous issue, John Cassaday unleashes his imagination, turning every page into a fascinating landscape populated by the strangest creatures, such as the anthropoid fireflies that fly around gigantic nests.

Cassaday successfully creates a suspenseful atmosphere, generating more and more intrigue with every page, as the angels hunt down Jacob Greene. We see humanoids running away from the strongest member of the Four, and we only get to see glimpses of his body here and there, a hand, or feet. With his unlimited strength, this stony creature pulverizes the bone and flesh of every living creature around him.  

Snow's Angels / los ángeles de Snow

Nobody has seen Jacob Greene and survived to tell the tale, and yet, there are rumors about him. Unlike the other members of the Four, Greene is a monstrous anomaly. Perhaps that would be a more logical result if a human being is in touch with cosmic radiation. And the idea of mutations that affect and kill people had already been explored by Warren Ellis in “Ruins”, a fascinating dystopian satire in which all of the characters in the Marvel Universe suffer horrible mutations that ultimately lead them to a gruesome death. In “Ruins”, the gamma bomb turns Bruce Banner into a putrefied monster that has nothing to do with the Hulk, the X-Men are disfigured and mutilated creatures, and the Fantastic Four suffer horrible deaths: Johnny Storm burns from the bones outwards, Reed Richards bones protrude and rip apart his skin, and so on. 

Humanoids in danger! / humanoides en peligro

Following the same logic, Jacob Greene is not the charming hero made of orange rocks that we’ve seen in Fantastic Four. He is a terrifying monster with tumors all over his body. In a shocking splash page, Cassaday reveals how the creature looks, in just one image, the artists conveys all the rage and violence of a character that, for all intents and purposes, should resemble one of Marvel’s most beloved heroes. 

Almost a decade after writing “Ruins”, Ellis plays again with the idea of paying the ultimate price for having superpowers. In this case, Jacob Greene is a monster that can barely speak like a human being, but Elijah Snow has given his angels enough information to get rid of him forever.  
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Cuando Stan Lee creó el Universo Marvel, muchos de sus personajes nacieron gracias a un accidente que involucraba rayos cósmicos, bombas gamma, arañas radiactivas, etc. Por ejemplo, los Cuatro Fantásticos, la primera familia de superhéroes de Marvel, ganaron superpoderes después de una expedición espacial en la que absorbieron rayos cósmicos. Mientras Reed Richards, Sue Storm, Ben Grimm y Johnny Storm decidieron usar sus poderes y recursos para ayudar a la humanidad, en Planetary, los Cuatro usan esas mismas habilidades para oprimir a las personas y controlar el mundo.

Absolute power / poder absoluto

Randall Dowling (el equivalente de Mr. Fantastic), Kim Süskind (la equivalente de la Mujer Invisible), William Leather (el equivalente de la Antorcha Humana) y Jacob Greene (el equivalente de The Thing) han sido los principales antagonistas de Elijah Snow durante años. Y no permitirán que la estructura alienígena de “Mystery in Space” caiga en manos de los arqueólogos de lo imposible. Por lo tanto, envían a su miembro más poderoso, Jacob Greene, para destruir a los ángeles de Snow y tomar posesión de este bajel extraterrestre.

En "Encuentro" (publicado en Planetary # 20, septiembre de 2004), Jacob Greene comienza su violenta expedición, aniquilando a todos los humanoides que se cruzan en su camino. Aunque a los arqueólogos de lo imposible les gustaría tener más tiempo para observar atentamente el ecosistema alienígena, también entienden que Greene debe ser detenido a toda costa. Tal como hizo en el número anterior, John Cassaday desata su imaginación, convirtiendo cada página en un paisaje fascinante poblado por las criaturas más extrañas, como las luciérnagas antropoides que vuelan alrededor de nidos gigantescos.

Cassaday crea con éxito una atmósfera de suspenso, generando más y más intriga en cada página, mientras los ángeles cazan a Jacob Greene. Vemos humanoides huyendo del integrante más fuerte de los Cuatro, y solo podemos ver detalles de su cuerpo aquí y allá, una mano o los pies. Con su fuerza ilimitada, esta criatura de piedra pulveriza el hueso y la carne de cada criatura viviente que lo rodea.

Jacob Greene

Nadie ha visto a Jacob Greene y ha sobrevivido para contarlo, y sin embargo, hay rumores sobre él. A diferencia de los otros miembros de los Cuatro, Greene es una anomalía monstruosa. Tal vez ese sería un resultado más lógico si un ser humano está en contacto con la radiación cósmica. Y la idea de las mutaciones que afectan y matan a las personas ya había sido explorada por Warren Ellis en “Ruins”, una fascinante sátira distópica en la que todos los personajes del Universo Marvel sufren mutaciones horribles que finalmente los llevan a una muerte espantosa. En "Ruins", la bomba gamma convierte a Bruce Banner en un monstruo putrefacto que no tiene nada que ver con Hulk, los X-Men son criaturas desfiguradas y mutiladas, y los Cuatro Fantásticos sufren muertes horribles: Johnny Storm se quema de adentro hacia afuera, los huesos de Reed Richards sobresalen y desgarran su piel, y así sucesivamente.

Siguiendo la misma lógica, Jacob Greene no es el héroe encantador hecho de rocas anaranjadas que hemos visto en Fantastic Four. Él es un monstruo aterrador con tumores en todo su cuerpo. En una impactante página completa, Cassaday revela cómo se ve la criatura, en una sola imagen, el artista transmite toda la furia y violencia de un personaje que, a todos los efectos, debería parecerse a uno de los héroes más queridos de Marvel.

Casi una década después de escribir "Ruins", Ellis vuelve a jugar con la idea de pagar el precio máximo por tener superpoderes. En este caso, Jacob Greene es un monstruo que apenas puede hablar como un ser humano, pero Elijah Snow le ha dado suficiente información a sus ángeles para deshacerse de él para siempre.

Frankenstein Alive, Alive # 3 - Steve Niles & Bernie Wrightson

Plagued by remorse, Frankenstein’s monster wanders around the mansion of Doctor Ingles, the only man he has met that treats him not as an inhuman creature but as an equal and even a friend. Overwhelmed by the memories of a life full of regrets, death and sorrow, the monster shows a unique vulnerability, a weakness that redefines his humanity. 

Nonetheless, the doctor’s mansion won’t be his refuge for long, after all, Ingles harvests quite sinister intentions. As a result of a random incident, Frankenstein runs into the doctor’s seemingly lifeless wife, and then he discovers that by using fetus and stillborn babies, the scientist has distilled a miraculous and yet nauseating substance, which has the property of preserving body and brain from putrefaction. In the case of this woman, she no longer breathes but she is not dead yet, she is trapped in a limbo, carefully balancing upon the fine line that divides life from death.

Faced with a new moral dilemma, Frankenstein must decide if he’s ready to help Ingles in his search of newly born babies to perfect his abhorrent serum or if, on the contrary, he can no longer be an accomplice of the crimes perpetrated by the ruthless doctor.  

The eerie atmosphere of this tale is fantastically captured by legendary artist Bernie Wrightson, a veteran of the comic book industry that has influenced several generations. In the first page, Frankenstein realizes he is still in debt with the dead men who were mutilated to serve as raw material; the rotting corpses demand restitution for the limbs that were stolen from them in a truly nightmarish composition.

Rotting corpses demanding the devolution of their limbs /
cuerpos podridos exigiendo la devolución de sus miembros

The double page spread with Frankenstein observing the departure of the doctor’s servants is a magnificent exercise of perspective, as well as an extraordinary game of contrasts; darkness versus light, black ink versus white paper are in perfect harmony here.

I was absolutely impressed when I first saw the double page spread that depicts the doctor’s macabre collection of bones, desiccated animals and the remains of impossible creatures. I spent a long time looking at this, there are hundreds if not thousands of fascinating details that deserve our patient observation. It is because of such beautiful pages that I understand why Bernie Wrightson needs an entire year to draw it.     

Finally, the doctor’s laboratory explores our fascination towards the darkest aspects of science. The page also exemplifies how important it is to balance illumination and darkness, the woman’s body is a source of light while Frankenstein is the embodiment of darkness, but there is also a spectral light that descends from the ceiling as well as the steam that emerges from the floor, tenuous and vaporous as it might be it still is a subtle counterpoint to the room’s engulfing blackness. 

In case you missed the first issues you can find them here: Frankenstein Alive, Alive # 1 & Frankenstein Alive, Alive # 2.  

The departure / la partida

________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Plagado por el remordimiento, el monstruo de Frankenstein deambula por la mansión del doctor Ingles, el único hombre que en vez de tratarlo como una criatura inhumana lo trata como a un igual e incluso como a un amigo. Abrumado por los recuerdos de una vida llena de arrepentimiento, muerte y tristeza, el monstruo muestra una vulnerabilidad única, una debilidad que redefine su humanidad. 

The most incredible collection / la más increíble colección

Sin embargo, la mansión del doctor no será su refugio por mucho tiempo, después de todo, Ingles alberga intenciones bastante siniestras. Como resultado de un incidente azaroso, Frankenstein halla el cuerpo aparentemente sin vida de la esposa del doctor, y luego descubre que usando fetos y bebés abortados, el científico ha destilado una milagrosa aunque nauseabunda substancia, que tiene la propiedad de evitar la putrefacción del cuerpo y del cerebro. En el caso de esta mujer, ella ya no respira pero todavía no está muerta, está atrapada en un limbo, en un cuidadoso equilibrio sobre la fina línea que divide a la vida de la muerte. 

A laboratory of light and darkness / un laboratorio de luz y oscuridad

Enfrentado a un nuevo dilema moral, Frankenstein debe decidir si está listo para ayudar a Ingles en su búsqueda de bebés recién nacidos para perfeccionar su aborrecible suero o si es que, por el contrario, ya no puede ser el cómplice de los crímenes perpetrados por el despiadado doctor.  

La atmósfera lúgubre de este relato es fantásticamente capturada por el legendario artista Bernie Wrightson, un veterano de la industria del cómic que ha influenciado a varias generaciones. En la primera página, Frankenstein constata que aún está en deuda con los muertos que fueron mutilados para servir como materia prima; los cuerpos podridos demandan la restitución de los miembros que les fueron robados en una composición digna de una pesadilla.

La página doble en la que Frankenstein observa la partida de los sirvientes del doctor es un magnífico ejercicio de perspectiva, así como un extraordinario juego de contrastes; la oscuridad versus la luz, la tinta negra versus el papel en blanco están aquí en perfecta armonía.

Quedé absolutamente impresionado cuando vi la página doble que muestra la colección macabra del doctor, huesos, animales disecados y restos de criaturas imposibles. Pasé mucho tiempo mirando todo esto, hay cientos si acaso no miles de detalles fascinantes que merecen nuestra paciente observación. Es a causa de páginas tan hermosas que entiendo por qué Bernie Wrightson necesita un año entero para dibujarlas. 

Finalmente, el laboratorio del doctor explora nuestra fascinación hacia los aspectos más oscuros de la ciencia. La página también ejemplifica lo importante que es el balance entre iluminación y oscuridad, el cuerpo de la mujer es una fuente de luz mientras que Frankenstein encarna la oscuridad, pero también hay una luz espectral que desciende del techo así como el vapor que emerge del piso, que pese ser tan tenue y vaporoso es un sutil contrapunto en una habitación devorada por la negrura.

Si se perdieron los primeros números los pueden encontrar aquí: Frankenstein Alive, Alive # 1 y Frankenstein Alive, Alive # 2.  

Planetary # 2 - Warren Ellis & John Cassaday

Death has a tendency for homogenization. It cares not for religion, nationality or socioeconomic status, and quickly sends all deceased people to the same place: the cemetery. But does this apply solely to us? Perhaps animals also give some thought on the matter of their own death. There are mythical tales about ivory seekers that would track down elephant graveyards, vast regions where all these colossal creatures would gather for one last breath before falling down and joining their kin.

Warren Ellis takes this premise as the starting point of “Island” (published in Planetary # 2, May 1999), and expands on it very creatively. What would have happened if real monsters had existed on our planet? Where would they’ve gone to die? The answer is a refreshing cocktail of references that include WWII and B-movies from the 50s.

When Elijah Snow, Jakita Wagner and the Drummer travel to Japan to visit the subsidiary offices of Planetary –funded by the mysterious Fourth Man, the same individual responsible for sponsoring the Archeologists of the Impossible– they make a startling discovery: the security perimeter in Island Zero has been breached. But what secrets remain buried in there?

Hiroshima was the target of the first atomic bombs in history. But something happened that day. Perhaps it was the radiation or something far more sinister… anyway, the result was mindboggling, to say the least. Gigantic monsters started to appear on Island Zero. Monsters strangely similar to Godzilla and other B-movie creatures. In the 50s, these monsters reigned supreme on an island that no one dared to visit, and at the same time Godzilla movies were all the rage; however, in the 70s, productions about scaly, giant lizards were not popular anymore, and around that time, the decline of the monsters from the Japanese island begun.

Mothra

King Ghidorah

In 1999, a group of Asian insurrectionists have set foot on Island Zero, ignoring what they might find there. As improvised archeologists, they find the impossibly big skeletons of monsters that defy logic and nature. Mothra lies desiccated in a deserted valley; not far, the kilometric corpse of Godzilla is rotting… Elijah and Jakita arrive too late, there are no secrets to protect, only the remains, the lifeless carcasses of creatures that could never belong to this world.

“Island” is an amazing self-contained episode written with the necessary nostalgia to make us feel sympathetic towards the traditional figure of the monster, while at the same time serves as an examination of the consequences of war, nuclear attacks and governmental secrecy.  

John Cassaday’s art is exceptionally brilliant. The double page spread where we can see the Japanese expedition admiring the insectoid Mothra combines fantasy and horror elements, B-movie sensibilities, Ray Harryhausen’s approach to special effects and real life scenarios into one powerful image. The skeleton of King Ghidorah –a dragon with 3 heads– looks quite menacing, even if it represents no immediate danger. The dead Godzilla is equally creepy and reinforces the mystery of Island Zero. How did they all die? What inscrutable instinct led them to this graveyard? Finally, the cover is a heartfelt homage to the classic Godzilla posters from Toho Studios.  
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

La muerte tiende a la homogenización. No presta atención a la religión, la nacionalidad ni el estatus socioeconómico, y envía rápidamente a todos los fallecidos al mismo lugar: el cementerio. Pero, ¿esto se aplica únicamente a nosotros? Tal vez los animales también reflexionan sobre su propia muerte. Hay relatos míticos de buscadores de marfil que descubren cementerios de elefantes, vastas regiones en las que estas criaturas colosales se reunían para exhalar el último aliento antes de caer y unirse a los suyos. 

Godzilla

Warren Ellis toma esta premisa como el punto inicial de “Isla” (publicado en Planetary # 2, mayo de 1999), y la expande de manera muy creativa. ¿Qué habría pasado si hubiesen existido monstruos en nuestro planeta? ¿Adónde habrían ido a morir? La respuesta es un refrescante cocktail de referencias que incluyen a la Segunda Guerra Mundial y a las películas de serie B de los 50s.

Cuando Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer viajan a Japón para visitar la oficina subsidiaria de Planetary –financiada por el misterioso cuarto hombre, el mismo individuo responsable de auspiciar a los arqueólogos de lo imposible– descubren algo espeluznante: el perímetro de seguridad en la Isla Cero ha sido penetrado. Pero, ¿qué secretos están enterrados allí?

Hiroshima fue el blanco de las primeras bombas atómicas de la historia. Pero algo pasó ese día. Tal vez fue la radiación o algo mucho más siniestro... de todos modos, el resultado fue increíble. Monstruos gigantescos empezaron a aparecer en la Isla Cero. Monstruos extrañamente similares a Godzilla y a otras criaturas de películas de serie B. En los 50s, estos monstruos reinaron en una isla que nadie se atrevía a visitar, y al mismo tiempo las películas de Godzilla estaban de moda; sin embargo, en los 70s, las producciones sobre lagartos gigantes y escamosos ya no eran tan populares, y por esos años, comenzó el declive de los monstruos de la isla japonesa.

Island Zero 

En 1999, un grupo de insurrectos asiáticos desembarcan en la Isla Cero, ignorando lo que podrían encontrar allí. Como arqueólogos improvisados, encuentran los esqueletos imposiblemente grandes de monstruos que desafían la lógica y la naturaleza. Mothra yace disecado en un valle desértico; a poco distancia se pudre el kilométrico cadáver de Godzilla... Elijah y Jakita han llegado demasiado tarde, no hay secretos que proteger, sólo restos, carcasas sin vida de criaturas que nunca pertenecieron a este mundo.  

“Isla” es un asombroso episodio autoconclusivo, escrito con la nostalgia necesaria para hacernos sentir compasión por la figura tradicional del monstruo, mientras que al mismo tiempo sirve para examinar las consecuencias de la guerra, los ataques nucleares y los secretos gubernamentales.

El arte de John Cassaday es excepcionalmente brillante. La página doble en la que vemos a la expedición japonesa admirando al insectoide Mothra combina fantasía y elementos de terror, la sensibilidad de las películas de serie B, el enfoque de efectos especiales de Ray Harryhausen y escenarios de la vida real en una poderosa imagen. El esqueleto de King Ghidorah –un dragón con 3 cabezas– se ve bastante amenazador, incluso cuando no representa peligro inmediato. El Godzilla muerto es igualmente tenebroso y refuerza el misterio de la Isla Cero. ¿Cómo murieron todos? ¿Qué inescrutable instinto los guió a este cementerio? Finalmente, la portada es un sentido homenaje a los clásicos afiches de Godzilla de Toho Studios.  

Conan the Barbarian # 6 - Thomas & Windsor-Smith

Robert E. Howard created a continent, not only in words but also in thoroughly designed maps. Roy Thomas relies on this rich and vast geography to flesh out Conan’s exploits. As we’ve seen before, the barbarian is in constant movement, and he travels from one region to another, from the snowy lands of Asgard and Vanaheim in issues 1 and 2, to Hyperborea and Brythunia in issue 3, and then to Zamora in issues 4 and 5.

But his first experience in the ‘big’ city takes place on Shadizar the Wicked. For the first time, Conan will pay the price for his youthfulness and naiveté. The ways of the city are not the ways of his barbaric home: within the bejeweled gates of Shadizar, the Cimmerian’s skill with the sword and his enormous strength will barely save his life.

“Devil-Wings Over Shadizar” (published in June 1971) begins with Conan overhearing a couple of thieves who cannot agree on how to divide their loot: 3 objects of gold; in his young mind, the answer is obvious… as 3 cannot be divided in 2, he will take the remaining gold artifact. Of course, the thieves don’t take kindly to his suggestions, and in a quick scuffle Conan defeats them and takes it all. What’s most interesting about this scene, is that it is the first apparition of Fafnir, a redhaired Vaenir that will later on become Conan’s ally in one of the most important wars of the Hyborean age.

As it has been stated on previous posts, Conan is a hotheaded young male that cannot overcome the temptation of having a wench between his arms. When Conan asks a bartender for a drink, his pouch filled with gold is quickly noticed by an attractive blonde girl that immediately attempts to seduce the Cimmerian. Evidently, she doesn’t have to make much of an effort, as the barbarian’s thirst cannot be quenched only with a flagon of wine.

Jenna, is the name of this seductive young woman, and she persuades Conan to have all his gold together so that he can carry it more easily. And after their first date, she’s kidnapped by a group of men in red robes, religious zealots that make human sacrifices in honor of their unnatural god, a creature that lives only in the night and consumes the body of a virgin every full moon.

Although he barely knows her, Conan risks his life entering into the temple and attacking this dark creature which is, in fact, a monstrous, giant bat. After a savage fight, Conan saves Jenna’s life and manages to kill the beast just outside the city, but he’s left unconscious. When he wakes up he makes a startling discovery: “Dream golden dreams, she whispered. But I got the dreams--- and she, the gold. So fare thee well, ancient city. At last I know why they named thee Shadizar the Wicked. I shall pass again thru your great bejeweled gates--- when next I have gold that can spare the losing”. Injured, without sword or horse, and robbed of his gold, Conan continues his journey, even if he has to do so on foot.

Barry Windsor-Smith provides us with stunning images from the get go. The first page alone is a wonderful exercise of perspective, architecture and urban texture. The scene in the bar is yet another instance of Barry’s detailed background: people talking, or dancing or even wrestling give a very naturalistic atmosphere to this sequence. The last page is a fine example of visual poetry, composed entirely by wide frames: the first one is a establishing shot; the next ones are close ups that brings us closer to Conan’s face, and then, the focus slowly moves away from the character, giving us a final frame that resembles the first one. Barry’s style in this last page is completely different from his work in the first couple of issues. Everything, from the anatomic features of Conan’s face to the rendering of the hair (completely black before and here with a more exhaustive consistency), has changed. But this is nothing yet, as Barry will literally leave us in awe in upcoming issues. 
______________________________________________________________________________________

Robert E. Howard creó un continente, no sólo con palabras sino con mapas minuciosamente diseñados. Roy Thomas se apoya en esta vasta geografía para guiar los pasos de Conan. Como hemos visto antes, el bárbaro están en constante movimiento, viajando de una región a otra, desde las tierras nevadas de Asgard y Vanaheim, en los primeros dos números, hasta Hiperbórea y Britunia en el tercero, y luego Zamora en los números 4 y 5.

Pero su primera experiencia en la 'gran' ciudad sucede en Shadizar la Perversa. Por primera vez, Conan pagará el precio de su juventud y su inocencia. Las costumbres de la ciudad son distintas a las del mundo bárbaro: pasando las enjoyadas puertas de Shadizar, la hablidad con la espada y la enorme fuerza del cimerio apenas bastarán para salvarle la vida.

"Alas demoníacas sobre Shadizar" (junio de 1971) empieza con Conan escuchando a dos ladrones que discuten cómo dividir su botín: tres piezas de oro. En la mente del bárbaro, la respuesta es obvia, como 3 no puede dividirse entre 2, él tomará el tercer objeto de oro. Por supuesto, los ladrones no aceptan su sugerencia ni en broma, y en una breve contienda Conan los derrota y se lleva todo. Lo más importante de esta escena es la primera aparición de Fafnir, pelirrojo vanir que después se convertirá en un aliado de Conan, en una de las guerras más importantes de la edad hibórea.

Como ha sido señalado oportunamente, Conan es un joven impulsivo que difícilmente puede resistir la tentación de los encantos femeninos. Cuando Conan pide una bebida, su bolsa llena de oro es notada rápidamente por una atractiva rubia que inmediatamente seduce al cimerio. Evidentemente, ella no tiene que esforzarse mucho, ya que la sed del bárbaro no puede ser saciada solamente con una garrafa de vino.

Esta seductora jovencita se llama Jenna, y persuade a Conan de tener su oro en el mismo lugar, para que sea más fácil de transportar. Luego de esta primera cita, ella es secuestrada por un grupo de hombres en hábitos rojos, fanáticos religiosos que hacen sacrificios humanos en honor a un dios monstruoso, una criatura que vive sólo de noche y que consume cuerpos de vírgenes cada luna llena.

Aunque apenas la conoce, Conan arriesga su vida entrando al templo y atacando a esta criatura de la oscuridad que, en realidad, es un murciélago gigantesco. Luego de una salvaje pelea, Conan salva la vida de Jenna y logra matar a la bestia en las afueras de la ciudad, pero queda inconsciente. Cuando se despierta descubre algo inesperado: "Sueña sueños de oro, susurró ella. Pero yo me quedé con los sueños--- y ella, con el oro. Así sea, que os vaya bien, antigua ciudad. Al fin entiendo por qué habéis sido nombrada Shadizar la Perversa. Atravesaré nuevamente tus umbrales enjoyados--- cuando nuevamente posea oro y pueda resistir su pérdida". Herido, sin espada ni montura, y sin oro, Conan continúa su viaje, aunque sea a pie.

Barry Windsor-Smith nos entrega imágenes extraordinarias desde el inicio. Sólo la primera página constituye un maravilloso ejercicio de perspectiva, arquitectura y textura urbana. La escena en el bar demuestra los detallados fondos de Barry: gente charlando, o bailando, o incluso forcejeando, le otorgan una atmósfera naturalista a esta secuencia. La última página es pura poesía visual, compuesta por viñetas largas: la primera es una toma panorámica; las siguientes nos acercan al rostro de Conan, y luego, la cámara se aleja poco a poco del personaje, dándonos una viñeta final que se asemeja a la primera. El estilo de Barry en esta última página es completamente distinto de su trabajo en los primeros números. Todo, desde las características anatómicas de la cara de Conan hasta la forma de dibujar su pelo (antes completamente negro y aquí con una consistencia más exhaustiva), ha cambiado. Pero esto no es nada, porque Barry nos dejará literalmente sin aliento en futuros números.

Acrobatics and space monsters / Acrobacias y monstruos espaciales

There is one thing I wanted to do here: I wanted to see how many of those tubes I could actually fit in. I tried to arrange them in a realistic manner, but still some overlapping might be observed here and there.


The next drawing has several characters that while sharing the same space are still a bit too disconnected from each other, thus proving that it's not enough to pour in lots of people, you have to make it look like they're all there interacting.


Finally a fun "monster" themed drawing, which has scared people and an awful background that shows my inability to deal with perspective at the moment. I have improved since then, you just wait and see.


These 3 sketches were done with a 2B pencil.


__________________________________________________________________________

Quería lograr algo particular con esta imagen: llenar el fondo de tubos de una manera más o menos realista. Hay algunos tubos, sin embargo, que se entrecruzan con otros de manera más bien imposible.


El siguiente dibujo tiene varios personajes compartiendo una misma viñeta aunque se encuentran un tanto desconectados y dispersos. Ahí está la prueba de que no es suficiente con incluir muchos personajes en una página, hay que encontrar la manera de hacer que interactúen entre sí.


Finalmente, el divertido ataque de cierto tipo de criatura monstruosa pierde algunos puntos por los graves errores de perspectiva. He mejorado mucho desde entonces, por cierto.


Los tres bocetos fueron realizados con un lápiz 2B

.