Danger Unlimited - John Byrne

In the 80s, John Byrne became the most important creator in the comics industry by revamping Superman in Man of Steel, and by writing the best run in Fantastic Four, comparable only to Stan Lee and Jack Kirby’s original run. In the early 90s, Byrne produced his last masterpiece, Next Men, but at the same time he was also working on other titles for Dark Horse, such as Danger Unlimited.

At the time, a lot of people wrongfully thought that Next Men was a simple copy or an imitation of Marvel’s X-Men, however, that had nothing to do with Byrne’s intentions as a creator. Danger Unlimited, on the other hand, was designed in such a way that’s impossible not to recognize the connections with the Fantastic Four. In the San Diego Comic Con of 1993, Byrne explained that “I got snotty and said ‘well, since nobody else is doing the Fantastic Four, I thought I would’”. Although it was intended as a joke, the truth is that, at the time, Marvel’s premier superhero family was going through a less than stellar period. So in many ways, Danger Unlimited is the superhero title Byrne wanted to write at the time, and it also begun as a reinterpretation of the Fantastic Four.

This is the basic premise of what was supposed to be an ongoing series: “In 1960, four heroes fought to save the world. In 2060, who will fight to reclaim it? A freak accident gave four friends strength and abilities that set them apart from normal men, and they used these abilities to fight the tide of evil as Danger Unlimited! Fast forward to the far-flung future, when the never-ending battle is actually nearing its end and the side of justice is losing; Earth has been conquered by an alien race and super-powered humans have been outlawed. The human race needs some help, some heavy-duty firepower, if it’s going to turn the tide and take back earth. It needs another Danger Unlimited”.

Doctor Carson & Calvin Carson

As I started reading Danger Unlimited for the first time, exactly 25 years after it was originally published, I immediately felt fascinated by the world John Byrne had created. The legendary author manages to tap into that creative drive that made him a superstar in titles like Fantastic Four, and I must say that I felt the same excitement and anticipation I had when I read Byrne’s Fantastic Four. This was clearly a passion project, something Byrne really wanted to do, and even the Torch of Liberty backup is amazing; these are the kind of tales that could have been told about Captain America, if Marvel hadn’t needed to appease the Comics Code Authority. This backup feature is written by Byrne and illustrated by his then son in law, Kieron Dwyer.

Calvin Carson: prisoner of the future / Calvin Carson: prisionero del futuro

The first story arc of Danger Unlimited is The Phoenix Agenda, comprised of 4 parts: “Rebirth” (originally published in Danger Unlimited # 1, February 1994), “Discovery” (Danger Unlimited # 2, March 1994), “Metamorphosis” (Danger Unlimited # 3, April 1994) “Genesis” (Danger Unlimited # 4, May 1994). My favorite chapter is probably the second one, in which we see how 4 adventurers gain unique powers and abilities; in “Discovery” Doctor Robert Carson and his children Calvin Carson and Connie Carson, meet Worley, and together they decide to explore a huge spaceship that landed on Earth centuries ago. There is always something tremendously appealing about the idea of extraterrestrial life coming in contact with humanity in the past, and although this idea had been previously used by Byrne in Fantastic Four and Superman, he still manages to surprise the reader and create suspense as only a master storyteller like him could. 

Enemy

Byrne’s art in Danger Unlimited is stunning. In 1994, Byrne was still at the top of his game. And even if I always say that Next Men was his last magnus opus, Danger Unlimited is just as great. Colorist Matt Webb also does magnificent work here. Finally, Byrne experimented with a unique form of shading “achieved with Duo-Shade, which is a chemically treated board. Printed into the surface in non-repro blue are two patterns (options of lines or dots) which become visible to the camera when painted on with special chemicals”. All covers were penciled and inked by Byrne, and then hand painted by artist Gary Cody. Unfortunately, the collapse of the comic book industry in the 90s killed the title before Byrne had the chance to finish what seemed to be an extremely promising story. What a shame. 
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En los 80s, John Byrne se convirtió en el creador más importante en la industria del cómics al renovar a Superman en Man of Steel y al escribir la mejor etapa de Fantastic Four, comparable solamente a la etapa original de Stan Lee y Jack Kirby. A principios de los 90s, Byrne produjo su última obra maestra, Next Men, pero al mismo tiempo también estaba trabajando en otros títulos para Dark Horse, como Danger Unlimited.

Doctor Carson & Worley

En ese momento, mucha gente pensó erróneamente que Next Men era una simple copia o imitación de los X-Men de Marvel, sin embargo, eso no tenía nada que ver con las intenciones de Byrne como creador. Danger Unlimited, por otro lado, fue diseñado de tal manera que es imposible no reconocer las conexiones con los Cuatro Fantásticos. En el Comic Con de San Diego de 1993, Byrne explicó que "me puse arrogante y dije 'bueno, ya que nadie más está haciendo los Cuatro Fantásticos, pensé que lo haría yo'". Aunque fue pensado como una broma, la verdad es que, en ese momento, la principal familia de superhéroes de Marvel estaba pasando por un período nada estelar. Entonces, en muchos sentidos, Danger Unlimited es el título de superhéroes que Byrne quería escribir en ese momento, y también comenzó como una reinterpretación de los Cuatro Fantásticos.

Alien

Esta es la premisa básica de lo que se suponía que sería una serie mensual: “En 1960, cuatro héroes lucharon por salvar el mundo. En 2060, ¿quién luchará para recuperarlo? Un extraño accidente les dio a cuatro amigos la fuerza y las habilidades que los diferenciaban de los hombres normales, ¡y usaron estas habilidades para luchar contra la marea del mal como Danger Unlimited! Avancemos rápidamente al futuro lejano, cuando la batalla interminable está llegando a su fin y el lado de la justicia está perdiendo; la Tierra ha sido conquistada por una raza alienígena y los humanos con superpoderes han sido apresados. La raza humana necesita algo de ayuda, algo de verdadero poder, si va a cambiar el rumbo y recuperar la Tierra. Se necesita otro Danger Unlimited".

Connie & Calvin Carson

Cuando comencé a leer Danger Unlimited por primera vez, exactamente 25 años después de la fecha de publicación original, inmediatamente me sentí fascinado por el mundo que John Byrne había creado. El legendario autor se las arregla para aprovechar ese impulso creativo que lo convirtió en una superestrella en títulos como Fantastic Four, y debo decir que sentí la misma emoción y anticipación que tuve cuando leí Fantastic Four de Byrne. Este fue claramente un proyecto de pasión, algo que Byrne realmente quería hacer, e incluso el relato secundario de Torch of Liberty es increíble; este es el tipo de historias que se podrían haber contado sobre el Capitán América, si Marvel no hubiese necesitado apaciguar a la Autoridad del Código de los Comics. Este relato secundario está escrito por Byrne e ilustrado por su yerno, Kieron Dwyer.

Hellboy

El primer arco de la historia de Danger Unlimited es The Phoenix Agenda, que consta de 4 partes: "Renacimiento" (publicado originalmente en Danger Unlimited # 1, febrero de 1994), "Descubrimiento" (Danger Unlimited # 2, marzo de 1994), "Metamorfosis" (Danger Unlimited # 3, abril de 1994) "Génesis" (Danger Unlimited # 4, mayo de 1994). Mi capítulo favorito es probablemente el segundo, en el que vemos cómo 4 aventureros obtienen poderes y habilidades únicos; en "Descubrimiento", el doctor Robert Carson y sus hijos Calvin Carson y Connie Carson se encuentran con Worley, y juntos deciden explorar una enorme nave espacial que aterrizó en la Tierra hace siglos. Siempre hay algo tremendamente atractivo en la idea de que la vida extraterrestre entró en contacto con la humanidad en el pasado, y aunque esta idea había sido utilizada previamente por Byrne en Fantastic Four y Superman, todavía logra sorprender al lector y crear suspenso a la altura de este gran maestro de la narrativa.

Calvin Carson

El arte de Byrne en Danger Unlimited es impresionante. En 1994, Byrne todavía estaba en la cúspide. E incluso si siempre digo que Next Men fue su última gran obra, Danger Unlimited es igual de genial. El colorista Matt Webb también hace un trabajo magnífico aquí. Finalmente, Byrne experimentó con una forma única de sombreado "lograda con Duo-Shade, que es un tablero tratado químicamente. Impresos en la superficie en azul no reproducible hay dos patrones (opciones de líneas o puntos) que se vuelven visibles para la cámara cuando se pintan con productos químicos especiales”. Todas las portadas fueron pintadas y entintadas por Byrne, y luego pintadas a mano por el artista Gary Cody. Desafortunadamente, el colapso de la industria del cómic en los 90s finiquitó el título antes de que Byrne tuviera la oportunidad de terminar lo que parecía ser una historia extremadamente prometedora. Una lástima.

Oliver - Gary Whitta & Darick Robertson

The first issue of Oliver was published in January 2019. I had temporarily abandoned the warmer weather of California to enjoy Wisconsin’s winter for a couple of weeks. It was also in Milwaukee, Wisconsin, where I met my German roommate, Oliver. And I guess a weird combination between a winter that I would never experience in my home country, Peru, and the fact that this new Image title reminded me of my roommate’s name, factored in the decision of acquiring a new series from a writer that I wasn’t really familiar with. 

It was after I bought the first issue of Oliver that I found out that Whitta “was the screenwriter of The Book of Eli (2010), co-wrote After Earth (2013) with M. Night Shyamalan, and co-developed the story for Star Wars Rogue One (2016)”. Of course, having high profile Hollywood projects under your belt doesn’t really mean anything to me, and what really sold me on this new Image miniseries was Darick Robertson, famous for his work on The Boys. I’m huge fan of Robertson and even though I had no idea who Whitta was I still got the series. And I’m really glad I did. 

The first pages of Oliver are more than enough to prove how ambitious of a project this was, and how much effort Whitta and Robertson put into it. A devastated, post-apocalyptic England is wonderfully illustrated by Robertson, the profusion of details, the precise lines, the shadows, the darkness, the ephemeral presence of light and above all a remarkable sense of composition turn these pages into true masterpieces. I’ve been a fan of Robertson for years, and I had high expectations but his work here is even more amazing than what I had in mind. 

In the opening sequence, we see Oliver’s mother going through the wasteland that was once London, and the images are shocking but also full of a unique kind of lyric poetry. Oliver is born in a town with no women. And he is raised by a group of clones that were genetically engineered to fight in England’s last great war, which ended up being a catastrophe for most normal human beings. 

When Charles Dickens published Oliver Twist, readers immediately felt identified with this orphan, who was also a survivor. In Whitta’s miniseries, Oliver is certainly a survivor but also a fighter: due to his unique genetic makeup he has special abilities that allow him to do things that nobody else could. It has often been said that Dickens wanted to raise awareness about the woes of child labor, and that is exactly what happens in the second chapter, when we see Oliver working in a factory along the other enslaved clones. One of my favorite pages is the one that shows Oliver asking for more food, and once again Robertson’s art is absolutely striking.

The questions of who Oliver’s parents might be respond to a very different situation, because in this reality, even if Oliver knew who they were, that would mean nothing. So this time the orphan can only rely on his special abilities and on the people who raised him. As Whitta explains: “In both Dickens’ book and our book, the slums of London are populated by a kind of forgotten underclass who have been swept under the carpet by the more privileged”. This time we’re talking about clones who have no rights and are not considered humans.

Darick Robertson also explains the essence of Oliver as a character: he “comes from a fragile, precarious world where even food and water aren’t guaranteed and emerges from that a hero”. That is why, in the words of Sam Stone, this new Image miniseries is “A love letter to classic British literature, Oliver never feels like a cheap pastiche, but rather the clear passion project from its creative team”.

In the final issue of the miniseries we witness the brutal confrontation between the oppressive forces of the government and the marginalized group of clones. Not everyone will survive this battle, and there will be plenty of consequences. Although in the end Oliver decides he wants to find out who his mother is, I think the last chapter of the miniseries feels a little bit inconclusive. 
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El primer número de Oliver se publicó en enero del 2019. Había abandonado temporalmente el clima más cálido de California para disfrutar del invierno de Wisconsin durante un par de semanas. También fue en Milwaukee, Wisconsin, donde conocí a mi roommate alemán, Oliver. Y supongo que una combinación extraña entre un invierno que nunca experimentaría en mi país de origen, Perú, y el hecho de que este nuevo título de Image me recordó el nombre de mi roommate, me hicieron decidir que debía adquirir una nueva miniserie de un escritor con el que no estaba realmente familiarizado.

Fue después de comprar el primer número de Oliver que descubrí que Whitta "era el guionista de The Book of Eli (2010), coescribió After Earth (2013) con M. Night Shyamalan y co-desarrolló la historia para Star Wars Rogue One (2016)". Por supuesto, tener proyectos de Hollywood de alto perfil no necesariamente significa nada para mí, y lo que realmente me convenció sobre esta nueva miniserie de Image fue Darick Robertson, famoso por su trabajo en The Boys. Soy un gran admirador de Robertson y, aunque no tenía idea de quién era Whitta, compré la miniserie. Y estoy muy contento de haberlo hecho.

Las primeras páginas de Oliver son más que suficientes para demostrar cuán ambicioso es este proyecto y cuánto esfuerzo pusieron Whitta y Robertson en él. Robertson ilustra maravillosamente una Inglaterra postapocalíptica y devastada, la profusión de detalles, las líneas precisas, las sombras, la oscuridad, la presencia efímera de la luz y, sobre todo, un notable sentido de la composición convierten estas páginas en verdaderas obras maestras. He sido fanático de Robertson durante años, y tenía muchas expectativas, pero su trabajo aquí es aún más sorprendente de lo que tenía en mente.

En la secuencia inicial, vemos a la madre de Oliver atravesando las ruinas de lo que alguna vez fue Londres, y las imágenes son impactantes pero también cargadas de una cierta poesía lírica. Oliver nace en un pueblo sin mujeres. Y es criado por un grupo de clones que fueron diseñados genéticamente para pelear en la última gran guerra de Inglaterra, que terminó siendo una catástrofe para la mayoría de los seres humanos normales.

Cuando Charles Dickens publicó Oliver Twist, los lectores inmediatamente se sintieron identificados con este huérfano, que también era un sobreviviente. En la miniserie de Whitta, Oliver es ciertamente un sobreviviente pero también un luchador: debido a su composición genética única, tiene habilidades especiales que le permiten hacer cosas que nadie más podría hacer. A menudo se ha dicho que Dickens quería crear conciencia sobre los problemas del trabajo infantil, y eso es exactamente lo que sucede en el segundo capítulo, cuando vemos a Oliver trabajando en una fábrica junto a otros clones esclavizados. Una de mis páginas favoritas es la que muestra a Oliver pidiendo más comida, y una vez más el arte de Robertson es absolutamente sorprendente.

Las preguntas sobre quiénes podrían ser los padres de Oliver se aplican a una situación muy diferente, porque en esta realidad, incluso si Oliver supiera quiénes eran, eso no significaría nada. Esta vez, el huérfano solo puede confiar en sus habilidades especiales y en las personas que lo criaron. Como explica Whitta: "Tanto en el libro de Dickens como en nuestro cómic, los barrios bajos de Londres están poblados por una especie de subclase olvidada que ha sido barrida debajo de la alfombra por los más privilegiados". Esta vez estamos hablando de clones que no tienen derechos y no son considerados humanos.

Darick Robertson también explica la esencia de Oliver como personaje: "proviene de un mundo frágil y precario donde ni siquiera la comida y el agua están garantizados y emerge de ello como un héroe". Es por eso que, en palabras de Sam Stone, esta nueva miniserie de Image es "Una carta de amor a la literatura británica clásica, Oliver nunca se siente como un pastiche barato, sino más bien el claro proyecto de pasión de su equipo creativo".

En el último número de la miniserie, somos testigos de la brutal confrontación entre las fuerzas opresivas del gobierno y el grupo de clones marginados. No todos sobrevivirán a esta batalla, y habrá muchas consecuencias. Aunque al final Oliver decide que quiere descubrir quién es su madre, creo que el último capítulo de la miniserie se siente un poco inconcluso.

Planetary # 22 - Warren Ellis & John Cassaday

In the course of a decade, Planetary became a fruitful playground in which Warren Ellis and John Cassaday could constantly explore the archeology of the impossible while revisiting milestones in comic book history and finding thematic connections between pop culture and the 9th art. From the very beginning, Planetary was never limited to simply telling the tragic past of Elijah Snow and his conflict with the Four, a distorted and perverted version of Marvel’s Fantastic Four. Snow’s past, everyone’s past, can be linked to a variety of genres and mediums.

In “Death Machine Telemetry”, we have a clear reference to the 60s psychedelia and the LSD subculture; in “The Gun Club”, there is a heartfelt homage to Jules Verne and his “From the Earth to the Moon” novel; in “Opak-Re”, it’s the turn of Edgar Rice Burroughs’ Tarzan; and other chapters focus on kung-fu / karate movies, Godzilla and other B movies, pulp novels, classic horror monsters like Frankenstein and Dracula, James Bond and the world of espionage, DC’s Justice League, Vertigo characters and so on. 

In “The Torture of William Leather” (originally published in Planetary # 22, March 2005), the British author decides to pay attention to the Lone Ranger, a character even older than the first superhero. The Lone Ranger was quite popular in radio shows in the early 30s, and eventually books, comic books and even TV series and movies were created. Perhaps westerns are not as much of a hit as they used to be over 80 years ago, but in this opportunity, Ellis reflects on the wild west by sharing with us the past of William Leather.

In “Zero Point”, Jakita Wagner fights against William Leather, this universe’s evil version of Johnny Storm, the Human Torch. But what was William Leather’s past? What is the secret history of his father and grandfather? It’s in this context in which we see the struggle between cowboys and Indians, between cruel and cold men like the Leathers and noble and idealist warriors such as the Lone Ranger. 

Leather

However, Ellis also takes us to the 30s, to an era dominated by gangsters. The Leathers were also involved with the Italian mafia, and that is what we can see in the impressive confrontation between the mobsters and a hero who is reminiscent of The Shadow and who had already appeared on Planetary’s first chapter, “All Over the World”.

Similar to the Lone Ranger... / parecido al Llanero Solitario...

Cassaday’s art sets the tone of “The Torture of William Leather”. And everything begins with his beautiful cover, treated in such a way that reminds us of the cover of an old and worn out pulp novel of the Lone Ranger. Then we have a very interesting page in which six horizontal panels are enough to gives us a glimpse into the activities of Leather’s grandfather and an Indian that might very well be Tonto, the Lone Ranger’s faithful companion. The splash page of this universe’s version of the Lone Ranger is just as powerful as the cover, but probably my favorite pages are the ones depicting the battle between the gangsters and a hero who is very similar to the Shadow. Of course, the final pages, which I’m not posting here, are also extraordinary, in part because they’re violent and shocking, but also because they show, quite explicitly, how William Leather is tortured by his captor, Elijah Snow, the leader of Planetary.
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En el transcurso de una década, Planetary se convirtió en un fructífero patio de juegos en el que Warren Ellis y John Cassaday podían explorar constantemente la arqueología de lo imposible mientras revisitaban hitos en la historia del cómic y encontraban conexiones temáticas entre la cultura pop y el noveno arte. Desde el principio, Planetary nunca se limitó a contar el trágico pasado de Elijah Snow y su conflicto con The Four, una versión distorsionada y perversa de los Fantastic Four de Marvel. El pasado de Snow, el pasado de todos, se puede vincular a una variedad de géneros y medios.

gangsters

En “Death Machine Telemetry”, tenemos una clara referencia a la psicodelia de los 60s y la subcultura LSD; en “The Gun Club”, hay un sincero homenaje a Jules Verne y su novela “De la Tierra a la Luna”; en “Opak-Re”, es el turno de Tarzán de Edgar Rice Burroughs; y otros capítulos se centran en películas de kung-fu / karate, Godzilla y otras películas de serie B, novelas pulp, monstruos de terror clásicos como Frankenstein y Drácula, James Bond y el mundo del espionaje, la Liga de la Justicia de DC, personajes de Vértigo, y así sucesivamente.

En “La tortura de William Leather” (originalmente publicado en Planetary # 22, marzo de 2005), el autor británico decide prestarle atención al Llanero Solitario, un personaje incluso más antiguo que el primer superhéroe. El Llanero Solitario fue bastante popular en programas de radio a principios de los 30s, y finalmente se crearon libros, cómics e incluso series de televisión y películas. Quizás los westerns no sean tan exitosos como lo fueron hace más de 80 años, pero en esta oportunidad, Ellis reflexiona sobre el salvaje oeste al compartir con nosotros el pasado de William Leather.

En “Zero Point”, Jakita Wagner lucha contra William Leather, la versión malvada de este universo de Johnny Storm, la Antorcha Humana. Pero, ¿cuál fue el pasado de William Leather? ¿Cuál es la historia secreta de su padre y su abuelo? Es en este contexto en el que vemos la lucha entre vaqueros e indios, entre hombres crueles y fríos como los Leathers y guerreros nobles e idealistas como el Llanero Solitario.

Similar to The Shadow... / parecido a la Sombra...

Sin embargo, Ellis también nos lleva a los años 30, a una era dominada por los mafiosos. Los Leathers también estuvieron involucrados con la mafia italiana, y eso es lo que podemos ver en la impresionante confrontación entre los mafiosos y un héroe que nos recuerda a la Sombra y que ya había aparecido en el primer capítulo de Planetary, “Por todo el mundo”.

El arte de Cassaday establece el tono de “La tortura de William Leather”. Y todo comienza con la hermosa portada, tratada de tal manera que nos recuerda la carátula de una vieja y desgastada novela pulp del Llanero Solitario. Luego tenemos una página muy interesante en la que seis viñetas horizontales son suficientes para ojear las actividades del abuelo de Leather y un indio que bien podría ser Tonto, el fiel compañero del Llanero Solitario. La página de presentación de la versión del Llanero Solitario de este universo es tan poderosa como la portada, pero probablemente mis páginas favoritas son las que muestran la batalla entre los mafiosos y un héroe que es muy similar a la Sombra. Por supuesto, las páginas finales, que no incluyo aquí, también son extraordinarias, en parte porque son violentas e impactantes, pero también porque muestran, muy explícitamente, cómo William Leather es torturado por su captor, Elijah Snow, el líder de Planetary.

The X-Men # 5, 6 & 7 - Stan Lee & Jack Kirby

If we take a look at the first issues of most Marvel titles in the 60s, we’ll quickly realize that quite often the first villain to fight against the heroes isn’t necessarily a memorable foe. In fact, the most iconic enemies would only appear several months after the superheroes debut; for instance, in Fantastic Four # 1, the quartet defeats the Moleman, and readers would have to wait a while until the first appearance of Doctor Doom; the same thing happens with Spider-Man (the Green Goblin isn’t the first adversary to show up), Daredevil (no Kingpin in sight during the first adventures), Hulk, Iron Man, etc. 

It seems like only the X-Men got to meet their quintessential villain in the first issue. Indeed, Magneto’s tremendous popularity amongst the readers surely explains why he would soon monopolize the pages of The X-Men. Magneto and his Brotherhood of Evil Mutants reappear in “Trapped: One X-Man” (originally published in The X-Men # 5, May 1964). 

Although these comics were published half a century ago, they’re still incredibly entertaining. And many of the concepts developed by Stan Lee and Jack Kirby remain as fresh today as they were back in the 60s. I was born a couple of decades after the Marvel Comics renaissance, but thanks to the X-Men cartoons from the 90s I was familiar with the Danger Room (the training room), Asteroid M (Magneto’s secret headquarters) or Cerebro (the machine that would enhance Professor X’s already formidable mental powers). And today, even younger generations might have come across such things in the X-Men movies. The fact that now, in the 21st century, we can still find joy in concepts that were first seen on the page 50 years ago proves the immense talent of Lee and Kirby as creators.

I absolutely love the way Stan ‘the Man’ Lee grants us access into the private lives of the characters. It doesn’t matter if we’re talking about heroes or villains, Lee always manages to portray their intimate thoughts, dreams and fears so clearly that we immediately identify with them. Although it was quite rare at the time, Lee always included some redeeming element in his bad guys, and plenty of defects in his good guys, thus balancing things out. 

“Sub-Mariner Joins the Evil Mutants” (The X-Men # 6, July 1964) is self-explanatory enough. Namor, prince of Atlantis, is persuaded by Magneto to join the Brotherhood of Evil Mutants, but of course this is a very short-lived alliance. In “The Return of the Blob” (The X-Men # 7, September 1964), the X-Men once again thwart the plans of the master of magnetism, defeating the Blob and the rest of the evil mutants. In these stories, we learn more about Wanda Maximoff (Scarlet Witch) and her overprotective brother Pietro Maximoff (Quicksilver). 

The end of an era? / ¿El fin de una era?

The X-Men are still kids that need the guidance of their mentor, and as Xavier himself affirms “all I did was take the talent all of you already had and channel it in the right direction”. But the young mutants are still learning all the time; personally I find the naïveté and sometimes right-out clumsiness of “the most unusual teen-agers of all time” absolutely delightful. Moments like the surprise visit of Jean Grey’s parents can be really amusing, but maybe nothing beats the X-Men’s visit to Greenwich Village, home of the beatnik scene with all its countercultural references and hippy flavor; although it may be a little bit too caricaturized it’s nonetheless one of the funniest sequences we could find in the first year of X-Men. It’s also in Greenwich Village where we get to see how Bobby Drake turns down a girl who is very fond of him, explaining her that he is “a real busy guy”. Obviously, this harmless detail couldn’t be considered as conclusive evidence of Iceman’s repressed homosexuality, but it’s one of the many ambiguous situations that could raise suspicions amongst readers of the 21st century.

Secret identities / identidades secretas

Jack Kirby really hits his stride in these issues, creating some truly wonderful pages. One of my favorites is the splash page of X-Men # 5. A solemn scenario populated by brooding and somber heroes, uncannily human and yet superhuman at the same time (Cyclops’s grave demeanor and Xavier’s expression of defeat are priceless). The fighting sequences in Asteroid M or against Namor are also amazing. And, of course, Kirby’s covers are absolutely impressive.
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Si echamos un vistazo a los primeros números de la mayoría de los títulos de Marvel de los 60s, nos daremos cuenta rápidamente de que muy a menudo el primer villano con el que luchan los héroes no es necesariamente un enemigo memorable. De hecho, los enemigos más emblemáticos solamente aparecerían varios meses después del debut de los superhéroes; por ejemplo, en Fantastic Four # 1, el cuarteto vence a Moleman, y el lector tendría que esperar varios meses hasta la primera aparición de Doctor Doom; lo mismo sucede con el Spider-Man (el Duende Verde no es el primer adversario en aparecer), Daredevil (sin Kingpin a la vista durante las primeras aventuras), Hulk, Iron Man, etc.

Asteroid M

Parece que sólo los X-Men llegan a conocer a su villano por excelencia en el primer número. De hecho, la gran popularidad de Magneto entre los lectores explica por qué él rápidamente monopoliza las páginas de X-Men. Magneto y su Hermandad de Mutantes Diabólicos vuelven a aparecer en “Atrapado: Hombre X” (publicado originalmente en The X-Men # 5, mayo de 1964).

Aunque estos cómics se publicaron hace medio siglo, siguen siendo increíblemente entretenidos. Y muchos de los conceptos desarrollados por Stan Lee y Jack Kirby siguen siendo tan frescos hoy como lo fueron en los 60s. Nací un par de décadas después del renacimiento de Marvel Comics, pero gracias a los dibujos animados de X-Men de los 90s estuve familiarizado con el cuarto del peligro (la sala de entrenamiento), el asteroide M (cuartel general secreto de Magneto) o Cerebro (la máquina que aumenta las formidables facultades mentales del Profesor X). Y hoy, las generaciones más jóvenes, también conocen todo esto gracias a las películas de X-Men. El hecho de que ahora, en el siglo XXI, todavía podemos disfrutar los conceptos que aparecieron por primera vez hace 50 años, demuestra el inmenso talento de Lee y Kirby como creadores.

Me encanta la forma en que Stan 'the Man' Lee nos permite acceder a la vida privada de los personajes. No importa si estamos hablando de héroes o villanos, Lee siempre se las arregla para retratar sus pensamientos íntimos, sueños y temores tan claramente que nos identificamos inmediatamente con ellos. A pesar de que era algo inusual en esos años, Lee siempre incluye algún elemento redentor en los malos, y un montón de defectos en los buenos, equilibrando así la balanza.

X-Men versus Namor

En “Sub-Mariner se une a los mutantes diabólicos” (The X-Men # 6, julio de 1964), Namor, el príncipe de Atlantis, es persuadido por Magneto para unirse a la Hermandad de Mutantes Diabólicos, pero por supuesto esta es una alianza de muy corta duración. En “El retorno de Blob” (The X-Men # 7, septiembre de 1964), los X-Men, una vez más, frustran los planes del maestro del magnetismo, derrotan a Blob y al resto de los mutantes malvados. En estas historias, descubrimos más información sobre Wanda Maximoff (Scarlet Witch) y su hermano sobreprotector Pietro Maximoff (Quicksilver).

Graduation Day / Día de graduación

Los X-Men siguen siendo chiquillos que necesitan ser guiados por su mentor, y como Xavier afirma “todo lo que hice fue tomar el talento que todos ustedes ya tenían y canalizarlo en la dirección correcta”. Pero los jóvenes mutantes todavía están aprendiendo todo el tiempo; personalmente encuentro la ingenuidad y torpeza juvenil de “los más inusuales adolescentes de todos los tiempos” absolutamente deliciosas. Momentos como la visita sorpresa de los padres de Jean Grey son muy divertidos, pero pocas cosas superan la visita de los X-Men a Greenwich Village, escenario del movimiento beatnik con todas sus referencias contraculturales y alegorías hippy; aunque puede ser demasiado caricaturizada, no obstante, esta es una de las secuencias más divertidas del primer año de los X-Men. Es también en Greenwich Village donde podemos ver cómo Bobby Drake rechaza a una chica que está muy interesada en él; la explicación del muchacho es que “está verdaderamente ocupado”. Obviamente, este detalle inofensivo no podría considerarse como prueba concluyente de la homosexualidad reprimida de Iceman, pero es una de las muchas situaciones ambiguas que podrían apoyar las sospechas de los lectores del siglo XXI.

The Brotherhood of Evil Mutants / La Hermandad de Mutantes Diabólicos

El arte de Jack Kirby sigue mejorando, y aquí hay algunas páginas verdaderamente maravillosas. Una de mis favoritas es la página inicial de X-Men # 5. Un escenario solemne poblado por héroes melancólicos y sombríos, asombrosamente humanos y simultáneamente sobrehumanos (el gesto apesadumbrado de Cyclops y la expresión de derrota de Xavier son impactantes). Las secuencias de lucha en el asteroide M o en contra de Namor también son increíbles. Y, por supuesto, las portadas de Kirby son absolutamente impresionantes.

Huck - Mark Millar & Rafael Albuquerque

It’s been over a decade since I read Superman: Red Son for the first time, an Elseworlds project written by Mark Millar that turned out to be one of the best Superman stories ever written.  Red Son is up there with Alan Moore’s “Whatever Happened to the Man of Tomorrow” or John Byrne’s “Man of Steel”, it really is that good. And that shouldn’t come as a surprise, given the fact that Millar has often explained how much he loves Superman. But, save a few issues here and there, he was never a frequent Superman writer back when he was still working for DC Comics.

So as the smart man he is, Millar found the way to scratch this literary itch in the form of Superior and now Huck. Both works complement each other rather nicely, so I think it would be fitting to read them (or re-read them) at the same time. Huck is a friendly approach to the superhero genre with a nice touch of brightness and candor. In the words of Antony Delfini “we live in a world of cynicism, materialism, vanity, and selfishness. Huck is a breadth of fresh air because he’s the opposite of that mentality”.

Huck is a big guy –with an even bigger heart– from a small American town. He does at least one good deed a day, and he has become a blessing for all the people around him. But as soon as he decides to expand his radius of influence, and help men and women outside the US, his secret is now out in the open. No longer the town’s mysterious Samaritan, Huck is now a reluctant celebrity who must fight against hordes of newspaper journalists and TV reporters… and in the process he’s offered the possibility of finding out who his real mother is. 

There is something deceptively simple about Millar’s concept. This isn’t just a homage to Superman’s roots, it’s also an insightful portray of who we are as a society and what we expect, as readers, from our heroes. Huck is the guy who will help others asking for nothing in return. Some might consider that an odd behavior, why work so hard for others when he could become the richest man on Earth? Why is he so modest when he could be worldwide famous? Why bother to intervene when he could be much better off by simply abstaining from the conflicts of his nation? Perhaps because he believes he can make a difference, and because he everything he does is for the right reason. 

So instead of mindlessly fighting against supervillains like Superman does in his monthly titles, Huck lives a quiet life, preventing conflicts instead of going into battle, helping others in time so that he won’t have to worry about them later. There is something absolutely charming about this resurrection of the classic superhero. 

Huck

Of course, there is also plenty of action in Huck, as he will be forced to fight against a powerful android who keeps his mother in prison. The action scenes are adequate, but personally I think they betray a little bit the essence of the protagonist. Perhaps it would’ve been more interesting to focus more on Huck’s everyday life and, just for once, forget about the evil villain lurking in the shadows.

To be honest, it took me a couple of issues to warm up to Rafael Albuquerque’s style but I ended up enjoying his contribution. An accomplished penciler and inker, Albuquerque rose to prominence after his collaborations in Vertigo’s American Vampire. He doesn’t seem to be too keen on details or realistic anatomy, but that doesn’t detract from the evident value of his work. In fact, it’s thanks to his loose lines, his dynamic composition and his kinetic pages that we can appreciate the true nature of a character like Huck. His lines are wonderfully enhanced by Dave McCaig’s coloring, who provides the right mood in every scene with just a touch of the right pigment.
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Ha pasado más de una década desde que leí por primera vez “Superman: Red Son”, un proyecto Elseworlds escrito por Mark Millar que resultó ser una de las mejores historias de Superman de los últimos 75 años. Red Son es comparable con “¿Qué pasó con el Hombre del Mañana?” de Alan Moore o “Man of Steel” de John Byrne. Y eso no debería ser una sorpresa, teniendo en cuenta que Millar ha explicado a menudo lo mucho que le encanta Superman. Pero, salvo algunos números desperdigados, él nunca fue un escritor habitual de Superman en la época en la que todavía estaba trabajando para DC Comics.

visiting a rough neighborhood / visitando un vecindario peligroso

Millar, con la astucia que lo caracteriza, encontró la manera de rascarse esta picazón literaria bajo la forma de Superior y ahora “Huck”. Ambos trabajos se complementan entre sí bastante bien, así que creo que sería adecuado leerlos (o re-leerlos) al mismo tiempo. Huck es un enfoque amigable sobre el género de los superhéroes, con un toque de optimismo y sinceridad. En palabras de Antonio Delfini “vivimos en un mundo de cinismo, materialismo, vanidad y egoísmo. Huck es una bocanada de aire fresco porque es lo opuesto de esa mentalidad”.

Huck es un sujeto grande –con un corazón aún más grande– en una pequeña ciudad norteamericana. Él hace por lo menos una buena acción al día, y se ha convertido en una bendición para todos los que lo rodean. Pero apenas decide ampliar su radio de influencia, y ayudar a la gente en otros países, su secreto sale a flote. En vez de ser el misterioso samaritano del pueblito, Huck es ahora una celebridad que debe luchar contra las hordas de periodistas de la prensa y reporteros de televisión... y en el proceso podrá descubrir quién es su verdadera madre.

El concepto central de Millar es aparentemente muy simple. Esto no es solamente un homenaje a las raíces de Superman, también es un retrato perspicaz de lo que somos como sociedad y lo que esperamos, como lectores, de nuestros héroes. Huck es el sujeto que va a ayudar a los demás sin esperar nada a cambio. Algunos podrían considerar que ese es un comportamiento extraño, ¿por qué ayudar a otras personas cuando podría convertirse en el hombre más rico de la Tierra? ¿Por qué es tan modesto cuando podría ser mundialmente famoso? ¿Por qué preocuparse por intervenir cuando podría abstenerse de los conflictos de su nación? Tal vez porque él cree que puede hacer la diferencia, y porque todo lo que hace es por una buena razón.

Así que en lugar de luchar tontamente contra supervillanos, como hace Superman en su colección mensual, Huck vive una vida tranquila, previene conflictos antes de que desemboquen en algo peor, ayuda a otros en el momento adecuado para no tener que preocuparse por ellos más tarde. Hay algo absolutamente encantador acerca de esta resurrección del superhéroe clásico.

Trapped / atrapados

Por supuesto, también hay un montón de acción en Huck, sobre todo cuando se verá obligado a luchar contra un poderoso androide que ha aprisionado a su madre. Las escenas de acción son adecuadas, pero personalmente creo que traicionan un poco la esencia del protagonista. Tal vez hubiera sido más interesante centrarse más en la vida cotidiana de Huck y, por una vez, olvidar al malvado villano que acecha desde las sombras.

Para ser honesto, me tomó un par de números acostumbrarme al estilo de Rafael Albuquerque pero terminé disfrutando su contribución. Albuquerque es un buen dibujante y un sólido entintador; él saltó a la fama después de sus colaboraciones en American Vampire de Vertigo. No parece estar demasiado interesado en la anatomía realista o en ser detallista, pero eso no le resta valor a su obra. De hecho, es gracias a sus líneas sueltas, su composición dinámica y sus vibrantes páginas que podemos apreciar la verdadera naturaleza de un personaje como Huck. Sus líneas están maravillosamente realzadas por el coloreado de Dave McCaig, que proporciona la atmósfera adecuada en cada escena con el pigmento apropiado.

Planetary # 14 - Warren Ellis & John Cassaday

In “Century”, we had the opportunity to see Elijah Snow meddling in the affairs of the Extraordinary, a group comprised of supernatural creatures (Count Dracula), men with superhuman abilities (the Invisible Man) and even a genius like Sherlock Holmes.

Although “Zero Point” (published in Planetary # 14, June 2001) is also an adventure that takes place in the past, in this opportunity we’re no longer in the 19th century but rather in the more recent year of 1995. Everything begins in the laboratory of one of Elijah Snow’s allies. The scientist has made a startling discovery: a seemingly ordinary stick is, in fact, a powerful weapon of the Four. In the same way that Dr. Donald Blake hits his walking stick against the floor to transform it into Mjolnir, and therefore, to become the mighty Thor, the object analyzed by the scientist can also be transformed into a hammer of indescribable power.

As I have pointed out many times in previous reviews, Warren Ellis has been paying homage to different cinematographic and literary genres and, most especially, to the conventions and traditions of superhero comic books. This hammer of Thor is, indeed, a weapon unlike anything mankind could produce, and it belongs to the Four.

A true Archeologist of the Impossible, Elijah Snow travels to the Four’s armory. The arsenal of Randall Dowling is so vast that an entire planet is needed to contain it. Snow is overwhelmed by the sight, row upon row of weapons extend as far as the eye can see. And as he walks through the infinite corridors of this arsenal, he steps onto countless skeletons. To make room for his weaponry, Dowling exterminated an entire world.

The hammer of the Four / el martillo de los Cuatro

What happens next is a clever inversion of the usual rules of superhero comics. Certainly, as seasoned readers, we find it common for the Fantastic Four to be trapped by Dr. Doom or any other villain, only to use their wit and abilities to escape and defeat their enemy. In “Zero Point”, however, the opposite happens. After all, the hero is still Elijah Snow and the ultimate villains are the Four. Nevertheless, Snow prepares an ambush for William Leather and Kim Süskind (the equivalents of the Human Torch and the Invisible Woman). 

So we get to see these characters, so similar to the classic creations of Stan Lee and Jack Kirby, under a whole new perspective. And, just as it so often happens in Fantastic Four, the supreme intelligence of Randall Dowling (Mr. Fantastic’s counterpart) is enough to defeat Snow and his Planetary team. Dowling performs an experimental procedure on Snow, erasing his memory. “We are old and powerful and bore easily. We enjoy the game Planetary represents. But we cannot allow ourselves to lose, Mr. Snow”, explains Dowling. 

Of course, I cannot end this review without mentioning John Cassaday’s outstanding artistic contributions. From the exquisite design of the hammer of the god of thunder, to the elegant and yet dramatic composition of the Four’s arsenal. Cassaday excels in both, quiet scenes and action-packed sequences (like the fight between Leather and Jakita Wagner). I think there’s a reason why before 2001 Cassaday was still relatively unknown, it is in the pages of Planetary where the artist proves to be the most talented of that decade.
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En “Siglo”, tuvimos la oportunidad de ver a Elijah Snow interviniendo en los asuntos de los Extraordinarios, un grupo compuesto por criaturas sobrenaturales (Conde Drácula), personas con habilidades sobrehumanas (el Hombre Invisible) e incluso genios como Sherlock Holmes.

the secret arsenal of the Four / el arsenal secreto de los Cuatro

Aunque “Punto cero” (publicado en Planetary # 14, junio de 2001) es también una aventura que ocurre en el pasado, en esta oportunidad ya no estamos en el siglo XIX, sino más bien en un año más reciente: 1995. Todo comienza en el laboratorio de uno de los aliados de Elijah Snow. Un científico ha hecho un descubrimiento sorprendente: una vara de madera aparentemente normal es, de hecho, una poderosa arma de los Cuatro. De la misma manera que el Dr. Donald Blake golpea su bastón contra el suelo para transformarlo en Mjolnir, y por lo tanto, para convertirse en el poderoso Thor, el objeto analizado por el científico también se puede transformar en un martillo de poder indescriptible.

William Leather versus Jakita Wagner

Como he señalado muchas veces en críticas anteriores, Warren Ellis ha rendido homenaje a diferentes géneros cinematográficos y literarios y, muy especialmente, a las convenciones y tradiciones de los cómics de superhéroes. Este martillo de Thor es, de hecho, un arma diferente a cualquier objeto producido por la humanidad, y pertenece a los Cuatro.

Elijah Snow, un verdadero Arqueólogo de lo Imposible, viaja a la armería de los Cuatro. El arsenal de Randall Dowling es tan grande que se necesita un planeta entero para contenerlo. Snow está abrumado por lo que ve, fila tras fila de armas se extienden hasta donde alcanza la vista. Y mientras camina por los pasillos infinitos de este arsenal, pisa innumerables esqueletos. Para hacer espacio para su armamento, Dowling exterminó un mundo entero.

Lo que sucede después es una astuta inversión de las reglas habituales de los cómics de superhéroes. Ciertamente, como lectores experimentados, nos resulta común que los Cuatro Fantásticos sean capturados por el Dr. Doom o cualquier otro villano, sólo para usar su ingenio y habilidades hasta escapar y derrotar a su enemigo. En "Punto Cero", sin embargo, ocurre lo contrario. Después de todo, el héroe sigue siendo Elijah Snow y los villanos definitivos son los Cuatro. No obstante, Snow prepara una emboscada para William Leather y Kim Süskind (los equivalentes a la Antorcha Humana y la Mujer Invisible).

Así que vemos a estos personajes, tan similares a las creaciones clásicas de Stan Lee y Jack Kirby, bajo una nueva perspectiva. Y, del mismo modo que sucede a menudo en los Cuatro Fantásticos, la inteligencia suprema de Randall Dowling (contraparte de Mr. Fantástico) es suficiente para derrotar a Snow y al equipo de Planetary. Dowling realiza un procedimiento experimental en Snow, borrándole la memoria. “Somos viejos y poderosos y nos aburrimos fácilmente. Disfrutamos el juego que Planetary representa. Pero no podemos darnos el lujo de perder, señor Snow”, explica Dowling.

Elijah Snow has been defeated / Elijah Snow ha sido derrotado

Por supuesto, no puedo terminar esta reseña sin mencionar las notables contribuciones artísticas de John Cassaday. Desde el exquisito diseño del martillo del dios del trueno, hasta la composición elegante pero dramática del arsenal de los Cuatro. Cassaday sobresale tanto en las escenas tranquilas como en las secuencias llenas de acción (por ejemplo, la lucha entre Leather y Jakita Wagner). Creo que hay una razón por la que Cassaday seguía siendo relativamente desconocido antes del 2001, y es que es en las páginas de Planetary donde el artista demuestra por qué es el más talentoso de esa década.