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March 4, 2016

The X-Men # 1 & 2 - Stan Lee & Jack Kirby

Life is movement, change and constant evolution, but fewer times does that become clearer than when we leave childhood behind to enter into the uncharted territory of adolescence. Change becomes something very tangible and impossible to hide, the body is altered, mutated so to speak, and so is the personality. Teenagers are suddenly ready to confront parental authority, to defy rules and to do the kind of irresponsible and immature things that we can find amusing only years later, after having learned a few lessons.
Jack Kirby
Stan Lee was well aware of this when he started writing the adventures of the X-Men “the most unusual teen-agers of all time”, and of course it was only fitting that evolution would play a major role in his proposal. The X-Men marked a departure from previous works, unlike the first Marvel superheroes, the X-Men weren’t the result of a scientific experiment or a fortuitous technological accident. They were born Homo Superior instead of mere Homo Sapiens (like the rest of us); extra powers and abilities were a part of their DNA and these usually manifested as they reached puberty. 
Professor X (Charles Xavier)

That’s the reason why the X-Men need so desperately the guidance of Professor X, because they have all this incredible potential within them but they do not know how to develop it, and only Professor Charles Xavier can help them. Xavier’s mansion is the only school in the world that has only mutants as students, and the Professor’s ideology of humans and mutants coexisting peacefully is as noble as it is inspiring. In September 1963, the first issue of the X-Men hit the stands, and it revolutionized the comic industry, once again guaranteeing the success of Marvel Comics.  Stan Lee “emphasized strong characterization, crisp dialogue and breakneck pacing”, and all this can be observed in the pages of the X-Men’s debut. 

In issue # 1, Jean Grey arrives to the school, becoming Professor X’s newest pupil. She is the only girl in this male-centric environment, and obviously the boys are very excited to meet her, all save Bobby Drake (AKA Iceman). As one might expect, these hot-blooded, hormones-driven teens immediately start lusting after the red-haired girl, but 16-year-old Iceman simply walks away from his friends, explaining that he doesn’t consider girls “a big deal”. Warren Worthington III (AKA Angel) doesn’t pay attention to Bobby and is simply happy to have one less competitor. 

However, what is exactly going on in this particular scene? Why is Bobby the only one in the group not interested in girls at all? That was certainly the kind of question that could only be hinted at back in the 60s, but never fully answered. It would take decades until, in the hands of Brian Michael Bendis, Iceman would finally come out of the closet. This pivotal moment would take place in All-New X-Men #40 (April 2015), a surprisingly touching tale that reminds us that adolescents can have a hard time dealing with their feelings, and that understanding what they want or who they love, can be one of the hardest challenges ever. In the foreword of volume one of “Marvel Masterworks: The X-Men”, Stan Lee shares his opinion about Bobby Drake: “And then there was Iceman. I was really worried about how the readers would accept him”. In a world that fears and hates mutants, one can only imagine how difficult it was for Iceman to accept his true sexual orientation, risking even further discrimination.
Panel 1: all the boys are excited to meet Jean Grey, except Bobby Drake /
Viñeta 1: los chicos están entusiasmados por ver a Jean Grey, excepto Bobby Drake

The X-Men were a wonderful metaphor of all the doubts and self-loathing one might experience at that age. They already had plenty of personal problems to deal with and if that wasn’t enough, their first adversary was Magneto, who took over a military base in order to deploy its nuclear arsenal. The master of magnetism proves to be a powerful enemy, and although the X-Men rescue the soldiers and reclaim the base, they cannot capture Magneto. 

“No One Can Stop the Vanisher” (originally published in The X-Men # 2, November 1963) is the kind of fun and lighthearted adventure that was most typical in this era, but it also has a few interesting moments. When the X-Men are unable to defeat the Vanisher, an odd-looking mutant with the power of teleportation, Professor X enters into the arena and quickly subdues this foe with his mental powers. As a reader, and perhaps more importantly, as a fan, I’ve always said that Charles Xavier is the most powerful mutant on Earth, his telepathic powers make him invincible but that can be a problem in narrative terms. Because Xavier can easily act as a ‘Deus ex machina’, always saving his students in the proverbial nick of time.

The first issues were penciled by Jack ‘King’ Kirby and inked by Paul Reinman. Kirby’s covers are absolutely stunning, classic images that have inspired countless of artists in the past 50 years. With dynamic illustrations and very creative designs, Kirby “defined the super hero as never before – or since. This was the inimitable Marvel Style that set the tone, that became the standard by which all other comic art in America was judged”.
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La vida es movimiento, cambio y constante evolución, quizás esto sea aún más evidente cuando dejamos atrás la niñez para entrar al inexplorado territorio de la adolescencia. El cambio se convierte en algo muy tangible e imposible de ocultar, el cuerpo se altera, muta por así decirlo, y también la personalidad. Los adolescentes repentinamente están listos para enfrentarse a la autoridad de los padres, a desafiar las reglas y a hacer el tipo de cosas irresponsables e inmaduras a las que sólo les encontramos la gracia años más tarde, después de haber aprendido algunas lecciones.
Magneto

Stan Lee era muy consciente de esto cuando empezó a escribir las aventuras de los X-Men “los más inusuales adolescentes de todos los tiempos”, y por supuesto era lógico que la evolución jugase un papel fundamental en su propuesta. Los X-Men se distancian de proyectos anteriores, a diferencia de los primeros superhéroes de Marvel, los X-Men no fueron el resultado de un experimento científico o un inesperado accidente tecnológico. Nacieron Homo Superior en lugar de meramente Homo Sapiens (como el resto de nosotros); los poderes y las habilidades extras eran parte de su ADN, y se manifestaban generalmente en la pubertad.

Por esta razón, los X-Men necesitan tan desesperadamente la guía del Profesor X, porque ellos tienen todo este increíble potencial en su interior, pero no saben cómo desarrollarlo, y sólo el Profesor Charles Xavier puede ayudarlos. La mansión de Xavier es la única escuela en el mundo que sólo tiene mutantes como alumnos; y la ideología del profesor, humanos y mutantes coexistiendo pacíficamente, es tan noble como inspiradora. En septiembre de 1963, la primera edición de los X-Men salió a la venta, y revolucionó la industria del cómic, garantizando una vez más el éxito de Marvel Comics. Stan Lee “hizo hincapié en una caracterización fuerte, un diálogo ingenioso y una narrativa trepidante”, y todo esto se puede observar en el debut de los X-Men.

En el primer número, llega a la escuela Jean Grey, la nueva estudiante del Profesor X. Ella es la única chica en este entorno exclusivamente masculino, y obviamente los chicos están muy excitados por su presencia, todos, excepto Bobby Drake (más conocido como Iceman). Como era de esperarse, estos adolescentes impulsados por las hormonas y el ardor propio de la juventud, inmediatamente se sienten atraídos por la chica pelirroja, pero Iceman, a sus 16 años, simplemente se aleja de sus amigos, explicando que para él las chicas “no tienen nada de especial”. Warren Worthington III (más conocido como Angel) no le presta atención a Bobby y simplemente se alegra de tener un competidor menos.
Vanisher

Sin embargo, ¿qué es lo que está sucediendo exactamente en esta escena? ¿Por qué Bobby es el único en el grupo que no se interesa por las chicas? Esta era, sin duda, el tipo de pregunta que apenas podía ser insinuada en los 60s, pero que jamás podía ser contestada. Se necesitarían décadas hasta que, en manos de Brian Michael Bendis, Iceman finalmente saliera del closet. Este punto de inflexión ocurrirá en All-New X-Men # 40 (abril de 2015), un relato sorprendentemente conmovedor que nos recuerda que los adolescentes pueden tener dificultades para enfrentarse a sus sentimientos, y que comprender qué es lo que quieren o qué es lo que les gusta, puede ser uno de los retos más difíciles. En el prólogo del volumen uno de  Obras Maestras de Marvel: X-Men, Stan Lee comparte su opinión acerca de Bobby Drake: “Y luego estaba Iceman. Yo estaba muy preocupado por la aceptación que tendría entre los lectores”. En un mundo que teme y odia a los mutantes, uno puede imaginarse lo difícil que era para Iceman aceptar su verdadera orientación sexual, y arriesgarse a ser doblemente discriminado.

Los X-Men fueron una maravillosa metáfora de todas las dudas y complejos que uno podría experimentar a esa edad. Ellos ya tenían un montón de problemas personales con los que lidiar, y por si esto no fuera poco, su primer adversario fue Magneto, quien se apoderó de una base militar con el fin de desplegar su arsenal nuclear. El maestro del magnetismo demuestra ser un poderoso enemigo, y aunque los X-Men rescatan a los soldados y recuperan la base, no pueden capturar a Magneto.

“Nadie puede detener a Vanisher” (publicado originalmente en The X-Men # 2, noviembre de 1963) es el tipo de aventura divertida y desenfadada tan típica de esta época, pero también presenta algunos momentos interesantes. Cuando los X-Men no son capaces de derrotar a Vanisher, un mutante de aspecto extraño con el poder de la teletransportación, el Profesor X entra al ruedo y rápidamente somete a este enemigo con sus poderes mentales. Como lector, y quizás más importante, como fan, siempre he dicho que Charles Xavier es el más poderoso mutante de la Tierra, sus poderes telepáticos lo hacen invencible, pero esto puede ser un problema en términos narrativos. Porque Xavier puede terminar siendo un 'Deus ex machina', salvando siempre a sus estudiantes en el último segundo.

Los primeros números son dibujados a lápiz por Jack 'King' Kirby y entintados por Paul Reinman. Las portadas de Kirby son absolutamente impresionantes, imágenes clásicas que han inspirado a un sinnúmero de artistas en los últimos 50 años. Con ilustraciones dinámicas y diseños muy creativos, Kirby “definió al superhéroe como nunca antes. Este fue el inimitable estilo Marvel que marcó la pauta, que se convirtió en el estándar con el que se juzgaba al resto del arte del cómic en Estados Unidos”.

October 3, 2011

Films (September) / Películas (setiembre)

I’d like to think that September’s list is all about variety. This month we have 19 films and 6 short films. So let’s start with a classic and one of my personal favorites, shot entirely in black and white, Woody Allen’s Manhattan (1979) transforms the chaotic and overpopulated city of New York into the most subjugating and beautiful urban setting, while exploring the lives of people "who are constantly creating these real, unnecessary neurotic problems for themselves - because it keeps them from dealing with more unsolvable terrifying problems".

Also from the genius mind of Woody Allen comes The Purple Rose of Cairo (1985); Cecilia, the protagonist, watches the same movie every day. For a couple of hours she feels transported into a world of glamour, of beautiful men and women, a world in which everything makes sense, a world where happy endings are possible. In an era of poverty, movies are the ideal escapism. But what happens when one of the film’s characters escapes from the screen and enters into the real world just to meet her?  

Antonia Bird’s Care (2000) is a powerful movie based on real life cases of child abuse in Ireland. Davy, a naïve teenager, lives in one of the care centers destined to underprivileged youngsters, there he is frequently raped by the headmaster and many other male members of the staff. Many years later, he has the opportunity to go to court and make sure that those responsible for his traumatic childhood get the sentence they deserve, but reliving the abuse proves to be harder than anything. 

Francis Ford Coppola’s Rumble Fish (1983), is one of his most experimental films, shot in black and white, it focuses in the lives of a group of young men, struggling with urban violence and decay. Rumble Fish has a very special energy, something that makes you stay alert from beginning to ending; curiously, the director’s filmic intuition proved to be almost prophetic as many of the actors in the film became very famous afterwards (Nicolas Cage, Mickey Rourke, Matt Dillon, Diane Lane, Laurence Fishburne, etc.).

Cinema Verite (2011) recreates the first ‘reality TV’ show in the 70s. When an upper-class and apparently ideal family decides to let the cameras record their lives 24/7, they have no idea what they’re getting into. Diane Lane creates a rich and complex character as the mother of the family, while Thomas Dekker plays the oldest son, a flamboyant gay kid full of energies and an amazing joie de vivre (coincidentally, Dekker also plays the role of a homosexual college student in Gregg Araki’s “Kaboom”). I’m a fan of Ryan Murphy and his “Running with Scissors” and “Glee”, I think his approach on gay characters is quite riveting, but I didn’t find his latest film, Eat Pray Love (2010) as inspirational as the previous ones; although it has a good casting (Javier Bardem, Julia Roberts, etc.).

Nevertheless if we’re talking about an even greater cast we should put an emphasis on Valentine’s Day (2010), that includes, among others, Julia Roberts, Kathy Bates, Bradley Cooper, Hector Elizondo, Jennifer Garner, Topher Grace, Taylor Lautner, Anne Hathaway, Ashton Kutcher; there are some good scenes, (even some funny ones, like Carter Jenkins naked sequence), but overall this is a romantic movie that makes me remember why I don’t like this genre. Although it would be easy to compare A Nightmare on Elm’s Street (2010) with the original version I’d rather concentrate on this one. I felt it was a bit disappointing, mainly because I didn’t find it scary enough, and that’s the main goal of a horror movie. The cast includes promising young actors such as Kellan Lutz, Kyle Gallner (I remember his magnificent portrayal of one my most beloved DC characters, Bart Allen AKA Impulse in “Smallville”) and Thomas Dekker, but in my opinion their lack of intensity is a result of the director’s limited skills.

The Lost Boys (1987) is such an entertaining horror comedy; parodied vampires are seen as rebellious teenagers that party all night and sleep through the day. The premise alone was encouraging, and I was glad to find out that the execution is flawless. Jason Patric is a young man tempted by beauty, in one hand and in the other by the possibility of eternal life; while his younger brother, a cheerful and kindhearted Corey Haim, intends to save him from vampirism, to do that, he looks for Corey Feldman, a clerk in a comic book shop that claims to be an expert vampire slayer. Based on a comic book property from Vertigo comes The Losers (2010), which was frankly quite a letdown. Here we see again Jason Patric, now in his forties, though; the only good scene is Chris Evans ‘striptease’ adventure in the elevator of a corporate building.


Cowboys & Aliens (2011) has so many plot holes that is almost baffling; even so, as a director Jon Favreau proves that he can do a good work with sci-fi related material. Besides Daniel Craig and Harrison Ford, Paul Dano has a very well-crafted character, albeit his screen time is limited. The Lincoln Lawyer (2011) is the typical American novel, a book written as a screenplay, which eventually gets adapted as a movie. The director, however, does a good job, and Ryan Phillippe’s devious character is splendidly portrayed.

Ricky (2009) directed by François Ozon isn’t his best work… but even at his lowest, Ozon is better than most filmmakers out there; the story of a baby that grows wings on his backs reminded me a lot of X-Men’s Angel, a mutant I’ve always been very fond of. Giuseppe Tornatore’s Baaria (2009) is a multigenerational epic that confronts us with Italian reality; Tornatore is an extraordinarily talented director, and in this ambitious project he summarizes the past of his family which, in a way, is also Italy’s recent past. I recommend it. A lot. Slutty Summer (2004) directed, written and starred by Casper Andreas is a harmless comedy about a gay man trying to find the right boyfriend; it has some funny moments, like Jeffrey Christopher Todd’s masturbation sequence.

Plein Sud (2009) directed by Sébastien Lifshitz shares elements with a road movie, but it’s also a journey of self-discovery. As a group of French teenagers go south, their relationships keep evolving. But sex isn’t the only thing they experience, there’s also love. Théo Frilet gives a solid performance as a gay teenager that falls in love with the guy driving the car, an unknown guy that may or may not be interested in him. Frilet has a very interesting career that includes many roles as a teenager in gay interest productions ("Un jour d'été", "Weekend à la campagne", "Nés en 68"). So let’s talk about the last one: Nés en 68 (2008) directed by Sébastien Lifshitz lasts almost 3 hours but captures your attention from the very beginning. It starts in Paris, in the historical May of 1968, and rebuilds the lives of a hippy couple that create a ‘community’ with a few friends in which free sex, marijuana and the disavowal of capitalism are essential; they have a son, played by Théo Frilet, who gives an astonishing performance as a strong, self-confident, happy and gorgeous gay teenager; although eventually promiscuity makes him pay the ultimate price.

Head On (1998) deals with Greek immigrants in Australia, as well as cultural differences and social conflicts. Ari is a 19 year-old boy that has to struggle to keep his conservative father satisfied, but whatever he does, he’s doomed, as the Greek have no tolerance for homosexuality. Taxi Zum Klo (1980) is a realistic and honest look on the life of a German gay teacher; the film focuses on his day-to-day life, his casual encounters with other men in bathrooms and similar places, as well as his teaching. Full frontal male nudity and non-simulated sex made of this a most controversial production in the 80s, but it also has a strangely poetic and sad premise that stays with the viewers. 

And at last, but certainly not least, we have six short films. Brotherly (2008) is a tale of two brothers, surviving in a family in which both their parents are alcoholic. The younger brother, barely 12 years old, keeps wetting the bed, and as his brother, a teenager, helps him out, they soon find that sharing the same bed is unusually comfortable. Cappuccino (2010) is such a fabulous narration, it starts with a teenager fantasizing about one of his friends while masturbating in the shower, and that’s when the mother opens the bathroom’s door. The protagonist is a skinny, fragile and tender boy that feels nervous (but at the same time excited) about the possibility of having an intimate encounter with one of the boys from his class. Also exploring homosexual intercourse we have Between the Boys (2004). 

Chicken (2001) is an Irish production about the typical roughness in male bonding but spiced up with a very present gay overtone. Eu Não Quero Voltar Sozinho (2010) is a very original take on handicapped people: Leonardo is a blind high school student that one day meets Gabriel, a polite and generous kid that helps him in any way he can. Touching each other more often than usual because of Leonardo’s blindness, the two boys soon find immersed in sexual attraction, much to the chagrin of Giovana, a girl secretly in love with one of them. This is by far one of the best Brazilian short films I’ve ever seen. Benny’s Gym (2007) is a poignant tale of abuse and marginality; Alfred is a teenager ostracized by other kids, he gets bullied all the time by Benny and his friends, until one day Benny, alone, pays him a visit. From that day on, they share many intimate moments, although Benny refuses to talk to his new friend in public. When Benny kisses Alfred after admitting he would have sex with him, problems start. In the end, Benny’s friends beat up Alfred and try to drown him in the lake. In this Norwegian short film we realize that youth problems are pretty much the same everywhere in the globe; here the script and the narrative rhythm strengthen an already enthralling story about abuse and homosexuality at an early age. 
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Quisiera pensar que lo principal en la lista de setiembre es la variedad. Este mes tenemos 19 películas y 6 cortometrajes. Empecemos con un clásico que tiene un buen lugar mi lista de favoritos: "Manhattan" (1979) de Woody Allen, filmada enteramente en blanco y negro transforma la caótica y sobrepoblada ciudad de New York en la más subyugadora y bella urbe, mientras explora las vidas de personas que están "constantemente creando estos realmente innecesarios problemas neuróticos, porque así evitan lidiar con problemas más atterorizantes, sin solución". 

También de la genial mente de Woody Allen llega "The Purple Rose of Cairo" (1985); Cecilia, la protagonista, va al cine todos los días para ver la misma película; por un par de horas se siente transportada a un mundo de glamour y gente bonita, en donde todo tiene sentido y los finales felices son posibles. En una era de pobreza, el escapismo se da con estas películas. ¿Pero qué sucede cuando uno de los personajes se sale de la pantalla y entra al mundo real sólo para conocerla? sin solución". 

"Care" (2000) de Antonia Bird, basada en la vida real, revela con crudeza el abuso infantil en Irlanda. Davy es un adolescente ingenuo que vive un hogar para niños de escasos recursos; allí, es violado frecuentemente por el director y otros hombres. Años después, tiene la oportunidad de ir a la corte y denunciar a los culpables del crimen, pero revivir su traumática infancia termina por destrozarlo. 

"Rumble Fish" (1983) de Francis Ford Coppola, es su obra más experimental, filmada en blanco y negro, se enfoca en la vida de un grupo de jóvenes en un ambiente de violencia y decadencia urbana; con una energía muy especial, Rumble Fish te mantiene alerta de principio a fin; el buen ojo del director le permitió trabajar con muchos actores que después sería bastante famsosos (Nicolas Cage, Mickey Rourke, Matt Dillon, Diane Lane, Laurence Fishburne, etc.).

"Cinema Verite" (2011) recrea el primer reality de la televisión, en los 70. Cuando una familia de clase alta, aparentemente ideal, acepta que se les grabe las 24 horas del día, no tienen idea de lo que sucederá. Diane Lane crea un rico y complejo personaje como la madre, mientras que Thomas Dekker actúa como el hijo mayor, un muchacho evidentemente homosexual lleno de energía y joie de vivre; Dekker, por cierto, también hizo de un universitario homosexual en “Kaboom” de Gregg Araki. Soy fan de Ryan Murphy y “Running with Scissors” y “Glee”, creo que su perspectiva sobre personajes gay es cautivadora, pero "Eat Pray Love" (2010) no es tan inspiradora como las anteriores; aunque tiene un buen elenco (Javier Bardem, Julia Roberts, etc.).

Sin embargo, un elenco mucho mejor sería el de "Valentine’s Day" (2010), que incluye, entre otros, a Julia Roberts, Kathy Bates, Bradley Cooper, Hector Elizondo, Jennifer Garner, Topher Grace, Taylor Lautner, Anne Hathaway, Ashton Kutcher; hay algunas buenas escenas (incluso divertidas como la secuencia de Carter Jenkins desnudo), pero se trata de una película romántica que me recuerda por qué el género me disgusta. Aunque sería fácil comparar "A Nightmare on Elm’s Street" (2010) con la versión original, basta decir que me decepcionó porque no hubo momentos que me asustaran (y esa es la meta del cine de terror). El elenco incluye a jóvenes y prometedores actores como Kellan Lutz, Kyle Gallner (recuerdo su magnífica intrepretación de uno de mis poersonajes favoritos de DC, Bart Allen AKA Impulse en "Smallville") y Thomas Dekker; si ellos no dan todo de sí es culpa de las limitadas habilidades del director.

"The Lost Boys" (1987) es una comedia de terror entretenidísima; los vampiros son parodiados como adolescentes rebeldes que se van de juerga toda la noche y duermen durante el día. La premisa es ya de por sí alentadora, y su ejecución es impecable. Jason Patric es un jovencito tentado por la belleza de una fémina, por un lado, y la posibilidad de vida inmortal, por otro lado; mientras, su hermano menor, un Corey Haim entusiasta y amigable intenta salvarlo del vampirismo, para lograrlo, busca a Corey Feldman, un dependiente de una tienda de cómics que asegura ser un cazador de vampiros. Basado en el cómic de Vertigo llega "The Losers" (2010) que fue francamente decepcionante; aquí aparece nuevamente Jason Patric, aunque ya cuarentón; la única buena escena es la del ‘striptease’ de Chris Evans en un edificio.


"Cowboys & Aliens" (2011) tiene tantos huecos argumentales que uno se queda pasmado; aún así, Jon Favreau hace un buen trabajo como director. Además de Daniel Craig y Harrison Ford, Paul Dano tiene un personaje muy logrado, lástima que tenga poco tiempo en pantalla. "The Lincoln Lawyer" (2011) es la típica novelita gringa que se escribe de frente como un guión de cine y que, eventualmente, es adaptada a la gran pantalla; no obstante, el director le saca el jugo, y el personaje de Ryan Phillippe es espléndido.

"Ricky" (2009) no es lo mejor de François Ozon... pero aún así el cineasta francés muestra con éxito la historia de un bebé al que le crecen alas en la espalda... siempre he sido fan de Angel, de los X-Men, y sin duda hay elementos en común con el mutante. "Baaria" (2009) de Giuseppe Tornatore es una saga de múltiples generaciones, el talentosísimo director sintetiza en este ambicioso proyecto la historia de Italia, que es también la historia de su familia. La recomiedno. Y mucho. "Slutty Summer" (2004) es una inofensiva comedia escrita, dirigida y protagonizada por Casper Andreas, tiene momentos chistosos, como la secuencia de masturbación de Jeffrey Christopher Todd.

"Plein Sud" (2009) de Sébastien Lifshitz tiene elementos de una 'road movie', pero es también una travesía de auto-descubrimiento. Un grupo de adolescentes franceses va rumbo al sur, y la cercanía entre ellos cambia las cosas. Pero además de sexo, también surge el amor. Théo Frilet representa muy bien a un chaval gay que se enamora de un tipo que podría o no estar interesado en él. Frilet tiene una interesante carrera que incluye muchos roles en producciones de temática gay ("Un jour d'été", "Weekend à la campagne", "Nés en 68"). Así es que hablemos de esta última: "Nés en 68" (2008) de Sébastien Lifshitz dura casi tres horas pero captura nuestra atención desde el comienzo. Empieza en París, en el histórico mayo del 68, y reconstruye las vidas de una pareja hippy que funda una 'comunidad' con amigos en donde lo esencial son el sexo, la marihuana y el rechazo al capitalismo; tiene un hijo, interpretado soberbiamente por Théo Frilet, él es un adolescente gay feliz, fuerte, atractivo y con confianza en sí mismo; aunque eventualmente la promiscuidad le pasa factura.

"Head On" (1998) trata de inmigrantes griegos en Australia, así como las diferencias culturales y los conflictos sociales. Ari tiene 19 años y no es capaz de cumplir las expectativas de su padre, un griego homofóbico. "Taxi Zum Klo" (1980) es una mirada realista y honesta sobre la vida cotidiana de un profesor alemán gay, desde sus encuentros con otros hombres en baños hasta su labor de maestro. Con desnudez masculina total y sexo no simulado, esta producción fue muy polémica en los 80, pero también tiene una premisa extrañamente poética y triste. 

Finalmente, tenemos seis cortometrajes. "Brotherly" (2008) es la historia de dos hermanos que sobreviven al alcoholismo de sus padres. Con apenas 12 años, el hermano menor se orina en la cama, y su hermano mayor, ya adolescente, lo ayuda y pronto descubren que compartir la misma cama es inusualmente cómodo. "Cappuccino" (2010) es una fabulosa narración que empieza con un adolescente fantaseando sobre un compañero de clases mientras se masturba en la ducha, justo en ese momento la madre entra al baño. El protagonista es un chico delgado, frágil y tierno que siente (y emoción) ante un posible encuentro íntimo con uno de los chicos de su salón. "Between the Boys" (2004) también aborda la cópula homosexual. 

"Chicken" (2001) es una producción irlandesa sobre la típica rudeza de la amistad entre varoens, pero condimentada con un tono gay patente. "Eu Não Quero Voltar Sozinho" (2010) nos ofrece una perspectiva muy original sobre dos tipos de minorías: Leonardo es un alumno de secundaria ciego que conoce a Gabriel, un muchacho amable y generoso que lo ayuda en lo posible. La ceguera les permite tocarse mutuamente hasta el punto en que la atracción sexual se desborda, algo que hace que Giovana, una chica enamorada de uno de ellos, se sienta humillada. De lejos es uno de los mejores cortometrajes de Brasil que he visto. "Benny’s Gym" (2007) es un significativo relato sobre el abuso y la marginalidad; Alfred es un adolescente aislado que es hostigado por Benny y otros muchachos; hasta que un día Benny se encuentra a solas con Alfred y es así como, poco a poco, empiezan a compartir confidencias íntimas. Aún así, Benny rehusa hablar con su amigo en público. Cuando Benny besa a Alfred y le sugiere que podrían tener sexo, los problemas empiezan. Al final, los amigos de Benny golpean a Alfred e intentan ahogarlo en el lago. Con este cortometraje de Noruega comprobamos que los problemas de la juventud son los mismos en todo el mundo; el guión y el ritmo narrativo refuerzan una historia de por sí atrayente sobre el abuso y la homosexualidad a temprana edad. Para ver una breve escena de Cappuccino pueden hacer click aquí: http://www.youtube.com/watch?v=0V9gGiz3OFc

August 31, 2011

Films (August) / Películas (agosto)

I suspect this might be a slightly shorter list than usual, but anyway, here I bring you August films (in no particular order). The gem of the month is Lost in Translation (2003) directed by Sofia Coppola. I had already seen it when it was originally released, but now I consider it as equally, if not more, powerful than before. Many critics must have explored the lack of communication as a fundamental key in “Lost in Translation” but there is so much more going on, so for a more in depth analysis please check my review on IMDB (and don’t forget to vote for it): http://www.imdb.com/title/tt0335266/reviews-1916

Now everything else has been new this month. Let’s start with a super production like Captain America: The First Avenger (2011), what can I say? I didn’t expect much from a character than only a handful of comic book writers know how to handle, and yet the movie appropriately portrays some of the fundamental aspects of the hero created by Joe Simon & Jack Kirby. I particularly loved the after credit advertisement of the upcoming Avengers film, as a comic book fan it’s still hard for me to believe that the Avengers is a reality and it sure looks a very promising one. Another popular flick was Super 8 (2011), a Spielberg-like sci-fi adventure that explores the camaraderie of a group of kids, their feelings, their innocence, their dreams and how they face an unknown threat that’s befallen in their town. I have to admit that I enjoyed it more than I thought I would; and the zombies movie that the kids are filming is one of the most delightful details in JJ Abrams’ newest production.

As I can’t live a month without horror and / or suspense, I saw Resident Evil: After Life (2010). The first Resident Evil movie is great; however the sequels (including this one) have taken a nosedive in quality. I also saw Dr. Phibes Rises Again (1972), here Vincent Price returns to his popular character, a doctor obsessed with the search of immortality; there are lots of spectacular deaths and some very bizarre and discombobulating moments, now I can’t wait to see the first movie. Based on a Clive Barker’s original idea The Midnight Meat Train (2008) draws from the slasher films and the vicious butchering of victims; but there is also a supernatural horror that remains hidden. For lovers of blood and violence, this is a must. Clint Eastwood’s Play Misty for Me (1971) is what we might now refer as a thriller with plenty of suspense and unexpected twists, here a psychopathic woman gets obsessed with a young Clint Eastwood, and after a one night stand, the obsession simply gets out of control, it sure reminded me of Misery, although here the woman is also a sexual partner, which of course can only end badly.

Clint Eastwood and Martin Sheen are the protagonists of The Rookie (1990), a fast-paced story about two cops that have to bring down a dangerous gang of car smugglers. I would also include Jonah Hex (2010) in the ‘action’ category, based on a DC Comics character, this movie simply fails on so many levels, which is sad because there are great actors in it.

Based on a book, Birdy (1984) is the chronicle of a friendship and the aftermath of the Vietnam War; when two young boys become friends, a very special relationship begins, one of them is a bird lover, and eventually gets so obsessed about birds that he isolates himself from the world. But then as they go to war and experience traumatic moments, everything changes. ‘Birdy’, the bird lover, loses his mind, and his friend returns to him to try to get him to talk again. There are some moments that honor the author’s intentions (like Matthew Modine’s naked scenes and his wet dream), but the subtle homoerotic subtext makes more sense in the novel. North by Northwest (1959), starring Cary Grant, proves once again why Alfred Hitchcock is a master of the 7th art. When a successful advertising professional is confused with a certain Mr. Kaplan, problems start. Some people want him dead and nobody believes he is not Mr. Kaplan. Hitchcock captures our attention since the opening frames and keeps surprising us with intrigue, espionage and plot twists as the story unfolds. Another classic would be Mark of the Vampire (1935), by Todd Browning, a very curious take on vampires, folklore and superstitions; when a noble man is murdered, everyone suspects about Count Mora, a sinister figure that lives in an abandoned castle, but once a vampires expert enters into scene, things may not be as they appear. 

And unlike most months, this time there are a few romantic titles: Love and Other Impossible Pursuits (2009), based on a novel, is an interesting story about a girl, played by Natalie Portman, that gets involved with a married man; everything had been so easy for her, except when she meets the man’s son. Now, the child is pretty much a genius and by far the most captivating character here. Chéri (2009) is also a fascinating story about society’s restraints and loss. When one of the richest and most powerful prostitutes of the 19th century decides to retire from such a hectic life, she falls in love with a 19 year old boy, but what happens after they have been living together for 6 years? Time happens, and with time comes age. With a devastating final scene, Cheri truly kept me on the edge of my seat; and, of course, Michelle Pfeiffer’s acting is absolutely brilliant. Although, if I had to choose August’s best, that would be Midnight in Paris (2011); Woody Allen is one of the best directors ever, and films like this prove why he’s so admired. When a romantic (romantic in the sense that loves the past) and successful Hollywood screenwriter accidentally lands on 1920s Paris, everything in his life changes, for starters, he decides that he can become a serious writer, but he also has doubts about marrying the woman he is supposed to wed. I read “A moveable feast” by Hemingway a couple of years ago, and seeing characters like Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Picasso and many more simply reminded me of the true spirit of that autobiographical novel. Excellent film.

My one and only comedy this month was Smiley Face (2007) directed by Gregg Araki. Well known for his polemic undertake on youth and homosexuality, this sure is completely different to other Araki’s productions, but it is still quite a funny movie. John Cameron Mitchell, another director famous for his incendiary approaches (transvestite protagonist in “Hedwig and the Angry Inch” and non-simulated sex on screen in “Shortbus”) comes up with Rabbit Hole (2010), simply one of the strongest and most stunning dramas I’ve seen in a while: Aaron Eckhart and Nicole Kidman are a couple that has to deal with the death of their son; there is not one predictable moment in the entire film, and John Cameron Mitchell manages to deliver all the emotion and intensity without recurring to the usual techniques. Another very interesting drama was Wendy and Lucy (2008), a story about a girl (played by Michelle Williams, who has made a pretty good career so far) who is traveling with her dog, and as she runs out of money and her car breaks down, she is forced to steal food in a minimarket, and after that only degradation ensues; this is a harsh, untamed view on how poverty works in the US.

One of my favorite films this month was Whole New Thing (2005), a Canadian production about a somewhat precocious kid that has been homeschooled until his parents send him to a regular junior high school. Raised by open-minded intellectuals he soon clashes against a more pedestrian reality. His classmates hit him and accuse him of being a fag. And when he finds in his teacher a kindred soul he becomes very interested in him. Unlike other stories, this time the kid is the one trying to seduce his teacher, but in a very unconventional manner. Velvet Goldmine (1998) directed by Todd Haynes is one of the most personal, unique and innovative takes on countercultural movements and youth idols from the 70s and 80s; at the beginning we have a celebrity that is second only to the Beatles, a singer that dresses up as a woman and that constantly defies genre constraints, this character is superbly interpreted by Jonathan Rhys Mayer, there is so much veracity and sensibility in his acting that we soon forget he is a fictitious singer; one of his fans is a gay kid, played by Christian Bale; ten years after the singer’s fame has subsided he’s commissioned by a newspaper to write an article about the 70s famous super star. Now he has to embark upon a journey through his past as well as the current whereabouts of men that were famous a decade ago; Ewan McGregor (his full frontal nudity scene is quite memorable) and Tony Collette complete a remarkable casting. A truly commendable film.

As no month would be complete without European titles, I’ll talk about Chacun Sa Nuit (2006), a film that deals with a group of teenagers, four boys and a girl, that have grown up together. They’ve been best friends since early childhood but as sexuality irrupts in their lives, things do change. One of the boys, the leader of the group, defines himself as bisexual, and he feels like he must constantly engage his body through sexual activities to feel alive. He has sex with girls but also with one of the boys in the group, as well as older men who pay for his services. At the same time, the girl in the group has sex with all four boys, and the kids soon find themselves comparing their sexual performances against the same partner. When the leader of the group disappears, tragedy follows; and when the police find his dead body in the woods everyone becomes a suspect. Based on a real life case that happened in France, this story will horrify you and seduce you in equal measures. François Ozon’s La Petit Mort (2000) is the story of a gay artist, a photographer that has made a career in taking pictures of men as they’re about to reach orgasm. When the protagonist discovers that his father, the same father that never accepted his homosexuality, is now terminally ill he must make amends with him before it’s too late, but will he be able to reason with him, or will he simply take pictures of the dying man while he is naked and defenseless in the hospital’s bed? To say that Ozon is one of the most controversial directors in France would be an understatement, and La Petit Morte (a common French phrase that relates death with the moment of orgasm) is proof of that. Une Histoire Sans Importance (1980) is a black and white short film that recounts two young boys friendship: Claude and Philippe meet in school, one of them is what Freud denominated as a pubescent “perverse polymorph”, and the other teenager, slightly older, feels very attracted to his new young friend; after a moment of intimacy, though, everything falls to pieces. For a more in depth analysis please feel free to read and vote for my review on IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0240150/reviews

I also found some German productions from two decades ago. Coming Out (1989) is a very down-to-Earth portrayal of life in Germany in the late 80s, focused on the vicissitudes of the gay community. At the beginning, 19-year-old Mathias attempts to commit suicide; homosexuality makes him an outcast and he can’t put up with that. Simultaneously, Philipp, a high school teacher decides to hide his sexual orientation by seducing a woman. Both characters go through hell, and when they finally meet, the pressure of society and their own insecurities are a burden they cannot bear. It is especially revealing the conversation Philipp has with an old man, who had been sent to the concentration camps for being gay, decades after WWII Jewish people are no longer discriminated, but gay people still are. Spelen of Sterven (1990) is a short film that follows Kees, a high school student through a normal school day: how he’s bashed and mocked by other students, how he is stripped naked in the showers and humiliated; but even after all that, he still has enough courage to talk to the popular kid, Charel, an attractive, athletic blonde boy. They end up in the protagonist’s house, but something awry gets in their way, unable to cope with Kees peculiarities, Charel beats him up; left alone, bleeding and crying, Kees masturbates while fantasizing about the violent boy. A brutal ending and yet filled with what Freud used to call the unheimlich.
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Sospecho que este mes mi lista es un poco más breve de lo normal, pero de todos modos, aquí les traigo las películas de agosto. Lo mejor del mes ha sido “Lost in Translation” (2003) de Sofia Coppola; se trata de un film que ya había visto cuando fue estrenado hace años, pero al verlo de nuevo he comprobado que sigue siendo tan poderoso, o más, que antes. Muchos críticos han explorado la incomunicación como clave fundamental de la cinta, pero hay mucho más que analizar, así que para una interpretación más elaborado pueden consultar mi reseña en IMDB (y no se olviden de votar por ella): http://www.imdb.com/title/tt0335266/reviews-1916

Todo lo demás ha sido nuevo. Empecemos con una súper producción como “Captain America: The First Avenger” (2011), no esperaba mucho de un personaje que con las justas un puñado de guionistas sabe cómo aprovechar, y sin embargo la película nos muestra apropiadamente algunos de los aspectos fundamentales del héroe creado por Joe Simon & Jack Kirby. Particularmente, me encantó la propaganda de la película de Avengers que aparecía después de los créditos; siempre he sido un fan de los Vengadores y realmente me entusiasma ver que el proyecto se ha concretado, y además se ve prometedor. Otra cinta popular ha sido “Super 8” (2011), una aventura de ciencia ficción con mucho de Spielberg que se centra en la camaradería de un grupo de chiquillos, en sus sentimientos, su inocencia, sus sueños y la forma en que enfrentan una amenaza desconocida que se cierne sobre su pueblo. Por cierto, la película de zombis que los chicos están filmando es uno de los detalles más deliciosos de la nueva producción de JJ Abrams.

Como no puedo vivir un mes sin terror y/o suspenso, vi “Resident Evil: After Life” (2010). La primera de “Resident Evil” fue muy buena; sin embargo, las secuelas (incluyendo esta) son bastante menos logradas. También vi “Dr. Phibes Rises Again” (1972), aquí Vincent Price regresa a su popular personaje, un doctor obsesionado con la búsqueda de la inmortalidad, hay cantidad de muertes espectaculares y algunos momentos realmente bizarros y estrambóticos, ahora estoy impaciente por ver la primera parte. “The Midnight Meat Train” (2008) se basa en una idea original de Clive Barker, que se inspira tanto en películas slasher como en la carnicería viciosa de las víctimas; aunque también hay un terror sobrenatural que permanece oculto. Imperdible para amantes de lo sangriento y lo violento. “Play Misty for Me” (1971) de Clint Eastwood es lo que hoy en día consideraríamos un thriller con mucho suspenso y giros argumentales inesperados; una mujer psicópata se obsesiona con un Clint Eastwood joven; hay elementos que me recordaron a Misery, pero en este caso la situación se complica al máximo después de que los dos tienen sexo.

Clint Eastwood y Martin Sheen son los protagonistas de “The Rookie” (1990), una historia rápida, de acción, en la que dos policías deben desarticular una banda de traficantes de carros. También incluiría en la categoría de acción a “Jonah Hex” (2010), que adapta el cómic del mismo título de DC Comics; no obstante, con más fallas que aciertos, ni siquiera se salva gracias a su buen elenco.

Basada en un libro, “Birdy” (1984) es la crónica de una amistad y las consecuencias de la guerra de Vietnam; cuando dos adolescentes se hacen amigos, comienza una relación muy especial, uno de ellos es un amante de las aves, y eventualmente se obsesiona tanto con el tema que se aísla del mundo. Pero cuando van a la guerra y viven momentos traumáticos, todo cambia. 'Birdy', el amante de las aves, pierde la cordura, y su amigo regresa para tratar de ayudarlo. Aunque respeta el material de origen, el sutil subtexto homoerótico tiene mayor sentido en la novela. Cary Grant protagoniza “North by Northwest” (1959), cinta que demuestra una vez más por qué Alfred Hitchcock es un maestro del séptimo arte. Cuando un exitoso publicista es confundido con un tal Mr. Kaplan, los problemas empiezan. Hay gente que lo quiere ver muerto y todos creen que él es, de hecho, Mr. Kaplan. Hitchcock captura nuestra atención desde las secuencias iniciales y continúa sorprendiéndonos con intrigas, espionaje y giros argumentales hasta el desenlace final. Otro clásico sería “Mark of the Vampire” (1935) de Todd Browning, una curiosa forma de abordar el tema de los vampiros, el folklore y la superstición; cuando un noble es asesinado, todas las sospechas caen sobre el Conde Mora, una siniestra figura que vive en un castillo abandonado, pero cuando entra en escena un experto en vampiros, no todo es lo que parecía ser.

Y a diferencia de otros meses, esta vez hay algunos títulos románticos: “Love and Other Impossible Pursuits” (2009) relata la historia de una chica, interpretada por Natalie Portman, que se involucra con un hombre casado, todo es fácil para ella hasta que conoce al hijo de su pareja; un niño casi genio que se roba todas las escenas, sin duda el único personaje cautivador. “Chéri” (2009) es un relato fascinante sobre las limitaciones de la sociedad y la pérdida. Cuando la más poderosa y adinerada prostituta del siglo XIX decide jubilarse, se enamora de un chico de 19 años, pero ¿qué pasa después de 6 años de convivencia? El paso del tiempo y la edad son un castigo. En la devastadora escena final, Michelle Pfeiffer demuestra nuevamente su gran talento como actriz. Aunque, si tuviera que elegir lo mejor del mes, me quedaría con “Midnight in Paris” (2011), Woody Allen es uno de los directores a los que más admiro y respeto, y films como este demuestran por qué. Cuando un exitoso guionista de Hollywood termina accidentalmente varado en el París de los años 20, esa época que el tanto adora, decide que sí puede convertirse en un escritor de verdad, y también empieza a cuestionarse si debería casarse con su prometida. Leí "París era una fiesta" de Hemingway hace un par de años, y ver a personajes como Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Picasso y muchos otros me recordó el verdadero espíritu de esta novela autobiográfica. Excelente.

La única comedia del mes fue “Smiley Face” (2007), dirigida por Gregg Araki, bien conocido por su forma polémica de abordar la juventud y la homosexualidad; aunque esta película es completamente diferente a otras de Araki, vale señalar que es realmente divertida. John Cameron Mitchell, otro director famoso por sus controversiales trabajos (travestismo en “Hedwig and the Angry Inch” y sexo con penetración explícita en “Shortbus”) dirige Rabbit Hole (2010), simplemente uno de los más fuertes dramas que he visto últimamente: Aaron Eckhart y Nicole Kidman son una pareja que tiene que lidiar con la muerte de su hijo. No hay un sólo momento predecible en la película, y John Cameron Mitchell se las arregla para generar emoción e intensidad sin recurrir a las técnicas habituales. Otro drama interesante fue “Wendy and Lucy” (2008), la historia de una chica (interpretada por Michelle Williams que hasta ahora ha hecho una carrera bastante buena) que viaja en compañía de su mascota; cuando se le acaba el dinero y su carro se descompone, se ve obligada a robar comida de un minimarket, y a partir de ahí todo se deteriora; este es un crudo y duro vistazo sobre la pobreza en los Estados Unidos.

“Whole New Thing” (2005), producción canadiense, ha sido una de mis favoritas del mes: un chaval precoz que vive con sus padres hippies, liberales e intelectuales de pronto debe ir a un colegio común y corriente por primera vez en su vida. Pronto se da un encontronazo con la dura realidad; y mientras sus compañeros de clase lo insultan y lo maltratan, acusándolo de ser un marica, él encuentra en su profesor un espíritu afín. A diferencia de la mayoría de historias, esta vez es el muchacho el que intenta seducir a su maestro, aunque de una forma nada convencional. “Velvet Goldmine” (1998) dirigida por Todd Haynes es una de las interpretaciones más personales, originales e innovadoras de los movimientos contraculturales y los ídolos juveniles de los 70s y 80s; al inicio vemos a un cantante que se ha convertido en una celebridad casi tan grande como los Beatles, un cantante que se viste de mujer y que desafía las convenciones de género; este personaje está soberbiamente interpretado por Jonathan Rhys Mayer, que con gran veracidad y sensibilidad nos hace olvidar que el suyo es un cantante ficticio; Christian Bale actúa como uno de sus admiradores, un joven gay que diez años después escribe un artículo sobre las viejas glorias de la música: él se embarca en un viaje a través de sus recuerdos mientras busca el paradero actual de los que habían sido famosos una década atrás; Ewan McGregor (con una famosa escena de desnudez total) y Tony Collette completan un elenco formidable.

Ningún mes estaría completo sin títulos europeos, así que ahora le toca el turno a “Chacun Sa Nuit” (2005), un film que se centra en cuatro adolescentes varones y una chica que han crecido juntos y son amigos íntimos. Cuando la sexualidad irrumpe en sus vidas, todo cambia. Uno de los chicos, el líder del grupo, se define a sí mismo como bisexual, y siente que debe 'activar' su cuerpo sexualmente para sentirse vivo. Además de tener relaciones sexuales con chicas y con uno de los chicos del grupo, también se acuesta con hombres mayores que le pagan por sus servicios. Al mismo tiempo, la chica del grupo tiene sexo con los cuatro muchachos, y ellos comparan su desempeño sexual usando un mismo referente. Cuando el líder del grupo desaparece, la tragedia queda anunciada: pronto la policía encuentra su cadáver y todos pasan a ser sospechosos. Basada en un caso de la vida real, esta historia los horrorizará y seducirá por partes iguales. “La Petit Mort” (2000) de Francois Ozon narra la vida de un artista gay, un fotógrafo que ha alcanzado fama al fotografiar a hombres que están a punto de alcanzar el orgasmo. Cuando el protagonista descubre que su padre está gravemente enfermo, el mismo padre que nunca aceptó su homosexualidad, deberá tratar de hacer las paces con él. Pero, ¿será capaz de razonar con él o simplemente desnudará a su indefenso progenitor, en la cama del hospital, y le tomará una foto tras otra? Indudablemente, por algo Ozon es uno de los directores más controversiales de Francia y La Petit Morte (una frase francesa que relaciona la muerte con el momento del orgasmo) demuestra por qué. “Une Histoire Sans Importance” (1980) es un cortometraje en blanco y negro que narra la amistad entre dos muchachos: Claude y Philippe se conocen en el colegio, uno de ellos, en plena pubertad, encarna lo que Freud denominaría ‘polimorfismo perverso’, y el otro adolescente, un par de años mayor, se siente muy atraído hacia su nuevo amigo; después de la intimidad, no obstante, todo se derrumba. Para un análisis más completo por favor lean mi reseña en IMDB (y voten por ella): http://www.imdb.com/title/tt0240150/reviews

También encontré algunas producciones alemanas de hace dos décadas. “Coming Out” es un retrato realista de la vida en Alemania a fines de los 80s, que se enfoca en las vicisitudes de la comunidad gay. Al inicio vemos a Mathias, un chico de 19 años que intenta suicidarse al sentirse marginado por su homosexualidad. Simultáneamente, Philipp, un profesor de secundaria, decide seducir a una mujer para ocultar su orientación sexual. Ambos personajes viven un infierno hasta que se conocen, pero la presión de la sociedad y sus propias inseguridades son una carga que no pueden soportar. Es especialmente reveladora la escena en la que Philipp conversa con un anciano, que había sido enviado a un campo de concentración por ser gay; con el paso del tiempo, ahora los judíos sí son bien vistos en Alemania, pero los gays todavía no. “Spelen of Sterven” es un cortometraje que describe un día normal en la vida de Kees, un estudiante de secundaria: se hace especial hincapié en cómo es víctima del escarnio por parte de otros estudiantes, y cómo es desnudado en los vestuarios y humillado; pero incluso después de todo esto, él tiene valor suficiente para hablar con Charel, el chico más popular de la clase. Ambos terminan yendo a la casa del protagonista, pero algo insólito se interpone entre ellos; Charel, incapaz de lidiar con las particularidades de Kees, lo golpea salvajemente y se va. Kees, cubierto de sangre y lágrimas, se masturba mientras fantasea con la imagen del violento estudiante. El final es brutal, y tiene mucho de lo que Freud denominaba lo 'unheimlich'.