Monsters - Barry Windsor-Smith

It has taken Barry Windsor-Smith a considerable amount of years to conceive and create his magnum opus, Monsters, a masterpiece unlike anything I’ve seen before and one that has arrived at the right time. When I first started this blog, over a decade ago, I was impatient to review one of the best comic book runs ever: Conan the Barbarian by Roy Thomas and Barry Windsor-Smith. I did review every Conan issue illustrated by the talented British artist and I enjoyed the experience of re-reading all of it. Seeing the evolution of Windsor-Smith in the pages of Conan was like seeing a combination of comic book trends as well as a history of western art, entire centuries condensed in a month or two. Adopting multiple styles, and refining his technique, Windsor-Smith very quickly became the best artist of the 70s.

Monsters is the result of everything Barry Windsor-Smith has learned in his long and fruitful career. In the past, I would often imagine the British artist finding inspiration in Rembrandt, Goya, El Greco or even Auguste Rodin. For Neil Gaiman, however, the most important influence is that of the Renaissance and the Mannerism, and certainly I can easily perceive the influence of the work of geniuses such as Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Sanzio, Sandro Botticelli, Donatello and Benvenuto Cellini. Sometimes a Windsor-Smith page can be evocative of Leonardo’s red chalk drawings or Raffaello’s engravings.

Furthermore, in his late Conan period, Windsor-Smith’s artwork reminded me of the ink drawings by Albrecht Dürer as well as his silverpoint illustrations, and his naturalistic setting were also a homage to the paintings of Hieronymus Bosch. Throughout all these pages, however, one constant remains: beauty, or rather, as Schilling used to call it, a sublime pathos that takes aesthetic concepts to a whole new level. No other artist in the history of comics, with the exception perhaps of Hal Foster and Frank Frazetta, and some of Windsor-Smith’s disciples, has conjugated so masterfully the artistic history of our civilization, and no one else has been able to balance all of this with dynamism, vibrant rhythm and unique pacing of the comic book medium. To say that Barry Windsor-Smith is simply an artist would never be enough because he is The Artist; he is all the artists that have existed before, and all the unending possibilities of art under the dominion of one lucid mind and two extremely capable hands. 

1950: Bobby Bailey & Mrs. Bailey

Once again, Barry Windsor-Smith synthetizes the history of western art, and so after the Renaissance and the Mannerism, we also have elements influenced by Baroque and Romantic periods. And intense pages that are similar to the works of Caravaggio. As the decades went by, Barry Windsor-Smith has fully embraced the Expressionist movement, and instead of an Albrecht Dürer working for Marvel, he was more like a Francis Bacon returning to the  House of Ideas (for Michael Zulli, for instance, this is Windsor-Smith’s more interesting period). Artistic evolution, after all, is the key to understand the career of this incomparable British artist.

In Monsters, Windsor-Smith finds the equilibrium that so many strive for and very few ever achieve. He retains the best of his Renaissance and Mannerist influences, while also preserving the aspects that best serve to graphic storytelling, those aspects acquired during his more Expressionistic days. The result is an absolutely beautiful work of art. 360 pages that continued to leave me in awe and completely take my breath away. I thought about analyzing every single page of this original graphic novel, but I honestly don’t think it would be practical to have a review of almost 400 pages. Suffice it to say, I was absolutely fascinated by the art here. This is also the best black and white art I’ve seen in the 21st century, I don’t think anything else could compare to it. Every time I see something in black and white I always feel like the color is missing, here is the first time I’ve felt as if the color would get in the way. The way Windsor-Smith uses contrast, light and shadow, depth and perspective, would make color redundant here. 

1964: Bobby Bailey & Elias McFarland

So far I’ve only talked about Barry Windsor-Smith the artist, but now it’s time I talk about Barry Windsor-Smith the writer. Few times in my life I’ve read a more intelligent, well-crafted, complex, multifaceted, engaging and captivating script as the one from Monsters. I had already expressed my admiration for Windsor-Smith as a full author, when he did Weapon X, but Monsters is much better: “in 1964, Bobby Bailey is recruited for a U.S. military experimental genetics program that was discovered in Nazi Germany 20 years prior. His only ally, Sergeant McFarland, intervenes to try to protect him, which sets off a chain of events that spin out of everyone’s control. As the titular monsters multiply, becoming real and metaphorical, literal and ironic, the story reaches its emotional and moral reckoning”. For many, this might seem like a typical comic book trope, genetic experimentation and Nazis, but in reality is so much more. Because this is barely the tip of the iceberg.

When I started reading the first pages, my immediate thought was that the whole story would revolve exclusively around Bobby Bailey. I was wrong. Very early on, Sergeant Elias McFarland becomes a very important character, and we get to see how he lives, how it is to be a black man at a time in which even voting wasn’t allowed for black people. But what’s more fascinating is to see the way McFarland becomes depressed and falls to pieces after sending Bobby, an innocent kid, into the hands of a sinister military scientist. The way McFarland starts his low descent into madness is one of the most fascinating moments, everything is meticulously described, and thanks to the fantastic art, we immediately feel as if we were living with McFarland, and we experience the pain and the suffering of the family, we relate to McFarland’s wife, his son, his daughter, we understand pain, we make it ours, and then we have no choice but to let go of it. 

1964: Elias McFarland

As part of a metafictional game, we see McFarland spending entire days in the basement, with his comic book collection, real covers of Superman, Batman, Flash or Captain America are firmly inserted in the panels, which of course begs the question of what is the connection between these childish almost primitive comics compared to this phenomenal and very adult graphic novel. But all the connections are there, and like I said before, in the same way that Windsor-Smith is the embodiment of the history of Western art and comic book trends, this story also summarizes the history of comic book, establishing links, highlighting differences and embracing similarities in one sweeping scoop. 

After one becomes familiarized with McFarland there’s another shift in point of view and perspective. We see the officials behind the Prometheus project, we see the ‘behind the scenes’ of the inhuman experiments conducted in secret, and as part of our peripheral view, we also get a glimpse of what’s going on with Bobby Bailey. With the help of his only ally, Bailey is able to escape. At this point, I immediately assumed we would be reading about a modern day Frankenstein but not really. Bailey returns home, and as he approaches his old house, the memories of his childhood start pouring down. 

1965: Bobby Bailey

Suddenly we’re in the 40s, Bobby is a child, and his mother and father are living in a nightmare. Mr. Bailey returned from WWII a changed man, before the war he was a cheerful, enthusiastic young man, always willing to do anything to make his girl laugh out loud. Now he’s an angry man, he has aged decades in just a few years, he’s bitter, resentful and incredibly aggressive. Mrs. Bailey had prayed for so long to see her husband coming back from war in one piece, and now that he’s there, she almost wishes he had passed away on the battlefield. The man has turned into a monster, besieged by the war crimes committed by the Nazis, he spends the entire day getting drunk and using alcohol as an excuse to be physically aggressive, what’s worse, poor, defenseless Bobby Bailey is very often the victim of his enraged father. Although the circumstances might sounds melodramatic, Windsor-Smith writes with such intensity, pure emotion and courage, that this feels more like a documentary, like reading the intimate diary of a wife dealing with a man that once made her happy and now only makes her miserable. The real suffering, however, is yet to come. After all, in the words of Jan Paul Sartre, “l'enfer, c'est les autres” (‘hell is the others’). 

Once again, when we think we’re able to predict what’s going to happen next, the author throws another curve ball at us. Now we’re a couple of years in the past, before the return of the husband. Mrs. Bailey is spending a lot of time with officer Powell. Here we discover the unique personality, the gentle heart and the resilience of a woman who dreams about reuniting with her husband. There is so much going on here, there is the subtle romantic interest that shows up in the form of Mr. Powell, but there is also the dynamics of life as a single woman, the bargaining with society in terms of what is allowed or not for a young female. Of course, there are extraordinary moments, like the scene in which Mrs. Bailey has a short conversation with a very young Elias McFarland, decades before he’ll become a sergeant. Finally, a portion of the story also revolves around the Nazi officer in charge of the Prometheus project, and perhaps this could be the only controversial part as I’m sure many LGBT allies will complain about what is apparently a negative portrayal of homosexuality, however I’d like to think that there is a deeper meaning in the scenes in which two German men share an intimate bond that goes beyond their allegiance to the Third Reich.

Barry Windsor-Smith always had the ability to come up with the most outlandish situations and make them real. But this time he’s also weaving a complex tapestry in which every character and every situation fits in perfectly, we can only get to see the big picture at the end, after engaging in this fascinating polyphonic dialogue with multiple characters, across multiple timelines: “Windsor-Smith has been working on this passion project for more than 35 years, and Monsters is part intergenerational family drama, part espionage thriller, and part metaphysical journey. Trauma, fate, conscience, and redemption are just a few of the themes that intersect in the most ambitious (and intense) graphic novel of Windsor-Smith's career”. Yes, it’s the most ambitious and the most intense, but also the most beautiful, the most unforgettable. I said it was a masterpiece and I’ll say it again. Nothing comes close to it. What a remarkable graphic novel. 

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A Barry Windsor-Smith le ha llevado una cantidad considerable de años concebir y crear su magnum opus, Monsters, una obra maestra diferente a todo lo que he visto antes y que ha llegado en el momento adecuado. Cuando comencé este blog, hace más de una década, estaba impaciente por hablar de una de las mejores etapas de cómics de la historia: Conan the Barbarian de Roy Thomas y Barry Windsor-Smith. Reseñé cada número de Conan ilustrado por el talentoso artista británico y disfruté la experiencia de volver a leerlo todo. Ver la evolución de Windsor-Smith en las páginas de Conan fue como ver una combinación de tendencias de cómics y una historia del arte occidental, siglos enteros condensados en uno o dos meses. Adoptando múltiples estilos y refinando su técnica, Windsor-Smith se convirtió rápidamente en el mejor artista de los 70s.

1947: the Baileys

Monsters es el resultado de todo lo que Barry Windsor-Smith ha aprendido en su larga y fructífera carrera. En el pasado, solía imaginar al artista británico inspirándose en Rembrandt, Goya, El Greco o incluso en Auguste Rodin. Para Neil Gaiman, sin embargo, la influencia más importante es la del Renacimiento y el Manierismo, y ciertamente puedo percibir fácilmente la influencia de la obra de genios como Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli, Donatello y Benvenuto Cellini. A veces, una página de Windsor-Smith puede evocar los dibujos en tiza roja de Leonardo o los grabados de Rafael.

Además, en su último período en Conan, la obra de arte de Windsor-Smith me recordó los dibujos en tinta de Albrecht Dürer, y su entorno naturalista también era un homenaje a las pinturas de Hieronymus Bosch. A lo largo de todas estas páginas, sin embargo, permanece una constante: la belleza, o más bien, como solía llamarla Schilling, un pathos sublime que lleva los conceptos estéticos a un nivel completamente nuevo. Ningún otro dibujante en la historia del cómic, con la excepción quizás de Hal Foster y Frank Frazetta, y algunos discípulos de Windsor-Smith, ha conjugado tan magistralmente la historia artística de nuestra civilización, y nadie más ha sido capaz de equilibrar todo esto con dinamismo, energía vibrante y el ritmo único del medio del cómic. Decir que Barry Windsor-Smith es simplemente un artista nunca sería suficiente porque él es El Artista; él es todos los artistas que han existido antes, y todas las infinitas posibilidades del arte bajo el dominio de una mente lúcida y dos manos extremadamente capaces.

1942: Mrs. Bailey & Elias McFarland

Una vez más, Barry Windsor-Smith sintetiza la historia del arte occidental, por lo que tras el Renacimiento y el Manierismo también tenemos elementos influidos por el barroco y el romanticismo. Y páginas intensas que se asemejan a las obras de Caravaggio. Con el paso de las décadas, Barry Windsor-Smith ha abrazado por completo el movimiento expresionista, y en lugar de un Albrecht Dürer trabajando para Marvel, se parece más a un Francis Bacon que regresa a la Casa de las Ideas (para Michael Zulli, por ejemplo, esto es el período más interesante de Windsor-Smith). La evolución artística, al fin y al cabo, es la clave para entender la carrera de este incomparable artista británico.

En Monsters, Windsor-Smith encuentra el equilibrio por el que tantos luchan y muy pocos logran. Conserva lo mejor de sus influencias renacentistas y manieristas, conservando también los aspectos que mejor sirven a la narración gráfica, aquellos aspectos adquiridos durante sus días más expresionistas. El resultado es una obra de arte absolutamente hermosa. 360 páginas que continuarán dejándome asombrado y completamente sin aliento. Pensé en analizar cada página de esta novela gráfica original, pero sinceramente no creo que sea práctico tener una reseña de casi 400 páginas. Baste decir que quedé absolutamente fascinado por el arte aquí. Este es también el mejor arte en blanco y negro que he visto en el siglo XXI, no creo que nada más pueda compararse con él. Cada vez que veo algo en blanco y negro, siempre siento que falta el color, esta es la primera vez que siento que el color sería una interferencia. La forma en que Windsor-Smith usa el contraste, la luz y la sombra, la profundidad y la perspectiva, haría que el color fuera redundante aquí.

1945: Mr. Bailey

Hasta ahora sólo he hablado de Barry Windsor-Smith el artista, pero ahora es el momento de hablar de Barry Windsor-Smith el escritor. Pocas veces en mi vida he leído un guión más inteligente, mejor elaborado, complejo, multifacético, atrapante y cautivador como el de Monsters. Ya había expresado mi admiración por Windsor-Smith como autor completo, cuando hizo Weapon X, pero Monsters es mucho mejor: “en 1964, Bobby Bailey es reclutado para un programa militar estadounidense de genética experimental que fue descubierto en la Alemania nazi hace 20 años. Su único aliado, el sargento McFarland, interviene para tratar de protegerlo, lo que desencadena una cadena de eventos que escapan al control de todos. A medida que los monstruos titulares se multiplican, volviéndose reales y metafóricos, literales e irónicos, la historia alcanza su ajuste de cuentas emocional y moral”. Para muchos, esto puede parecer un tema típico de cómic, la experimentación genética y los nazis, pero en realidad es mucho más. Porque esto es apenas la punta del iceberg.

Cuando comencé a leer las primeras páginas, mi pensamiento inmediato fue que toda la historia giraría exclusivamente en torno a Bobby Bailey. Estaba equivocado. Muy pronto, el sargento Elias McFarland se convierte en un personaje muy importante, y podemos ver cómo vive, qué significa ser un hombre negro en un momento en el que ni siquiera se les permitía votar a los afroamericanos. Pero lo que es más fascinante es ver la forma en que McFarland se deprime y se desmorona después de enviar a Bobby, un chiquillo inocente, a manos de un siniestro científico militar. La forma en que McFarland inicia su descenso a la locura es uno de los momentos más fascinantes, todo está minuciosamente descrito y gracias al arte fantástico inmediatamente nos sentimos como si estuviéramos viviendo con McFarland, y experimentamos el dolor y el sufrimiento de la familia, nos relacionamos con la esposa de McFarland, su hijo, su hija, entendemos el dolor, lo hacemos nuestro, y luego no tenemos más remedio que dejarlo ir.

Como parte de un juego de metaficción, vemos a McFarland pasar días enteros en el sótano, con su colección de cómics, portadas reales de Superman, Batman, Flash o Capitán América están firmemente insertadas en las viñetas, lo que por supuesto plantea la pregunta de cuál es la conexión entre estos cómics infantiles casi primitivos en comparación con esta novela gráfica fenomenal y muy adulta. Pero todas las conexiones están ahí, y como dije antes, de la misma manera que Windsor-Smith es la encarnación de la historia del arte occidental y las tendencias del cómic, Monsters también resume la historia del cómic, estableciendo vínculos, destacando las diferencias y abarcando similitudes.

Después de que uno se familiariza con McFarland, hay otro cambio en el punto de vista y la voz narrativa. Vemos a los funcionarios detrás del proyecto Prometheus, vemos el "detrás de escenas" de los experimentos inhumanos realizados en secreto y, como parte de nuestra visión periférica, también podemos vislumbrar lo que está pasando con Bobby Bailey. Con la ayuda de su único aliado, Bailey logra escapar. En este punto, inmediatamente asumí que estaríamos leyendo sobre un Frankenstein moderno, pero no realmente. Bailey regresa a casa y, a medida que se acerca a su antiguo hogar, los recuerdos de su infancia salen a flote.

1965: Bobby Bailey

De repente estamos en los 40s, Bobby es un niño y su madre y su padre viven en una pesadilla. El Sr. Bailey regresó de la Segunda Guerra Mundial como un hombre diferente, antes de la guerra él era un joven alegre y entusiasta, siempre dispuesto a hacer cualquier cosa para hacer reír a carcajadas a su chica. Ahora es un hombre enojado, ha envejecido décadas en tan sólo unos años, está amargado, resentido y es increíblemente agresivo. La Sra. Bailey rezaba para ver a su esposo regresar de la guerra en una sola pieza, y ahora que él está allí, casi desea que haya fallecido en el campo de batalla. El hombre se ha convertido en un monstruo, asediado por los crímenes de guerra cometidos por los nazis, se pasa el día entero emborrachándose y usando el alcohol como excusa para ser físicamente agresivo, lo que es peor, el pobre e indefenso Bobby Bailey es muchas veces víctima de su padre enfurecido. Aunque las circunstancias puedan sonar melodramáticas, Windsor-Smith escribe con tal intensidad, pura emoción y valentía, que esto se siente más como un documental, como leer el diario íntimo de una esposa que trata con un hombre que una vez la hizo feliz y ahora sólo la hace infeliz. El verdadero sufrimiento, sin embargo, aún está por llegar. Después de todo, en palabras de Jan Paul Sartre, “l'enfer, c'est les autres” (“el infierno son los otros”).

Una vez más, cuando creemos que podemos predecir lo que sucederá a continuación, el autor nos lanza otra bola curva. Ahora estamos un par de años en el pasado, antes del regreso del esposo. La Sra. Bailey pasa mucho tiempo con el oficial Powell. Aquí descubrimos la personalidad única, el corazón tierno y la resistencia de una mujer que sueña con reencontrarse con su marido. Vemos el sutil interés romántico que aparece en la forma del Sr. Powell, pero también está la dinámica de la vida como una mujer soltera, la negociación con la sociedad en términos de lo que está permitido o no para una mujer joven. Por supuesto, hay momentos extraordinarios, como la escena en la que la Sra. Bailey tiene una breve conversación con un jovencísimo Elias McFarland, décadas antes de convertirse en sargento. Finalmente, una parte de la historia también gira en torno al oficial nazi a cargo del proyecto Prometheus, y tal vez esta podría ser la única parte controversial, ya que estoy seguro de que algunos lectores LGBT se quejarán de lo que aparentemente es una representación negativa de la homosexualidad. Me gustaría pensar que hay un significado más profundo en las escenas en las que dos hombres alemanes comparten un vínculo íntimo que va más allá de su lealtad al Tercer Reich.

Barry Windsor-Smith siempre tuvo la capacidad de idear las situaciones más extravagantes y hacerlas reales. Pero esta vez también está tejiendo un tapiz complejo en el que cada personaje y cada situación encajan perfectamente, sólo podemos ver el panorama general al final, después de participar en este fascinante diálogo polifónico con múltiples personajes, a través de múltiples líneas de tiempo: "Windsor -Smith ha estado trabajando en este apasionante proyecto durante más de 35 años, y Monsters es en parte un drama familiar intergeneracional, en parte un thriller de espionaje y en parte un viaje metafísico. Trauma, destino, conciencia y redención son sólo algunos de los temas que se entrecruzan en la novela gráfica más ambiciosa (e intensa) de la carrera de Windsor-Smith”. Sí, es la más ambiciosa y la más intensa, pero también la más bella, la más inolvidable. Dije que era una obra maestra y lo diré de nuevo. Nada se le acerca. Una notable novela gráfica.

Museum - Fernando de Felipe

If I recall correctly, I read “Comix Internacional” almost 20 years ago, it was a magnificent anthology that would include the best European artists of the moment, under the guidance of Josep Toutain -the Toutain (or Totem) of comics- an emblematic editor that popularized countless writers and artists in titles such as “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy” (Spanish edition), etc.

Museum

Despite the high quality of this anthology, some stories were better than others; and the best example would be the brilliant “Museum”, created by Fernando de Felipe. It's hard to remember exactly what it was about it that initially attracted me the most, perhaps it was the black humor, the acid and merciless irony that characterized his work.

every chapter begins with a quote in Latin / cada capítulo empieza con una cita en latín

I guess for me, and for many other comic fans, it's very easy to identify with the leitmotif of “Museum”. These pages have one element in common: the greed of collectors; the obsessive need to complete a collection is something that all comic lovers can recognize. How far can we go to satisfy our insatiable need as collectors?

Fernando de Felipe introduces a group of characters that go beyond our usual collecting activities, thus turning a hobby into a deadly addiction. For instance, let's look at the tragicomic chronicle of Rugiero Pianoforte, who murders all his family members to collect their ashes, in beautiful urns. "Pulvis eris et in pulverem reverteris" is the quote that marks the beginning of this hilarious and yet creepy story. Fernando de Felipe's sense of humor is macabre and insolent, and ultimately absolutely delicious, allowing us to root for this weird character. However, no one can take his collection to the grave; as much as we devote an entire life to gather in one place those objects that we treasure so much, sooner or later we must say goodbye to them and to the world. For the protagonist, the solution is quite simple: after committing suicide, he states in his last will and testament that his ashes have to be placed next to the urns of his relatives. Of course, he is unable to predict what will happen later, when the entire collection falls into the hands of distant cousin; this ignorant man mixes the ashes with his morning coffee, believing this could help him with his bowel movements.

Then we have the case of a famous designer who collects food packaging: cans, bottles, boxes, bags, etc. Although his mistake is to eat the contents of those packages. After a long time, these terrible eating habits have a consequence, and his body finally collapses. Once he gets hospitalized, the man quickly replaces one collection for another one, now focusing on collecting medical products, pill boxes, bottles, boxes, creams, etc. This character is ridiculed by the unusual museum guide, who is the narrator of all the stories.

Rugiero Pianoforte kills himself / Rugiero Pianoforte se suicida

The most eschatological chapter revolves around a renowned scientist, a single woman with no social life who decides to "file" her body. She begins harmlessly, collecting her hair, but then she starts putting her fingernails in storage, and then she keeps all the wastes and secretions the human body is capable of producing. Finally, with this disgusting collection, she builds a golem of putrefaction and invites the press and all her friends to admire her filthy creation. This particular story left me deeply impressed when I read it the first time, and despite the years, it continues to have the same impact and intensity.

The only section that breaks a little bit the narrative tone is the terrifying testimony of a respected professor, an academic who collects evidence of serial murders, evidence he purchases at exorbitant prices from a corrupt cop. The killings are incredibly violent. The error of this academic is to start investigating who the murderer might be, an initiative that costs him his life.

I have not talked about all the chapters of this delirious “Museum” but I have already shown how irreverent, original, wacky and fun they can be. Fernando de Felipe was undoubtedly one of the most talented authors of the Spanish comic book scene in the early 90s, but he had the bad fortune to start his career at a time when the Spanish publishing industry was in crisis. This is why he only did a couple of graphic novels, and that's a shame, because he was not only a great writer but also a prodigious artist. With clean and firm lines, cartoonish and sinister, quirky and different to his European colleagues, the drawings of F. de Felipe are unique. His characters may not follow the canons of classical anatomy, but they are deeply humanized; similarly, through the use of color, Felipe creates in his men and women impossible skin tones that look extremely well on the page. “Museum” is the magnum opus of an author who abandoned the world of comics after a few years. This is also a lost jewel of the European comic scene, and an unforgettable masterpiece that you will always want to reread, even after 10 or 20 years.
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Si no me falla la memoria, hace casi 20 años leí por primera vez “Comix Internacional”, una magnífica antología que reunía a los mejores creadores europeos del momento, dirigida por Josep Toutain –el Toutain de los cómics–, emblemático editor que catapultó a la fama a innumerables guionistas y artistas, y responsable de revistas como “1984”, “Zona 84”, “Totem”, “Creepy”, etc.

an unusual collection of medications / una inusual colección de medicamentos

Pese al altísimo nivel de calidad de esta publicación, había historias que destacaban más que otras; entre ellas, claro está, el magistral “Museum” de Fernando de Felipe. Resulta difícil recordar con exactitud qué fue lo que más me atrajo inicialmente, quizá fuera el humor negro, mordaz, ácido y sin piedad que caracterizaba a esta obra. 

Supongo que para mí, y para cualquier otro aficionado a los cómics, es muy fácil sentirse identificado con el leit motiv de “Museum”. Estas páginas tienen siempre un elemento en común: la avidez del coleccionista; esa necesidad obsesiva de completar una colección es algo que todos los amantes del cómic pueden reconocer. ¿Hasta qué punto somos capaces de llegar para satisfacer nuestro insaciable apetito de coleccionista? 

Fernando de Felipe nos presenta a un grupo de personajes que llevan el coleccionismo al extremo, convirtiendo una apasionada afición en una terrible adicción. Ahí está, por ejemplo, la tragicómica crónica de Rugiero Pianoforte, quien asesina uno por uno a todos los miembros de su familia para poder coleccionar, en bellas urnas, sus cenizas. “Pulvis eris et in pulverem reverteris”, es la cita que da inicio a esta desternillante y a la vez espeluznante historia. Fernando de Felipe hace gala de un humor macabro e insolente, pero absolutamente delicioso que permite que nos hagamos cómplices de un personaje tan extraño. Sin embargo, y he aquí el quid de la cuestión, nadie puede llevarse su colección a la tumba; por más que nos dediquemos una vida entera a reunir en un solo lugar aquellos objetos que tanto atesoramos, tarde o temprano tendremos que despedirnos de ellos y del mundo. Para el protagonista la solución es sencilla: luego de suicidarse, exige en su testamento que sus cenizas sean colocadas al lado de las urnas de los familiares que él mismo mató a lo largo de los años. Aunque, claro está, él es incapaz de prever qué es lo que sucederá después, cuando la colección íntegra pase a manos de un primo lejano de pocas luces que, buscando alivio para su estreñimiento, mezcla las cenizas junto con su café matutino.

Golem

Luego tenemos el caso de un reconocido diseñador que colecciona envases de alimentos: latas, botellas, cajas, bolsas, etc. Aunque su grave error es comerse el contenido de esos envases. Tras mucho tiempo de tener pésimos hábitos alimenticios, su cuerpo finalmente colapsa y termina hospitalizado. Rápidamente, este hombre reemplaza una colección por otra, dedicándose ahora a coleccionar envases de productos médicos, cajas de pastillas, frascos de píldoras, chisguetes, goteros, etc. Este tipo de personajes patéticos son ridiculizados en las descripciones que de ellos hace el guía de este insólito museo, incapaz de compadecerse de ellos.

El capítulo más escatológico corresponde al de una renombrada científica, una solterona sin vida social que decide “archivar” su cuerpo. Empieza de manera inofensiva, coleccionado el pelo que ella misma se corta, pero luego pasa a guardar sus uñas, y de ahí a almacenar todos los residuos que el cuerpo humano es capaz de producir: desde caspa y mugre, hasta la piel que ella misma se arranca, pasando por todo tipo de excrementos y secreciones. Al final, con esta repugnante colección, ella arma un golem putrefacto e invita a la prensa y a todas sus amistades para que admiren su inmunda creación. Esta historia en particular me dejó profundamente impresionado cuando la leí originalmente, y pese a los años sigue teniendo el mismo impacto e intensidad.

a professor obsessed with serial killers / un profesor obsesionado con los asesinos en serie

El único capítulo que rompe un poco el tono narrativo es el terrorífico testimonio de un respetado catedrático, un académico que colecciona evidencias de asesinatos en serie, evidencias que compra a precios exorbitantes a un policía corrupto. Los asesinatos son cruentos, retorcidos y violentos. El error de este académico es empezar a investigar los asesinatos, iniciativa que le cuesta la vida.

No he mencionado todos los capítulos que componen este delirante “Museum”, pero ya he demostrado lo irreverentes, originales, desquiciados y divertidos que pueden ser. Fernando de Felipe era, sin duda, uno de los autores más talentosos del panorama del cómic español a inicios de los 90s, pero tuvo la mala suerte de empezar su carrera en una época en la que la industria editorial española entraba en franco declive. Es por ello que existen relativamente pocas obras realizadas por él, y es una lástima, porque no solamente era un guionista excelente sino también un artista prodigioso. De trazos limpios y firmes, caricaturesco pero siniestro, extravagante y diferente a sus colegas europeos, el dibujo que F. de Felipe nos ofrece es inconfundible. Sus personajes, pese a desafiar los cánones de la anatomía clásica, están profundamente humanizados; del mismo modo, mediante el empleo del color, de Felipe crea en sus hombres y mujeres tonos de piel imposibles en la vida real pero que funcionan extremadamente bien en la página. “Museum” es el magnum opus de un autor que a los pocos años abandonó el mundo del cómic. Es, también, una joya perdida del cómic europeo, y una de esas obras inolvidables que uno siempre quiere releer, así pasen 10 o 20 años.

The Man Behind the Mask: Exclusive Interview with Jeffrey Burandt

I’ve been familiar with Jeffrey Burandt’s amazing comics since 2011, when we both collaborated for the same indie anthology. And now, after 4 years, I finally had the chance to talk with him about the thing we love the most: comics!

Welcome to the blog, Jeffrey. I’ll start with my first question: What was your inspiration for Odd Schnozz and the Odd Squad?

When I was first working on it and writing the pitch, I was reading books like Runaways and Ultimate Spider-Man from Marvel, but also Blue Monday, Hopeless Savages and Scott Pilgrim from Oni, so I was trying to combine the big-beat storytelling of mainstream superhero comics with the rock n' roll cool of what Oni was publishing at the time. I also knew if I made it about a band, I could produce a soundtrack for the book in some way and use that as a marketing tool. Otherwise, the characters had been evolving in my mind since college, loosely based on some of my friends and acquaintances in both high school and college.

I think in a way, I’ve also done the same… you wouldn’t believe how many weird friends I have. So is Odd Schnozz your favorite project or are there other comics you’ve done in the past that make you feel just as proud?

Odd Schnozz is the largest project I've worked on so far, so I'm exceptionally proud of it, and now that the first volume is finished, it is my favorite project at the moment! But I'm also proud of the Americans UK comic I self publish with artist Paul Ciaravino, where I get to be a little more experimental and hone my craft. Dean Haspiel and I have a pitch out in the world that I really want someone to pick up. We ran a short story from the property titled Blood + Brains in Image Comics' Creator Owned Heroes and it garnered excellent reviews. It made me happy to have a story that Image put out, at least.

You seem to be involved in a lot of awesome projects. For example, what can you tell me about Panels for Primates?

Troy Maxwell put together a charity anthology of comics and prose for sale via MonkeyBrain Comics, and he reached out to me to write a prose short story for the book, which I did. My story is titled, "Bibi & Cass," and it's about the relationship between a gorilla and a young girl who both become YouTube sensations after the young girl falls into a gorilla pit at the zoo. The best part for me is that I had a story appear in the same collection as a story by Stan Lee! That was very exciting. Proceeds from the anthology go to benefit the Primate Rescue Center in Nicholasville, KY, You can get it here: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1

I think is a great idea to have a graphic novel that comes with its own soundtrack. As a writer and a musician, would you say your talents complement each other or not?

Well, it's all writing to me. I can't play an instrument, so I don't really consider myself a musician. I write lyrics and melodies and collaborate with actual musicians to turn them into songs. It's a lot like collaborating with artist for making comics, actually. You get to hand off something you wrote to another person or group of people to interpret and produce. 

And talking about collaborators… How long have you been working with Dennis Culver? And how did you decide to do this project together?

I think it took us 5 years to finish the book together? It's a pretty big trade at 168 pages, and some of that time it was being colored and then we had missed Oni's 2014 publishing schedule--which means Dennis was probably working on it for 3 years in between his paying gigs. Oni and I already had a contract for the book, and they brought Dennis aboard, and thankfully, he was the perfect fit! 

I think you two make a fine creative team. So are you a fan of comic book conventions? If so, what was the last one you attended?

I probably enjoy the MoCCA Festival in NYC the best, but the last con I attended was NYCC. I'll be at the American Library Association Conference the weekend of June 27th, and then I'll be hanging around the Oni Booths and signing and stuff at San Diego Comic Con in July.

I wanted to go to NYCC last year. But I spent all my money on a trip to Uruguay (Don’t ask why). At least in 2014 ComiXology published an entire comic book written by me. Anyway, I wanted to know what authors inspired you to become a writer?

Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.

I’m a huge fan of Borges. I think good authors always inspire us to share our work with the public. What was your first published work? 

I had a series of comics run in Details Magazine for a few months in 2006 or so as a special promotion for Amstel Light titled, "Adventures In Tasteful Living," with art by Terry Taylor. I put it up on my blog recently if you're interested: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/

That was good. And now, to stay on topic, Could you name the best comics you’ve read in the last couple of years?

Thomas Alsop by Chris Miskiewicz and Palle Schmidt from Boom Studios is excellent. The first trade just came out. I love The Sixth Gun by Bunn and Hurtt from Oni Press. Also, The Bunker by Fialkov and Infurnari is a can't miss series.

I’ve heard nothing but good compliments about the series you mention. How would you describe your experience working with Dean Haspiel for Creator Owned Heroes?

Dino is the man-o. He's a total pro and the most personable, fun dude, all at the same time. He takes his work very seriously, and collaborating on that story and the resulting pitch was a treat. He pushes me to do my best work. If you haven't checked out his collaboration with Mark Waid for Archie's The Fox, I can't recommend it enough, and his hardcover Billy Dogma collections that have been coming out from Z2 Comics are absurd, pulp masterpieces.

I’m just curious about this, so humor me. What’s the deal with the mask you’re wearing on your ComiXology and Google profile?

I wore that mask a lot on stage when performing with my sci-fi rock band Americans UK, which is why it's so beat up. My friend Seth Kushner took that photo, and it's one of my favorite pictures of myself, taken by a true master of the camera. We lost Seth recently, and the comics world--hell, the entire world--suffers without him. Fuck cancer.

I never met Seth Kushner but I admired his work. He was so talented. And to wrap this up, what other projects are you planning after Odd Schnozz? 

My band Americans UK releases our next high end, sci-fi rock video, "Phenomena-na," at the end of June. If Odd Schnozz vol. 1 sells well enough, I hope I have the opportunity to write another book in the series. I have the bigger story outlined to 3 volumes in total, and I've also written up notes for an Odd Schnozz/Americans UK cross-over that would be amazing, but probably never happen. I'm always generating new pitches and new prose stories otherwise.

Thanks for talking with me, Arcadio! 

You’re welcome Jeffrey!
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He estado familiarizado con los asombrosos cómics de Jeffrey Burandt desde el 2011, cuando ambos colaboramos para la misma antología independiente. Y ahora, después de 4 años, finalmente tengo la oportunidad de hablar con él acerca de lo que más nos encanta: ¡los cómics!

Bienvenido al blog, Jeffrey. Voy a empezar con mi primera pregunta: ¿Cuál fue tu inspiración para “Odd Schnozz and the Odd Squad”?

Cuando empecé a trabajar en ello y mientras escribía la propuesta, estaba leyendo títulos como “Runaways” y “Ultimate Spider-Man” de Marvel, pero también “Blue Monday”, “Savages Hopeless” y “Scott Pilgrim” de Oni, por lo tanto traté de combinar una narración de gran ritmo propia de los cómics de superhéroes con esa frescura de rock n 'roll que publicaba Oni en ese momento. También sabía que si me enfocaba en una banda, podría producir un soundtrack, y de alguna manera usar eso como una herramienta de marketing. Por lo demás, los personajes fueron evolucionando en mi mente desde la universidad, ellos están vagamente basados en algunos amigos y conocidos, tanto de la escuela secundaria como de la universidad.

Creo que de alguna manera, yo también he hecho lo mismo... y vaya que tengo algunas amistades inusuales. ¿Es “Odd Schnozz” tu proyecto favorito o existen otros cómics que has hecho en el pasado que te hacen sentir orgulloso?

“Odd Schnozz” es el proyecto más grande que he hecho hasta ahora, así que estoy excepcionalmente orgulloso de ello, y ahora que el primer volumen está terminado, ¡es mi proyecto favorito actualmente! Pero también estoy orgulloso del cómic “Americans UK” que auto-publiqué con el artista Paul Ciaravino, era un poco más experimental y me ayudó a perfeccionar mi oficio. Dean Haspiel y yo tenemos una propuesta que realmente quisiera que alguien tome en cuenta. Hicimos una historia corta de “Blood + Brains” para “Creator Owned Heroes” de Image Comics y obtuvo excelentes críticas. Me hizo feliz tener una historia publicada por Image, al fin.

Parece que estás involucrado en muchos proyectos sorprendentes. Por ejemplo, ¿qué puedes decirme sobre “Panels for Primates”?

Troy Maxwell armó una antología a través de MonkeyBrain Comics, las ventas eran destinadas a una beneficencia. Él se acercó a mí para que escribiese un relato en prosa para el libro, y así lo hice. Mi historia se titula “Bibi & Cass”, y se trata de la relación entre un gorila y una joven que se convierten en sensaciones de YouTube después de que la chica cae en el foso de los gorilas en el zoológico. ¡La mejor parte para mí es que mi historia aparece en la misma antología que incluye una colaboración de Stan Lee! Eso fue muy emocionante. El dinero obtenido con la antología va a beneficiar al Centro de Rescate de Primates en Nicholasville, KY, y pueden encontrarla aquí: https://www.comixology.com/Panels-for-Primates/digital-comic/51734?app=1

Creo que es una gran idea tener una novela gráfica que viene con su propia banda sonora. Como escritor y músico, ¿dirías que tus talentos se complementan entre sí o no?

Bueno, lo mío es la escritura. No puedo tocar un instrumento, por lo que realmente no me considero un músico. Escribo letras y melodías, y colaboro con músicos reales para convertirlas en canciones. Es muy parecido a colaborar con un artista para hacer cómics, en realidad. Tienes la oportunidad de desarrollar algo que escribió otra persona y dárselo a un grupo de personas para que lo interpreten y lo produzcan.

Y hablando de colaboradores... ¿Cuánto tiempo llevas trabajando con Dennis Culver? ¿Y cómo decidieron hacer este proyecto juntos?

Creo que nos tomó ¿5 años terminar el libro juntos? Es un tomo muy grande, de 168 páginas, y parte de ese tiempo estaba siendo coloreado y luego perdimos el calendario de publicaciones de Oni para el 2014 - lo que significa que Dennis probablemente estuvo trabajando en ello durante 3 años alternando esto con otros proyectos de paga. Oni y yo ya teníamos un contrato para el libro, y trajeron a Dennis bordo, y por suerte, ¡era el colaborador perfecto!

Creo que ustedes dos hacen un gran equipo creativo. ¿Eres fan de las convenciones de cómics? Si es así, ¿cuál fue la última a la que asististe?

Probablemente lo que más me gusta es el Festival MoCCA en New York, pero la última convención a la que asistí fue NYCC. Estaré en la Conferencia de la Asociación Americana de Bibliotecas el 27 de junio, y luego voy a estar dando vueltas por el stand de Oni y firmando y esas cosas en San Diego Comic Con, en julio.

Yo quería ir a NYCC el año pasado. Pero me gasté todo mi dinero en un viaje a Uruguay (No preguntes por qué). Por lo menos el 2014 ComiXology publicó un cómic enteramente escrito por mí. De todos modos, quería saber ¿qué autores te inspiraron a ser escritor?

Nabokov. Borges. Dickens. Chris Claremont. Grant Morrison.

Soy un gran fan de Borges. Creo que los buenos autores siempre nos inspiran para compartir nuestro trabajo con el público. ¿Cuál fue tu primer trabajo publicado?

Hice una serie de cómics para “Details Magazine” durante unos meses el 2006, como una promoción especial para Amstel Light titulada “Adventures In Tasteful Living”, con arte de Terry Taylor. Lo puse en mi página hace poco por si te interesa: http://jefwrites.com/2015/01/09/adventures-in-tasteful-living/

Eso salió bien. Y ahora, para no irme por las ramas, ¿podrías nombrar los mejores cómics que has leído en los últimos 2 años?

“Thomas Alsop” de Chris Miskiewicz y Palle Schmidt de Boom Studios, es excelente. El primer tomo acaba de salir. Me encanta “The Sixth Gun” de Bunn y Hurtt de Oni Press. Además, “The Bunker” de Fialkov e Infurnari, no te puedes perder esa serie.

He oído muchos elogios sobre la serie que mencionas. ¿Cómo describirías tu experiencia con Dean Haspiel en “Creator Owned Heroes”?

Dino es lo máximo. Él es un profesional total y el tío más agradable y divertido, todo al mismo tiempo. Toma su trabajo muy en serio, y colaborar en esa historia con nuestra propuesta inicial fue una delicia. Él me motiva a hacer mi mejor trabajo. Si no has leído su colaboración con Mark Waid para “The Fox”, en Archie, te la recomiendo, y las ediciones en tapa dura de Billy Dogma que ha estado sacando Z2 Comics son obras maestras del absurdo.

Tengo una curiosidad. ¿Cuál es el asunto con la máscara que llevas en tu perfil de ComiXology y Google?

Yo usaba mucho esa máscara en el escenario cuando salía con mi banda de rock y ciencia-ficción Americans UK, y por eso está tan gastada. Mi amigo Seth Kushner tomó esa foto, y es una de mis fotos favoritas, tomada por un verdadero maestro de la cámara. Perdimos a Seth hace poco, y el mundo los cómics -demonios, todo el mundo- se lamenta. A la mierda con el cáncer.

Nunca conocí a Seth Kushner pero admiraba con su trabajo. Era muy talentoso. Y ya para terminar, ¿qué otros proyectos estás planeando luego de “Odd Schnozz”?

Mi banda Americans UK sacará nuestro próximo video de rock de ciencia-ficción de alta gama "Fenómeno-na", a finales de junio. Si Odd Schnozz vol. 1 se vende bien, espero tener la oportunidad de escribir otro libro de la serie. Tengo la historia esbozada para 3 volúmenes en total, y también he escrito algunas notas para un crossover entre Odd Schnozz y Americans UK que sería increíble, pero probablemente nunca sucederá. Siempre estoy generando nuevas propuestas y nuevas historias.

¡Gracias por hablar conmigo, Arcadio!

¡De nada Jeffrey!

The Fracture of the Universal Boy - Michael Zulli

“Everything you possess of skill, wealth and handicraft, wasn’t it first merely a thought and a quest?” Mevlana Rumi. And with this quote, Michael Zulli begins with his most personal and intimate work to date.

I’ve been thinking about that phrase for a while now. I think about myself and how I wanted to be a writer ever since I learned how to read at a very early age. I also think about my passion for comic books and how that passion led me to draw my own stories which, eventually, got published.

So, how did it all begin? As Rumi points out, it was a thought but also a quest. I think every creative person has a similar experience. It doesn’t matter if you are a painter, or a sculptor, or a writer, or a musician, or a filmmaker, everything begins with a thought and a quest. Devoting your life to artistic creation, nonetheless, can be harder than anything else. We should always remember, though, that there are no limits, only the limitations we set upon ourselves, and as an old saying goes, ‘dreams don’t die, we kill them’. Well, at least this time, a creator was true to his dream, and as a result we have the most beautiful graphic novel of 2011: The Fracture of the Universal Boy.

I think Michael Zulli’s words must be read before I continue with my own interpretation of his work: 

Everything begins as a dream. Or, in somewhat less esoteric terms, an “idea”.
 
The computer you may be reading this on, and the desk on which it sits, had its origins in the realm of the intangible, the unreal, a dream. The inner life is your real life, one that begins before you were born, and remains with us, constant and pervasive all the days of our lives. The outer, tangible world we all say is the “real” world is only a manifestation of the one that lives in the space out side our five senses. Without this inner life, nothing would happen.
 
The Fracture of the Universal Boy is my attempt in story form to address these ideas.

Told in a kind of symbolic dream logic I have tried to address the ideas and motivations behind the artistic life. What is the nature of belief? Love? The process of making art? At times it is pure unadulterated nightmare, brutal and almost blasphemous, and at other times sublime and even a bit silly, the book is a true labor of love. I made this without the restraints of the marketplace, deadlines or outside control or systems. Much like a song is written, a painting is brought to canvas, or a pot or a poem brought into being by any other artist of any other discipline. In effect it is my own personal monster, cobbled together from all the various bits of things that fascinate and appall me. It was deliberately made to provoke ideas, outrage, and catharsis, and the sense of peace one has after the inner storms pass, leaving one clear and washed clean.
 
Michael Zulli, On the frozen prairie, defying logic for a living.

I first fell in love with Zulli’s art in the pages of the awarded series The Sandman by Neil Gaiman. Curiously, it was Gaiman who suggested Zulli to pursue this true act of creation, this original graphic novel that has nothing in common with more commercial or mainstream products. 

Zulli spent over six years illustrating these pages, and admiring his highly detailed work you can realize why it took him so long. His pages are a work of art, his artistic spirit is inhabited by the reincarnations of several artists from the Renaissance. Looking at his pages I was reminded of Leonardo Da Vinci’s wonderful sketches au naturel, of Michelangelo Buonarroti’s drawings (such as The Libyan Sybil, with its classic nudity that is perfectly combined with Zulli’s depictions of a naked angel), of Albrecht Dürer’s studies (especially his clothing rendered in gouache on paper, which adds depth to the attire of the celestial old man who vanquishes the protagonist), of Raffaello Sanzio’s studies inked on paper (especially those concerning soldiers and figures in movement), of Botticelli’s peacefulness and delicate composition.

Every page is like an art lesson. Every frame is a manifestation of the beauty of art, of the legacy of geniuses like Da Vinci. Michael Zulli is no ordinary penciler. He’s a true artist, and that’s why he has found his way into the circuit of art galleries, a privilege rarely conceded to comic book authors. Zulli confesses that he would not be the artist he is today if not for the influence of Stephen R. Bissette (a truly amazing artist) and Barry Windsor-Smith, another enormously talented artist who drew the best Conan comics in history (in November and December I reviewed, issue by issue, half of his Conan run).

The Fracture of the Universal Boy is an oneiric journey, you can find symbolic transmutations, references to several cultural traditions, ethereal creatures, impossible monsters, boys and adult men, past and present merging together... This is not a linear story, it’s rather a reinvention of the figure of the artist, in fact, the creator -Zulli- has actually drawn himself as the protagonist. So it would be fair to assume there are some autobiographical elements, but it’s because of Zulli’s fantastic imagination that we soar in the skies, and we land in forests that could never look so stunning in real life.

I found out about Zulli’s project in February 2011. Ten months later, I received a UPS package with this deluxe hardcover edition. In the last 3 pages of the book there is a list of ‘patrons of the arts’ who made it all possible thanks to their collaboration, and that’s why my name appears among famous writers and artists such as Ed Brubaker, Kurt Busiek, Stephen R. Bissette, Frazer Irving and Steven T. Seagle. It has been an honor to be a part of this adventure; and to have my name printed on a Michael Zulli’s graphic novel makes me feel very special. What a delightful creation.

http://artbyarion.blogspot.com/2011/03/rasgos-emotivos-galeria-enlace.html
http://artbyarion.blogspot.com/2011/07/san-diego-comic-con.html
http://artbyarion.blogspot.com/2011/07/exclusive-preview.html
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"Todo lo posees de habilidad, riqueza y técnica, ¿no fue primero un pensamiento y una búsqueda?" Mevlana Rumi. Y con esta cita, Michael Zulli empieza su trabajo más personal e íntimo hasta la fecha.

He estado pensando en esa frase. Pienso en mí mismo y en mi deseo de ser escritor desde que aprendí a leer, cuando era un niño pequeño. Pienso también en mi pasión por los cómics y en cómo esa pasión me llevó a dibujar mis propias historias que, eventualmente, fueron publicadas.

Así que, ¿cómo empezó todo? Tal como señala Rumi, fue un pensamiento pero también una búsqueda. Creo que toda persona creativa tiene una experiencia similar. No importa si eres un pintor, o un escultor, o un escritor, o un músico, o un cineasta, todo empieza con un pensamiento y una búsqueda. Dedicar tu vida a la creación artística, no obstante, puede ser más difícil que cualquier otra cosa. Aunque deberíamos recordar siempre que no existen límites, solamente las limitaciones que nosotros mismos nos imponemos; hay un dicho que afirma que 'los sueños no mueren, nosotros los matamos'. Bueno, al menos esta vez, un creador fue fiel a su sueño, y como resultado tenemos la más hermosa novela gráfica del 2011: "The Fracture of the Universal Boy".

Creo que las palabras de Michael Zulli deben ser leídas antes de continuar interpretando su trabajo:


Todo empieza como un sueño. O, en términos un poco menos esotéricos, una "idea".

La computadora en la que estás leyendo esto, el escritorio en el que estás sentado, tuvo sus orígenes en el reino de lo intangible, lo irreal, el sueño. La vida interna es tu vida real, aquella que empieza antes de que nazcas, y que permanece contigo, constante y presente en todos los días de tu vida. El munto exterior, tangible, lo que llamamos el mundo "real" es sólo una manifestación del espacio en el que vivimos con nuestros cinco sentidos. Sin esta vida interna, nada sucedería.
 
"La Fractura del Chico Universal" es un intento, en forma de historia, de explorar a estas ideas.

Contado con una cierta lógica simbólica, propia del sueño, he intentado explorar las ideas y las motivaciones de la vida artística. ¿Cuál es la naturaleza de las creencias? ¿El amor? ¿El proceso de hacer arte? A veces es como una pesadilla no adulterada, brutal y casi blasfema, y otras veces es algo sublime e incluso un poco tonto, este libro es un verdadero trabajo de amor. Lo hice sin restricciones del mercado, plazos de entrega y sin sistemas de control. Tal como se escribe una canción, o se lleva una pintura al lienzo, o tal como otro artista de cualquier disciplina termina un poema. De hecho, es mi propio monstruo personal, entrelazando los diversos elementos que me fascinan y disgustan. Fue hecho deliberadamente para provocar ideas, rabia y catarsis, y también ese sentido de paz que uno tiene cuando la tormenta interior ha pasado, tras haber dejado todo limpio.
 
Michael Zulli, en la pradera congelada, desafiando la lógica como modo de vida.

Me enamoré del arte de Zulli en las páginas de la premiada serie The Sandman de Neil Gaiman. Curiosamente, fue Gaiman quien le sugirió a Zulli que siga adelante con esta creación, esta novela gráfica original que no tiene nada en común con productos más comerciales y habituales. 

Zulli se pasó seis años ilustrando estas páginas, y al admirar su detallado trabajo es obvio por qué tardó tanto tiempo. Sus páginas son obras de arte, su espíritu artístico está habitado por las reencarnaciones de artistas del renacimiento. Al mirar sus páginas recordé los bocetos al natural de Leonardo Da Vinci, los dibujos de Miguel Ángel (por ejemplo la sibila libia, con su desnudez clásica que combina perfectamente con la imagen del ángel desnudo de Zulli), los estudios de Durero (especialmente los estudios de ropa, algo que añade profundidad al atuendo del anciano celestial que vence al protagonista), los estudios en tinta de Rafael (especialmente los que son de figuras en movimiento), la paz y delicada composición de Botticelli.

Cada página es una lección de arte. Cada viñeta es una manifestación de la belleza del arte, del legado de genios como Da Vinci. Michael Zulli no es un simple dibujante. Es un verdadero artista, y por ello ha logrado entrar al circuito de las galerías de arte, un privilegio raramente concedido a los autores de cómics. Zulli confiesa que no sería el artista que es hoy si no fuera por la influencia de Stephen R. Bissette (un artista realmente asombroso) y Barry Windsor-Smith, otro artista tremendamente talentoso que dibujó los mejores cómics de Conan de la historia (en noviembre y diciembre revisé, número por número, la mitad de su etapa en Conan).

"The Fracture of the Universal Boy" es un viaje onírico, en donde hay transmutaciones simbólicas, referencias a diversas tradiciones culturales, criaturas etéreas, monstruos imposibles, niños y adultos, pasado y presente fusionándose juntos... Esta no es una historia lineal, sino la reinvención de la figura del artista, de hecho, el creador -Zulli- se ha dibujado a sí mismo como el protagonista. Así que no sería descabellado afirmar que hay elementos autobiográficos, pero lo cierto es que la fantástica imaginación de Zulli nos hace volar por los cielos, y aterrizar en bosques de una belleza que no podría ser más cautivadora en la vida real.

Descubrí el proyecto de Zulli en febrero de 2011. Diez meses después, recibí esta edición de lujo en tapa dura. En las últimas 3 páginas hay una lista de 'mecenas del arte' que hicieron esto posible gracias a su colaboración, y es por eso que mi nombre aparece al lado de escritores y artistas famosos como Ed Brubaker, Kurt Busiek, Stephen R. Bissette, Frazer Irving y Steven T. Seagle. Ha sido un honor ser parte de esta aventura; y ver mi nombre impreso en una novela gráfica de Michael Zulli me hace sentir realmente especial. Qué exquisita creación.

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http://artbyarion.blogspot.com/2011/07/san-diego-comic-con.html
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