Planetary # 8 - Warren Ellis & John Cassaday

After reading the previous issues of Planetary, it seems obvious to me that Warren Ellis and John Cassaday profess an unrestricted love towards B movies from the 50s and pulp novels from the 30s. This became evident as early as in the second issue, “Island”, which paid homage to the original Godzilla movies; or in the fifth issue, “The Good Doctor” in which Doc Savage is reinterpreted. One way or another, the authors have focused on sci-fi, either as an incipient genre in the 30s or as harmless entertainment for moviegoers in the 50s.

“The Day the Earth Turned Slower” (published in February 2000) is perhaps the most heartfelt homage to pulp publications and B movies from the past. Even the title is a tribute to “The Day the Earth Stood Still” (1951). Of course, if we take a look at the magnificent cover by John Cassaday we will immediately notice many other references to what may be better described as “atomic bomb cinema”. In his cover, Cassaday channelizes the aesthetic sensibilities of movie posters from the post WWII era: flying saucers shoot laser rays to defenseless people, as if they had come directly from “The Flying Saucer” (1950); space rockets and military airplanes share the same sky, just like in “Rocketship X-M” (1950); giant ants wreak havoc amongst a frightened multitude, exactly as it could be seen in scenes from “Them!” (1954); awful green Martians attempt to conquer the world, following the premises of “Invaders from Mars” (1953); a colossal woman destroys a bridge, reminding us all too well of “Attack of the 50 Foot Woman” (1958). There are many other exquisite details included in this cover, and frankly there are so many references to old science fiction productions that I couldn’t list them all, even if I tried to.

Allison

Alerted by a mysterious phone call, Elijah Snow, Jakita Wagner and Drummer land on City Zero, a secret government facility in the middle of the desert. There, they meet Allison. Her attire and demeanors reminds us of famous actresses from the 50s, but there is something even more peculiar about her: a radioactive glow covers her body entirely. 

In Warren Ellis proposal, the cold war, the atomic fear and the dangers of science led the American government to carry out terrible, inhuman experiments in City Zero. Supported by the Hark corporation and instigated by Randall Dowling (leader of the Four, the deadliest enemies of humanity), City Zero became “first and foremost, an experimental concentration camp for American dissidents”. Intellectuals, innocent men accused of being communists and even Hollywood stars that had fallen in disgrace are imprisoned within City Zero. Allison herself is a beautiful actress, with blonde hair, blue eyes and a very recognizable mole just below her lips. She admits being guilty of having “slept with the wrong men”, hinting quite subtly to the possibility that she may be, in fact, Marilyn Monroe.

Randall Dowling kills Allison and resurrects her using radioactivity. He gives her a radioactive life-span of 50 years. Other victims of Dowling were not as lucky. In a black and white nightmare (more terrifying than any of the B movies that could inspire it) the prisoners become the monsters of the big screen. We get to see a tortured victim who can’t deal with being the invisible man; we see the giant woman, an unnatural monstrosity that can barely survive the physical pain of her new condition; we see a man “whose brain had been replaced by an ‘atomic snow flake field’”; we see all of that and more. Cassaday’s extraordinary art captures perfectly the horror of the experiments and the suffering of the prisoners. The cold black and white pages of this nightmare provide contrast to the initial 3 pages, with warm colors and soothing twilights, in which we get to see Allison for the first time. 

Giant ants (as seen in "Them!") / hormigas gigantes (como las de "Them!")

And, in a way, all of it is combined in the final pages. Neither cold, nor warm, Allison confesses that her 50 years are up. She is proud of having told the truth about her captors, and meeting the Planetary team has made her happy. In a stunning five-panel page, we see her smiling for the last time, and then disintegrating. Elijah Snow kneels down and then looks up. She’s gone. And with her, the last vestiges of the fears and hopes of the 50s have also vanished.
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Prisoners of City Zero / prisioneros de la Ciudad Cero

Después de leer los primeros números de "Planetary", me parece obvio que Warren Ellis y John Cassaday profesan un amor irrestricto hacía películas de serie B de los 50s y novelas pulp de los 30s. Esto es evidente desde el segundo número, “Isla”, que rinde homenaje a las películas originales de Godzilla; o en el quinto número, “El buen doctor”, en el que Doc Savage es reinterpretado. De un modo u otro, los autores se han enfocado en la ciencia ficción, ya sea como un género incipiente en los 30s o un entretenimiento inofensivo para los espectadores del cine de los 50s.

“El día que la Tierra se volvió más lenta” (publicado en febrero del 2000) es tal vez el más conmovedor homenaje a las publicaciones pulp y las películas de serie B del pasado. Incluso el título es un homenaje a “The Day the Earth Stood Still” de 1951 (o "El día que la Tierra se detuvo"). Por supuesto, si echamos un vistazo a la magnífica portada de John Cassaday, notaremos de inmediato muchas otras referencias a lo que podría describirse mejor como “cine de la bomba atómica”. En su portada, Cassaday canaliza la sensibilidad estética de los afiches de películas posteriores a la Segunda Guerra Mundial: platillos voladores disparan rayos láser a personas indefensas, como si vinieran directamente de “The Flying Saucer” (1950); cohetes espaciales y aviones militares comparten el mismo cielo, al igual que en “Rocketship X-M” (1950); hormigas gigantes causan estragos en una aterrorizada multitud, exactamente como podría verse en escenas de “Them!” (1954); horribles marcianos verdes intentan conquistar el mundo, siguiendo las premisas de “Invaders from Mars” (1953); una mujer colosal destruye un puente, haciéndonos recordar a “Attack of the 50 Foot Woman” (1958). Hay muchos otros detalles exquisitos incluidos en esta portada, y francamente hay tantas referencias a viejas producciones de ciencia ficción que no podría enumerarlas todas, aunque hiciese el intento.

Alertados por una misteriosa llamada telefónica, Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer aterrizan en Ciudad Cero, una instalación secreta del gobierno en medio del desierto. Allí conocen a Allison. Su traje y sus gestos nos recuerdan a actrices famosas de los 50s, pero hay algo incluso más peculiar en ella: un brillo radioactivo que cubre su cuerpo por completo.

The death of a 50s icon / la muerte de un ícono de los 50s

En la propuesta de Warren Ellis, la guerra fría, el miedo atómico y los peligros de la ciencia llevaron al gobierno de Estados Unidos a realizar experimentos terribles e inhumanos en Ciudad Cero. Con el apoyo de la corporación Hark e instigado por Randall Dowling (líder de los Cuatro, los más mortales enemigos de la humanidad), Ciudad Cero se convirtió “primero y sobre todo en un campo de concentración experimental para estadounidenses disidentes”. Intelectuales, hombres inocentes acusados de ser comunistas e incluso estrellas de Hollywood que habían caído en desagracia fueron aprisionados en Ciudad Cero. Allison es una hermosa actriz, con pelo rubio, ojos azules y un lunar muy reconocible debajo de sus labios. Ella admite ser culpable de haber “dormido con los hombres equivocados”, sugiriendo con bastante sutileza la posibilidad de que ella pueda ser, de hecho, Marilyn Monroe.

Randall Dowling mata a Allison y la resucita usando radioactividad. Él le da un plazo de vida radioactiva de 50 años. Otras víctimas de Dowling no son tan afortunadas. En una pesadilla a blanco y negro (más espeluznante que cualquier película de serie B que podría haberla inspirado) los prisioneros se convierten en los monstruos de la pantalla grande. Vemos a una víctima torturada que no puede lidiar con ser el hombre invisible; vemos a una mujer gigante, una monstruosidad antinatural que apenas puede sobrevivir al dolor físico de su nueva condición; vemos a un hombre “con el cerebro reemplazado por un ‘copo de nieve atómico’”; vemos todo esto y más. El extraordinario arte de Cassaday captura perfectamente el horror de los experimentos y el sufrimiento de los prisioneros. Las frías páginas a blanco y negro de esta pesadilla contrastan con las 3 páginas iniciales, de colores cálidos y atardeceres relajantes, en las que vemos a Allison por primera vez.

Y, de algún modo, todo eso se combina en las páginas finales. Ni fría, ni cálida, Allison confiesa que sus 50 años han terminado. Ella está orgullosa de haber contado la verdad sobre sus captores, y conocer al equipo de Planetary le ha dado alegría. En una preciosa página de 5 viñetas, la vemos sonriendo por última vez, y luego se desintegra. Elijah Snow se arrodilla y luego mira al cielo. Ella se ha ido. Y así, los últimos vestigios de los miedos y esperanzas de los 50s también se han desvanecido.

Planetary # 7 - Warren Ellis & John Cassaday

A funeral is the perfect opportunity to say goodbye. However you do not say goodbye to a person that is already gone, you simply bid farewell to the idea and the memories of the deceased. A funeral can also be the last chance you have to try to understand who that person was and why did their life mattered.

“To Be In England, In the Summertime” (published in January 2000) begins with the funeral of Jack Carter. A British bloke, an unrelenting smoker, a manipulative magician well versed in the dark arts. Certainly, Jack Carter is a reinterpretation of Alan Moore’s creation John Constantine. However his funeral is not about coming to terms with his death, but rather a meaningful way to reexamine the narrative of the 80s, to ascertain if it still remains valid or it needs updating.

When Elijah Snow, Jakita Wagner and Drummer walk into the cemetery, they immediately stumble upon some of the 80s vestiges. Sitting on a bench, we can clearly see Death of the Endless, and a peculiar amalgamation of Sandman with his own author Neil Gaiman. 

Of course, there are many other refugees from the 80s attending the funeral. Perhaps the most prominent would be an alternative version of Grant Morrison’s Animal Man and a fusion between Alan Moore’s Swamp Thing and Poison Ivy. If you think clearly and objectively about the 80s, you will realize very quickly that it was a glorious decade for the 9th art. The American comic book industry blossomed thanks to the presence of British writers that revolutionized the superhero genre. 

the cemetery / el cementerio

I’ve often wondered what was it about the 80s that inspired so many writers. For Warren Ellis, the political scenario provides more than enough enlightenment. The United States had substantial problems, but England was facing a serious debacle. In real life, Margaret Thatcher alienated England’s brightest writers. Alan Moore, Grant Morrison and Neil Gaiman publicly expressed their disappointment in the Iron Lady. Warren Ellis also shares his point of view: “She wanted concentration camps for AIDS victims, wanted to eradicate homosexuality even as an abstract concept, made poor people choose between eating and keeping their vote […] England was a scary place. No wonder it produced a scary culture”.

Time has passed and the question remains. Have these characters adapted to the new era or are they still stuck in the 80s? They are like an uncomfortable testimony that corroborates the ugliness of the past. A past that is still as mysterious as ever. So much, in fact, that Elijah Snow and the rest of the group decide to investigate Carter’s death, suspecting that he might have faked his own demise. 

During their forensic procedure, they run into a strange superhero, perhaps the quintessential American superhero: a square-jawed adventurer, a traditional do-gooder… until the arrival of the 80s. Because if we pause for a moment to remember what the 80s meant for most superheroes, then we will realize that important changes were happening in that era. British authors transformed one-dimensional characters into complex individuals, with rich personalities; they eliminated the concept of purity and undisputed goodness, and added a much necessary darkness to balance things out. Obviously, many readers complained about it. They wanted their heroes to return to the idealistic although childish standards of the past. 

Dream (Sandman) & Death

The anonymous superhero of this tale is an enraged man, someone who misses the clean and simple years of decades long gone. Instead of a classic superhero, in the 80s he was turned into something else. His history was rewritten and as a consequence his origin was modified: “I liked my life! There was nothing wrong with me! I wasn’t hip, I wasn’t trendy, I wasn’t edgy, and you know what? That was okay! I didn’t need the split personalities, the nervous breakdown, the shift in sexual orientation, my life being a lie”, he yells at Snow. It’s revealed that he had been photographed with underage male prostitutes by Jack Carter. Revenge, of course, was inevitable. 

In the final pages Jack Carter reappears and kills this nameless superhero in cold blood. Although Carter has changed. Like he says, the 80s are dead. It’s time to embrace the future. And he erases those aspects that made him similar to John Constantine, and adopts a new look, almost identical to Spider Jerusalem, the protagonist of Warren Ellis impressive “Transmetropolitan” series.

John Cassaday’s art is absolutely amazing. We have dark and ominous moments, like the page that shows the protagonists entering into the cemetery; and we also have brighter and more powerful scenes, like the page that includes the sons and daughters of the 80s (I must highlight the fantastic design of the Swamp Thing / Poison Ivy hybrid and the alternative Animal Man). One of the best artists of the industry leaves his mark in a very creative story about the impact the 80s “British invasion” had on the superhero genre.
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Un funeral es la oportunidad perfecta para decir adiós. Sin embargo, no le dices adiós a la persona que ya no existe, simplemente te despides de la idea y las memorias del fallecido. Un funeral también puede ser la última oportunidad para tratar de entender quién era esa persona y por qué su vida era importante.

Alternative versions of Animal Man and Swamp Thing / versiones alternativas de Animal Man y Swamp Thing

“Estar en Inglaterra, en el verano” (publicado en enero del 2000) empieza con el funeral de Jack Carter. Un sujeto británico, un fumador empedernido, un mago manipulador inmerso en las artes oscuras. Ciertamente, Jack Carter es una reinterpretación de la creación de Alan Moore, John Constantine. Sin embargo su funeral no tiene como objetivo aceptar su muerte, sino más bien reexaminar de manera significativa la narrativa de los 80s, para determinar si aún es válida o si necesita actualizarse.

Cuando Elijah Snow, Jakita Wagner y Drummer caminan por el cementerio, inmediatamente encuentran algunos vestigios de los 80s. Sentados en una banca, podemos ver claramente a Muerte, de los Eternos, y una peculiar amalgama de Sandman con su propio autor Neil Gaiman. 

Desde luego, hay muchos otros refugiados de los 80s que asisten al funeral. Tal vez los más prominentes serían la versión alternativa del Animal Man de Grant Morrison y una fusión entre el Swamp Thing de Alan Moore y Poison Ivy. Si piensan clara y objetivamente sobre los 80s, se darán cuenta muy rápidamente de que fue una década gloriosa para el noveno arte. La industria estadounidense del cómic floreció gracias a la presencia de escritores británicos que revolucionaron el género de los superhéroes.

Jack Carter = John Constantine

Me he preguntado a menudo por qué los 80s inspiraron a tantos escritores. Para Warren Ellis, el escenario político proporciona una aclaración más que suficiente. Los Estados Unidos tenían problemas sustanciales, pero Inglaterra estaba enfrentando una seria debacle. En la vida real, Margaret Thatcher alienó a los más brillantes escritores ingleses. Alan Moore, Grant Morrison y Neil Gaiman expresaron públicamente lo decepcionados que estaban con la Dama de Hierro. Warren Ellis también comparte su punto de vista: “Ella quería campos de concentración para las víctimas del SIDA, quería erradicar la homosexualidad incluso como un concepto abstracto, hizo que la gente pobre eligiera entre comer y seguir votando […] Inglaterra era un lugar que daba miedo. No es extraño que produjera una cultura que daba miedo”.

El tiempo ha transcurrido y la pregunta permanece. ¿Estos personajes se han adaptado a la nueva era o aún siguen atascados en los 80s? Ellos son como un incómodo testimonio que corrobora la fealdad del pasado. Un pasado que aún es tan misterioso como antes. Tanto que, de hecho, Elijah Snow y el resto del grupo deciden investigar la muerte de Carter, sospechando que él podría haber fingido su deceso.

Durante este procedimiento forénsico, ellos encuentran a un extraño superhéroe, tal vez la quintaesencia del superhéroe norteamericano: un aventurero de quijada cuadrada, un bienhechor tradicional... hasta la llegada de los 80s. Porque si nos detenemos por un momento para recordar lo que los 80s significaron para la mayoría de los superhéroes, entonces nos daremos cuenta de los importantes cambios que ocurrieron en esa era. Los autores británicos transformaron personajes unidimensionales en individuos complejos, con personalidades ricas; eliminaron el concepto de la pureza y la bondad indiscutible, y añadieron una muy necesaria oscuridad para equilibrar las cosas. Obviamente, muchos lectores se quejaron al respecto. Ellos querían que sus héroes regresen a los estándares idealistas aunque infantiloides del pasado. 

El superhéroe anónimo de este relato es un hombre enfurecido, alguien que añora los años limpios y simples de décadas pasadas. En vez de un superhéroe clásico, en los 80s él fue convertido en algo distinto. Su historia fue rescrita y como consecuencia su origen fue modificado: “¡Me gustaba mi vida! ¡No tenía nada de malo! Yo no estaba a la moda, ni marcaba tendencias, no era innovador, ¿y saben qué? ¡Así estaba bien! No necesitaba una personalidad dividida, la crisis nerviosa, el cambio de orientación sexual, mi vida convertida en una mentira”, le grita a Snow. Se ha revelado que Jack Carter lo había fotografiado con chicos prostitutos menores de edad. La venganza, por supuesto, era inevitable. 

En las páginas finales, Jack Carter reaparece y mata a sangre fría a este superhéroe sin nombre. Aunque Carter ha cambiado. Como él dice, los 80s han muerto. Es momento de aceptar el futuro. Y él borra aquellos aspectos que lo asemejaban a John Constantine, y adopta una nueva apariencia, casi idéntica a la de Spider Jerusalem, el protagonista de la impresionante serie de Warren Ellis “Transmetropolitan”.

El arte de John Cassaday es absolutamente asombroso. Tenemos momentos oscuros y ominosos, como la página que muestra a los protagonistas entrando en el cementerio; y también tenemos escenas más luminosas y poderosas, como la página que incluye a los hijos e hijas de los 80s (debo resaltar el fantástico diseño del híbrido Swamp Thing / Poison Ivy y el Animal Man alternativo). Uno de los mejores artistas de la industria deja su huella en una historia muy creativa sobre el impacto que tuvo la “invasión británica” de los 80s en el género superheroico.

Swamp Thing # 53 - Alan Moore & John Totleben

The delicate veil of civilization cannot resist the temptation of nature. As soon as the gardens explode, as the trees break their way into the structural fissures of the urban landscape, as Eden falls upon the land of men, human culture surrenders itself to a primordial and wild calling. The time of man will soon be over, the hour of the Green has just begun.

Swamp Thing’s vengeance is swift, and Gotham City –now transformed into a jungle– seems to be unable to react. “The Garden of Earthly Delights” (published in Swamp Thing # 53, October 1986) marks the confrontation between Swamp Thing and Batman, between chaos and order, between the prevalence of justice and the obedience of law, between the natural world and the artificial creation. Alan Moore describes this fundamental conflict in a rhythmic narrative of poetic heights. 

Simultaneously, the British writer reunites dozens of key figures under the same sky. Batman and his technology are no match against the elemental powers of his rival. But Lex Luthor’s criminal mind is a threat unlike any other. Indeed, Superman’s nemesis charges 1 million dollars for a 10 minute consulting on ‘indestructible creatures’. After years of experience trying to annihilate the Man of Steel, Luthor considers that the swamp freak can be easily destroyed. He just needs to find a way to prevent the monster from relocating his consciousness from one place to the next. 10 minutes and 1 million dollars later, he has it all figured out. 

Now that Gotham is a gigantic garden, hundreds of pilgrims wish to visit this paradise. Amongst them we can find Chester, the well-intentioned hippy that discovered the hallucinogenic properties of Swamp Thing’s fruits, and also Wallace Monroe, a devastated man –still mourning for his wife– who had a catastrophic meeting with Nukeface, back in the swamps of Louisiana. 

Gotham succumbs to nature / Gotham sucumbe ante la naturaleza

“You thought… that it could not… get worse. You imagined… that things… had reached their limits. Do not… delude yourselves... There are… no limits”. Although the Dark Knight is a formidable opponent, he is vanquished by Swamp Thing. Perhaps, his defeat can be a manifestation of the caped crusader’s doubts. After all, what laws did Abby break? Why is the Louisiana police department after her? And why can’t Gotham deliver this woman into the arms of the creature she loves? 

Swamp Thing versus Batman

Batman finally intercedes in the dispute with his keen analytical mind. If Abby’s crime was to be in contact with an inhuman being, then isn’t the entire Justice League guilty of the same charges? And what about the citizens of Metropolis? For all his might and nobility, Superman is still an alien creature. Finally Gotham’s authorities understand that in this instance they must reinterpret the law and grant Abby her freedom. 

“Amidst the fierce joy of victory… something dark flutters across my mind”. And Swamp Thing is right, because before he can hug Abby, the weapon created by Lex Luthor annihilates him. In a burst of flames, Abby’s hopes are all consumed.

John Totleben pencils and inks the entire issue, a 38 page giant-sized spectacular! And his art is so magnificent that I just had to dedicate an entire post about it. Stephen Bissette explains in the prolog the importance of Totleben’s contribution: “John’s exquisite pen and brush work not only delivers on that title’s Boschian promise of delirious visions, but also meshes the artistic sensibilities of Virgil Finlay (one of John’s artist heroes) with the giant monster fever dreams of Jack Kirby and Steve Ditko”. Indeed, Totleben’s evocative images preserve the beauty of nature and at the same time exacerbate the horrifying aspects of the creature of the swamp. And the confrontation with the Dark Knight gives Totleben “the opportunity to delineate one of his favorite comic book characters – his Batman is as much a creature of the night as that drawn by Bernie Wrightson […] John’s sinewy shadow-being captures an essential aspect of the Batman”. Certainly, Totleben’s version of the caped crusader is superior to the poor and unimaginative representations that were so abundant in the 80s. “‘The Garden of Earthly Delights’ represents the ultimate Totleben Swamp Thing […] smelling of earth, rippling with vine and lichen and moss, and moving with the grace of an elemental dancer”. A classic masterwork. 
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Batman: a creature of the night / Batman: una criatura de la noche

El delicado velo de la civilización no puede resistir la tentación de la naturaleza. Apenas brotan los jardines, y los árboles irrumpen entre las fisuras estructurales del paisaje urbano, el edén se precipita sobre la tierra del hombre, y la cultura humana se rinde ante un llamado salvaje y primordial. La hora del hombre está por terminar, la hora de lo Verde acaba de empezar. 

La venganza de la Cosa del pantano es rápida, y Gotham City –ahora transformada en una jungla– parece incapaz de reaccionar. “El jardín de las delicias terrenales” (publicado en Swamp Thing # 53, octubre de 1986) marca la confrontación entre la Cosa del pantano y Batman, entre el caos y el orden, entre la prevalencia de la justicia y la obediencia de la ley, entre el mundo natural y la creación artificial. Alan Moore describe este conflicto fundamental en una rítmica narrativa de vuelo poético.

Simultáneamente, el escritor británico reúne docenas de figuras claves bajo el mismo cielo. Batman y su tecnología no son una amenaza frente a los poderes elementales de su rival. Pero la mente criminal de Lex Luthor sí representa un peligro singular. De hecho, el némesis de Superman cobra 1 millón de dólares por una consultoría de 10 minutos sobre ‘criaturas indestructibles’. Después de años de experiencia intentando aniquilar al Hombre de Acero, Luthor considera que el fenómeno de los pantanos puede ser fácilmente destruido. Lo único que necesita es encontrar la manera de impedir que el monstruo reubique su conciencia de un lugar a otro. 10 minutos y 1 millón de dólares después, ya lo tiene todo resuelto.

A giant threat against the city / una amenaza gigante contra la ciudad

Ahora que Gotham es un gigantesco jardín, cientos de peregrinos desean visitar este paraíso. Entre ellos encontramos a Chester, el hippy bien intencionado que descubrió las propiedades alucinógenas de los frutos de la Cosa del pantano, y también Wallace Monroe, un hombre devastado –de luto por la muerte de su esposa– quien tuvo un catastrófico encuentro con Cara-Nuclear, en los pantanos de Luisiana.

Batman & Abby. Background: Chester, Wallace Monroe,
Commissioner Gordon & Harvey Bullock

“Pensabais... que no podría... empeorar. Imaginabais... que las cosas... habían llegado al límite. No os... engañéis... No hay límites”. Aunque el Señor de la Noche es un oponente formidable, es vencido por la Cosa del pantano. Tal vez su derrota puede ser una manifestación de las dudas del cruzado enmascarado. Después de todo, ¿qué ley infringió Abby? ¿Por qué la policía de Luisiana la persigue? ¿Y por qué Gotham no puede dejar que esta mujer regrese a los brazos de la criatura que ama? 

Batman finalmente intercede en la disputa con su mente lúcida y analítica. Si el crimen de Abby fue estar en contacto con un ser inhumano, entonces ¿no es la Liga de la Justicia culpable de los mismos cargos? ¿Y qué hay de los ciudadanos de Metrópolis? A pesar de todo su poder y nobleza, Superman sigue siendo un extraterrestre. Finalmente, las autoridades de Gotham entienden que en esta instancia deben reinterpretar la ley y concederle a Abby su libertad.

“Entre el fiero goce de la victoria... algo oscuro revolotea en mi mente”. Y la Cosa del pantano tiene razón, porque antes de poder abrazar a Abby, el arma creada por Lex Luthor lo aniquila. En un estallido de llamas, las esperanzas de Abby se consumen.

John Totleben dibuja y entinta todo el número, un gigantesco especial de 38 páginas. Y su arte es tan magnífico que tenía que dedicarle un post completo. Stephen Bissette explica en el prólogo la importancia de la contribución de Totleben: “Las exquisitas tintas de John y su trabajo con los pinceles no sólo otorga al título la promesa de Bosch de visiones delirantes, sino que también fusiona las sensibilidades artísticas de Virgil Finlay (uno de los héroes artistas de John) con la fiebre por los monstruos gigantes de Jack Kirby y Steve Ditko”. De hecho, las evocadoras imágenes de Totleben preservan la belleza de la naturaleza y al mismo tiempo exacerban los aspectos terroríficos de la criatura del pantano. Y la confrontación con el Caballero Oscuro le brinda a Totleben “la oportunidad de delinear uno de sus personajes favoritos de los cómics – su Batman es tanto una criatura de la noche como aquel dibujado por Bernie Wrightson […] El vigoroso ser de sombra de John captura un aspecto esencial de Batman”. Ciertamente, la versión de Totleben del cruzado enmascarado es superior a las pobres y convencionales representaciones que eran tan abundantes en los 80s. “‘El jardín de las delicias terrenales’ representa al Swamp Thing definitivo de Totleben […] oliendo a tierra, ondulando sabia, ramas y musgo, y moviéndose con las gracia de un danzante de los elementos”. Una obra maestra clásica.

Jupiter’s Legacy # 3 - Mark Millar & Frank Quitely

Once again, Mark Millar has shared with us an insightful interpretation of the superhero genre. In a previous chapter we saw how the Utopian and the other superheroes saved the United States and inspired the American people. 

But decades later, the great nation is no longer defined by altruism but rather by corporate greed. A financial crisis is imminent; unemployment rates are increasing, people are getting evicted from their houses, unable to pay for their mortgages (just as it happened in real life in 2008, after the collapse of the subprime market). In this scenario, what’s the real duty of the hero? To capture a robber? To maintain the order? Or to undermine the old values and propose a new way of life, a fresh structure for a brand-new society?

This chapter begins with a classic nod to Superman. If we remember John Byrne’s legendary run in Superman, we will remember a specific scene in which the Man of Steel is interviewed by Lois Lane (a similar scene takes place in Superman’s first movie). Lois Lane, surprised, asks “How did you know where do I live?”. And Kal El, confident and gracefully, replies “Oh Ms. Lane, I know where everyone lives”. Following the same premises, the Utopian talks with his daughter’s boyfriend. Surprised, the young man asks the veteran hero how he found his private cell number. And the Utopian answers, proudly and kindly, “I know everyone’s number”.

The Utopian's wife is murdered / la esposa de Utopian es asesinada

Millar had already turned the Utopian into a messianic figure, a savior, a true successor of the Superman mythos. Here, the Utopian is the world’s most altruistic, noble and generous man. And it’s precisely those virtues which provoke his downfall. When an asteroid is about to collide against Earth, the Utopian calls every superhero in the planet to get help but no one answers. Alone, he flies; and thanks to his unbelievable strength he destroys the asteroid, but he also detonates the nuclear devices hidden within. He has been ambushed. And while he’s weakened by the explosions he is attacked by the same superheroes he had trusted for years. The world’s greatest hero is massacred, and the one who delivers the last fatal blow is his own son, Brandon. 

But parricide isn’t the only crime here. Walter, Brandon’s new mentor, has decided to exterminate the Utopian’s family: he brutally kills his wife and tries to do the same with his daughter. But she manages to escape thanks to her boyfriend, the same young man that had been talking with the Utopian in the initial pages.

Frank Quitely’s art is amazing. From the richly detailed cover (the beaten up face of the Utopian is absolutely breathtaking), to the fighting sequences and the violent outcome of struggles that involve all sorts of super powers and weapons. The final splash page is also quite impressive, and it is thematically connected to the cover. Extraordinary images. □
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The final ambush / la emboscada final

Una vez más, Mark Millar ha compartido con nosotros una lúcida interpretación del género superheroico. En un capítulo previo, vimos cómo Utopian y otros superhéroes salvaron a Estados Unidos e inspiraron al pueblo norteamericano.

Pero décadas después, la gran nación ya no es definida por el altruismo sino más bien por la codicia corporativa. Una crisis financiera es inminente; la tasa de desempleo se ha incrementado, la gente está siendo desalojada de sus casas, incapaces de pagar por sus hipotecas (tal como sucedió en la vida real, en el 2008, luego del colapso del mercado subprime). En este escenario, ¿cuál es el verdadero deber del héroe? ¿Capturar ladrones? ¿Mantener el orden? ¿O socavar los viejos valores y proponer una nueva forma de vida, una estructura fresca para una sociedad moderna?

Este capítulo empieza con una clásica referencia a Superman. Si es que recordamos la legendaria etapa de John Byrne en Superman, recordaremos una escena específica en la que el Hombre de Acero es entrevistado por Lois Lane (hay una escena similar en la primera película de Superman). Lois Lane, sorprendida, pregunta “¿Cómo sabías dónde vivo?”. Y Kal El, asertivo y con gracia, responde “Oh Ms. Lane, sé dónde vive todo el mundo”. Siguiendo las mismas premisas, Utopian habla con el enamorado de su hija. Sorprendido, el joven le pregunta al veterano héroe cómo encontró su número privado. Y Utopian contesta, orgullosa y amablemente “Sé el número de todo el mundo”.

Brandon betrays his father, the Utopian /
Brandon traiciona a su padre, Utopian

Millar ya había convertido a Utopian en una figura mesiánica, un salvador, un verdadero sucesor del mito del superhombre. Utopian es el hombre más altruista y noble del mundo. Y son precisamente esas virtudes las que provocan su caída. Cuando un asteroide está a punto de chocar contra la Tierra, Utopian llama a todos los superhéroes del planeta para conseguir ayuda pero nadie responde. Él vuela solo; y gracias a su increíble fuerza, destruye el asteroide, pero también detona los artefactos nucleares ocultos en su interior. Y mientras es debilitado por las explosiones, es atacado por los mismos superhéroes en los que había confiado por años. El más grande héroe del mundo es masacrado, y quien asesta el último golpe es su propio hijo, Brandon. 

Pero el parricidio no será el único crimen. Walter, el nuevo mentor de Brandon, ha decidido exterminar a la familia de Utopian: mata brutalmente a su esposa e intenta hacer lo mismo con su hija. Pero ella consigue escapar gracias a su enamorado, el mismo joven que había estado conversando con Utopian en las páginas iniciales.

El arte de Frank Quitely es asombroso. Desde la portada rica en detalles (el rostro golpeado de Utopian nos deja sin aliento), hasta las secuencias de pelea y el desenlace violento de luchas que involucran todo tipo de súper poderes y armas. La página final es también bastante impresionante, y está conectada temáticamente a la portada. Imágenes extraordinarias. □

Walter & Brandon: Earth's new rulers / Walter y Brandon: los nuevos amos de la Tierra

Astro City # 1 & 2 - Kurt Busiek & Brent Anderson

Alex Ross

“In my dreams, I fly”. But don’t we all share fantastic dreams that are only nurtured by the extravagant and colorful worlds of the superhero genre? Flying isn’t easy… most of the time we get stuck on the ground. For every ten superhero titles only one is good enough to ignite our imagination, to make us fly, to make us dream about flying. And for every hundred titles only one is good enough to actually elevate our minds into a whole new stratosphere. Astro City is one of those rare titles, a true gem, an example of unparalleled creativity and innovation.

The first time I read Astro City was over a decade ago. I was lucky enough to get the first volume as a gift and the minute I read the first page I felt a deep connection with the Samaritan –Astro City’s equivalent of Superman–, a hero so fed up with the daily routine of catching bad guys and saving the world that his only desire is to sleep and fly peacefully, freely. Because when he flies to save lives and fight against villains, he’s never free. He’s a slave of the heroic circumstances that are forced upon him. So only in his dreams can he truly fly.

The Samaritan,  the First Family and the Honor Guard return to the pages of Astro City, accompanied by a vast array of old and new characters. The arrival of the Ambassador is a celebration of cosmic grandeur, he is one of those larger-than-life creatures, similar to Galactus. Busiek and Anderson pay homage to the Lee / Kirby era in Fantastic Four with the creation of the Ambassador. Certainly, the love for Kirby’s oeuvre was more than evident in one of Busiek’s most recent works: Kirby Genesis (published by Dynamite). 

Alex Ross

But Busiek never forgets the regular people, like Marella who works in Humano Global, a call center devoted to answering superhero emergencies. The balance between the ordinary and the extraordinary, between the human and the superhuman is what made this series so special in the 90s and what makes it even more relevant now, in an era befouled by mega-events, constant renumberings and relaunches, and multiple gimmicks.

In only two issues, the authors have added even more depth to an already large and complex metropolis. “Astro City is art, and it’s good art. It creates something –a place, perhaps a medium, or just a tone of voice– in which good stories are told”, explains Neil Gaiman. And it’s true. Although Astro City was born on the page it also lives in our hearts, and in a certain way we also live in it, populating the streets of this fascinating urban experiment. 

Returning to Astro City is like meeting old friends, like getting reacquainted with people you care about that, for a number of reasons, haven’t been in touch with you in years. I know I haven’t read the works of Busiek, Anderson and Ross in over a decade, but that doesn’t mean I haven’t missed them. Every time  I get asked about my favorite authors I talk about Alan Moore, Neil Gaiman, Grant Morrison and the entire pantheon of British writers, but I also talk about Kurt Busiek, one of the few American writers that is on par with his British colleagues. And that, my friends, is quite an accomplishment. 

The heroes of Astro City / los héroes de Astro City

Anderson reassumes his duty as penciler and inker, preserving his signature style, a combination between the classic lines of the heroes of yesteryear with the refreshing dynamism of more modern eras. Of course, another egregious citizen of Astro City reappears: Alex Ross. The famous artist provides some of the best covers I’ve seen in a long time. His hyperrealism is as fascinating as always, and his fantastic designs are an incomparable visual feast. Alex Ross draws great covers every month, but his work in this title is on another level.
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The Samaritan: a hero dressed in red and blue /
Samaritan; un héroe vestido de rojo y azul

"En mis sueños, vuelo". Pero ¿no compartimos todos esos sueños fantásticos que son nutridos por los extravagantes y coloridos mundos del género súper-heroico? Volar no es fácil... la mayoría de las veces nos quedamos en el suelo. De cada diez títulos de superhéroes sólo uno es lo suficientemente bueno como para despertar nuestra imaginación, para hacernos volar, para hacernos soñar con volar. Y de cada cien títulos sólo uno es suficientemente bueno para hacer que nuestra mente se eleve hacia una nueva estratósfera. "Astro City" es uno de esos raros títulos, una verdadera joya, un ejemplo de la creatividad y la innovación sin paralelos.

La primera vez que leí Astro City fue hace más de una década. Tuve la suerte de recibir el primer volumen como regalo y un minuto después de leer la primera página sentí una conexión profunda con Samaritan –el equivalente a Superman en Astro City–, un héroe tan harto de la rutina diaria de atrapar a los tipos malos y salvar el mundo que su único deseo es dormir y volar pacíficamente, libremente. Porque cuando vuela para salvar vidas o pelear contra villanos, nunca es libre. Es un esclavo de las circunstancias heroicas que le han sido impuestas. Así que solamente puede volar de verdad en sus sueños.

Samaritan, la Primera Familia y la Guardia de Honor retornan a las páginas de Astro City, acompañados por una vasta cantidad de viejos y nuevos personajes. La llegada del Embajador es una celebración de grandeza cósmica, él es una de esas criaturas 'más grandes que la vida', similar a Galactus. Busiek y Anderson rinden homenaje a la etapa Lee / Kirby en "Fantastic Four" con la creación del Embajador. Ciertamente, el amor por la obra de Kirby se hizo más que evidente en uno de los trabajos más recientes de Busiek: “Kirby Genesis” (publicado por Dynamite). 

Humano Global

Pero Busiek nunca olvida a la gente común y corriente, como Marella que trabaja en Humano Global, un call center abocado a responder emergencias súper-heroicas. El balance entre lo ordinario y lo extraordinario, entre lo humano y lo superhumano es lo que hizo esta serie tan especial en los 90s y lo que la vuelve aún más relevante ahora, en una época contaminada por mega-eventos, constantes re-numeraciones y relanzamientos, y múltiples trucos de venta.

En sólo dos números, los autores han añadido incluso más profundidad a una metrópolis ya de por sí grande y compleja. “Astro City es arte, y es buen arte. Crea algo –un lugar, tal vez un medio, o sólo un tono de voz– en el que son contadas buenas historias”, explica Neil Gaiman. Y es cierto. Aunque Astro City nació en la página también vive en nuestros corazones, y en cierto modo nosotros también vivimos allí, poblamos las calles de este fascinante experimento urbano. 

Regresar a Astro City es como saludar a viejos amigos, como reencontrarse con personas a las que aprecias pero que, por diversos motivos, no has visto en años. Sé que no he leído los trabajos de Busiek, Anderson y Ross hace más de una década, pero eso no significa que no los haya echado de menos. Cada vez que me preguntan cuáles son mis autores favoritos hablo de Alan Moore, Neil Gaiman, Grant Morrison y el panteón entero de escritores británicos, pero también hablo de Kurt Busiek, uno de los pocos escritores estadounidenses que está a la par de sus colegas británicos. Y eso es todo un logro.

Anderson retoma su rol como dibujante a lápiz y a tinta, preservando sus estilo característico, una combinación entre las líneas clásicas de los héroes del ayer con el refrescante dinamismo de eras más modernas. Por supuesto, reaparece otro egregio ciudadano de Astro City: Alex Ross. El famoso artista entrega algunas de las mejores portadas que he visto en mucho tiempo. Su hiperrealismo es tan fascinante como siempre, y sus fantásticos diseños son un incomparable festín visual. Alex Ross dibuja grandiosas portadas cada mes, pero su trabajo en esta colección está a otro nivel.

Whatever Happened to the Caped Crusader? - Gaiman & Kubert

But the most fascinating and surprising confession comes from Alfred Pennyworth, the loyal butler of the Wayne family. “He was moving away from me, away from the world”, explains Alfred. Bruce Wayne is, indeed, an improvised masked vigilante that has found failure in his nocturne missions. Alfred’s loyalty goes beyond everything imaginable, and he devises a method to keep his master in check and also providing him with the satisfaction he so eagerly yearns for.

Robin

Alfred convinces his friends, all actors, to disguise themselves eccentrically and carry out crimes of the utmost extravagancy: that’s how the Riddler, the Penguin, the Scarecrow and so many others are born. Isn’t it ironic, that the villains we as readers consider a normal part of Batman’s life are here nothing else but vaudeville actors? By undermining the verisimilitude of the most classic and absurd villains, Gaiman recreates them and actually makes them more real than one could hope for.

But the moment of true genius comes later, as Alfred admits “what master Bruce needed was a Moby Dick to his Ahab, a Moriarty to his Holmes. And so, regretfully, I did what needed to be done”. The one and only trusted man in Wayne’s manor becomes the urgently needed nemesis: the Joker. The whimsical fights between the Dark Knight and the Prince of Clowns become a regular, habitual activity. Until Bruce Wayne discovers who the Joker is. When the narrator’s voice from the first pages comes to the conclusion that something doesn’t add up in Alfred’s recount, he becomes aware of another presence, a woman he thinks is the personification of death. Anyone who has read Neil Gaiman’s Sandman will easily detect the references to Dream’s sister, Death.

Funeral

Frank Miller, Kelley Jones & Joe Quesada

How did Batman die? That’s irrelevant. The only thing that matters is that we differentiate between what Jacques Lacan used to call the real death and the symbolic death. The burial place is the first symbol in which humanity can reorganize itself. Animals live and die anonymously, so to speak. For humans, unity and irreplaceability must be protected and remembered through language, through the inscription of words in a tombstone, that's why we speak of the dead, why we erect monuments and cemeteries, thus creating what Lacan called "a second death" that pertains to the order of the symbolic. Whenever people remember our names, remember our deeds and so on we continue to exist in the Symbolic even though we have died in the Real. Therefore, Batman is not truly dead as long as friends and fiends continue to remember him. A masterpiece in just two issues, there is really no excuse for skipping this one.

Andy Kubert’s art deserves a especial analysis. Many readers will remember him from X-Men in the 90s, when he was still struggling to find his own style; luckily for us, he got better. Much better. And this is simply his best work to date. There’s so much thought in each page, so much planning and love for details that it makes me feel enamored of his lines. Gaiman had many requirements in his script, as he had planned to recreate specific versions of Batman’s classic characters. So Kubert had to recreate the artistic styles of dozens of legendary creators. The page that shows Batman’s coffin in three panels is a good example: first we have Frank Miller’s Batman from The Dark Knight Returns; and then Kelley Jones’ magnificent vampire-like rendering of the hero (first seen in Batman Versus Dracula); of course, we also have the striking first version of Azrael, as designed by now Marvel’s Chief Creative Officer Joe Quesada. The Joker panels are a clear nod to Brian Bolland’s genius work in The Killing Joke (in others we see Bruce Timm’s influence). The penultimate page I’ve posted shows a number of crucial scenes from Batman’s lore: Year One, with art by David Mazzucchelli; the origin of Man-Bat, art by Jim Aparo; Knightfall, more exactly the sequence in which Bane breaks Batman’s spine; Arkham Asylum, art by Dave McKean, and in the center Batman kissing Talia, daughter of Rah’s Al Ghul, following into the footsteps of one of the most popular Batman artists: Neal Adams. And Andy Kubert draws so brilliantly that you can immediately recognize the artists that have inspired him. Excellent!

The Joker

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Gotham

Pero la más fascinante y sorprendente confesión viene de Alfred Pennyworth, el leal mayordomo de la familia Wayne. "Él se alejaba de mí, del mundo" explica Alfred. Bruce Wayne es, de hecho, un enmascarado improvisado que fracasa en sus misiones nocturnas. La lealtad de Alfred va más allá de todo lo imaginable, e inventa un método para mantener a su amo bajo control y darle la satisfacción que tanto anhela.

David Mazzucchelli, Jim Aparo, Dave McKean & Neal Adams 

Alfred convence a sus amigos, todos actores, para que se disfracen excéntricamente y lleven a cabo crímenes de la más absoluta extravagancia: así es como nacen the Riddler, the Penguin, the Scarecrow y muchos más. ¿No es irónico que los villanos que los lectores consideramos como parte normal de la vida de Batman no son aquí más que actores de vodevil? Al socavar la verosimilitud de los más clásicos y absurdos villanos, Gaiman los recrea y los hace más reales de lo que uno podría esperar.

The end and the beginning / el fin y el principio

Pero el momento de genialidad llega luego, cuando Alfred admite que "el amo Bruce necesitaba un Moby Dick para su Ahab, un Moriarty para su Holmes. Y por lo tanto, con arrepentimiento, hice lo que necesitaba hacerse". El único hombre de confianza de la mansión Wayne se convierte en ese némesis urgentemente necesitado: The Joker. Las disparatadas peleas entre el Caballero de la Noche y el Príncipe del Crimen pasan a ser una actividad habitual. Hasta que Bruce Wayne descubre quién es el Joker. Cuando la voz del narrador de las primeras páginas llega a la conclusión de que algo falta en el relato de Alfred, advierte otra presencia, una mujer que imagina como a la personificación de la muerte. Cualquiera que haya leído Sandman de Neil Gaiman detectará fácilmente las referencias a la hermana de Sueño, Muerte.

¿Cómo murió Batman? Eso es irrelevante. Lo único que importa es que diferenciemos entre lo que Jacques Lacan solía llamar la muerte real y la muerte simbólica. El sepulcro es el primer símbolo en torno al cual la humanidad se reorganiza. Los animales viven y mueren anónimamente, por así decirlo. Para los humanos, la unidad y lo irreemplazable deben ser protegidos y recordados a través del lenguaje, a través de la inscripción de palabras en una lápida, es por eso que hablamos de los muertos, es por eso que erigimos monumentos y cementerios, creando así lo que Lacan llamaba la "segunda muerte" que pertenece al orden de lo simbólico. Cuando la gente recuerda quiénes éramos, así como nuestros actos, continuamos existiendo en lo Simbólico incluso cuando hayamos muerto en lo Real. Por lo tanto, Batman no está verdaderamente muerto mientras que sus amigos y enemigos continúen recordándolo. Una obra maestra en sólo dos números, realmente no hay excusa para perdérselos.

El arte de Andy Kubert merece un análisis aparte. Muchos lectores recordarán sus páginas de X-Men en los 90, cuando todavía buscaba su propio estilo; afortunadamente para nosotros, mejoró. Y mucho. Y este es simplemente el mejor trabajo de su carrera. Hay tanto pensamiento en cada página, tanto planeamiento y amor por los detalles que uno se enamora de sus líneas. Gaiman tenía muchas exigencias en su guión, ya que había planeado recrear versiones específicas de los personajes clásicos de Batman. Así, Kubert tuvo que recrear los estilos artísticos de docenas de creadores legendarios. La página que muestra a Batman en el ataúd en tres viñetas es un buen ejemplo: primero tenemos al Batman de Frank Miller de The Dark Knight Returns; y luego la magnífica interpretación vampírica de Kelley Jones (vista por primera vez en Batman Versus Dracula); por supuesto también tenemos el espectacular diseño del primer traje de Azrael, creación del ex editor en jefe de Marvel Comics, Joe Quesada. Las viñetas del Joker son un claro guiño al genial trabajo de Brian Bolland en The Killing Joke (en otras escenas veremos la influencia de Bruce Timm). La penúltima página que he colocado muestra escenas cruciales: Year One, con arte de David Mazzucchelli; el origen de Man-Bat, arte de Jim Aparo; Knightfall, o más exactamente el momento en el que Bane le rompe la columna vertebral a Batman; Arkham Asylum, arte de Dave McKean; y en el centro Batman besando a Talia, la hija de Rah’s Al Ghul, reproduciendo el estilo de uno de los más populares artistas de Batman: Neal Adams. Y Andy Kubert hace un trabajo tan brillante que podemos reconocer de inmediato a los artistas que lo han inspirado. ¡Excelente!