Crossed Plus One Hundred - Alan Moore & Gabriel Andrade

Post-apocalyptic stories appeal to our survival instincts. Although in real life we may have a comfortable existence, there’s always a primitive, irrational fear in the back of our heads. The fear of things getting out of control, the fear of our own extinction. Perhaps, then, the essence of the post-apocalyptic narrative reinstates in us a sense of urgency long lost in our postmodern world. In Garth Ennis’ “Crossed” we are confronted with the efforts of countless men and women with one simple goal: surviving. 

Survival, however, is not always guaranteed, and yet, we hold our breath until the very last page, hoping that the protagonists will be able to avoid a gruesome death. “Crossed”, as Ennis himself explains, combines action and horror in equal measure, without forgetting “its roots in the zombie genre”. And like most zombie productions, “Crossed” deals with the infectious outbreak and its catastrophic, worldwide consequences. 

Nevertheless, unlike most zombie movies or other post-apocalyptic sagas, Alan Moore’s Crossed Plus One Hundred takes place a century after the outbreak. For those asking if it is possible for humanity to survive against seemingly impossible odds, the answer is ‘yes’. However, mankind as we know it has disappeared. In a hundred years, people’s greatest success has been mere survival. Most of the technological vestiges of the 21st century are gone, as well as luxuries such as television broadcasting, canned food and internet. Science and culture have been abandoned, as people had to focus on how to adapt to a hostile environment. 

After 100 years things seem to be stable enough. The Crossed have languished and perished, or so everyone thinks. Human basic needs have been covered. And once you no longer need to fight for food and shelter, the interest for culture and history awakens. The protagonist of this miniseries is Future Taylor, an archivist, a historian of sorts, a passionate young woman who wants to discover the origin of the outbreak and recover mankind’s historical legacy. While others scavenge the ruins of the cities, Future Taylor and her team look for abandoned libraries and any other place where they could find books and documents from the past.

The first chapter (published in Crossed Plus One Hundred # 1, November 2014) has a numerical title that must be read phonetically “124C41+” equals “One to foresee for one more”; certainly, the introduction to this devastated future is absolutely captivating. The British author gives us a complex world, brimming with dramatic possibilities. Moore’s incursion into humanity’s darkest era reminds me of my favorite post-apocalyptic sagas, such as “The Helltrekkers” (by Wagner, Grant, Ortiz & Lalia), “Hombre” (by Segura and Ortiz) or novels such as Cormac McCarthy’s “The Road”.

Moore carefully explores the notions of change. For instance, sexuality has freed itself from labels and taboos, embracing Foucault’s principle of “bodies and pleasures”. In this future, it’s normal to see a mature woman openly discussing her desire for sexual intercourse with a teenage boy, what might be considered as pedophilia nowadays and thus legally and morally reprehensible, is completely normal in the future. 

Of course, language has evolved too. From simple things such as names (Future Taylor, Forward Dietrich, etc.) to actual grammar structures. Verbs now have different conjugations, and words that would be common to us have been replaced by others. The dialect of Future Taylor and her comrades is multifaceted and prolific, and these words set up a unique atmosphere, much like Anthony Burgess’ Nadsat does in “A Clockwork Orange”.

The second chapter (published in Crossed Plus One Hundred # 2, December 2014), aptly titled “Return of the King”, is an obvious reference to J.R.R. Tolkien’s Lord of the Rings. Future Taylor and her comrades go all the way to Graceland, home of Rock’n Roll King, Elvis Presley, and there they find an unsolvable archeological mystery. 

In “Glory Road” (Crossed Plus One Hundred # 3, February 2015), we focus on the evolution of the infection; the Crossed are still out there, and they still pose a very real threat to normal human beings. Furthermore, we get a look at Chooga, Future’s settlement, where the primitive and yet complex life of the survivors is unveiled. In a few pages, we witness the interactions, the organization and the resources of people who had survival as their only goal for so long that now, that they are finally making plans for a better tomorrow, they’re still numbed by a tradition of violence and destruction.

First encounter / primer encuentro

“A canticle for Leibowitz” (Crossed Plus One Hundred # 4, March 2015) builds on the previous premises. It's quite impressive to see how much the world has changed in one century. But perhaps is even more interesting to observe how mankind has finally let go of the terrible ideologies and religions that defined its past. There are no political powers. No nationalities. Sexuality is no longer a taboo. And people have modified old religions, adapting them to their new reality. In Murfreesboro the Muslims live a healthy existence and women are as respected and valued as men. For Future things are clear: “Our believes never helped us when bad things actualed. They just made it not our responsible. They stopped us from skulling everything was randomed”.

In “Tyger, Tyger” (Crossed Plus One Hundred # 5, May 2015), Future Taylor and her team set foot on a Crossed settlement unlike anything they’ve ever seen: “It’s almost like they did fuck more culture than us”, they affirm. While humans have been busy, a new and more lethal breed of the Crossed has been planning how to destroy the last remnant of mankind. Moore takes us to 2008, when the world’s most dangerous psychopath and serial killer feels at home after the initial outbreak; infected by the Crossed virus, this man however manages to retain his mental capacities, and he starts training a new generation of the Crossed, superior in every way to their mindless and savage predecessors. Able to communicate, reason and make plans, as well as control the more inferior breeds, they become a formidable enemy. 

Future Taylor and her team / Future Taylor y su equipo

The logical conclusion comes in “Foundation and Empire” (Crossed Plus One Hundred # 6, June 2015), as the Crossed finally make their move, slaughtering the people of Chooga. Future and her friends arrive to their hometown too late to warn them. There are truly scary scenes here, and the suspense keeps on increasing from page to page. I won’t spoil the ending but I will say this: Crossed Plus One Hundred has been, hands down, the best title I’ve read in 2015.

Taylor's home: Chooga / el hogar de Taylor: Chooga

Gabriel Andrade’s art is absolutely spectacular. He had already impressed me a while ago in Avatar’s “Ferals”, but in this miniseries his creativity reaches a whole new level. Unhindered by the constraints of the present, Andrade designs a very dark and creepy future, a world in which technology is built upon the raggedy remains of what has been rescued, refurbished or recycled. Andrade’s characters also have a very realistic anatomy, each one of them having distinctive features and a particular body language. There is a special graphic appeal in the ruins and the destroyed relics of the past. Beautifully detailed and harmonic, Andrade’s art makes real the wildest and craziest concepts of the British writer.
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Las historias post-apocalípticas apelan a nuestros instintos de supervivencia. Aunque en la vida real tengamos una existencia cómoda, siempre hay un miedo primitivo, irracional, en algún rincón de nuestra mente. El temor a que las cosas se salgan de control, el miedo a nuestra propia extinción. Quizás, entonces, la esencia de la narrativa post-apocalíptica es restablecer en nosotros ese sentido de urgencia que se perdió hace mucho tiempo en nuestro mundo postmoderno. En “Crossed” de Garth Ennis,  vemos los esfuerzos de innumerables hombres y mujeres que tienen un único objetivo: sobrevivir.

The origin of Chooga / el origen de Chooga

La supervivencia, sin embargo, no siempre está garantizada, y aun así contenemos la respiración hasta la última página, con la esperanza de que los protagonistas serán capaces de evitar una muerte espantosa. “Crossed”, como explica el propio Ennis, combina acción y horror en cantidades iguales, sin olvidar “sus raíces en el género zombi”. Y como muchas producciones de zombis, “Crossed” aborda el brote infeccioso y sus catastróficas consecuencias en el mundo.

No obstante, a diferencia de la mayoría de las películas de zombis y otras sagas post-apocalípticas, “Crossed Plus One Hundred” de Alan Moore ocurre un siglo después del brote infeccioso. Para aquellos que se preguntan si es posible que la humanidad sobreviva, la respuesta es ‘sí’. Sin embargo, la humanidad tal como la conocemos ha desaparecido. Dentro de cien años, el mayor éxito de la gente ha sido únicamente la supervivencia. La mayor parte de los vestigios tecnológicos del siglo XXI se han desvanecido, así como lujos tales como la televisión, la comida enlatada o el internet. La ciencia y la cultura fueron abandonadas, ya que la gente debía centrarse en cómo adaptarse a un entorno hostil.

Después de 100 años las cosas parecen estar más o menos estables. Los Crossed han languidecido y perecido, o al menos eso es lo que todos creen. Las necesidades básicas de las personas han sido cubiertas. Y una vez que ya no hace falta luchar por los alimentos o los refugios, se despierta el interés por la cultura y la historia. El protagonista de esta miniserie es Future Taylor, una archivadora, es decir, una historiadora, una joven apasionada que quiere descubrir el origen del brote infeccioso y recuperar el legado histórico de la humanidad. Mientras que otros saquean las ruinas de las ciudades, Future Taylor y su equipo buscan bibliotecas abandonadas y cualquier otro lugar donde podrían encontrar libros y documentos del pasado.

Future's lover, in Murfreesboro / el amante de Future, en Murfreesboro 

El primer capítulo (publicado en Crossed Plus One Hundred # 1, noviembre de 2014) tiene un título numérico que debe leerse fonéticamente “124C41+” es igual a “Uno debe prever para uno más” en inglés; sin duda, la introducción de este devastador futuro es absolutamente cautivadora. El autor británico nos ofrece un mundo complejo, cargado de posibilidades dramáticas. La incursión de Moore en la era más oscura de la humanidad me recuerda a mis sagas post-apocalípticas predilectas, como “The Helltrekkers” (de Wagner, Grant, Ortiz y Lalia), “Hombre” (de Segura y Ortiz) o novelas como “La carretera” de Cormac McCarthy.

The secret lair of the Crossed / la guarida secreta de los Crossed

Moore explora cuidadosamente las nociones del cambio. Por ejemplo, la sexualidad se ha liberado de las etiquetas y los tabúes, abrazando el principio de Foucault de “cuerpos y placeres”. En este futuro, es normal ver a una mujer madura hablar abiertamente de su deseo de tener relaciones sexuales con un adolescente, lo que podría considerarse como pedofilia en la actualidad, y por lo tanto legal y moralmente reprobable, es completamente normal en el futuro.

Por supuesto, el lenguaje también ha evolucionado. Desde cosas simples, tales como nombres (Future 'Futuro' Taylor, Forward 'Anticipación' Dietrich, etc.) a las estructuras gramaticales. Los verbos tienen ahora diferentes conjugaciones, y las palabras que serían comunes para nosotros han sido sustituidas por otras. El dialecto de Future Taylor y sus compañeros es multifacético y prolífico, y estas palabras crean un ambiente único, tal como sucede con el Nadsat en “La naranja mecánica” de Anthony Burgess.

El segundo capítulo (publicado en Crossed Plus One Hundred # 2, diciembre de 2014), acertadamente titulado “El Retorno del Rey”, es una referencia obvia a “El Señor de los Anillos” de J.R.R. Tolkien. Future Taylor y sus compañeros van a Graceland, hogar del Rey del Rock'n Roll, Elvis Presley, y allí encuentran un misterio arqueológico irresoluble.

“Camino a la gloria” (Crossed Plus One Hundred # 3, febrero de 2015) se centra en la evolución de la infección; los Crossed todavía están por ahí, y siguen representando una amenaza muy real para los seres humanos normales. Además, aquí también vemos a Chooga, el asentamiento de Future, y observamos la vida primitiva y no obstante compleja de los sobrevivientes. En pocas páginas, somos testigos de las interacciones, la organización y los recursos de personas que tuvieron como su único objetivo la supervivencia durante tanto tiempo que ahora, cuando finalmente están haciendo planes para un mañana mejor, todavía están entumecidos por una tradición de violencia y destrucción.

Remembering the past (2008) / recordando el pasado (2008)

“Cántico para Leibowitz” (Crossed Plus One Hundred # 4, marzo de 2015) continúa con las premisas mencionadas. Es impresionante ver lo mucho que el mundo ha cambiado en un siglo. Pero quizás es aún más interesante observar cómo la humanidad por fin ha dejado de lado las terribles ideologías y religiones que definieron su pasado. Ya no hay poderes políticos. No hay nacionalidades. La sexualidad ya no es un tabú. Y la gente ha modificado las religiones antiguas, adaptándolas a su nueva realidad. En Murfreesboro los musulmanes viven una existencia saludable y las mujeres son tan respetadas y valoradas como los hombres. Para Future las cosas son claras: “Nuestras creencias nunca nos ayudaron cuando las cosas malas actualizaban. Sólo hicieron que no fueran de nuestra responsable. Nos impidieron cranear que todo estaba azar”.

En “Tigre, tigre” (Crossed Plus One Hundred # 5, mayo de 2015), Future Taylor y su equipo llegan a un asentamiento de los Crossed diferente a todo lo que han visto en su vida: “Es casi como si hicieron más jodida cultura que nos”, afirman. Mientras que los seres humanos han estado ocupados, una nueva y más letal raza de los Crossed ha estado planificando cómo destruir los últimos restos de la humanidad. Moore nos lleva al 2008, cuando el psicópata y asesino en serie más peligroso del mundo se siente como en casa después del brote inicial; infectado por el virus de los Crossed, este hombre se las arregla para conservar sus capacidades mentales, y comienza a entrenar a una nueva generación de los Crossed, superior en todos los sentidos a sus predecesores salvajes y sin mente. Capaz de comunicarse, razonar y hacer planes, así como controlar a las especies inferiores, se convierten en un enemigo formidable.

The army of the Crossed / el ejército de los Crossed

La conclusión lógica llega en “Fundación e Imperio” (Crossed Plus One Hundred # 6, junio 2015), cuando los Crossed por fin se lanzan al ataque, masacrando a la gente de Chooga. Future y sus amigos llegan a su ciudad natal demasiado tarde para advertencias. Hay escenas verdaderamente escalofriantes aquí, y el suspenso sigue aumentando de una página a otra. No revelaré qué pasa al final, pero diré lo siguiente: “Crossed Plus One Hundred” ha sido, sin duda, la mejor colección que he leído en el 2015.

The people of Chooga is slaughtered / la gente de Chooga es masacrada

El arte de Gabriel Andrade es absolutamente espectacular. Él ya me había impresionado tiempo atrás con “Ferals” de Avatar, pero en esta miniserie su creatividad llega a un nivel superior. Sin trabas ni limitaciones, Andrade diseña un futuro muy oscuro y espeluznante, un mundo en el que la tecnología está construida sobre los restos destrozados de lo que se ha rescatado, re-ensamblado o reciclado. Los personajes de Andrade también tienen una anatomía muy realista, cada uno de ellos con características distintivas y un lenguaje corporal particular. Hay un atractivo gráfico especial en las ruinas y las reliquias destruidas del pasado. Bellamente detallado y armónico, el arte de Andrade hace realidad los conceptos más salvajes y demenciales del escritor británico.

La muralla - Josep Mª Beà

The 80s sure were a milestone for American comic books, and in the same decade Spain would proudly celebrate the so-called boom of adult comics. Childish publications and imitations of foreign material would disappear, and a proper comic industry of the highest quality would start taking form. However, a decade later, the Spanish crisis left comic companies in bankruptcy. That's why now, 30 years after this golden era, readers have barely heard of great authors like Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura and many others.

Josep Maria Beà i Font, an author from Barcelona, rose to fame with “Tales from the galactic tavern” (published in “1984”, a science fiction magazine edited by Josep Toutain). However, he always had a preference for surrealism and fantasy (in a Salvador Dali-meets-comics sort of way). “Josep M Beà's peculiar philosophy, the way he  analyzes life, his intellectual and critical sense of humor and his human values, which are reflected in these works, turn this author into one of the most unusual comic creators of the world”. Indeed, these are the elements that are channelized in "The Wall" (serialized in 1983 and published as a trade paperback in 1987), a delicious graphic novel full of metaphors, thoughts and surrealism in its purest form.

Cat, the protagonist of the story is a feline trapped in a huge ship built out of stone that navigates through a nonexistent ocean. Countless individuals of different animal or humanoid species are in the ship. They all experience a slow and agonizing journey in which nothing seems to make sense. In this incredible setting, Cat misses his family and remembers nostalgically his past and the Spanish society, still recovering from Franco's dictatorship.

Cat in a fight / Gato en una pelea

Cat remembers the hypocrite priests from his religious school, sadistic men who would find pleasure instilling fear into the kids hearts, describing hell and making them feel guilty for all the “sins” of the flesh. However, despite this bleak context, there is a prevailing good mood, a sardonic tone, a knowing wink as well as the author's ironic laughter. Challenging, yet honest, Josep Maria Beà reveals how perverted these priests actually were; and at the same time he underlines the cleverness, the slyness and the ingenuity of school students.

While the stone ship continues its voyage, the crewmen begins to lose their calm and their sanity. Cat, at some point, must fight to preserve his life. Of course, there will be all kinds of unexpected problems on board, such as the inexplicable appearance of a beautiful woman, the only one in the vessel, a very horny female that demands from Cat the kind of sexual intercourse that would be inadmissible in any other story: the feline-human carnal union. Finally, Cat and the rest of the crew abruptly land on a strange jungle. Hidden behind the vegetation, Cat will find the mysterious wall that, so far, no one has been able to cross alive.

Cat is easily seduced / Gato es fácilmente seducido

Josep Maria Beà shows here all his talent not only as a writer but also as a penciler and an inker. With fine and delicate lines, the Catalan artist gives his characters -mostly anthropomorphic cats- great expressiveness, while giving free rein to his imagination with insane designs that consolidate the atmosphere of this graphic novel. Finally, Beà is also in charge of lettering and coloring, making an effort with the use of watercolors and hand-painted panels. Undoubtedly, this is a spectacular work that deserves to be read over and over again.
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Mientras que los años 80 fueron un hito de innegable importancia para el panorama estadounidense de cómics, en esa misma década España celebraría el así llamado Boom del cómic adulto. Atrás quedaba la época de publicaciones infantiloides o remedos de material extranjero, y se empezaba a consolidar una industria de primer nivel, que no tenía nada que envidiarle a ningún vecino europeo o del otro lado del Atlántico. Sin embargo, una década más tarde, la crisis española dejó en la bancarrota a las editoriales de cómics. Es por eso que ahora, 30 años después de aquella edad de oro, hay lectores que no conocen ni recuerdan a los grandes autores de antaño, como Josep Mª Beà, F de Felipe, Enrique Sánchez Abulí, Carlos Giménez, Alfonso Font, Antonio Segura, entre otros.  

Buying a sex doll / comprando una muñeca inflable

El autor barcelonés Josep Maria Beà i Font alcanzó la fama con “Historias de la taberna galáctica” (publicada en “1984”, la revista pionera de ciencia ficción de Josep Toutain). Sin embargo, siempre tuvo una predilección por la fantasía de corte surrealista (al mejor estilo de un Salvador Dalí en versión viñetas). “La curiosa filosofía con que Josep M Beà analiza la vida, su intelectual y crítico sentido del humor y sus valores humanos, que se proyectan en sus obras, convierten a este autor en uno de los más insólitos creadores del cómic mundial”. Precisamente, son estos los elementos que convergen en “La muralla” (serializada en 1983 y publicada en formato álbum en 1987), una deliciosa novela gráfica cargada de metáforas, reflexiones y surrealismo en su estado más absurdo y puro.

Gato, el protagonista de la historia, es un felino atrapado en un inmenso navío de piedra que surca un océano inexistente. Innumerables individuos de diversas especies animales o humanoides lo acompañan en un viaje lento y agónico en el que nada parece tener sentido. En este increíble escenario, Gato añora a su familia y recuerda lleno de nostalgia su pasado, firmemente anclado a una sociedad española todavía muy marcada por los rezagos del franquismo. 

A surrealistic landscape / un paisaje surrealista

Ahí están los curas hipócritas del colegio religioso en el que se educó, los párrocos sádicos que se saciaban al instaurar en los chavales el miedo al infierno y al recriminarles por todos los “pecados” del cuerpo. Sin embargo, pese a este contexto que podría parecer desolador, impera el humor, el tono sardónico, el guiño cómplice y la carcajada irónica del autor. Desafiante y a la vez honesto, Josep Mª Beà nos revela qué tan perversos podían ser estos representantes del clero; y, al mismo tiempo, subraya la picardía, la astucia y el ingenio de los alumnos escolares.

Mientras el barco de piedra continúa su travesía, la tripulación empieza a perder la calma y la cordura. Gato, en algún momento, deberá luchar para preservar su vida. Desde luego, también habrá todo tipo de enredos inesperados a bordo, como la inexplicable aparición de una bella mujer, la única en toda la nave, que muy cachonda le exige a Gato una unión carnal que en cualquier otra historia sería inadmisible: el coito felino-humano. Finalmente, Gato y el resto de la tripulación encallan en una jungla extraña. Escondida tras la vegetación, se encuentra la misteriosa muralla, que hasta ahora ningún ser vivo ha podido cruzar.

Josep Mª Beà demuestra aquí todo su talento no sólo como guionista sino también como dibujante a lápiz y entintador. Con trazos finos y delicados, el artista catalán otorga a sus personajes –la mayoría felinos antropomorfos– una gran expresividad, a la vez que da rienda suelta a su imaginación con diseños demenciales que consolidan la atmósfera de esta novela gráfica. Finalmente, Beà también está a cargo del rotulado y del coloreado, esmerándose en el empleo de acuarelas, y pintando a mano viñeta por viñeta. Sin duda, se trata de una obra espectacular que merece ser leída una y otra vez.

August films / películas de agosto

In August, while moviegoers were attending film festivals, I had a festival of my own. So let’s begin with While We're Young (2014), Noah Baumbach’s return to greatness (especially after a couple of somewhat irregular productions). Ben Stiller (Greenberg) and Naomi Watts (The Impossible) are turning 40 and they refuse to accept society’s demands; they’ll feel revitalized when they meet a young couple, Adam Driver (Girls) and Amanda Seyfried (Les Misérables). Deeply introspective and meaningful, Baumbach’s proposal echoes the concerns of many intellectuals. I, for one, was absolutely fascinated by the way the filmmaker explores the nature of documentaries, the generational gap and the lack of communication in a hyper-connected world. The cast also includes talented young actor Brady Corbet (famous for his role as a sexually abused kid on Mysterious Skin).

Doug Liman’s Edge of Tomorrow (2014) is an action-packed, sci-fi adventure about time travels and alien invasions. Tom Cruise (The Last Samurai) is a soldier doomed to relive the same day over and over, constantly defeated by the aliens, until he meets Emily Blunt (Wild Target). I just loved all the alternative timelines and the complex plan the protagonists must come up with to win. This one really kept me on the edge of my seat. It’s that good.  

Luc Besson writes and directs Lucy (2014), a sci-fi odyssey about humanity and the power of the mind. Scarlett Johansson (Lost in Translation) unwillingly receives an experimental drug that exponentially enhances her brain capacity, and in her quest for answers she runs into Morgan Freeman (The Shawshank Redemption). There are some very interesting concepts here and some remarkable scenes, but Lucy isn’t nearly as good as Léon or The Fifth Element.

Randall Miller’s CBGB (2013) is a wonderful biopic about Hilly Kristal, masterfully played by Alan Rickman (Gambit), founder of a very peculiar bar in one of the poorest areas of New York in the 60s. Against all odds, the bar becomes a magnet for talented musicians, and many famous bands start playing there. CBGB is hilarious, wild and heartbreaking too. Like the best music, CBGB is something you feel in your guts instead of something you simply watch. The cast includes a lot of famous young actors such as Kyle Gallner (Red State), Rupert Grint (Harry Potter) and Keene McRae.

Seven Psychopaths (2012) is an explosion of humor, blood and viscera, courtesy of director and screenwriter Martin McDonagh. Colin Farrell (Fright Night) is an alcoholic writer trying to finish his latest script about 7 dangerous psychopaths. He’s assisted by Sam Rockwell (The Way Way Back), antagonized by Woody Harrelson (True Detective), accompanied by Christopher Walken (Jersey Boys) and ignored by Michael Pitt (Boardwalk Empire). Clever ideas, very emotive moments and original narrative resources turn this into a must-see. 

It’s A Disaster (2012) is a dark comedy written and directed by Todd Berger. Julia Stiles (Dexter) goes to a friend’s house for a Saturday brunch. Dysfunctional couples, bickering and jealousies are the preamble for something far more sinister: the end of the world. I really enjoyed Berger’s highly satirical production.

Jean-Pierre Jeunet’s Micmacs à tire-larigot (2009) is French surrealism at its finest. Dany Boon, a homeless man, is befriended by a group of clochards and misfits. Together they fight against weapons manufacturers. Although impeccably filmed and creatively crafted, Micmacs would’ve been better with a more solid script.

The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover (1989) is a remarkable British film written and directed by Peter Greenaway. A very sophisticated mise-en-scène, impressive soundtrack and exquisite costumes by Jean-Paul Gaultier come together in this shocking and brutal portray of the vilest aspects of society as seen from the perspective of a crime boss, played by Michael Gambon (Harry Potter), and his tormented wife, Helen Mirren (Woman in Gold). The acting is magnificent and the scenes are truly unforgettable. I definitely recommend this one.

Steven Spielberg’s Raiders of the Lost Ark (1981) was a fan-favorite hit, and although I had fond memories of it, watching it again after 20 years or so just proves that some movies do not age well. There are so many plot holes and bad moments here, but despite all that Harrison Ford (Cowboys & Aliens) makes the movie work.

This month I also had the chance to watch a dozen of short films: Surprise (2015) is a sweet and funny story about coming out of the closet, focusing on high school student Austin Fryberger and his mother.

Written and directed by Samuel Leighton-Dore, Showboy (2014) is an astonishing Australian short film.  Lucas Pittaway (famous for his role as a rape victim in Snowtown) is a teenager constantly abused by Matt Levett (who was also a rape victim in Grammar Boys), but despite all the beatings and physical pain, he still manages to sneak away from home to perform at a drag queens show. The protagonist faces homophobia but he’s a strong fighter, relentless and courageous; and that’s the spirit of this cruel and yet subtle story. 

Christopher R. Brown writes and directs Remission (2014), a somber post-apocalyptical tale (set in England) about a gay couple (Cai Brigden and Teddy Nicholas) trying to survive after a deadly virus has infected the population. When the two guys find Antony De Liseo, a seemingly defenseless boy, everything changes. And what was once harmless becomes lethal. I’d consider this an innovative approach to LGBT cinema. 

Good Morning (2014), directed by Stephen Dunn and Peter Knegt, is a revealing chronicle about loneliness, immaturity and homosexuality centered on Peter Knegt, a 30-year old man that wakes up next to Oliver Skinner, an underage teenager. Insightful and spontaneous, Knegt aptly depicts the concerns of his protagonist. 

Dominic Haxton had already surprised me with We Are Animals. Tonight It’s Me (2014) is another example of Haxton’s ability to titillate and scandalize. Jake Robbins (Teens Like Phil) is a kid trapped in the prostitution business; he lives a miserable life until one day, after cleaning his cum-covered t-shirt, he falls in love with a transgendered client. Here, sex exploitation is dramatic and at the same time thought-provoking.

Philip J. Connell’s Kissing Drew (2013) is a lighthearted take on high school crushes. Eden Ocean Sanders is constantly daydreaming about kissing his classmate Ben Hargreaves. An amusing and cheerful tale about early gay romance.

From the Netherlands comes Uitgesproken (2013), written and directed by Dylan Tonk and Lazlo Tonk. Joël Mellenberg is a heterosexual boy who discovers his friends Josha Stradowski and Leendert de Ridder are actually gay; at first he rejects them, but in the end he understands why he must be tolerant. Skillfully filmed and superbly acted, this is the kind of short film I value the most. 

Anna Nolskog writes and directs Boygame (2013). Charlie Gustafsson and Joakim Lang are a couple of horny teenagers who can’t wait to lose their virginity, unfortunately, girls don’t seem to pay attention to them. So they decide to “practice” on each other; they go from mutual masturbation to fellatio until they’re ready (or at least they think they are) to have anal sex. Nolskog explores the notion of friendship, sexual confusion and innocence in a delightful, honest and highly erotic manner. An outstanding Swedish production.

Ett sista farväl (2013) also comes from Sweden. Director Casper Andreas shares with us a moving story about old age and the need for a last farewell, and it cuts right to the chase, avoiding unnecessary melodrama. 

Diego Carvalho Sá’s Antes de palavras (2013) is a very creative Brazilian retelling of the boy meets boy storyline. Maurício Destri and Henrique Larré are high school students who slowly start feeling attracted to each other. Too shy to strike up a conversation, they eventually meet at the school library. 

From Argentina comes Lucas Mac Dougall’s Anochecer (2012), an intimate reinterpretation of friendship and sexuality. Leandro Gauto and Juan Yarcho are two teenagers that spend the night together, except that instead of sleeping they end up doing something else. The final scene is delicate and tender. I liked it.

At last, but not least, from France comes Mon copain Rachid (1998), written and directed by Philippe Barassat. Jonathan Reyes (Juste un peu de réconforte) is a young boy who becomes obsessed with the penis of his best friend, Nordine Mezaache (who, in exchange for money, allows himself to be touched). The pains of growing up are paired with feelings of inadequacy in this short film that seems to pay homage to Lacan’s concept of the phallus and the floating signifier. Sexually suggestive and provocative at times, this is one of the best French short films I’ve seen in a long time.
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En agosto, mientras algunos asistían al festival de cine, yo organicé mi propio festival. Así que empecemos con “While We're Young” (2014), de un Noah Baumbach nuevamente en forma (especialmente después de un par de producciones algo irregulares). Ben Stiller (Greenberg) y Naomi Watts (The Impossible) son un par de cuarentones que se niegan a aceptar las demandas de la sociedad; ambos se sienten revitalizados al conocer a una pareja de jóvenes, Adam Driver (“Girls”) y Amanda Seyfried (“Les Misérables”). Profundamente relevante e introspectiva, la propuesta de Baumbach hace eco a las preocupaciones de muchos intelectuales. Yo, por ejemplo, me sentí absolutamente fascinado por la forma en la que el cineasta explora la naturaleza de los documentales, la brecha generacional y la falta de comunicación en un mundo híper-conectado. El reparto también incluye al joven y talentoso actor Brady Corbet (famoso por su papel como un chico abusado sexualmente en Mysterious Skin).

“Edge of Tomorrow” (2014), de Doug Liman, es una aventura de ciencia ficción sobre viajes temporales e invasiones alienígenas, con mucha acción. Tom Cruise (The Last Samurai)  es un soldado condenado a revivir el mismo día una y otra vez, constantemente derrotado por los extraterrestres, hasta que conoce a Emily Blunt (Wild Target). Me encantaron todas las líneas temporales alternativas y el complejo plan urdido por los protagonistas; todo esto me mantuvo en vilo. Y eso siempre es bueno.

Luc Besson escribe y dirige “Lucy” (2014), una odisea de ciencia ficción sobre la humanidad y el poder de la mente. Scarlett Johansson (Lost in Translation) recibe involuntariamente una droga experimental que aumenta exponencialmente su capacidad cerebral, y en su búsqueda de respuestas se encuentra con (The Shawshank Redemption). Hay algunos conceptos muy interesantes aquí y algunas escenas notables, pero “Lucy” no está al mismo nivel de cintas como “Léon” o “The Fifth Element”.

“CBGB” (2013), de Randall Miller, es una estupenda biografía de Hilly Kristal, magistralmente interpretado por Alan Rickman (Gambit), fundador de un bar muy peculiar en una de las zonas más pobres de New York en los 60s. Contra todo pronóstico, el bar se convierte en un imán para los músicos talentosos, y muchos grupos famosos empiezan a tocar allí. “CBGB” es hilarante, salvaje e incluso desgarradora. Al igual que la mejor música, “CBGB” retumba en las entrañas. El reparto incluye a una gran cantidad de reconocidos actores jóvenes como Kyle Gallner (Red State), Rupert Grint (Harry Potter) y Keene McRae.

“Seven Psychopaths” (2012) es una explosión de humor, sangre y vísceras, cortesía del director y guionista Martin McDonagh. Colin Farrell (Fright Night) es un escritor alcohólico que intenta terminar su último guión acerca de 7 psicópatas peligrosos. Él es ayudado por Sam Rockwell (The Way Way Back), antagonizado por Woody Harrelson (“True Detective”), acompañado por Christopher Walken (Jersey Boys) e ignorado por Michael Pitt (“Boardwalk Empire”). Ideas ingeniosas, momentos muy emotivos y recursos narrativos originales hacen que esta película sea imprescindible.

“It’s A Disaster” (2012) es una comedia negra escrita y dirigida por Todd Berger. Julia Stiles (Dexter) va a la casa de una amiga para un brunch sabatino. Las parejas disfuncionales, las riñas y los celos son el preámbulo de algo mucho más siniestro: el fin del mundo. Disfruté mucho esta producción sumamente satírica.

“Micmacs à tire-larigot” (2009), de Jean-Pierre Jeunet, es una buena dosis de surrealismo francés. Dany Boon, un hombre sin hogar, se hace amigo de un grupo de clochards e inadaptados. Juntos luchan contra los fabricantes de armas. Aunque está impecablemente filmada y creativamente elaborada, Micmacs hubiese sido mejor con un guión más sólido.

“The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover” (1989) es una notable película británica escrita y dirigida por Peter Greenaway. Una mise-en-scène de gran sofisticación, impresionante banda sonora y exquisitos trajes de Jean-Paul Gaultier convergen en este retrato impactante y brutal de los aspectos más viles de la sociedad, vistos desde la perspectiva de un jefe del crimen, interpretado por Michael Gambon (Harry Potter), y su atormentada esposa, Helen Mirren (Woman in Gold). La actuación es magnífica y las escenas son realmente inolvidables. Definitivamente la recomiendo.

“Raiders of the Lost Ark” (1981), de Steven Spielberg, fue un éxito en su momento, y aunque tenía buenos recuerdos del Arca perdida, mirándola nuevamente después de 20 años demuestra que algunas películas no envejecen bien. Hay tantos huecos argumentales y momentos flojos, pero a pesar de todo Harrison Ford (Cowboys & Aliens) hace que la película funcione.

Este mes también tuve la oportunidad de ver una docena de cortometrajes: “Surprise” (2015) es una dulce y graciosa historia sobre "salir del closet", centrándose en un estudiante de secundaria, Austin Fryberger, y su madre.

“Showboy” (2014), escrita y dirigida por Samuel Leighton-Dore, es un asombroso cortometraje australiano. Lucas Pittaway (famoso por su papel como un muchacho violado en Snowtown) es un adolescente constantemente abusado por Matt Levett (quien también fue víctima de una violación en Grammar Boys), pero a pesar de todas las palizas y el dolor físico, él se las arregla para escabullirse de casa y presentarse en un espectáculo de drag queens. El protagonista se enfrenta a la homofobia, pero es un peleador fuerte, incansable y valiente; y ese es el espíritu de esta historia cruel y a la vez sutil.

Christopher R. Brown escribe y dirige “Remission” (2014), un sombrío relato post-apocalíptico (que transcurre en Inglaterra) sobre una pareja gay (Cai Brigden y Teddy Nicholas) que intentará sobrevivir luego de que un virus mortal ha infectado a la población. Cuando los dos hombres encuentran a Antony De Liseo, un muchacho aparentemente indefenso, todo cambia. Y lo que antes era inofensivo se convertirá en algo letal. Considero que este es un enfoque innovador para el cine LGBT. 

“Good Morning” (2014), dirigida por Stephen Dunn y Peter Knegt, es una crónica reveladora sobre la soledad, la inmadurez y la homosexualidad centrada en Peter Knegt, un hombre de 30 años que se despierta al lado de Oliver Skinner, un adolescente menor de edad. Con perspicacia y espontaneidad, Knegt representa adecuadamente las preocupaciones de su protagonista.

Dominic Haxton ya me había sorprendido con We Are Animals. “Tonight It’s Me” (2014) es otro ejemplo de la capacidad de Haxton para incitar y escandalizar al público. Jake Robbins (Teens Like Phil) es un chiquillo atrapado en el negocio de la prostitución; vive una vida miserable hasta que un día, después de limpiar su camiseta embarrada de semen,  se enamora de un cliente transexual. Aquí, la explotación sexual es dramática y al mismo tiempo invita a la reflexión.

“Kissing Drew” (2013), de Philip J. Connell, aborda de manera desenfadada los enamoramientos colegiales. Eden Ocean Sanders fantasea constantemente con besar a su compañero de clases, Ben Hargreaves. Una historia divertida y alegre sobre el romance a temprana edad.

“Uitgesproken” (2013), escrita y dirigida por Dylan Tonk y Lazlo Tonk, fue producida en los Países Bajos. Joël Mellenberg es un muchacho heterosexual que descubre que sus amigos Josha Stradowski y Leendert De Ridder son gays; en un primer momento él los rechaza, pero al final entiende por qué tiene que ser tolerante. Hábilmente filmada y con actuaciones de primer nivel, este es el tipo de cortometraje que siempre valoro.

Anna Nolskog escribe y dirige “Boygame” (2013). Charlie Gustafsson y Joakim Lang son un par de adolescentes cachondos que están impacientes por perder su virginidad; desafortunadamente, las chicas no les prestan atención. Así que ellos deciden "practicar" el uno con el otro; van desde la masturbación mutua a la felación hasta que están listos (o al menos creen estarlo) para tener sexo anal. Nolskog explora la noción de la amistad, la confusión sexual y la inocencia de una manera agradable, honesta y erótica. Una producción sueca excepcional.

“Ett sista farväl” (2013) también es de Suecia. El director Casper Andreas comparte con nosotros una conmovedora historia sobre la vejez y la necesidad de un último adiós, y va directo al grano, evitando melodramas innecesarios.

“Antes de palavras” (2013), de Diego Carvalho Sá, reinterpreta el argumento "chico conoce a chico". Maurício Destri y Henrique Larré son estudiantes de secundaria que poco a poco comienzan a sentirse atraídos el uno por el otro. Demasiado tímidos para entablar una conversación, eventualmente se reúnen en la biblioteca de la escuela. Un creativo cortometraje de Brazil.

Desde Argentina llega “Anochecer” (2012), de Lucas Mac Dougall, una mirada íntima a la amistad y la sexualidad. Leandro Gauto y Juan Yarcho son dos jovencitos que pasan la noche juntos, excepto que en lugar de dormir terminan haciendo otra cosa. La escena final es delicada y tierna. Vale.

Por último, pero no menos importante, “Mon copain Rachid” (1998), escrita y dirigida por Philippe Barassat. Jonathan Reyes (Juste un peu de réconforte) es un chico que se obsesiona con el pene de su mejor amigo, Nordine Mezaache (quien, a cambio de dinero, acepta ser tocado). El paso de la infancia a la adolescencia se combina con sentimientos de inadecuación en este cortometraje que parece homenajear el concepto de Lacan del falo y del deslizamiento del significante. Sexualmente sugerente y cautivador, este es uno de los mejores cortometrajes franceses que he visto en mucho tiempo.

Planetary # 16 - Warren Ellis & John Cassaday

I think we’re all familiar with martial arts movies. For decades, entire generations of moviegoers have enjoyed the classic fights and the dance-resembling combats between Kung-Fu and/or Karate masters. If in previous issues Warren Ellis had reinterpreted Godzilla movies, pulp novels, B movies from the 50s and countless other elements from pop culture, this time the main plot revolves around the Eastern warrior named Hark.

As we saw on “All Over the World”, Hark along with Doc Brass and other heroes were the equivalent of the Justice League in the 40s. Hark fell in battle protecting mankind, and as was described in “The Good Doctor”, Hark’s daughter took her father’s inventions and created a very profitable company: the Hark Corporation. This dark corporation would later on follow the guidelines of Randall Dowling (leader of the Four), and thus the once honorable name of Hark would get involved in concentration camps and in the slaughter of hundreds of men, as seen in “The Day the Earth Turned Slower”.

“Hark” (published in Planetary # 16, October 2003), is a pivotal point in the Planetary saga for two reasons: first, it marks a hiatus of two years between this and the previous issue (Planetary # 15, from 2001), which was much longer than the usual pause of 3 or 4 months between issues. A high-caliber artist like Cassaday could not, and should not, churn out 22 pages a month; for someone like Cassaday, time is a precious commodity, and the longer he takes to complete a project, the better it looks in the end. As I’ve pointed out in every review, Planetary works so well because of Cassaday’s art. I don’t think any other artist in the American industry could have been better suited for Ellis’ ambitious series.

martial arts movies / películas de artes marciales

The second reason why this is such a meaningful chapter is because the British writer finally confronts us with the Hark legacy. Everything begins with an impressive fighting choreography that reminds us of the fantasy and magical elements in films such as Ang Lee’s “Crouching Tiger, Hidden Dragon” and Yimou Zhang's “Curse of the Golden Flower”. The sequence, beautifully illustrated by Cassaday, is an example of graceful movements, dynamism and visual strength. 

In the final pages, Elijah Snow, as defiant as ever, shows up in Anna Hark’s office. She explains why she decided to make an alliance with the Four, as she believed they could never be defeated. But now that Snow has recovered his memory and his powers, things are about to change. Anna Hark affirms that she has “managed to give the world things, despite the Four”. And Snow replies harshly “crumbs, from a very rich table”. Once again, Ellis reminds us of the vast knowledge, the groundbreaking technology and the access to unlimited resources that have become an exclusive privilege of the Four. Like an evil version of the Fantastic Four, these quartet of dictators would rather annihilate humankind before sharing their treasures. Finally, with the help of Jim Wilder, Anna Hark promises to support Snow and the Planetary team.

In addition to Cassaday’s brilliant art, colorist Laura Martin (Laura Depuy in earlier issues), helps create a unique atmosphere with a subtle and yet rich color palette. Award-winning letterer Richard Starkings also does an outstanding job. Lettering has always been an important factor in the series, as each cover has a completely different design from the previous one, everything from the logo to the title’s fonts changes from one issue to the next, showing the commitment of this creative team when it comes to producing innovative material without recycling, not even once, any of their former designs.
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extraordinary fighting sequence / extraordinaria secuencia de pelea

Creo que todos estamos familiarizados con las películas de artes marciales. Durante décadas, generaciones de espectadores han disfrutado con las peleas clásicas y el combate semejante a una danza entre maestros del Kung-Fu y/o del Karate. Si en ediciones anteriores Warren Ellis había reinterpretado las películas de Godzilla, las novelas pulp, las películas de serie B de los años 50 y un sinnúmero de elementos de la cultura pop, esta vez la trama principal gira en torno al guerrero oriental llamado Hark.

Como vimos en “Por todo el mundo”, Hark junto con Doc Brass y otros héroes eran el equivalente de la Liga de la Justicia en los años 40. Hark muere en batalla, protegiendo la humanidad, y como se describe en “El buen doctor”, la hija de Hark tomó los inventos del padre y creó una empresa muy rentable: Hark Corporation. Esta corporación oscura terminaría siguiendo las directrices de Randall Dowling (líder de los Cuatro), y por lo tanto el alguna vez honorable nombre de Hark se involucraría en campos de concentración y en la masacre de cientos de hombres, como vimos en “El día que la Tierra se volvió más lenta”.

"Hark" (publicado en Planetary # 16, octubre de 2003), es un momento fundamental en la saga de Planetary por dos razones: en primer lugar, marca un paréntesis de dos años entre este y el número anterior (Planetary # 15, de 2001), una pausa mucho más larga que la habitual de 3 o 4 meses entre ejemplares. Un artista de alto calibre como Cassaday no podía, y no debería, producir mecánicamente 22 páginas al mes; para alguien como Cassaday, el tiempo es un bien muy preciado, y cuanto más tiempo se tarda en completar un proyecto, mejor se ve al final. Como he señalado en todas las reseñas, Planetary funciona tan bien gracias al arte de Cassaday. No creo que ningún otro artista en la industria estadounidense podría haber sido más adecuado para la ambiciosa serie de Ellis.

Snow & Hark

La segunda razón que hace de este un capítulo tan significativo es que el escritor británico finalmente nos confronta con el legado Hark. Todo comienza con una impresionante coreografía de lucha que nos recuerda la fantasía y los elementos mágicos en películas como “El Tigre y el Dragón” de Ang Lee y “La maldición de la flor dorada” de Yimou Zhang. La secuencia, bellamente ilustrada por Cassaday, es un ejemplo de movimientos gráciles, dinamismo y fuerza visual.

En las páginas finales, Elijah Snow, tan desafiante como siempre, se presenta en la oficina de Anna Hark. Ella explica por qué decidió hacer una alianza con los Cuatro, al creer que nunca podrían ser derrotados. Pero ahora que Snow ha recuperado su memoria y sus poderes, las cosas están a punto de cambiar. Anna Hark afirma que ha “logrado darle cosas al mundo, a pesar de los Cuatro”. Y Snow responde con dureza “migajas de una mesa muy rica”. Una vez más, Ellis nos recuerda el vasto conocimiento, la tecnología innovadora y el acceso a ilimitados recursos que se han convertido en un privilegio exclusivo de los Cuatro. Como una versión malvada de los Cuatro Fantásticos, este cuarteto de dictadores preferiría aniquilar a la humanidad antes de compartir sus tesoros. Finalmente, con la ayuda de Jim Wilder, Anna Hark promete apoyar a Snow y al equipo de Planetary.

Jim Wilder

Además del brillante arte de Cassaday, la colorista Laura Martin (Laura Depuy en números anteriores), ayuda a crear una atmósfera única, con una paleta de colores sutiles y a la vez ricos. El galardonado rotulista Richard Starkings también hace un trabajo excepcional. El rotulado siempre ha sido un factor importante en la serie, ya que cada portada tiene un diseño completamente diferente al del número anterior, todo, desde el logotipo hasta las fuentes de letras cambia de un ejemplar al otro, mostrando el compromiso de este equipo creativo a la hora de producir material innovador y sin reciclar, ni siquiera una vez, diseños pasados.