September 15, 2019

El Cuy, en 1987 (I) - Juan Acevedo

4 years ago I described in detail “Mundo cuy”, an extraordinary exhibit of the work of Juan Acevedo Fernández de Paredes, “a well-deserved tribute to the most important comic book author in Peru”. The Peruvian North-American Cultural Institute has always supported the 9th art, and on several occasions they have invited me to talk about comics, and the organizers of these events have also expressed their admiration for my own work as a comic book author. In one way or another, the ICPNA has always been present. In 2015 I had the idea of writing about one of the most endearing and unforgettable characters in Latin American comic books.

Juan Acevedo, a Peruvian author with whom I share nationality and even a second last name (Acevedo, no relation, obviously), started in the late 70s the first comic strip of “El Cuy”. And why a guinea pig instead of a cat or a dog, like in so many other cartoons? The answer is simple: “In 1977 I wanted to make an animal that would express something typical from here, from Peru. The Americans had their Mickey Mouse, we had several rodents, among them I chose the cuy (guinea pig), which was more familiar to me as a child”, explains Acevedo.

However, the Cuy is not a simple reference to Disney but rather its antithesis. If Disney characters live in a fantasy world, always full of happiness and where nudity does not exist, the Cuy lives in the real world (specifically, in Peru), and in his stories there are deep reflections on society, groups of power, ideology and, of course, politics; certainly, unlike Mickey Mouse and everyone else, both the Cuy and his friend and colleague, Humberto, are always naked, perhaps as a visual way of highlighting that nothing is hidden, or also as a challenge to that firmly entrenched norm in which all the animals represented in a cartoon should wear a shirt or a vest, never pants, and never visible virile members. In the comics of Juan Acevedo, the Cuy and Humberto stroll through the streets of Lima without worrying about their nakedness, showing the world that there is no reason to be ashamed of being “calatos” (naked), a word, by the way, absolutely Peruvian.


For some reason, this Andean rodent has in fact become one of the greatest symbols of Peru, and after living 2 years in Wisconsin and 1 year in California, I am still surprised by the amount of people who ask me if I eat guinea pig in my country. Most Americans are unsure about the location of Peru, the name of its capital, or its connection to the Incas, but what they do know, curiously, is that the guinea pig is an animal that Peruvians always eat, despite my constant efforts to clarify that, as someone from Lima, for me it is more common to eat a ceviche and that the guinea pig belongs more to the Andean world, and therefore it is foreign to my culinary environment.


In 1987, under the direction of César Hildebrandt, the first issue of the ‘No’ supplement of the ‘Yes’ magazine was released, which fortunately my father kept in his personal library. Today, therefore, I have access to the first 30 copies of this supplement, in which a new Cuy adventure, set 5,000 years ago in the past, was published. Although a few years ago a trade paperback was edited, compiling the adventures of the Cuy, I must say that it seems to me a mistake that this edition eliminated the original colors and chose to have everything in black and white. Hopefully one day a new edition will come out that includes the original color pages that came out 32 years ago.


Rafo León affirms that “El Cuy is one of the emblems of my generation, and of Juan’s, obviously. It summarizes the ideal of many of us who wanted to break out of the preset patterns”. And although I am from a different generation, the Cuy was and still remains an emblem for me. It took me 4 years to write about the Cuy, but I can safely say that the next post about this Andean rodent will not take that long.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Hace 4 años hablé en detalle sobre 
Mundo cuy, una extraordinaria retrospectiva de la obra de Juan Acevedo Fernández de Paredes, y “un merecido homenaje al más importante autor de cómics del Perú”. El Instituto Cultural Peruano Norteamericano siempre ha apoyado el noveno arte, y en diversas ocasiones me han invitado a realizar charlas sobre cómics, y los organizadores de estos eventos también han expresado su admiración por mi propia labor como autor de cómics. De un modo u otro, el ICPNA está presente en todo ello. Ya en el 2015 tenía la idea de escribir sobre uno de los personajes más entrañables e inolvidables del cómic latinoamericano. 

Juan Acevedo, autor peruano con el que comparto nacionalidad y hasta un apellido (aunque eso no significa, obviamente, que estemos emparentados), lanzó a fines de los 70s la primera tira cómica de “El Cuy”. ¿Y por qué un cuy en vez de un felino o de un can, que tanto abundan en el mundo de las caricaturas? La respuesta es simple: “En 1977 quise hacer un animalito que expresara algo propio de aquí, de lo peruano. Los norteamericanos tenían su ratón Mickey, nosotros teníamos varios roedores, entre ellos escogí al cuy, que me era más familiar de niño” explicó el propio Acevedo. 

Sin embargo, el Cuy no es una simple referencia a Disney sino más bien su antítesis. Si los personajes Disney viven en un mundo de fantasía, siempre lleno de felicidad y en donde la desnudez no existe, el Cuy vive en el mundo real (concretamente, en Perú), y en sus historias hay sesudas reflexiones sobre la sociedad, los grupos de poder, la ideología y, cómo no, la política; por supuesto, al contrario de Mickey Mouse y todos los demás, tanto el Cuy como su amigo y compañero de aventuras, Humberto, andan siempre al desnudo, acaso como una forma visual de resaltar que nada ocultan, o también como un desafío a esa norma firmemente anclada en la que todos los animales representados en una caricatura llevan una camisita o un chalequito, nunca pantalones, y jamás miembros viriles al aire. En los cómics de Juan Acevedo, el Cuy y Humberto se pasean por las calles de Lima sin preocuparse por su desnudez, demostrándole al mundo que no hay motivo alguno para avergonzarse por estar calatos, palabra, por cierto, absolutamente peruana. 


Por algún motivo, este roedor andino se ha convertido de hecho en uno de los mayores símbolos de la peruanidad, y luego de haber vivido 2 años en Wisconsin y 1 año en California, me sigo sorprendiendo de la cantidad de gente que me pregunta si en mi país yo como cuy. Muchos estadounidenses podrán no tener claro dónde exactamente está ese país llamado Perú, o cuál es su capital, o su conexión con el pasado incaico, pero lo que sí saben, curiosamente, es que el cuy es un animalito que los peruanos comen siempre, aunque yo me afane por aclarar que, como limeño, para mí es más habitual comer un ceviche y que el cuy pertenece más al mundo andino, y por lo tanto es ajeno a mi entorno culinario. 


En 1987 salió, bajo la dirección de César Hildebrandt, el primer número del suplemento ‘No’ de la revista ‘Sí’, que afortunadamente mi padre guardó en la biblioteca de casa. Hoy, por lo tanto, tengo acceso a los primeros 30 ejemplares de dicho suplemento, en los que empezó a publicarse una nueva aventura del Cuy, ambientada 5,000 años en el pasado. Aunque hace pocos años se editó un tomo que recopilaba las aventuras del Cuy, debo decir que me parece un desacierto que esta edición eliminara los colores originales y optara por sacar todo a blanco y negro. Ojalá que algún día salga una nueva edición que incluya las páginas a color tal y como salieron hace 32 años.


Rafo León afirma que “El Cuy es uno de los emblemas de mi generación, y la de Juan, como es obvio. Resume el ideal de muchos que queríamos salirnos de los patrones preestablecidos”. Y aunque yo sea de una generación muy posterior a la de León o Acevedo, el Cuy también fue y sigue siendo un emblema para mí. Tardé 4 años en escribir sobre el Cuy, pero puedo decir con seguridad que el próximo post sobre este roedor andino no tomará tanto tiempo.

September 8, 2019

Censoring Art (part 2 of 3)

Last month I wrote a post about censorship in the comic book industry back in the 70s. Although, to be more precise, I should say censorship in Marvel Comics and especially in Conan the Barbarian. I was quite pleased to see that Conan the Barbarian: The Original Marvel Years Omnibus includes several pages of Barry Windsor-Smith’s original art, which allows us to compare what he drew and what was actually published.

The Song of Red Sonja, published in Conan the Barbarian # 24 (March, 1973), “is a milestone issue. It marks the end of an era as the fruitful collaboration between Barry Windsor-Smith and Roy Thomas comes to an end. To say goodbye to the barbarian, Barry Windsor-Smith penciled, inked and colored (and even designed the lettering for the title) of this closing chapter of the saga of Conan”.

The artistic involvement of Windsor-Smith in this final issue was impressive, and he even co-plotted some of the pages. However, in any case, “Once again, the Comics Code struck Conan, requesting a larger towel for Red Sonja in panel 1 and Conan’s hands to be repositioned above the water line in panel 3”. And now after 46 years, you can see the difference between both versions!  

And, of course, in October you’ll get to read the third and last installment on this short series on censorship.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

El mes pasado escribí sobre la censura en la industria del cómic en los 70s. Aunque, para ser más precisos, debería decir censura en Marvel Comics y especialmente en Conan the Barbarian. Me complació ver que Conan the Barbarian: The Original Years Marvel Omnibus incluye varias páginas del arte original de Barry Windsor-Smith, lo que nos permite comparar lo que dibujó y lo que realmente se publicó.

La canción de Red Sonja, publicada en Conan the Barbarian # 24 (marzo de 1973), “es un episodio histórico. Marca el fin de una era, y es que la fructífera colaboración entre Barry Windsor-Smith y Roy Thomas finaliza aquí. Para decir adiós al bárbaro, Barry Windsor-Smith dibujó a lápiz, entintó y coloreó (e incluso diseñó las letras del título) este capítulo de cierre de la saga de Conan”.

La participación artística de Windsor-Smith en este último número fue impresionante, e incluso fue co-argumentista en algunas páginas. Sin embargo, en cualquier caso, "Una vez más, el Código de cómics golpeó a Conan, solicitando una toalla más grande para Red Sonja en la viñeta 1 y las manos de Conan para volver a colocarlas sobre la línea de flotación en la viñeta 3". ¡Y ahora después de 46 años, podéis ver la diferencia entre ambas versiones!

Y, por supuesto, en octubre podréis leer la tercera y última entrega sobre censura Marveliana.

September 3, 2019

August films / películas de agosto

Unlike other months, I actually managed to go to the Regal Cinema in Davis and I saw Quentin Tarantino’s latest film Once Upon a Time… in Hollywood (2019), and I really enjoyed it. Tarantino envisioned it as his love letter to the Hollywood of the late 60s, and through several independent stories, the legendary filmmaker certainly captures the zeitgeist of that era. The main story revolves around Rick Dalton, an actor that used to be popular and now feels as if he’s not nearly as famous or relevant, Dalton is magnificently played by Leonardo DiCaprio (The Revenant), and there are some really unique and intense scenes that, thanks to DiCaprio’s talent, immediately become unforgettable; at all times, Dalton is accompanied by his stunt double, portrayed by Brad Pitt (Burn After Reading). The chemistry between the two famous actors is amazing, and the success of the film relies on that. Other outstanding characters are the ones played by Margot Robbie (Focus) and Emile Hirsch (Just Jim). The rest of the cast is absolutely impressive: Austin Butler, Bruce Dern, Luke Perry, Al Pacino, etc. Still, it feels like an unusual movie for Tarantino, but then again, defying the expectations of viewers is what all creator must do at some point. It may not be my favorite Tarantino movie but it’s already included in my list of the top 10 productions of 2019.

Jon Watts directs Spider-Man: Far From Home (2019), Tom Holland (Spider-Man: Homecoming) returns as everyone’s favorite arachnid hero! I really liked the idea of a high school trip through Europe, there are amazing locations and some very special places, which are constantly under attack by strange creatures that can only be defeated by the power of Mysterio, wonderfully played by Jake Gyllenhaal (Nightcrawler). I think the romantic sequences between the characters are sweet and endearing, but probably the best about this movie is the interaction between the protagonist and Mysterio. The cast includes Samuel L. Jackson, Marisa Tomei, Jon Favreau and Cobie Smulders. This is the first Marvel production without Stan Lee, but at least there is a cameo of J.K. Simmons as J. Jonah Jameson.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

A diferencia de otros meses, logré ir al Regal Cinema en Davis y vi la última película de Quentin Tarantino Once Upon a Time... in Hollywood (2019), y realmente la disfruté. Tarantino la describe como su carta de amor al Hollywood de finales de los 60s, y a través de varias historias independientes, el legendario cineasta ciertamente captura al espíritu de la época. La historia principal gira en torno a Rick Dalton, un actor que solía ser popular y ahora siente que no es tan famoso o relevante, Dalton es interpretado magníficamente por Leonardo DiCaprio (The Revenant), y hay algunas escenas realmente únicas e intensas que , gracias al talento de DiCaprio, inmediatamente se vuelven inolvidable; en todo momento, Dalton está acompañado por su doble, interpretado por Brad Pitt (Burn After Reading). La química entre los dos famosos actores es asombrosa, y el éxito de la película se apoya en ello. Otros personajes destacados son los interpretados por Margot Robbie (Focus) y Emile Hirsch (Just Jim). El resto del elenco es absolutamente impresionante: Austin Butler, Bruce Dern, Luke Perry, Al Pacino, etc. Aún así, se siente como una película inusual para Tarantino, pero nuevamente, desafiar las expectativas de los espectadores es lo que todo creador debe hacer en algún punto. Puede que no sea mi película favorita de Tarantino, pero ya está incluida en mi lista de las 10 mejores producciones del 2019.

Jon Watts dirige Spider-Man: Far From Home (2019), Tom Holland (Spider-Man: Homecomingregresa como el héroe arácnido favorito de todos. Realmente me gustó la idea de un viaje organizado por la escuela secundaria a través de Europa, hay lugares increíbles y algunos lugares muy especiales, que están constantemente atacados por extrañas criaturas que solo pueden ser derrotadas por el poder de Mysterio, maravillosamente interpretado por Jake Gyllenhaal (Nightcrawler). Creo que las secuencias románticas entre los personajes son dulces y amenas, pero probablemente lo mejor de esta película es la interacción entre el protagonista y Mysterio. El elenco incluye a Samuel L. Jackson, Marisa Tomei, Jon Favreau y Cobie Smulders. Esta es la primera producción de Marvel sin Stan Lee, pero al menos hay un cameo de J.K. Simmons como J. Jonah Jameson.

August 16, 2019

Batman: Damned # 3 - Brian Azzarello & Lee Bermejo

When Batman: Damned was originally solicited, I immediately became interested in the project because of Lee Bermejo, but not necessarily by Brian Azzarello. Bermejo is an outstanding artist and one of the best ones in the comic book industry, Azzarello is regarded in general as a very good writer, and he has produced highly popular works, such as 100 Bullets, and even if he isn’t in my personal list of the best 25 writers I still trust him enough as a solid craftsman that knows how to tell a story, especially in very specific genres. 

Batman: Damned was an incredibly ambitious story, and I think as writers we should try to be ambitious, however, the problems begin when our ambition doesn’t match the final result. I honestly think we can have an absolutely brilliant idea, but that doesn’t always mean the product (a comic, a novel, a poem) is going to do justice to that original idea. One of Azzarello’s main narrative resources was the use of John Constantine as an unreliable narrator, something we also see in novels or movies. And I’m fine with having an unreliable narrator, but if this narrator becomes too unreliable we enter a dangerous zone in which the story is no longer relevant within a certain narrative universe. 
buried alive / enterrado vivo
Casper Rudolph explains that “After all, the question of what’s real and what’s illusion has been a part of this series from the start, and it’s even explicitly addressed in this issue when Batman and Constantine go to see Zatanna: 'Illusion. Reality. What’s the difference? You are. Your perception'”. And yes, perception is important, but there are ways of preserving the difficult balance between illusion and reality, and ways of ruining the verisimilitude of a story. And I’m not sure that Azzarello manages to preserve that balance.
 
Swamp Thing

According to Sam Stone, “In a way, the Joker's murder was only ever the inciting incident and not necessarily the central drive of the story itself. Azzarello has crafted Batman's own divine comedy as Bruce Wayne delves deeper and deeper into his own personal Inferno to confront his mortality head-on, with John Constantine as his guide through this nightmarish vision of Gotham”. A villain like Joker can never die, I think we all know that, and it’s clear that what Azzarello set out to do was having Batman travel to this personal hell, confronting his traumatic past and experiencing a unique kind of nightmare, and to accomplish this I don’t think Azzarello needed the Joker at all. Stone also affirms that “What has elevated the miniseries since its debut has been Lee Bermejo's hauntingly moody painted artwork”, I absolutely agree with him; furthermore, Bermejo had “plenty of room to breathe in this issue, with some jaw-droppingly beautiful visuals and spreads, with Bermejo delivering both sprawling action sequences and more intimate, emotional moments with equal aplomb here”. 

In the first issue Batman reunites with Constantine and Deadman and starts investigating who was behind Joker’s death. That first issue, however, also became DC’s most controversial comic in the last decade, since it included the now infamous bat penis, which DC has decided to censor in all future editions of Batman: Damned. In the second issue, we have a very aggressive Harley Quinn that tries to ‘rape’ Batman. And a lot of readers seemed to be infuriated by Batman’s passive attitude throughout this miniseries.

Rich Johnston had pointed out that, from the very beginning, Azzarello paid homage to the Bat-trinity of Alan Moore (The Killing Joke), Grant Morrison (Arkham Asylum) and Frank Miller (The Dark Knight Returns), expecting to have Batman: Damned included in the Parnassus of those immortal classics. I’m afraid that Azzarello falls short of that honor, but that in no way means that this is a bad comic, it just can’t compete with the Bat-trinity. And even if it were a poorly written story, it wouldn’t matter at all, because “Bermejo's art remains the biggest driving force of Damned. His work is incredibly detailed [...] And it's more than just the detail fueling the art in this book. Bermejo brings a lush texture and haunting use of color to every page [...] It's a look that manages to balance gritty noir realism with surreal, supernatural weirdness. The oversized Black Label format only highlights Bermejo's incredible work that much more”, explains Jesse Schedeen and that’s 100% true.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Cuando Batman: Damned fue anunciado, inmediatamente me interesé en el proyecto a causa de Lee Bermejo, aunque no necesariamente a causa de Brian Azzarello. Bermejo es un artista destacado y uno de los mejores en la industria del cómic, Azzarello es considerado en general como un muy buen escritor, y ha producido obras muy populares, como 100 Bullets, e incluso si no está en mi lista personal de los mejores 25 escritores de todos modos confío en él lo suficiente, ya que es un artesano muy correcto que sabe cómo contar una historia, especialmente en géneros muy específicos.
John Constantine
Batman: Damned era una historia increíblemente ambiciosa, y creo que como escritores deberíamos tratar de ser ambiciosos, sin embargo, los problemas comienzan cuando nuestra ambición no coincide con el resultado final. Sinceramente, creo que podemos tener una idea absolutamente brillante, pero eso no siempre significa que el producto (un cómic, una novela, un poema) vaya a hacerle justicia a esa idea original. Uno de los principales recursos narrativos de Azzarello fue el uso de John Constantine como un narrador no confiable, algo que también vemos en novelas o películas. Y estoy de acuerdo con tener un narrador no confiable, pero si es imposible confiar en este narrador, entramos en una zona peligrosa en la que la historia ya no es relevante dentro del universo narrativo.

Casper Rudolph explica que “Después de todo, la cuestión de qué es real y qué es ilusión ha sido parte de esta serie desde el principio, e incluso se aborda explícitamente en este número cuando Batman y Constantine van a ver a Zatanna: 'Ilusión. Realidad. ¿Cual es la diferencia? Tú lo eres. Tu percepción'”. Y sí, la percepción es importante, pero hay formas de preservar el difícil equilibrio entre ilusión y realidad, y formas de arruinar la verosimilitud de una historia. Y no estoy seguro de que Azzarello haya logrado preservar ese equilibrio.
Bruce Wayne
 Según Sam Stone, “en cierto modo, el asesinato del Joker fue sólo el incidente incitante y no necesariamente el impulso central de la historia misma. Azzarello ha creado la propia comedia divina de Batman mientras Bruce Wayne profundiza cada vez más en su propio infierno personal para enfrentar su mortalidad de frente, con John Constantine como su guía a través de esta visión pesadillesca de Gotham”. Un villano como Joker nunca puede morir, creo que todos lo sabemos, y está claro que Azzarello se propuso hacer que Batman viajara a este infierno personal, confrontando su pasado traumático y experimentando un tipo único de pesadilla, y para lograr esto no creo que Azzarello necesitara al Joker en absoluto. Stone también afirma que "lo que ha elevado la miniserie desde su debut ha sido el arrebatador arte pintado a mano de Lee Bermejo", estoy absolutamente de acuerdo con él; Además, Bermejo tuvo “mucho espacio para respirar en este número, con algunos efectos visuales y páginas dobles asombrosamente hermosos, con Bermejo ofreciendo aquí secuencias de acción a todo dar y momentos más íntimos y emocionales con igual aplomo”.

En el primer número, Batman se reúne con Constantine y Deadman para comenzar a investigar quién está detrás de la muerte del Joker. Ese primer número, sin embargo, también se convirtió en el cómic más controversial de DC en la última década, ya que incluía el ahora infame bati-pene, que DC decidió censurar en todas las ediciones futuras de Batman: Damned. En el segundo número, tenemos a una Harley Quinn muy agresiva que intenta "violar" a Batman. Y muchos lectores parecían indignados por la actitud pasiva de Batman a lo largo de esta miniserie.
Crime Alley / Callejón del crimen
Rich Johnston había señalado que, desde el principio, Azzarello rindió homenaje a la bati-trinidad de Alan Moore (The Killing Joke), Grant Morrison (Arkham Asylum) y Frank Miller (The Dark Knight Returns), con la esperanza de que Batman: Damned fuese incluido en el parnaso de esos inmortales clásicos. Me temo que Azzarello no está a la altura de ese honor, pero eso de ninguna manera significa que este sea un mal cómic, simplemente no puede competir con la bati-trinidad. E incluso si fuera una historia mal escrita, no importaría en absoluto, porque “el arte de Bermejo sigue siendo la mayor fuerza impulsora de Damned. Su trabajo es increíblemente detallado [...] y es más que sólo el detalle que alimenta el arte en este cómic. Bermejo aporta una textura exuberante y un uso inquietante del color en cada página. [...] Es un aspecto que logra equilibrar el realismo arenoso con la rareza surrealista y sobrenatural. El formato Black Label de gran tamaño sólo resalta mucho más el increíble trabajo de Bermejo”, explica Jesse Schedeen y eso es 100% verdad.

August 8, 2019

Pride and Joy - Garth Ennis & John Higgins

He was born and raised in Ireland in a place called Castlemaine, he was his father's only son, his mother's pride and joy, and dearly did his parents love the wild colonial boy” goes a well-known song by The Clancy Brothers. It is with the lyrics of this particular song that Irish author Garth Ennis opens the first chapter of the 4-issue miniseries Pride and Joy, published by Vertigo from July to October, 1997. 

Usually, for most parents, their children are their “pride and joy”, and that’s what the song is about. But what happens when children don’t feel proud about their parents? From the beginning of the story, we have a strong conflict between Jimmy Kavanaugh, a widower who lives a simple life, constantly remembering the past, and Patrick Kavanaugh, his son who is about to move to a different state to go to college. For Jimmy, the past is always glorious and happy, he remembers his beloved wife and also his father, a hero from War World II. 

Patrick, however, is a young man who despises violence and hates the concept of war. For him, there’s no such thing as war heroes. Patrick is also a shy kid, constantly ignored by girls, and for that he’s mocked by his friends who say things like “you might be happy jerking yourself to sleep every night”. And then there’s Rachel Kavanaugh, Patrick’s younger sister. Rachel absolutely adores Jimmy and she can’t understand why her brother is so hostile toward their father. Ennis is a writer specialized in creating unique and very special relationships between characters, and he manages to convey the family dynamic effortlessly.
Patrick Kavanaugh
It’s in this context that Stein reappears. Stein was a dangerous gangster that Jimmy almost killed many years ago. Now he’s back and plans to kill Jimmy, his family and all his friends. For those who read “A History of Violence” or saw the filmic adaptation directed by David Cronenberg and starred by Viggo Mortensen, the similitudes will be more than evident. In both comic titles we have a family man, an ordinary guy living a boring and unassuming existence, who has been hiding a horrible secret past, in both stories the gangsters go after the protagonist, who must fight back with everything he’s got to defend his family.

In an interview for ComicBookResources, Ennis stated that Pride and Joy “was something I was keen to do at the time largely because Vertigo was still dominated by gothic fantasy or new wave superhero stories -- I thought it would be good to use the imprint's creative freedom to do something relatively new for mainstream comics at the time”. However, Pride and Joy wasn’t as well received by the critic, and perhaps that happened because “A History of Violence” was published in April 1997 (3 months before Pride and Joy) and I’d venture to say that John Wagner, one of the most prolific British writers and creator of such massively popular characters as Judge Dredd, found a way to make his protagonist more relatable to the audience.
Jimmy Kavanaugh & Rachel Kavanaugh
However, I still think one of Ennis most important contributions to this story is the conflict between the father and his son, and the way he develops this conflict in more dramatic circumstances, when the family is on the run, fighting for their lives. The penciler, inker, colorist and cover artist is John Higgins, one of the most talented British artists who started his career in 2000 AD. “Pride & Joy was the first comic story I had worked on that felt complete, like a suspense novel, visceral, and violent”, explained Higgins, who created some violent and shocking scenes, and also comes up with a unique style for the covers, combining original painted art with photo manipulation. I really enjoyed reading Pride and Joy, and I think the last chapter is especially revealing. 
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Nació y creció en Irlanda en un lugar llamado Castlemaine, era el único hijo de su padre, el orgullo y la alegría de su madre, y sus padres amaban mucho al salvaje niño colonial”, dice una canción muy conocida de The Clancy Brothers. Con la letra de esta canción en particular, el autor irlandés Garth Ennis abre el primer capítulo de la miniserie de 4 números Pride and Joy, publicada por Vertigo de julio a octubre de 1997.
Stein
Por lo general, para la mayoría de los padres, sus hijos son a menudo “orgullo y alegría”, y de eso se trata la canción. ¿Pero qué sucede cuando los hijos no se sienten orgullosos de sus padres? Desde el comienzo de la historia, hay un fuerte conflicto entre Jimmy Kavanaugh, un viudo que vive una vida simple, recordando constantemente el pasado, y Patrick Kavanaugh, su hijo que está a punto de mudarse a un estado diferente para ir a la universidad. Para Jimmy, el pasado siempre es glorioso y feliz, recuerda a su amada esposa y también a su padre, un héroe de la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, Patrick es un joven que desprecia la violencia y odia el concepto de guerra. Para él, no hay héroes de guerra. Patrick también es un muchacho tímido, constantemente ignorado por las chicas, y por eso sus amigos se burlan de él y dicen cosas como “puede que tú te sientas feliz masturbándote hasta quedarte dormido todas las noches”. Y luego está Rachel Kavanaugh, la hermana menor de Patrick. Rachel adora absolutamente a Jimmy y no puede entender por qué su hermano es tan hostil hacia su padre. Ennis es un escritor especializado en crear relaciones únicas y muy especiales entre personajes, y logra transmitir magníficamente la dinámica familiar.
Jimmy's past / el pasado de Jimmy
Es en este contexto que Stein reaparece. Stein era un peligroso gangster que Jimmy intentó matar hace muchos años. Ahora está de regreso y planea matar a Jimmy, su familia y todos sus amigos. Para quienes leyeron “Una historia de violencia” o vieron la adaptación cinematográfica dirigida por David Cronenberg y protagonizada por Viggo Mortensen, las similitudes serán más que evidentes. En ambos títulos tenemos a un hombre de familia, un tipo común que vive una existencia aburrida y sin pretensiones, que ha estado ocultando un horrible pasado secreto, en ambas historias los gangsters persiguen al protagonista, que debe luchar con uñas y dientes para defender a su familia.

En una entrevista para ComicBookResources, Ennis declaró que Pride and Joy “era algo que estaba ansioso por hacer en ese momento en gran medida porque Vertigo todavía estaba dominado por la fantasía gótica o las historias de superhéroes de la nueva ola. Pensé que sería bueno usar la libertad creativa del sello editorial para hacer algo relativamente nuevo en el mundo de los cómics en esa coyuntura”. Sin embargo, Pride and Joy no fue tan bien recibida por la crítica, y tal vez eso sucedió porque “Una historia de violencia” se publicó en abril de 1997 (3 meses antes que Pride and Joy) y me atrevería a decir que John Wagner, uno de los escritores británicos más prolíficos y creador de personajes tan populares como el Juez Dredd, logró que el público se identificara mejor con su protagonista.
Stein versus Jimmy
Sin embargo, creo que una de las contribuciones más importantes de Ennis a esta historia es el conflicto entre padre e hijo, y la forma en que desarrolla este conflicto en circunstancias tan dramáticas, cuando la familia está huyendo, cuando están luchando por sus vidas. El dibujante, entintador, colorista y portadista es John Higgins, uno de los artistas británicos más talentosos que comenzó su carrera en 2000 AD. “Pride and Joy fue el primer cómic en el que trabajé que se sintió completo, como una novela de suspenso, visceral y violenta”, explicó Higgins, quien crea algunas escenas violentas e impactantes, y también presenta un estilo único para las portadas, combinando arte original pintado a mano con manipulación de fotos. Realmente disfruté leyendo Pride and Joy, y creo que el último capítulo es especialmente revelador.