Miracleman # 16 - Alan Moore & John Totleben

“And thus we drafted pure and abstract blueprints, free from moral complications, and were architects of dreams”, explains Miracleman. Once the greatest hero of the world, Miracleman has finally embraced his status as a postmodern divinity in “Olympus” (originally published in Miracleman # 16, December 1989), Alan Moore’s final issue. 

After defeating Johnny Bates, Miracleman knows that there is no force on Earth and perhaps in the entire galaxy that can subdue him. In many ways, the Olympus saga concluded in “Nemesis”, but this is a very necessary epilogue that wraps up Moore’s groundbreaking take on the superhero genre. In all my years as a comic book reader, I never thought I would find a proposal that could understand so well the roots of the superhero as an archetype, while at the same time exploring the structural fissures of a narrative that was at the risk of becoming stale and predictable before Moore and other British authors revitalized the industry.

Many readers consider “Watchmen” as the ultimate deconstruction of superheroes, however, the seminal series focuses more on the psychological aspects of masked vigilantes (in fact, save for Doctor Manhattan, there are no super-powered individuals in Watchmen); so, in a way, Moore’s Miracleman is the other side of the same coin. Here, Moore delves deep into the notion of power, and its superlative level. The superpower, then, is no longer a deus ex machina that makes it easier for the hero to save the world or escape from peril, but rather what defines and gives form to the superhuman protagonist. 

Olympus: Miracleman's home / el Olimpo, hogar de Miracleman

In the 50s, Miracleman was a caped adventurer eager to fight against gaudy supervillains. In the hands of the British author, Miracleman is turned at first into a complex superhero, however, despite his flaws and inner conflicts, in the first chapters we still see him as a Superman or a Captain Marvel. Nonetheless, in subsequent chapters, this changes. At the beginning of the Olympus saga, Miracleman’s divine condition is first suggested and then made evident. As a god that reigns supreme in the heights of Mount Olympus, Miracleman dreams of the world of tomorrow: “I dream insignia, dream lightning flashes, planets, letters, stars […] I dream of cities that old futurists would weep with joy to see”. 

Perhaps in the past there was something holding Miracleman down. Maybe his own humanity was his weakness. But now that he is no longer human he is absolute power, and there are no barriers, no limits for the things he can do: his first task is to arrange a meeting with England’s Prime Minister, Margaret Thatcher. In the reunion, Thatcher believes she is there to negotiate, to retain whatever little crumbs of power are still left on the table. However, she’s dealing with an unrelenting individual that has already proven his superiority. Humiliated and in shock, Margaret Thatcher leaves the room, knowing full well that she’ll never be an influential person again. I’m guessing that writing these pages must have been quite therapeutic for Moore (who has always been very open about his anti-Thatcher stance).

Totleben's fascinating architecture / la fascinante arquitectura de Totleben

The next move is taking all nuclear devices and throwing them into the sun. A drastic measure that is explained in the United Nations, in front of leaders that realize how powerless they’ve become. Not satisfied with that, Miracleman decides to eliminate money: “Money is a promise, to redeem the cash of every bearer for its worth in gold or merchandise. An empty promise. Should we all demand at once redemption of our coins, we’d learn such wealth does not exist. Money’s imaginary […] Come summer, money won’t exist… but then, it never did”. Without money, urban crime disappears, but there are still other problems such as hunger and poverty in underdeveloped countries, organized crime, drug cartels and so on, Miracleman finds a way to deal with all that. Society undergoes a radical transformation. The world is no longer recognizable, but Miracleman pushes forward. He has major plans for humanity and he stops at nothing to accomplish them. The concepts developed afterwards are indeed the most delightful fruits that could be harvested from Alan Moore’s creative mind. 

the downfall of Margaret Thatcher / la derrota de Margaret Thatcher

Miracleman alone would be enough of an accomplishment to consider Moore a genius, but what is even more remarkable is that at some point he was writing Miracleman, Swamp Thing and Watchmen at the same time. He wasn’t just producing one masterwork after another, he was producing them simultaneously. There is absolutely no one else in the history of the 9th art that has come close to such an achievement. 

In the past, superhero comic books could be narrowed down to its most basic components, id est, the eternal fight between good and evil, the everlasting battle between heroes and villains. However, after Watchmen, comic book writers felt the need for a more sophisticated approach, and thus they produced stories that would question the nature of the hero and the villain, replacing an exclusively black and white perspective with much needed shades of gray. What Alan Moore does here is go even further, as he dares answer questions no one had the courage to ask. In every Marvel or DC publication there is always an explanation about why the heroes must uphold the status quo of the world, however unfair it may be. The heroes can never change the course of history, they can never interfere in countries plagued by hunger and misery, they can neither cure cancer nor bestow upon mankind the gift of an advanced technology that is reserved only for their adventures. In short, superheroes can never change the world in any meaningful way, and it sure does make sense from a storytelling point of view. After all, comics are a continuous, never-ending narrative, and in order for them to keep going like this, superheroes must never solve any problem in a definitive way, nor should they deal with an enemy in a matter that would preclude that character from reappearing afterwards. However, in Miracleman, all these rules are broken. And it is precisely for that reason that this stands as one of the greatest contemporary masterpieces.

Miracleman & Miraclewoman 

It took John Totleben over a year to complete the 32 pages of this last installment (with the exception of a few panels preciously illustrated by Thomas Yeates). And the result is an artistic feat of unprecedented beauty. His designs are impressive and his Olympus is breathtakingly gorgeous: “a vast extravagance of decoration that would shame Versailles or Babylon the Great”. In addition to his exquisite compositions and richly detailed images, Totleben also surprises the readers with several visual experiments: some pages are simply the product of pencils plus inks, others include ink washes and white acrylic; mastering all the artistic techniques one could think of, Totleben paints some pages with tempera, and he excels using oils on canvas. I had praised Totleben’s talent in my Swamp Thing reviews, but his work in Miracleman is even better.

When I finished reviewing Swamp Thing after 2 years, I thought it would take me longer to review Miracleman and I was right. After 3 years, I’m finally done. Here are the rest of my Miracleman reviews. Read them and enjoy them:

Miracleman Book 1: A Dream of Flying: 
http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html

Miracleman Book 2: The Red King Syndrome
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html

Miracleman Book 3: Olympus
http://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

“Y fue así como bosquejamos planos puros y abstractos, libres de toda complicación moral, y fuimos los arquitectos de los sueños”, explica Miracleman. Alguna vez el héroe más grande del mundo, Miracleman finalmente ha aceptado su condición de divinidad postmoderna en “Olimpo” (publicado originalmente en Miracleman # 16, diciembre de 1989), último número escrito por Alan Moore.

Miracleman: supreme ruler of the world /Miracleman: gobernante supremo del mundo 

Después de derrotar a Johnny Bates, Miracleman comprende que no hay fuerza en la Tierra y tal vez en toda la galaxia que pueda someterlo. En muchos sentidos, la saga del Olimpo concluyó en “Némesis”, pero este es un muy necesario epílogo que pone punto final a la innovadora labor de Moore en el género superheroico. En todos mis años como lector de cómics, nunca pensé que iba a encontrar una propuesta capaz de entender tan bien las raíces del superhéroe como arquetipo, y de explorar al mismo tiempo las fisuras estructurales de una narrativa que corría el riesgo de quedarse estancada y volverse predecible antes de que Moore y otros autores británicos revitalizaran la industria.

Muchos lectores consideran “Watchmen”, como la deconstrucción definitiva de los superhéroes, sin embargo, la prestigiosa serie se centra más en los aspectos psicológicos de los vigilantes enmascarados (de hecho, salvo Doctor Manhattan, no hay individuos súper-poderosos en Watchmen); así, en cierto modo, el Miracleman de Moore es la otra cara de la moneda. Aquí, Moore se adentra profundamente en la noción de poder, y a un nivel superlativo. El superpoder, entonces, ya no es el deus ex machina que le permite al héroe salvar al mundo o escapar de un peligro fácilmente, sino más bien lo que define y da forma al protagonista sobrehumano.

Olympus / Olimpo

En los años 50s, Miracleman era un aventurero con capa deseoso de luchar contra llamativos supervillanos. En manos del autor británico, Miracleman se transforma primero en un superhéroe complejo, sin embargo, a pesar de sus defectos y conflictos internos, en los primeros capítulos todavía lo vemos como si fuera un Superman o un Capitán Marvel. No obstante, en los capítulos siguientes, esto cambia. Al comienzo de la saga del Olimpo, la condición divina de Miracleman se sugiere al inicio para luego hacerse más evidente. Como un dios que reina en las alturas del Monte Olimpo, Miracleman sueña con el mundo del mañana: “Sueño con insignias, sueño con rayos destellantes, planetas, letras, estrellas [...] Yo sueño con ciudades que harían llorar de alegría a los viejos futuristas, si pudiesen verlas”.

As a god, is Miracleman doomed to loneliness? / Al ser un dios, ¿Miracleman está condenado a la soledad?

Tal vez en el pasado había algo que restringía a Miracleman. Quizás su propia humanidad era su punto débil. Pero ahora ya no es humano, él es el poder absoluto, y no hay barreras, no hay límites para las cosas que puede hacer: su primera tarea es organizar una reunión con la primera ministra de Inglaterra, Margaret Thatcher. En la reunión, Thatcher cree que ella está ahí para negociar, para conservar las pocas migajas de poder que todavía quedan sobre la mesa. Sin embargo, ella está lidiando con un implacable individuo que ya ha demostrado su superioridad. Humillada y en estado de shock, Margaret Thatcher sale de la habitación, aceptando que nunca más volverá a ser una persona influyente. Supongo que escribir estas páginas debe haber sido muy terapéutico para Moore (que siempre ha sido muy honesto en cuanto a su postura anti-Thatcher).

original cover (1989) / portada original (1989)

El siguiente movimiento es buscar todos los dispositivos nucleares y arrojarlos al sol. Una medida drástica que se explica en las Naciones Unidas, frente a los líderes que se dan cuenta de lo impotentes que son ahora. No satisfecho con eso, Miracleman decide eliminar el dinero: “El dinero es una promesa, para redimir el efectivo de cada portador por su valor en oro o mercancía. Una promesa vacía. Si acaso exigiéramos todos a la vez la redención de nuestras monedas, nos enteraríamos de que esa riqueza no existe. El dinero es imaginario [...] El próximo verano ya no habrá dinero... se trata, claro está, de algo que nunca existió”. Sin dinero, la delincuencia en las ciudades desaparece, pero todavía hay otros problemas como el hambre y la pobreza en los países subdesarrollados, el crimen organizado, los cárteles de la droga y así sucesivamente, Miracleman encuentra una manera de lidiar con todo eso. La sociedad sufre una transformación radical. El mundo es irreconocible, pero Miracleman sigue adelante. Él tiene grandes planes para la humanidad y no se detiene ante nada para llevarlos a cabo. Los conceptos desarrollados a continuación son, de hecho, los frutos más deliciosos que puedan ser cosechados de la mente creativa de Alan Moore.

“Miracleman” es un logro suficiente para considerar a Moore como un genio, pero lo que es aún más notable es que en algún momento él estaba escribiendo “Miracleman”, “Swamp Thing” y “Watchmen” al mismo tiempo. Él no estaba produciendo una obra maestra tras otra, más bien las estaba produciendo simultáneamente. No hay nadie más en la historia del noveno arte que haya logrado algo parecido, ni de lejos.

John Totleben: oils on canvas / John Totleben: óleos sobre lienzo

En el pasado, los cómics de superhéroes podían ser reducido a sus componentes más básicos, es decir, la eterna lucha entre el bien y el mal, la inacabable batalla entre héroes y villanos. Sin embargo, después de “Watchmen”, los escritores de cómics sintieron la necesidad de tener un enfoque más sofisticado, y por lo tanto produjeron historias que cuestionaban la naturaleza del héroe y del villano, sustituyendo una perspectiva exclusivamente a blanco y negro por otra con necesarios tonos de gris. Lo que Alan Moore hace aquí es ir aún más lejos, ya que se atreve a responder preguntas que nadie tuvo el coraje de formular. En toda publicación de Marvel o DC siempre hay una explicación acerca de por qué los héroes deben defender el statu quo del mundo, sin importar lo injusto que sea. Los superhéroes no pueden cambiar el curso de la historia, nunca pueden interferir en los países asolados por el hambre y la miseria, no pueden ni curar el cáncer, ni otorgar a la humanidad el don de una tecnología avanzada que está reservada sólo para sus aventuras. En resumen, los superhéroes no pueden cambiar el mundo de una manera significativa, y seguro que tiene sentido desde un punto de vista narrativo. Después de todo, los cómics son una narración continua y sin fin, y para que esto sea así, los superhéroes nunca deben resolver ningún problema de manera definitiva, ni deben deshacerse de sus enemigos quienes, al fin y al cabo, deben reaparecer continuamente. Sin embargo, en Miracleman, todas estas reglas se rompen. Y precisamente por eso es una de las más grandes obras maestras contemporáneas.

John Totleben tardó más de un año para completar las 32 páginas de esta última entrega (con la excepción de unos pocos paneles preciosamente ilustrados por Thomas Yeates). Y el resultado es una hazaña artística de una belleza sin precedentes. Sus diseños son impresionantes y su Olimpo es fastuoso y sobrecogedor: “una gran extravagancia en decoración que dejaría en ridículo a Versalles o Babilonia la Grande”. Además de sus exquisitas composiciones e imágenes ricamente detalladas, Totleben también sorprende a los lectores con varios experimentos visuales: algunas páginas son simplemente el producto de lápices más tintas, otras incluyen tinta lavada y acrílico blanco; dominando todas las técnicas artísticas que uno podría mencionar, Totleben pinta algunas páginas con témpera, y destaca en el uso de óleos sobre lienzo. Ya había elogiado el talento de Totleben en mis reseñas sobre “Swamp Thing”, pero su trabajo en Miracleman es incluso mejor.

Cuando terminé de reseñar Swamp Thing después de 2 años, pensé que iba a necesitar más tiempo para hacer lo mismo con Miracleman, y no me equivoqué. Después de 3 años, por fin he terminado. Aquí están el resto de mis comentarios sobre Miracleman. A Leer y a disfrutar de ellos:

Miracleman Book 1: A Dream of Flying: 
http://artbyarion.blogspot.com/2014/07/miracleman-book-1-dream-of-flying.html

Miracleman Book 2: The Red King Syndrome
http://artbyarion.blogspot.com/2015/01/miracleman-10-alan-moore-rick-veitch.html

Miracleman Book 3: Olympus
http://artbyarion.blogspot.com/2015/05/miracleman-15-alan-moore-john-totleben.html

May Films / películas de mayo

For the past few years, May has been Marvel’s month, so let’s talk about Joss Whedon’s Avengers: Age of Ultron (2015). I had high expectations, but I can’t say I’m 100% satisfied. This sequel is, indeed, a very entertaining and action-packed blockbuster, but it focuses too much on especial effects and neglects character development. My favorite moments are the party in which everyone takes turns to lift Thor’s hammer and the sequence in Hawkeye’s house. Fortunately, the cast is still as impressive as in the first installment: Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Captain America), Mark Ruffalo (Hulk), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Black Widow), Jeremy Renner (Hawkeye), Aaron Taylor-Johnson (Quicksilver), etc.

Neil Burger directs Divergent (2014), based on Veronica Roth’s novel. In a society in which all teenagers are forced to leave their families, Shailene Woodley (The Spectacular Now) must decide what path to take. She chooses the Dauntless House and that’s how the adventure of a lifetime begins. I love the idea of this dystopian future in which everything has changed, and I also enjoyed the mild political elements interweaved in the narrative. Of course, there are some very memorable sequences. And the cast includes promising young actors such as Miles Teller (Whiplash) and Ansel Elgort. I can’t wait to see the sequel.  

By age 21 Xavier Dolan had already proved he was a genius filmmaker with Les Amours Imaginaires (2010). Mommy (2014), written and directed by Dolan is another example of his talent. In an alternative future, Canada has turned into a repressive country in which parents are forced to put their children into special institutions so that they can be constantly under control. Anne Dorval, however, is a very atypical mother that lover her 15-year-old son Antoine-Olivier Pilon. She loves him so very much, in fact, that one could say they have a rather incestuous relationship. Dolan audaciously explores the teenager’s sexuality, from his masturbatory urges to his constant need to touch his mother, even inappropriately. Furthermore, we also get to see the suffering of a single woman who barely manages to survive after losing her crappy job. There are moments of brutal violence between mother and son, but also inspiring and heartfelt scenes that confer an unprecedented level of humanity to these deranged characters. Truly of one of the best films of 2014.

Lars von Trier surprised me with Nymphomaniac Vol. I, and he does it again with Nymphomaniac Vol. II (2013). This time Charlotte Gainsbourg eagerly explores her sadomasochistic tendencies while confronting the difficulties of being a sex addict. Black humor, shocking scenes and clever ideas add value to this erotic production. The cast includes Shia LaBeouf (Bobby), Willem Dafoe (4:44 Last Day on Earth) and Jamie Bell (Billy Elliot).

Jaume Collet-Serra’s Non-Stop (2014) is full of suspense and unsettling circumstances since the opening sequence. Liam Neeson must protect the lives of the passengers in an airplane targeted by terrorists. This one kept me at the edge of my seat. And absolutely I loved to see Julianne Moore (Far From Heaven) in it.

Winter’s Tale (2014) was a big disappointment. Not even a good cast can save this one: Colin Farrell (Fright Night), Jennifer Connelly (Dark City), Finn Wittrock (American Horror Story: Freak Show), etc.

Seth MacFarlane is the writer, director and protagonist of A Million Ways to Die in the West (2014) a very funny comedy about the Old West. What can I say? I always appreciate a bit of vulgarity and bad taste jokes. The cast includes Charlize Theron (The Burning Plain), Liam Neeson and Giovanni Ribisi.

Spike Jonze left me in awe with his Scenes from the Suburbs, and Her (2013) was an outstanding creative exercise that revolves around the impossibility of committing to a relationship. Joaquin Phoenix is a lonely man who falls in love with a computer program, but as pathetic as his life may seem, it’s only a reflection of the depressing future he lives in. The cast includes Amy Adams (American Hustle) and Chris Pratt.

Submarine (2010) is Richard Ayoade’s directorial debut: a fascinating coming of age tale about an awkward teen (Craig Roberts) who tries to find love (or a quick shag) in high school while trying to prevent his parents’ marriage from falling apart. Slightly experimental, very original and extravagant in a good sense, Submarine is a wonderful voyage through the turbulent seas of adolescence. I really recommend it. 

Terry Loane’s Mickybo and Me (2004) is a poignant and heartbreaking chronicle about friendship and the horrors of war. Two young Irish boys (John Joe McNeill and Niall Wright) run away from home, trying to emulate their heroes Butch Cassidy and the Sundance Kid. Loane combines the innocence of childhood with the devastation of a war the kids cannot understand. The ending is really moving and unforgettable.   

The Shawshank Redemption (1994), directed by Frank Darabont, is an amazing adaptation of a Stephen King’s short story. Tim Robbins is a banker who goes to jail accused of a crime he didn’t commit. There he befriends Morgan Freeman, and as the years go by, he earns the respect of everyone around him. The way he escapes totally blew my mind.

Steven Spielberg’s E.T. the Extra-Terrestrial (1982) is a wonderful all-ages production. Spielberg effortlessly captures the essence of magic, as seen through the eyes of children; and creates a charming story about first encounters, tender aliens and clever kids. Every element here works brilliantly: the cinematography, the music and the acting (Henry Thomas, Robert MacNaughton and Drew Barrymore had very good performances). An undisputed classic from the 80s, E.T. continues to be one of those movies you must see at least twice.

Return of the Living Dead II (1988) is a hilarious comedy about reanimated corpses that want nothing else but to devour the brains of living people. If you want to laugh at zombies you should check this out.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

En los últimos años, mayo ha sido el mes de Marvel, así que hablemos de “Avengers: Age of Ultron” (2015) de Joss Whedon. Tenía bastantes expectativas, pero no puedo decir que estoy 100% satisfecho. Esta secuela es, de hecho, un éxito de taquilla muy entretenido y lleno de acción, pero se centra demasiado en los efectos especiales y descuida el desarrollo de los personajes. Mis momentos favoritos son la fiesta en la que todos se turnan para levantar el martillo de Thor y la secuencia en la casa de Hawkeye. Afortunadamente, el elenco sigue siendo tan impresionante como en la primera entrega: Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Captain America), Mark Ruffalo (Hulk), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Black Widow), Jeremy Renner (Hawkeye), Aaron Taylor-Johnson (Quicksilver), etc.

Neil Burger dirige “Divergent” (2014), basada en la novela de Veronica Roth. En una sociedad en la que todos los adolescentes se ven obligados a abandonar sus familias, Shailene Woodley (The Spectacular Now) debe decidir qué camino tomar. Ella elige la Casa de la Osadía y así es como comienza la aventura de su vida. Me encanta la idea de este futuro distópico en el que todo ha cambiado, y también disfruté con los sutiles elementos políticos entrelazados en la narrativa. Por supuesto, hay algunas secuencias muy memorables. Y el reparto incluye a jóvenes actores tan prometedores como Miles Teller (Whiplash) y Ansel Elgort. Estoy impaciente por ver la continuación.

A los 21 años Xavier Dolan ya había demostrado que era un cineasta genial con Les Amours Imaginaires (2010). “Mommy” (2014), escrita y dirigida por Dolan, es otro ejemplo de su talento. En un futuro alternativo, Canadá se ha convertido en un país represivo en el que los padres se ven obligados a poner a sus hijos en instituciones especiales para que puedan estar constantemente bajo control. Anne Dorval, sin embargo, es una madre muy atípica que adora su hijo de 15 años, Antoine-Olivier Pilon. Ella lo ama muchísimo, de hecho, se podría decir que tienen una relación bastante incestuosa. Dolan explora audazmente la sexualidad del adolescente, desde sus urgencias masturbatorias hasta su constante necesidad de tocar a su madre, incluso de manera inapropiada. Además, también podemos observar el sufrimiento de una mujer soltera que apenas logra sobrevivir después de perder su empleo miserable. Hay momentos de violencia brutal entre madre e hijo, pero también escenas inspiradoras y llenas de emoción que confieren un nivel de humanidad sin precedentes a estos personajes trastornados. Una de las mejores películas del 2014, de verdad.

Lars von Trier me sorprendió con Nymphomaniac Vol. I, y lo logra nuevamente con “Nymphomaniac Vol. Vol. II” (2013). Esta vez Charlotte Gainsbourg explora con ansias sus tendencias sadomasoquistas mientras enfrenta las dificultades de ser una adicta al sexo. Humor negro, escenas impactantes e ideas ingeniosas agregan valor a esta producción erótica. El reparto incluye a Shia LaBeouf (Bobby), Willem Dafoe (4:44 Last Day on Earth) y Jamie Bell (Billy Elliot).

“Non-Stop” de Jaume Collet-Serra (2014) está llena de suspenso y circunstancias inquietantes desde la primera toma. Liam Neeson debe proteger la vida de los pasajeros en un avión amenazado por terroristas. “Non-Stop” me mantuvo en vilo. Y me encantó la participación de Julianne Moore (Far From Heaven).

“Winter’s Tale” (2014) fue una gran decepción. Ni siquiera se salva con un buen reparto: Colin Farrell (Fright Night), Jennifer Connelly (Dark City), Finn Wittrock (American Horror Story: Freak Show), etc.

Seth MacFarlane es el guionista, director y protagonista de “A Million Ways to Die in the West” (2014), una comedia muy divertida sobre el Viejo Oeste. ¿Qué puedo decir? Siempre es agradable ver algo de vulgaridad y bromas de mal gusto. El reparto incluye a Charlize Theron (The Burning Plain), Liam Neeson y Giovanni Ribisi.

Spike Jonze me dejó asombrado con su Scenes from the Suburbs, y “Her” (2013) es un ejercicio creativo sobresaliente que gira en torno a la imposibilidad de comprometerse en una relación. Joaquin Phoenix es un hombre solitario que se enamora de un programa de computadora, pero aunque su vida pueda parecer patética, es sólo un reflejo del futuro deprimente en el que vive. El reparto incluye a Amy Adams (American Hustle) y Chris Pratt.

my drawing (color version) / mi dibujo (versión a colores)

“Submarine” (2010) es el debut como director de Richard Ayoade: un fascinante relato sobre lo difícil que es crecer centrado en un adolescente torpe (Craig Roberts) que trata de encontrar el amor (o el sexo) en la secundaria mientras intenta evitar que el matrimonio de sus padres se desintegre. Ligeramente experimental, muy original y extravagante en el buen sentido, “Submarine” es un viaje maravilloso a través de los mares turbulentos de la adolescencia. Realmente la recomiendo.

“Mickybo and Me” (2004) de Terry Loane es una conmovedora y desgarradora crónica sobre la amistad y los horrores de la guerra. Dos niños irlandeses (John Joe McNeill y Niall Wright) huyen de casa, tratando de emular a sus héroes Butch Cassidy y Sundance Kid. Loane combina la inocencia de la infancia con la devastación de una guerra que los chicos no pueden entender. El final es realmente conmovedor e inolvidable.

“The Shawshank Redemption” (1994), dirigida por Frank Darabont, es una asombrosa adaptación de un cuento de Stephen King. Tim Robbins es un banquero que va a la cárcel acusado de un crimen que no cometió. Allí se hace amigo de Morgan Freeman, y conforme pasan los años, se gana el respeto de todos a su alrededor. La forma en que se escapa me tomó por sorpresa.

“E.T. the Extra-Terrestrial” (1982), de Steven Spielberg, es una maravillosa producción para todas las edades. Spielberg captura sin esfuerzo la esencia de la magia, vista a través de los ojos de los niños; y crea una encantadora historia sobre los primeros encuentros, tiernos extraterrestres y niños muy listos. Todos los elementos aquí funcionan brillantemente: la cinematografía, la música y la actuación (Henry Thomas, Robert MacNaughton y Drew Barrymore tenían muy buenos papeles). Un clásico indiscutible de los 80s, E.T. continúa siendo una de esas películas que hay que ver al menos dos veces.

“Return of the Living Dead II” (1988) es una comedia hilarante sobre cadáveres reanimados que no quieren otra cosa que devorar los cerebros de los que están vivos. Si quieren reírse de los zombis véanla. 

Planetary # 13 - Warren Ellis & John Cassaday

If “Memory Cloud” was a narrative milestone, then “Century” (published in Planetary # 13, February 2001) is the beginning of a new chapter, one that effortlessly combines the revelations of the present with the secrets of the past. 

Warren Ellis has already revealed the truth: Elijah Snow is the Fourth Man. And in the pages of “Century” we finally have access to the missing pieces of the puzzle. Everything begins in 1919, when Snow finds a town that does not appear in any map. In that town there is an abandoned castle, and inside that castle there are dormant horrors awaiting for him.

Artist John Cassaday rescues the alluring characteristics of old horror movies from the 30s and 40s, conveying all this cinematographic magic in striking pages and beautiful panels. Baron Von Frankenstein’s lab, for instance, is a haunting image of sublime beauty; it is so appealing because in addition to an enormous amount of detail, it also includes a thorough reconstruction of Frankenstein’s labs from different movies, turning all of them into a unique and coherent artistic expression. 

However, in this new version, Frankenstein didn’t produce just one creature but rather an undetermined number of deformed monsters. Elijah Snow must fight and defeat all of them in order to get to the castle’s library. This sequence, superbly illustrated by Cassaday, combines silent moments with outbursts of violence. In the library, there is a secret map of the world, a map that includes all the uncanny, supernatural and otherworldly findings that a will be investigated by the Archeologists of the Impossible a century later.

Frankenstein's lab / el laboratorio de Frankenstein

the monsters are now awake / ahora los monstruos están despiertos

It is thanks to this map that Elijah Snow discovers an ancient conspiracy, and he decides to visit one of these conspirators: Sherlock Holmes. And that’s the beginning of one of my favorite moments. Elijah Snow explains to the world’s greatest detective how he was able to track him down. Snow was aware of the existence of John Carter (the Edgar Rice Burroughs hero that visited Mars), Dr. Griffin (the Invisible Man from the H.G. Wells novel), Robur the Conqueror (a Jules Verne creation) and Carnacki (the ghost-finder) and his Sigsand Manuscript (both created by William Hope Hodgson). In the same way that Alan Moore reunited the protagonists of 19th century novels in “The League of Extraordinary Gentlemen”, Ellis explores this marvelous concept, making a few adjustments and modifications to these well-known adventurers. 

Sherlock Holmes is under the protection of Count Dracula, but Snow finds the way to defeat the vampire. Then, and only then, Holmes explains how the conspiracy began: “we, the extraordinary, were conspiring to make the world better […] It was our hope to bring our minds to bear upon the problems of human society and construct a brave new world from the remnants of the old”. But as it so often happens, despite their good intentions they eventually forgot their true purpose. 

In the end, Sherlock Holmes and Elijah Snow reach an agreement. Holmes will become Snow’s mentor, instructing him in his methods. Decades later, Snow would explain more about this deal: “And so it was that I studied with the world’s greatest detective for five years, until he finally died of old age. To his disgust, I never got rid of the accent in his lifetime. It took another ten years of walking across the world to do that. But I never lost my love of the secrets. And I don’t think I ever will”.
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Si “Nube de memorias” fue un hito narrativo, entonces “Siglo” (publicado en Planetary # 13, febrero de 2001) es el comienzo de un nuevo capítulo, que combina sin esfuerzo las revelaciones del presente con los secretos del pasado.

the fight begins / comienza la pelea

Warren Ellis ya ha revelado la verdad: Elijah Snow es el Cuarto Hombre. Y en las páginas de “Siglo” por fin tenemos acceso a las piezas faltantes del rompecabezas. Todo comienza en 1919, cuando Snow encuentra un pueblo que no aparece en ningún mapa. En esa pueblo hay un castillo abandonado, y al interior del castillo hay horrores que hibernan a la espera de su llegada.

El artista John Cassaday rescata las atractivas características de las viejas películas de terror de los años 30 y 40, transmitiendo toda esta magia cinematográfica en páginas llamativas y hermosas viñetas. El laboratorio del Barón Von Frankenstein, por ejemplo, es una imagen inquietante de belleza sublime; es tan atractivo porque, además de la enorme cantidad de detalles, también incluye una reconstrucción minuciosa de los laboratorios de Frankenstein de diferentes películas, convirtiéndolos a todos en una expresión artística única y coherente.

Sin embargo, en esta nueva versión, Frankenstein no produjo sólo una criatura, sino más bien un número indeterminado de monstruos deformes. Elijah Snow debe luchar y derrotarlos con el fin de llegar a la biblioteca del castillo. Esta secuencia, magníficamente ilustrada por Cassaday, combina momentos de silencio con estallidos de violencia. En la biblioteca hay un mapa secreto del mundo, un mapa que incluye todos los hallazgos misteriosos, sobrenaturales y cósmicos que serán investigados por los Arqueólogos de lo Imposible un siglo después.

Sherlock Holmes & Dracula

Es gracias a este mapa que Elijah Snow descubre una antigua conspiración, y decide visitar uno de estos conspiradores: Sherlock Holmes. Y ese es el comienzo de uno de mis momentos favoritos. Elijah Snow le explica al mejor detective del mundo cómo fue capaz de seguirle la pista. Snow era consciente de la existencia de John Carter (el héroe de Edgar Rice Burroughs que visitó Marte), el Dr. Griffin (el hombre invisible de la novela de H.G. Wells), Robur el Conquistador (una creación Jules Verne) y Carnacki (el busca-fantasmas) y su Manuscrito Sigsand (ambos creados por William Hope Hodgson). De la misma manera que Alan Moore reunió a los protagonistas de las novelas del siglo XIX en “La Liga de los Caballeros Extraordinarios”, Ellis explora este maravilloso concepto, haciendo algunos ajustes y modificaciones a estos famosos aventureros.

Sherlock Holmes se encuentra bajo la protección del Conde Drácula, pero Snow encuentra la forma de derrotar al vampiro. Entonces, y sólo entonces, Holmes explica cómo comenzó la conspiración: "nosotros, los extraordinarios, estábamos conspirando para hacer de este un mundo mejor [...] Era nuestra esperanza utilizar nuestras mentes para aliviar los problemas de la sociedad humana y construir valientemente un nuevo mundo a partir de los restos del antiguo". Pero como sucede a menudo, a pesar de sus buenas intenciones eventualmente ellos olvidaron su verdadero propósito.

Al final, Sherlock Holmes y Elijah Snow llegan a un acuerdo. Holmes se convertirá en el mentor de Snow, instruyéndolo en sus métodos. Décadas más tarde, Snow explicará más sobre este acuerdo: "Y así fue que estudié con el mejor detective del mundo durante cinco años, hasta que finalmente murió de viejo. Para su disgusto, nunca me deshice del acento en ese lustro. Me tomó otros diez años de caminar por todo el mundo para lograrlo. Pero nunca perdí mi amor por los secretos. Y creo que jamás lo perderé".

Neonomicon - Alan Moore & Jacen Burrows

“Life imitates art far more than art imitates life” seems to be the sort of literary paradox one runs into quite often, either as a reader or a writer. However, when Oscar Wilde wrote about art and life in the 19th century, he wasn’t probably thinking about the implications such a phrase would have in the 21st century.

British author Alan Moore has taken advantage of his encyclopedic knowledge of horror literature, reinterpreting the works of H.P. Lovecraft. Abridging the gap between centuries, Moore reunites the highest exponents of horror and fiction from the past, with the disturbing reality of today’s world. 

As we saw in “The Courtyard”, FBI agent Aldo Sax was investigating a series of macabre murders. At first he thinks of logical explanations to make sense of these homicides. He takes into consideration the presence of a satanic cult, a new underground drug and the mysterious figure of Johnny Carcosa. However, when Sax and Carcosa meet in a lugubrious courtyard, something supernatural occurs. Carcosa speaks with Sax in Aklo, an antediluvian inhuman language. Such is the power of this unearthly language that Sax loses his mind, and starts killing people using the same modus operandi of the crimes he was investigating in the first place.

“At the Mansions of Madness”, the first chapter of Alan Moore’s Neonomicon, begins with the investigation of two FBI agents: Merril Brears and Gordon Lamper. After interrogating Aldo Sax, they decide to look for Johnny Carcosa in the sinister Club Zothique. The Federal Bureau of Investigation has assembled a team of experts to finally solve what seems to be an impossible case.

After raiding the club, Merril Brears and Gordon Lamper arrive to Johnny Carcosa’s house. There they find the corpse of a monstrous woman with a slit throat; some of the officers make a conjecture: she must be Carcosa’s mother. Except that she doesn’t seem to belong to this world. Nor does Carcosa, an individual who has never showed his face to anyone. There is a fascinating moment when agent Merril is about to capture Carcosa. She follows him to a creepy mural in the courtyard, a mural painted in such a way that suggests a third dimension in what is, in fact, a flat wall. Johnny Carcosa stands there and he turns into a drawing inside the mural. Merril and the rest of the agents are absolutely shocked when they touch the mural and find nothing but paint and dust.

The line between reality and fiction is blurred. And this is how it’s meant to be when one writes about Lovecraft. After all, for years, readers suspected that there was an unpublished book written by Lovecraft and titled “Necronomicon”, at the same time, occultists got obsessed with the figure of the American writer, to a point in which fiction started to be considered as reality, life was imitating art after all.

Carcosa's mother is dead / la madre de Carcosa está muerta

Nonetheless, in “The Shadow Out of America”, Moore proposes just the opposite. Art imitates life. Everything that has happened in the The Courtyard was linked to Lovecraftian literature. This becomes evident for Merril, who studied 19th century writers in her university years. Every clue in this case has a literary equivalent. And after a while she detects the presence of writers such as Ambrose Bierce, Robert Chambers, Clark Ashton Smith and Arthur Machen, amongst others. “They were all writers who sort of influenced each other. They referred to each other’s works […] It can’t all be coincidence”, explains the FBI agent. And she’s right. Dozens of writers influenced H.P. Lovecraft, in the same way that Lovecraft influenced Alan Moore and an entire generation of contemporary writers.

Merril and Gordon follow a lead to Salem, Massachusetts. There they find a group of pornographers obsessed with the Cthulhu Mythos and the Necronomicon. In an undercover mission, agent Gordon is killed and Merril is captured; consequently she is sexually abused first by men and later on she is raped by a creature that no one else on Earth has ever seen. Barely able to survive this traumatic experience, Merril discovers how to communicate with the monster in “The Language at the Threshold”. 

Despite the disturbing scenes (many of which stirred quite a controversy in 2010, when this miniseries was originally published), Alan Moore plays with the intuition of the reader. He lets us guess what lies beneath the surface. Even if there is gore, blood and sexual violence, there are far more terrible and otherworldly things concealed from the human eye. This is a fundamental idea in Lovecraft’s narrative. The notion that the real horror is of a cosmic nature, it’s all around us and is as vast as the universe and as old as the planet itself. “That is not dead which can eternal lie. And with strange aeons even death may die”. Death, of course, has little meaning in the great scheme of the Lovecraftian saga. And Merril understands all this in “The Lurker Within”.

Johnny Carcosa goes to another dimension / Johnny Carcosa se va a otra dimensión

This captivating 4-issue miniseries counts again with artist extraordinaire Jacen Burrows. His exquisite compositions and his love for details enhance the complexity of Moore’s scripts. It really is necessary to take a pause and admire each page carefully, because there are hidden clues and unsettling graphic components in every panel. The astonishing creative team of Moore and Burrows is responsible for the darkest and most sinister Avatar limited series I’ve ever read. 
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

the orgy begins / comienza la orgía 

“La vida imita al arte mucho más que el arte imita a la vida” pareciera ser el tipo de paradoja literaria que uno encuentra con bastante frecuencia, ya sea como lector o escritor. Sin embargo, cuando Oscar Wilde escribió sobre el arte y la vida en el siglo XIX, probablemente no estaba pensando en las implicaciones que tal frase tendría en el siglo XXI.

El autor británico Alan Moore ha aprovechado su conocimiento enciclopédico de la literatura de terror, reinterpretando las obras de H.P. Lovecraft. Cerrando la brecha entre siglos, Moore reúne a los más altos exponentes del terror y la ficción del pasado, con la inquietante realidad del mundo de hoy.

Como vimos en “The Courtyard”, el agente del FBI Aldo Sax estaba investigando una serie de asesinatos macabros. Al principio, él piensa en explicaciones lógicas para darle sentido a estos homicidios. Considera la presencia de un culto satánico, una nueva y poco conocida droga, y la misteriosa figura de Johnny Carcosa. Sin embargo, cuando Sax y Carcosa se encuentran en un lúgubre patio, algo sobrenatural ocurre. Carcosa habla con Sax en Aklo, un lenguaje inhumano antediluviano. Tal es el poder de este lenguaje sobrenatural que Sax pierde la cordura, y comienza a asesinar personas con el mismo modus operandi de los crímenes que estaba investigando en primer lugar.

Merril is captured / Merril es capturada

“En las mansiones de la demencia”, primer capítulo de Neonomicon de Alan Moore, comienza con la investigación de dos agentes del FBI: Merril Brears y Gordon Lamper. Después de interrogar a Aldo Sax, deciden buscar a Johnny Carcosa en el siniestro Club Zothique. La Oficina Federal de Investigaciones ha reunido a un equipo de expertos a fin de resolver lo que parece ser un caso imposible.

Después de una redada en el club, Merril Brears y Gordon Lamper llegan a la casa de Johnny Carcosa. Allí encuentran el cadáver de una mujer monstruosa con la garganta cortada; algunos de los oficiales hacen una conjetura: ella debe ser la madre de Carcosa. Sólo que ella no parece pertenecer a este mundo. Tampoco Carcosa, una persona que nunca ha mostrado su cara. Hay un momento fascinante cuando la agente Merril está a punto de capturar a Carcosa. Ella lo sigue a un mural espeluznante en el patio, un mural pintado de una manera que sugiere una tercera dimensión en lo que es, de hecho, una pared plana. Johnny Carcosa se queda de pie allí y se convierte así en un dibujo al interior del mural. Merril y el resto de los agentes quedan absolutamente sorprendidos cuando tocan el mural y no encuentran nada más que pintura y polvo.

La línea entre la realidad y la ficción se vuelve borrosa. Y así es como se supone que debe ser cuando uno escribe sobre Lovecraft. Después de todo, durante años, los lectores sospechaban que había un libro inédito escrito por Lovecraft y titulado “Necronomicon”, al mismo tiempo, los ocultistas se obsesionaron con la figura del escritor norteamericano, a tal punto que la ficción comenzó a ser considerada como realidad, la vida estaba imitando al arte después de todo.

Lovecraft's parallel dimensions / las dimensiones paralelas de Lovecraft

an FBI agent versus a monster / una agente del FBI versus el monstruo

Sin embargo, en “La sombra de América”, Moore propone todo lo contrario. El arte imita la vida. Todo lo que ha sucedido en “The Courtyard” estaba vinculado a la literatura de Lovecraft. Esto resulta evidente para Merril, que estudió a los escritores del siglo XIX en sus años universitarios. Cada pista en este caso tiene un equivalente literario. Y en poco tiempo se detecta la presencia de escritores como Ambrose Bierce, Robert Chambers, Clark Ashton Smith y Arthur Machen, entre otros. “Todos ellos eran escritores que de algún modo ejercían influencias entre sí. Hacían referencias a las obras de los demás [...] No todo puede ser coincidencia”, explica la agente del FBI. Y tiene razón. Decenas de escritores influenciaron a H.P. Lovecraft, de la misma manera que Lovecraft ha influenciado a Alan Moore y a toda una generación de escritores contemporáneos.

Merril y Gordon siguen una pista hasta Salem, Massachusetts. Allí encuentran a un grupo de pornógrafos obsesionados con los Mitos de Cthulhu y el Necronomicon. En esta misión secreta, el agente Gordon es asesinado y Merril es capturada; en consecuencia, ella es abusada sexualmente primero por hombres y luego es violada por una criatura que nadie más en la Tierra ha visto jamás. Apenas capaz de sobrevivir a esta experiencia traumática, Merril descubre cómo comunicarse con el monstruo en “El lenguaje en el Umbral”.

A pesar de las escenas perturbadoras (que causaron toda una polémica en el 2010, cuando esta miniserie fue publicada originalmente), Alan Moore juega con la intuición del lector. Él nos permite adivinar lo que hay debajo de la superficie. Incluso si hay tripas derramadas, sangre y violencia sexual, hay mucho más cosas terribles y monstruosas ocultas al ojo humano. Esta es una idea fundamental en la narrativa de Lovecraft. La idea de que el verdadero horror es de naturaleza cósmica, está a nuestro alrededor y es tan vasto como el universo y tan antiguo como el propio planeta. “No está muerto aquello que puede yacer eternamente. Y en extraños eones, incluso la muerte podría morir”. La muerte, por supuesto, tiene poco significado en el gran esquema de la saga Lovecraftiana. Y Merril comprende todo esto en “El que acecha desde dentro”.

a creature worthy of Lovecraft / una criatura digna de Lovecraft

Esta cautivante miniserie de 4 números cuenta nuevamente con el extraordinario artista Jacen Burrows. Sus exquisitas composiciones y su amor por los detalles complementan la complejidad de los guiones de Moore. Realmente es necesario tomar una pausa y admirar cada página con cuidado, porque hay pistas ocultas y componentes gráficos inquietantes en cada viñeta. El asombroso equipo creativo de Moore y Burrows es responsable de la serie limitada más oscura y siniestra de Avatar. 

Judge Dredd: Judge Death - John Wagner & Brian Bolland

When I was still in elementary school Judge Dredd was one of my favorite heroes. There was something special about this strict man obsessed with the law, and although back then I wasn’t aware of who wrote or drew the stories I enjoyed so much, I always had a special predilection towards Brian Bolland. I honestly can’t remember when I started noticing his name, but he used to illustrate a great deal of covers, and I remember I would always look for his signature and his characteristic inverted ‘N’ that has become his trademark.

Judge Death / Juez Muerte

So in many ways, I learnt to identify different artistic styles thanks to Brian Bolland and the rest of the wonderful pencilers and inkers that were in charge of Judge Dredd. In recent decades, Bolland has become famous as one of the best cover artists in the industry, but for some reason he has stopped doing interior art. Of course, that was not the case back in 1980 when Judge Death and Judge Anderson would make their first appearance on the pages of 2000 AD progs 149 – 151 (in 1981, Bolland would return for the sequel “Judge Death Lives” published in 2000 AD progs 224–228). Both of these Judge Death stories would also be reprinted in full color (courtesy of John Burns) for the American market in the 80s. 

Although most of the Judge Dredd adventures are firmly inserted in a post-apocalyptical future and are, therefore, sci-fi oriented, British writer John Wagner never forgot that comic books are the ideal medium to effortlessly combine sci-fi and fantasy. Indeed, these two genres are always separated when it comes to novels, but in comic books there is nothing more common than to see arcane magic and advanced technology coexisting in the same page. And this is exactly what happens in the “Judge Death” saga. 

Judge Anderson

Perhaps Dredd’s first supernatural adversary, Judge Death is a lifeless creature with the ability to kill everyone he touches. He comes from a parallel dimension in which the judges came to a ghastly conclusion: all crimes are committed by the living, therefore, life itself is a crime. Dredd alone cannot defeat Death, and so he must ask Judge Anderson, the most talented member of the Psi Division, to help him. Judge Cassandra Anderson is Dredd’s antithesis, and I think that is precisely why the readers immediately fell in love with her. She rarely covers her face, unlike Dredd who has never showed his face in over 36 years. She is lively, enthusiastic and open-minded, whereas Dredd is stern, realistic and rigid. 

Obviously, she also displays a delightful sense of humor. When they meet for the first time, Anderson reads Dredd’s mind and affirms that he can’t hide his “guilty secrets” from a telepath. Dredd reply is blunt and to the point: “I have no guilty secrets”. That seemingly innocent moment will mark the beginning of Anderson’s subtle flirtations towards Mega-City One’s greatest judge. In fact, a few pages later, Anderson touches Dredd to psychically shield him, and Dredd complaints by asking “Is this absolutely necessary?”.

In the battle against Judge Death, Anderson acts even more heroically than Dredd himself. She is willing to sacrifice her life in order to imprison Death’s mind inside her body. Fortunately, in “Judge Death Lives” Anderson comes back to life, after all, turns out she was only in a state of suspended animation. This time, however, Judge Death is reunited with his 3 sinister allies: Fire, Fear and Mortis. Together, the four Dark Judges (like the Four Horsemen of the Apocalypse) would kill hundreds of Mega-City One citizens, until Dredd and Anderson finally figure out how to stop them. 

Judge Anderson: dead or alive? / la Jueza Anderson: ¿viva o muerta?

Brian Bolland’s art is breathtakingly gorgeous. Highly detailed, beautifully balanced and harmonically designed, each one Bolland’s pages set an artistic precedent that very few of his colleagues could surpass. With a unique sense of sequential structure, Bolland always knew how to depict the movement and inner conflicts, from the protagonists to the most insignificant characters. It’s always such an immense joy to behold his panels; everything that makes the 9th art so great can be found there. Bolland’s imagination and visual creativity are unparalleled, and although many can be astonished by his perfectionism and his precise brush, what surprises me the most is that even in 1980 he was already aware of his duty as an artist. Instead of rushing out to meet a deadline he would devote as much time as possible to his work. And that is one of the reasons why we can’t stop admiring him: because of his complete commitment to art. 
________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________

Cuando todavía estaba en primaria, Judge Dredd era uno de mis héroes favoritos. Había algo especial en este estricto hombre obsesionado con la ley, y aunque en ese entonces no era consciente de quién escribía o dibujaba las historias que tanto disfrutaba, siempre tuve una especial predilección por Brian Bolland. Honestamente, no puedo recordar cuando empecé a notar su nombre, pero él solía ilustrar una gran cantidad de portadas, y recuerdo que buscaba siempre su firma y su característica ‘N’ invertida, que se convertiría en su marca personal.

Fear, Fire & Mortis

Así que, en cierto modo, aprendí a identificar diferentes estilos artísticos gracias a Brian Bolland y el resto de los maravillosos dibujantes y entintadores que estaban a cargo de Juez Dredd. En las últimas décadas, Bolland se ha hecho famoso como uno de los mejores portadistas de la industria, pero por alguna razón ha dejado de hacer arte interior. Por supuesto, ese no era el caso en 1980 cuando el Juez Muerte y la Jueza Anderson hacían su primera aparición en las páginas de 2000AD 149 a 151 (en 1981, Bolland volvería para la secuela "El Juez Muerte está vivo", publicada en 2000AD 224 a 228). Estas dos historias de Juez Muerte serían reeditadas a todo color (cortesía de John Burns) para el mercado de Estados Unidos en los años 80.

Aunque la mayoría de las aventuras de Juez Dredd están firmemente insertadas en un futuro post-apocalíptico y son, por lo tanto, de pura ciencia-ficción, el escritor británico John Wagner nunca olvidó que los cómics son el medio ideal para combinar sin esfuerzo la ciencia ficción y la fantasía. De hecho, estos dos géneros siempre están separados cuando se trata de novelas, pero en los cómics no hay nada más común que ver la magia arcana y la tecnología avanzada coexistiendo en la misma página. Y esto es exactamente lo que sucede en la saga de "El Juez Muerte".

Victims of the Dark Judges / las víctimas de los Jueces Oscuros

Tal vez el primer adversario sobrenatural de Dredd, el Juez Muerte es una criatura sin vida con la capacidad de matar a todos los que toca. Él viene de una dimensión paralela en la que los jueces llegaron a una conclusión espeluznante: todos los delitos son cometidos por los vivos, por lo tanto, la vida misma es un crimen. Dredd por sí solo no puede derrotar a Muerte, y por ello debe pedirle ayuda a la Jueza Anderson, la integrante más talentosa de la División Psi. La Jueza Cassandra Anderson es la antítesis de Dredd, y creo que precisamente por eso los lectores de inmediato se enamoraron de ella. La jueza rara vez se cubre el rostro, a diferencia de Dredd que nunca ha mostrado su cara en más de 36 años. Ella es vivaz, entusiasta y de mente abierta, mientras que Dredd es severo, realista y rígido. 

Facing Death / enfrentándose a Muerte

the final battle / la batalla final

Obviamente, ella también muestra un gran sentido del humor. Cuando se encuentran por primera vez, Anderson lee la mente de Dredd y afirma que él no puede ocultarle sus "culposos secretos" a una telépata. La respuesta de Dredd es contundente y al grano: "no tengo secretos culposos". Ese momento, aparentemente inocente, marcará el comienzo de un coqueteo sutil de parte de Anderson que el mayor juez de Mega-City One preferirá ignorar. De hecho, unas páginas más adelante, Anderson toca a Dredd para protegerlo psíquicamente y Dredd se queja preguntando "¿Es esto absolutamente necesario?".

En la batalla contra el Juez Muerte, Anderson actúa aún más heroicamente que Dredd. Ella está dispuesta a sacrificar su vida con el fin de aprisionar la mente de Muerte dentro de su cuerpo. Afortunadamente, en "El Juez Muerte está vivo" Anderson revive, después de todo, resulta que ella sólo estaba en estado de animación suspendida. Esta vez, sin embargo, el Juez Muerte se reúne con 3 siniestros aliados: Fuego, Miedo y Mortis. Juntos, los cuatro jueces oscuros (como los cuatro jinetes del Apocalipsis) matarán a cientos de ciudadanos de Mega-City One, hasta que Dredd y Anderson finalmente encuentran la manera de detenerlos.

El arte de Brian Bolland es de una belleza sobrecogedora. Altamente detalladas, muy bien balanceadas y armónicamente diseñadas, cada una de las páginas de Bolland establecen un precedente artístico que muy pocos de sus colegas podrían superar. Con un sentido único de la estructura secuencial, Bolland siempre supo cómo retratar el movimiento y los conflictos internos, desde los protagonistas a los personajes más insignificantes. Estas viñetas son siempre una inmensa alegría para los ojos; todo lo que hace que el noveno arte sea tan grandioso puede encontrarse allí. La imaginación de Bolland y su creatividad visual son incomparables, y aunque muchos se pueden asombrar por su perfeccionismo y por la precisión de su pincel, lo que más me sorprende es que incluso en 1980 él ya era consciente de su deber como artista. En lugar de apresurarse para cumplir con los plazos de entrega, él dedicaba tanto tiempo como le era posible a su trabajo. Y esa es una de las razones por las que no podemos dejar de admirarlo: por su compromiso total con el arte.

Hipnógrafos - José Gabriel Alegría Sabogal (Centro Colich)

Hace 4 años fui al Centro Colich por primera vez, y desde ese entonces este acogedor espacio barranquino pasó a formar parte de mi lista de lugares imprescindibles del circuito artístico limeño. En buena medida, considero que el acierto de Lothar Busse, director del Centro Colich, ha sido alentar la presencia de artistas jóvenes. De hecho, muchos han presentado su primera muestra en los muros de esta casona.

Hace un par de semanas se inauguró la magnífica muestra “Hipnógrafos” de José Gabriel Alegría Sabogal, sin duda una de las mejores que he tenido la oportunidad de ver en el 2015. Además de tener un enorme talento, este artista se ha dedicado por completo a su pasión creadora, y el resultado son obras extraordinarias que rinden homenaje al maestro alemán Durero. Incluso la firma que acompaña cada uno de estos cuadros nos remite a la particular rúbrica del pintor renacentista.

Aunque me gustaría incluir todos los cuadros en este post, por motivos de espacio solamente me limitaré a unos cuantos. Pero así eligiese uno solo, la calidad artística de la propuesta de José Gabriel Alegría Sabogal sería más que evidente. En primer lugar hay que valorar el acercamiento a la técnica del grabado, tal como la entendían Durero o Goya. Es cierto que actualmente se producen grabados interesantes dentro de los esquemas del arte contemporáneo, pero a menudo lo que se puede observar es una primacía excesiva del concepto en detrimento del trabajo en sí.

Por fortuna, lo que podemos ver en “Hipnógrafos” es una adecuada confluencia de conceptos bien planteados y una minuciosa labor pictórica. Personalmente, encuentro fascinante el retorno del imaginario renacentista, reelaborado y reinterpretado para la mirada postmoderna. Tenemos, entonces, escenas que bien podría haber dibujado Durero pero adaptadas al siglo XXI. 

Entre los elementos recurrentes que más me han llamado la atención, estarían la muerte, representada mediante esqueletos y cráneos (en algunos casos, el artista de hecho incluye huesos de verdad en el cuadro); la desnudez que reanuda la vertiente tanática con la erótica (en varios cuadros, el miembro viril está en estado de erección mientras el sujeto en sí se encuentra desfalleciente), los insectos (tema también común para Durero), la arquitectura y los mensajes constantes escritos en una mezcla de latín clásico y algún extraño dialecto de las incipientes lenguas romances.