June Films / películas de junio

I spent the entire month of June traveling around Europe! Fortunately, I also had time to see fabulous new and old productions. Let’s start with Lukas Dhont’s Close (2022), a fascinating exploration of intense friendship, adolescence, male bonding and coming of age. Eden Dambrine and Gustav De Waele are 13-year-old kids, enjoying their last summer together before classes start. They spend so much time together, there are constant sleepover’s at each other’s place, and there is a strong affinity between them, almost like a silent, secret language, in which no words need to be spoken to understand their complicity. Things, however, start to change as classes begin and their public displays of affection, although innocent and harmless, will become the target of other boys mockery and innuendo. Even if Belgium can be LGBT friendly that doesn’t mean that boys at that age can be respectful of alternative sexualities. Close is a deeply evocative and moving story in which silences are more important than loud words. When one of the boys commits suicide, the other one experiences pain and sorrow in unimaginable ways, and yet, he tries to bottle it all up. Dhont perfectly captures the innocence of early adolescence, the confusion, the pain, and the intensity of friendship. 

After 2 seasons of the HBO series Looking, the ending didn’t come with a third season but rather with Looking: The Movie (2016), directed by Andrew Haigh. In the series, we had witnessed of how life was for a group of gay twenty-year-olds in San Francisco: Jonathan Groff, Frankie J. Alvarez, Murray Bartlett and others find love, lose it, and try to get it back. I have no intentions of summarizing 2 seasons but let’s say it’s all connected to the movie, which aptly wraps up all the loose threads. I definitely enjoyed Haigh’s proposal! 

Pedro Almodóvar writes and directs Dolor y gloria (2019), a lucid exploration of sexual identity, lost love and the passion for filmmaking. The protagonist is Antonio Banderas (Competencia oficial), a famous Spanish filmmaker who is now old, lonely and ill. When his old works get rediscovered, he must reflect on his legacy, not simply as a famous director but also as a man, who remembers his past, his mother Penélope Cruz (Abre los ojos) and his first unrequited love, a young man that worked as a handyman in a poor village. Thanks to Cecilia Roth, the protagonist reconnects with Asier Etxeandia, who used to be his most emblematic actor decades ago. Now both of them are ready to share their loneliness and rekindle a friendship that had almost vanished. With many autobiographical elements, but above all a unique take on life, on regret and sorrow, and on unfulfilled promises, Almodóvar creates a deeply touching world in which life needs to be redefined and rediscovered. Uncompromising, brutally honest, and yet beautiful in ways that we could not have expected, Dolor y gloria isn’t just one of the best films of 2019, it’s also one of the best in the filmography of such a talented and awarded director like Almodóvar. 

I had seen Todo sobre mi madre (1999) many years ago and I was delighted to rewatch it. Written and directed by Pedro Almodóvar, Todo sobre mi madre won the Oscar for best film in a foreign language and it has been on my personal top 15 of best films ever. Everything begins with Cecilia Roth (Los amantes pasajeros) who goes to the theater with her 17-year-old son, Eloy Azorín. The teenager dies in a tragic accident that upends the woman’s entire life in a second. As way to fight against her depression, the protagonist decides to find the boy’s father, someone that had abandoned her 17 years ago. For that, she goes to Barcelona, where she meets Penélope Cruz, a future nun that is secretly pregnant, and reconnects with Antonia San Juan ‘Agrado’, a charismatic transvestite with one of the most unforgettable speeches ever: “Porque una es más autentica cuanto más se parece a lo que ha sonado de sí misma” (because one is more authentic the more one resembles that which we dream about ourselves). The protagonist befriends theater actress Marisa Paredes, and slowly starts to think it is possible to rebuild her life after burying her own son. Todo sobre mi madre is a remarkable film, full of strong emotion, superb acting and brilliant characters, trapped in the turmoil of their own struggles, sexual identities and unrequited desires. Much has been said about Almodóvar’s unique personal universe, and perhaps this is one of the finest examples of that universe, a filmic place that welcomes us, that makes us cry and laugh almost from one sequence to the next. It’s one of the best films I’ve seen in my life. Highly recommended. 

________________________________________________________________________________________________________

________________________________________________________________________________________________________

¡Pasé todo el mes de junio viajando por Europa! Por suerte, también tuve tiempo de ver fabulosas producciones, tanto nuevas como antiguas. Empecemos con Close (2022), de Lukas Dhont, una fascinante exploración de la amistad intensa, la adolescencia, los vínculos masculinos y los retos de crecer. Eden Dambrine y Gustav De Waele son dos chiquillos de 13 años que disfrutan de su último verano juntos antes de que empiecen las clases. Pasan muchísimo tiempo juntos, se quedan a dormir constantemente en las casas de uno y otro respectivamente, y existe una fuerte afinidad entre ellos, casi como un lenguaje silencioso y secreto, en el que no se necesitan palabras para comprender su complicidad. Sin embargo, las cosas empiezan a cambiar con el inicio de las clases y sus demostraciones públicas de afecto, aunque inocentes e inofensivas, se convierten en blanco de burlas e insinuaciones de otros chicos. Aunque Bélgica pueda ser amigable con la comunidad LGBT, eso no significa que los chicos de esa edad puedan ser respetuosos con las sexualidades alternativas. Close es una historia profundamente evocadora y conmovedora en la que los silencios son más importantes que las palabras en voz alta. Cuando uno de los chicos se suicida, el otro experimenta un dolor y una tristeza inimaginables, y aun así, intenta reprimirlo todo. Dhont captura a la perfección la inocencia de la adolescencia temprana, la confusión, el dolor y la intensidad de la amistad.

Tras dos temporadas de la serie de HBO Looking, el final no llegó con una tercera, sino con Looking: The Movie (2016), dirigida por Andrew Haigh. En la serie, presenciamos cómo era la vida de un grupo de veinteañeros homosexuales en San Francisco: Jonathan Groff, Frankie J. Alvarez, Murray Bartlett y otros encuentran el amor, lo pierden e intentan recuperarlo. No pretendo resumir dos temporadas, pero digamos que todo está conectado con la película, que cierra a la perfección todos los cabos sueltos. ¡Disfruté muchísimo la propuesta de Haigh!

Pedro Almodóvar escribe y dirige Dolor y gloria (2019), una lúcida exploración de la identidad sexual, el amor perdido y la pasión por el cine. El protagonista es Antonio Banderas (Competencia oficial), un famoso cineasta español que ahora está viejo, solitario y enfermo. Cuando sus antiguas obras son redescubiertas, debe reflexionar sobre su legado, no sólo como un director famoso, sino también como un hombre que recuerda su pasado, a su madre Penélope Cruz (Abre los ojos) y a su primer amor no correspondido, un joven que trabajaba como albañil en un pueblo pobre. Gracias a Cecilia Roth, el protagonista se reencuentra con Asier Etxeandia, quien solía ser su actor más emblemático décadas atrás. Ahora ambos están listos para compartir su soledad y reavivar una amistad que casi había desaparecido. Con muchos elementos autobiográficos, pero sobre todo una visión única de la vida, el arrepentimiento y la tristeza, y las promesas incumplidas, Almodóvar crea un mundo profundamente conmovedor en el que la vida necesita ser redefinida y redescubierta. Inflexible, brutalmente honesta y, sin embargo, hermosa de maneras inesperadas, Dolor y gloria no sólo es una de las mejores películas del 2019, sino también una de las mejores en la filmografía de un director tan talentoso y galardonado como Almodóvar.

Vi Todo sobre mi madre (1999) hace muchos años y me encantó volver a verla. Escrita y dirigida por Pedro Almodóvar, Todo sobre mi madre ganó el Óscar a la mejor película extranjera y ha estado en mi top 15 de las mejores películas de la historia. Todo comienza con Cecilia Roth (Los amantes pasajeros), quien va al teatro con su hijo de 17 años, Eloy Azorín. El adolescente muere en un trágico accidente que cambia la vida de la mujer en un instante. Para combatir su depresión, la protagonista decide encontrar al padre del chico, alguien que la abandonó hace 17 años. Para ello, viaja a Barcelona, donde conoce a Penélope Cruz, una futura monja que está embarazada en secreto, y se reencuentra con Antonia San Juan «Agrado», una carismática travesti con uno de los discursos más inolvidables de la historia: «Porque una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha sonado de sí misma». La protagonista se hace amiga de la actriz de teatro Marisa Paredes y, poco a poco, empieza a pensar que sí es posible reconstruir su vida tras enterrar a su propio hijo. Todo sobre mi madre es una película notable, llena de fuertes emociones, magníficas interpretaciones y brillantes personajes, atrapados en el torbellino de sus propias luchas, identidades sexuales y deseos no correspondidos. Mucho se ha dicho sobre el universo personal único de Almodóvar, y quizás este sea uno de los mejores ejemplos de ese universo, un lugar fílmico que nos acoge, que nos hace llorar y reír casi de una secuencia a la otra. Es una de las mejores películas que he visto en mi vida. Totalmente recomendable.

October films / películas de octubre

Before dressing up for Halloween, I had time to actually go to the movies to see Killers of the Flower Moon (2023), directed by Martin Scorsese. Extraordinary and fascinating film about the injustice and violence suffered by the Osage community in Oklahoma in the 20s. Oil money awakens the greed of Robert De Niro (The Family), who creates a system to exploit and take the money from the Osage people, while maintaining his reputation as a respectable businessman. De Niro easily controls and manipulates Leonardo DiCaprio (The Wolf of Wall Street), who ends up marrying Lily Gladstone, heiress to the oil fortune. In addition to the magnificent historical reconstruction and the engaging representation of indigenous cultural practices, what I admire the most about this story is the complex relationship between the protagonists, the affect that could be confused with love and at the same time the homicidal tendencies and the constant tension and suspense. An intelligent and captivating script is complemented by top notch performances, and the welcomed addition of an all-star cast including Jesse Plemons (The Power of the Dog), John Lithgow (Interstellar) and Brendan Fraser (The Whale), among others. Definitely one of the best films of the year!

Based on Paul Tremblay’s novel, Knock at the Cabin (2023) is a suspense story with horror elements, which has the audacity to also include a romantic component. I had high expectations for it, and I do believe M. Night Shyamalan does an adequate job as a director. Dave Bautista (Guardians of the Galaxy) is the leader of a cult that includes Rupert Grint (Wild Target) and others; they target a gay couple, Jonathan Groff (The Matrix: Resurrections) and Ben Aldridge, and their adopted daughter, and ask them to sacrifice a member of their family to save the world. Certainyly, the source material is utter rubbish, I have no respect for plots that include religious conceptions of the apocalypse, that rely heavily on faith and the end of the world as a divine act of punishment. The story is idiotic, to say the least, and even if that isn’t Shyamalan’s fault he still decided to adapt this particular novel. Bad choice.

 

Scott Beck and Bryan Woods write and direct 65 (2023), an action-packed movie starred by Adam Driver (The Dead Don't Die), a pilot whose spaceship accidentally crashes on a primitive planet inhabited by dinosaurs. Stranded in a hostile environment the protagonist must protect a child, Ariana Greenblatt, while trying to find the scape pod which now lies miles away from the main crash site. In many ways it’s a typical sci-fi survival tale, and even if there are a few interesting moments overall it isn’t precisely memorable. 

Cameron Crowe’s We Bought a Zoo (2011) is an endearing approach to how to come to terms with loss. Matt Damon (Good Will Hunting) is a man mourning the death of his wife, and trying to get over the sadness while raising his two children. Evidently, in order to move on, it’s a good idea to move to a different house, but instead of a house, this family will choose to relocate to a zoo on the verge of bankruptcy. The zoo crew is comprised of Scarlett Johansson (Lost in Translation), Elle Fanning (A Rainy Day in New York), Patrick Fugit and Angus Macfadyen (Braveheart), really unique and funny characters that will help this family to understand that death is a part of life. There are deeply touching moments, and Crowe does a magnificent job in balancing different emotional tones, as evidenced in the richness and honesty of the relationships between the characters. I absolutely enjoyed it and I wish I would’ve seen this a decade ago!

Mariano Cohn and Gastón Duprat direct Competencia oficial (2021), a hilarious Spanish movie about the seduction of fame, the power of celebrities and the unique magic of the film industry. Penélope Cruz (Abre los ojos) is an extravagant and promising filmmaker who’s been tasked with working with two actors: superstar Antonio Banderas (Mujeres al borde de un ataque de nervios), the most famous actor in Spain and a big Hollywood celebrity and Oscar Martínez, a highly respected and admired theater actor, who despises fame and opulence. The two actors are constantly fighting, trying to prove who is the best performer but also rejecting the other’s ideologies and idiosyncrasies. A lucid and witty analysis of today’s obsession with entertainment and the role of classic actors versus shallow celebrities, Competencia oficial is an incredibly poignant film, full of humor and unforgettable moments. I highly recommend it.

Rossana Diaz Costa directs Un mundo para Julius (2021), based on Alfredo Bryce Echenique’s magnum opus, a novel that redefined Latin American narrative and that today, half a century after its publication, remains as an undisputed classic in the world of literature. Although it isn’t an easy novel to adapt, Diaz Costa accepts the challenge and rescues very specific moments from the novel and incorporates them in a film that takes place over several years, depicting the life of one of Peru’s wealthiest families and in particular of Julius, a sensitive child that feels more comfortable with the servants of the house than with his own relatives. I loved Alfredo Bryce Echenique’s cameo and I also enjoyed the fact that Julius’ mansion is actually the Museo Pedro de Osma, which is quite close to my house in Peru. Overall a good adaptation of the novel, with superb acting. Of course, many elements of the novel are left behind, but it would’ve been impossible to fit all of it in a two-hour production.  

________________________________________________________________________________________________________

________________________________________________________________________________________________________

Antes de disfrazarme para Halloween, tuve tiempo de ir al cine para ver Killers of the Flower Moon (2023), dirigida por Martin Scorsese. Extraordinaria y fascinante película sobre la injusticia y violencia que sufrió la comunidad Osage en Oklahoma en los 20s. El dinero del petróleo despierta la codicia de Robert De Niro (The Family), quien crea un sistema para explotar y quitarle el dinero al pueblo Osage, manteniendo su reputación como un hombre de negocios respetable. De Niro controla y manipula fácilmente a Leonardo DiCaprio (The Wolf of Wall Street), quien acaba casándose con Lily Gladstone, heredera de la fortuna petrolera. Además de la magnífica reconstrucción histórica y la atrayente representación de las prácticas culturales indígenas, lo que más admiro de esta historia es la compleja relación entre los protagonistas, el afecto que podría confundirse con el amor y al mismo tiempo las tendencias homicidas y la tensión y suspenso constantes. Un guión inteligente y cautivador se complementa con actuaciones de primer nivel y la bienvenida incorporación de un elenco estelar que incluye a Jesse Plemons (The Power of the Dog), John Lithgow (Interstellar) y Brendan Fraser (The Whale), entre otros. ¡Definitivamente una de las mejores películas del año!

Basada en la novela de Paul Tremblay, Knock at the Cabin (2023) es una historia de suspenso con elementos de terror, que tiene la osadía de incluir también un componente romántico. Tenía grandes expectativas al respecto y creo que M. Night Shyamalan hace un trabajo adecuado como director. Dave Bautista (Guardians of the Galaxy) es el líder de una secta que incluye a Rupert Grint (Wild Target) y otros; asedian a una pareja gay, Jonathan Groff (The Matrix: Resurrections) y Ben Aldridge, y a su hija adoptiva, y les piden que sacrifiquen a un miembro de su familia para salvar el mundo. Ciertamente, el material original es una completa basura, no respeto las tramas que incluyen concepciones religiosas del apocalipsis, que dependen en gran medida de la fe y del fin del mundo como un acto divino de castigo. La historia es idiota, por decir lo menos, e incluso si eso no es culpa de Shyamalan, él decidió adaptar esta novela en particular. Mala elección.

 

Scott Beck y Bryan Woods escriben y dirigen 65 (2023), una película llena de acción protagonizada por Adam Driver (The Dead Don't Die), un piloto cuya nave espacial se estrella accidentalmente en un planeta primitivo habitado por dinosaurios. Varado en un entorno hostil, el protagonista debe proteger a una niña, Ariana Greenblatt, mientras intenta encontrar la cápsula de escape que ahora se encuentra a kilómetros de distancia del lugar principal del accidente. En muchos sentidos, es una típica historia de supervivencia de ciencia ficción, e incluso si hay algunos momentos interesantes, en general, no es muy memorable que digamos.

We Bought a Zoo (2011), de Cameron Crowe, es una aproximación entrañable a cómo afrontar la pérdida. Matt Damon (Good Will Hunting) es un hombre que está de luto por la muerte de su esposa y trata de superar la tristeza mientras cría a sus dos hijos. Evidentemente, para seguir adelante sería una buena idea mudarse a otra casa, pero en lugar de una casa, esta familia optará por trasladarse a un zoológico al borde de la quiebra. El equipo del zoológico está compuesto por Scarlett Johansson (Lost in Translation), Elle Fanning (A Rainy Day in New York), Patrick Fugit y Angus Macfadyen (Braveheart), personajes realmente únicos y divertidos que ayudarán a esta familia a comprender que la muerte es parte de la vida. Hay momentos profundamente conmovedores y Crowe hace un trabajo magnífico al equilibrar diferentes tonos emocionales, como lo demuestra la riqueza y honestidad de las relaciones entre los personajes. ¡La disfruté muchísimo y desearía haberla visto hace una década!

Mariano Cohn y Gastón Duprat dirigen Competencia oficial (2021), una desternillante película española sobre la seducción de la fama, el poder de las celebridades y la magia única de la industria cinematográfica. Penélope Cruz (Abre los ojos) es una cineasta extravagante y prometedora a la que se le ha encomendado trabajar con dos actores: la superestrella Antonio Banderas (Mujeres al borde de un ataque de nervios), el actor más famoso de España y una gran celebridad de Hollywood, y Oscar Martínez, un actor de teatro muy respetado y admirado, que desprecia la fama y la opulencia. Los dos actores pelean constantemente, tratando de demostrar quién es el mejor intérprete pero también rechazando las ideologías e idiosincrasias del otro. Un análisis lúcido e ingenioso de la obsesión actual por el entretenimiento y el papel de los actores clásicos frente a las celebridades superficiales, Competencia oficial es una película increíblemente astuta, llena de humor y momentos inolvidables. La recomiendo totalmente.

Rossana Díaz Costa dirige Un mundo para Julius (2021), basada en la obra maestra de Alfredo Bryce Echenique, una novela que redefinió la narrativa latinoamericana y que hoy, a medio siglo de su publicación, se mantiene como un clásico indiscutible en el mundo de la literatura. Aunque no es una novela fácil de adaptar, Díaz Costa acepta el desafío y rescata momentos muy concretos de la novela y los incorpora en una película que se desarrolla a lo largo de varios años, retratando la vida de una de las familias más acaudaladas del Perú y en particular de Julius, un niño sensible que se siente más cómodo con los sirvientes de la casa que con sus propios familiares. Me encantó el cameo de Alfredo Bryce Echenique y también disfruté el hecho de que la mansión de Julius es en realidad el Museo Pedro de Osma, que está bastante cerca de mi casa en Perú. En general una buena adaptación de la novela, con actuaciones magníficas. Por supuesto, muchos elementos de la novela quedan excluidos, pero hubiera sido imposible encajarlos todos en una producción de dos horas.

March Films / películas de marzo

Joel Edgerton directs Boy Erased (2018), based on Garrard Conley's autobiographical book, an insightful and fascinating exploration of the conflicts between traditional religion and alternative forms of sexuality. When a college freshman magnificently played by Lucas Hedges (famous for his role as a gay teenager in Lady Bird) realizes he is gay, he soon understands how difficult it’ll be for his very religious parents, Nicole Kidman (The Others) and Russell Crowe (Noah), to accept him. In college, the protagonist is raped by his only friend Joe Alwyn, and shortly after that, his parents send him to a conversion center, in which he and other young men will be abused and psychologically tortured under the pretext of getting rid of their homosexual inclinations. Boy Erased is especially shocking not only because is a real story but also because of how recent it is (the events take place approximately 15 years ago). Edgerton creates a moving and intense film, in which the only way to survive is to remain true to oneself, even if that is the most challenging and difficult road. The final scene between the protagonist and his father is incredibly moving, and one that I in particular could never forget. The all-star cast includes Xavier Dolan (famous for his role as a gay teenager in Les amours imaginaires) and Troye Sivan (famous gay singer). 

Wes Anderson’s Moonrise Kingdom (2012) has a truly extraordinary groups of actors: Bruce Willis (Looper), Edward Norton, Bill Murray (The Dead Don’t Die), Frances McDormand (Burn After Reading), Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin), Jared Gilman, Jason Schwartzman and Lucas Hedges (Ben is Back). The main story follows the misadventures of a 12-year old boy who has fallen in love with a girl of the same age, and so he escapes from his Boy Scouts-like group to be with the girl of his dreams. There are other subplots going on at the same time but don’t add much to the movie. I think Anderson tries to evoke the innocence of the first love and I’d say he succeeds to a certain degree, however, with such formidable actors one would expect a more captivating movie.  

When David Fincher adapted Chuck Palahniuk’s novel, Fight Club (1999), it became a modern classic. I had seen it such a long time ago that now I felt like I was watching it again for the first time. Edward Norton is an emotionally numbed man who goes to group therapy events, trying to find a moment that feels real, trying to find in himself an emotional reaction. He and Helena Bonham Carter pretend to be cancer survivors or anything they need to pretend to be, in order to gain access to these safe spaces in which people cry and share their despair. But when the protagonist meets Brad Pitt (Once Upon a Time… in Hollywood), a mysterious man with sketchy businesses, they will be the founders of the Fight Club, an anarchic association of men that start fighting with each other an end up planning terrorist attacks. Between Palahniuk’s dark and bleak thoughts on the human condition, and Fincher’s dense and emotionally charged scenes, all viewers will feel at some point uncomfortable, shocked and even disgusted, but somehow it all works perfectly within the mind frame of the film. Definitely one of Fincher’s best cinematographic accomplishments. 

Alejandro Amenábar directs Abre los ojos (1997), a fascinating film and one of the very best I’ve seen in my life. 2 years before The Matrix, this Spanish production was suggesting the possibility of living in a virtual reality without knowing about it, while questioning what it means to be in the right state of mind when the world isn’t quire right. Eduardo Noriega is a wealthy young man who enjoys having sex with beautiful women such as the psychotic Najwa Nimri but also the sweet and adorable Penélope Cruz. After a nearly fatal car accident, the protagonist wakes up in a hospital, his face completely disfigured. Medical science isn’t advanced enough to reconstruct his face, and even if he has all the money in the world, nothing can be done about it, or can it? Without spoiling the plot too much, the protagonist lives in his own nightmare, fearing to even look at himself in the mirror, while his psychiatrist, Chete Lera, tries to convince him that it is all in his mind. This cinematographic masterpiece has some of the most impressive and intense scenes ever, and at the same time the scrip isn’t only mindboggling but also absolutely coherent and riveting. Due to the sci-fi elements, Abre los ojos is the kind of film that will never be old or anachronic, and whoever watches it will remember it forever as the remarkable masterwork it is. 

________________________________________________________________________________________________________

________________________________________________________________________________________________________

Joel Edgerton dirige Boy Erased (2018), basada en el libro autobiográfico de Garrard Conley, una exploración profunda y fascinante de los conflictos entre la religión tradicional y las formas alternativas de sexualidad. Cuando un estudiante universitario de primer año interpretado magníficamente por Lucas Hedges (famoso por su papel como adolescente gay en Lady Bird) se da cuenta de que es gay, pronto comprende lo difícil que será para sus muy religiosos padres, (The Others) y Russell Crowe (Noah), aceptar ese hecho. En la universidad, el protagonista es violado por su único amigo Joe Alwyn, y poco después sus padres lo envían a un centro de conversión, en el que él y otros jóvenes serán abusados y torturados psicológicamente con el pretexto de deshacerse de sus inclinaciones homosexuales. Boy Erased es especialmente impactante no sólo porque es una historia real, sino también por lo reciente que es (los hechos ocurrieron hace aproximadamente 15 años). Edgerton crea una película conmovedora e intensa, en la que la única forma de sobrevivir es permanecer fiel a uno mismo, incluso si ese es el camino más desafiante y difícil. La escena final entre el protagonista y su padre es increíblemente conmovedora, y una que yo en particular jamás podría olvidar. El elenco de estrellas incluye a Xavier Dolan (famoso por su papel como adolescente gay en Les amours imaginaires) y Troye Sivan (famoso cantante gay).

En Moonrise Kingdom (2012), de Wes Anderson, hay un grupo verdaderamente extraordinario de actores: Bruce Willis (Looper), Edward Norton, Bill Murray (The Dead Don’t Die), Frances McDormand (Burn After Reading), Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin), Jared Gilman, Jason Schwartzman y Lucas Hedges (Ben is Back).. La historia principal sigue las desventuras de un chiquillo de 12 años que se ha enamorado de una chica de la misma edad, por ello se escapa de su grupo similar a los Boy Scouts para estar con la muchacha de sus sueños. Hay otras subtramas que se desarrollan al mismo tiempo, pero no aportan mucho a la película. Creo que Anderson intenta evocar la inocencia del primer amor y yo diría que lo logra hasta cierto punto, sin embargo, con actores tan formidables, uno esperaría una película más encantadora.

Cuando David Fincher adaptó la novela de Chuck Palahniuk, Fight Club (1999), se convirtió en un clásico moderno. La había visto hace tanto tiempo que ahora sentía que la estaba viendo de nuevo por primera vez. Edward Norton es un hombre emocionalmente reprimido que va a eventos de terapia grupal, tratando de encontrar un momento que se sienta real, tratando de encontrar en sí mismo una reacción emocional. Él y Helena Bonham Carter fingen ser sobrevivientes de cáncer o cualquier cosa que necesiten fingir para poder acceder a estos espacios seguros en los que la gente llora y comparte su desesperación. Pero cuando el protagonista conoce a Brad Pitt (Once Upon a Time… in Hollywood), un hombre misterioso con negocios dudosos, serán los fundadores del Club de la pelea, una asociación anárquica de hombres que comienzan a pelear entre sí y terminan planeando ataques terroristas. Entre los pensamientos oscuros y sombríos de Palahniuk sobre la condición humana y las escenas densas y cargadas de emoción de Fincher, todos los espectadores se sentirán en algún momento incómodos, conmocionados e incluso disgustados, pero de alguna manera todo funciona perfectamente dentro del esquema mental de la película. Definitivamente uno de los mejores logros cinematográficos de Fincher.

Alejandro Amenábar dirige Abre los ojos (1997), una película fascinante y una de las mejores que he visto en mi vida. 2 años antes de The Matrix, esta producción española sugería la posibilidad de vivir en una realidad virtual sin saberlo, al tiempo que cuestionaba qué significa estar en el estado de ánimo adecuado cuando el mundo no parece ser lo que es. Eduardo Noriega es un joven adinerado que disfruta teniendo sexo con mujeres hermosas como la psicótica Najwa Nimri pero también con la dulce y adorable Penélope Cruz. Después de un accidente automovilístico casi fatal, el protagonista se despierta en un hospital con el rostro completamente desfigurado. La ciencia médica no está lo suficientemente avanzada como para reconstruir su rostro, e incluso si él tiene todo el dinero del mundo, no se puede hacer nada al respecto, ¿o sí? Sin estropear demasiado la trama, el protagonista vive en su propia pesadilla, temiendo incluso mirarse al espejo, mientras su psiquiatra, Chete Lera, intenta convencerlo de que todo está en su mente. Esta obra maestra cinematográfica tiene algunas de las escenas más impresionantes e intensas jamás hechas y, al mismo tiempo, el guión no sólo es alucinante, sino también absolutamente coherente y fascinante. Debido a los elementos de ciencia ficción, Abre los ojos es el tipo de película que nunca será vieja o anacrónica, y quien la vea la recordará para siempre como la notable obra maestra que es.