Tregua de vidrio - Aissa Chrem (Centro Cultural Ricardo Palma)

Han pasado ya casi tres años desde la primera vez que entré a la espaciosa y antigua casona miraflorina que alberga las oficinas del grupo editorial COSAS. En ese entonces, mi trabajo me obligaba a estar en contacto con prácticamente todas las áreas de las revistas COSAS, CASAS, COSAS Hombre y Padres y, por lo tanto, con una buena cantidad de colaboradores, entre ellos, por supuesto, los fotógrafos de sociales.

Una revista como COSAS dedica una considerable cantidad de páginas a la sección de sociales, y para ello siempre hacen falta fotógrafos que puedan asistir a todos los cocteles, inauguraciones, fiestas y demás eventos de nuestra ciudad. Así fue como el 2013 conocí a Aissa Chrem, una chica muy inteligente, asertiva y sensible, de mirada firme y a la vez tierna. A menudo me tocaba escuchar las conversaciones de Aissa con nuestra editora de sociales, la siempre simpática y divertida Cristina Tudela; y en más de una ocasión coincidí con la carismática fotógrafa en inauguraciones de muestras arte (y hemos tenido conversaciones muy entretenidas). 

Quizás alguna vez le comenté a Aissa que me aburría estando 9 o más horas al día sentado en mi oficina frente a una computadora, pero yo sabía muy bien que su trabajo tampoco era ninguna garantía de diversión. Una labor nocturna ajetreada y que a menudo traía pocos reconocimientos. Aissa, al igual que los demás fotógrafos, debía pasar las noches en eventos a los que quizás hubiese preferido no asistir, obligada a tomar las fotografías que la revista solicitaba y no las que ella hubiese deseado tomar. Por eso, para mí ha sido una muy grata sorpresa observar cómo ella y otros fotógrafos de COSAS han desarrollado su lado artístico de manera paralela. Por ejemplo, Josip Curich presentó una muy buena muestra fotográfica el 2015 en Domingo Laboratorio Creativo.

Aissa Chrem

Y ahora, para mí ha sido un enorme placer ver que por fin Aissa ha presentado una magnífica muestra titulada “Tregua de vidrio”, una sobria selección de fotografías a blanco y negro que evocan con una cierta nostalgia el mundo natural, los elementos cotidianos que nos rodean y que nosotros a menudo ignoramos u olvidamos. 

my drawing / mi dibujo

En palabras de la propia artista, la “necesidad de estabilizar lo frágil” se convierte en una motivación de vital importancia. Esta búsqueda constante permite que Aissa explore lúcidamente la relación entre la mirada del fotógrafo y la intención estética del artista. Gracias a “Tregua de vidrio” puedo afirmar que el 2016 empieza con muy buen pie (al menos en materia de exposiciones).

Una vez más, felicito a Aissa por confiar en su talento y por premiarnos con tan espléndida muestra. Espero que todos los que visiten la Sala 770 del Centro Cultural Ricardo Palma disfruten viendo estas fotos. Y ojalá que ella se anime a realizar más muestras.

Marvel Boy - Grant Morrison & J.G. Jones

Decades ago, Grant Morrison’s Animal Man revolutionized the American comic book industry; a remarkable accomplishment in its own right and even more so if we keep in mind that this was a relatively unknown character. 16 years ago, Morrison decided to reinvent an even more obscure character: Marvel Boy. This superhero, simply described as “the boy from another planet”, in the first issue of Marvel Boy (December 1950) would be lost in oblivion for almost half a century. 

Certainly, over the years there were a few sporadic reinterpretations of Marvel Boy, although easily forgotten.  The Scottish writer, however, took the notion of “the boy from another planet” and turned it into a fascinating sci-fi odyssey, rich in irony, political criticism and rebelliousness. Morrison’s scripts are fantastically illustrated by J.G. Jones, a very talented artist capable of doing impressive covers as well as stunning interior art. Jones pages are examples of graceful composition and fluid movement, successfully combining a clear storytelling with thoroughly rendered images. Few pencilers and inkers could have rivaled with Jones back in 2000, but what’s even more amazing is that he would continue to improve, perfecting his artistic style. 

In the opening pages of “Hello Cruel World” (originally published in Marvel Boy # 1, August 2000), an alien spaceship from the Kree Empire is destroyed by the megalomaniac Midas; the young and reckless Noh-Varr (AKA Marvel Boy) becomes the sole survivor… however, he is apprehended by Midas, an ambitious and callous man who covets the power and knowledge that lies beyond the stars. But Midas isn’t aware of Noh-Varr’s strange abilities. The boy has the unique ability of transforming his own pain into sound waves only he can hear, so instead of suffering he literally relaxes listening to music. Immune to torture and impervious to threats, Noh-Varr also carries within himself the key to his freedom. In fact, “his body fluids are nanoactive”, something Midas discovers far too late. Noh-Varr is “the living weapon of an alien empire”.

After escaping from the Midas Foundation, Marvel Boy finds himself marooned in an alien planet (Earth) and completely alone (save for the assistance of Plex, an organic computer similar to the Kree’s Supreme Intelligence). In “Boy Vs World” (Marvel Boy # 2, September 2000), Noh-Varr faces a difficult dilemma: he can either try to fix his spaceship and return to his homeworld or he can avenge the death of his comrades and “fix the planet” in the process.

the Kree spaceship about to be destroyed / la nave espacial Kree a punto de ser destruída

One of the most interesting aspects of Marvel Boy is that he isn’t a hero or a villain, he is an alien (some might even say ‘alienated’) youth. Although he may show contempt towards our civilization, Noh-Varr isn’t cruel, he’s simply a desperate young man who feels he must fight against an entire world to survive. “Digital Koncentration Kamp One” (Marvel Boy # 3, October 2000) is one of my favorite issues precisely because it explores Marvel Boy’s inner struggle and shows how complex he can be as a character. This story has everything you might expect from the Scottish writer: an insightful observation of our reality, an original metaphor about our way of living, a defiant take on the traditional values of society and the kind of over the top and irresistible concepts that Morrison is so famous for. 

Marvel Boy versus the United Nations (New York) / Marvel Boy versus las Naciones Unidas (New York)

Instead of a Galactus (the devourer of worlds), in “Digital Koncentration Kamp One” we have Hexus “the living corporation”. Hexus is “invisible, untouchable. A living idea”, an ever-growing parasitic entity that migrates from one planet to another, leaving behind only a lifeless surface. Although at first he is reluctant to help humans, in the end Marvel Boy understands that the destruction of Earth will also mean his own death. So he fights with every resource at his disposal against Hexus. It is a hard battle, because Hexus appeals to consumerism, to the urge we so often have of purchasing products we don’t really need. The living corporation has a very clear goal “Soon, Hexus will own everything. We will license the air you breathe and the thoughts we allow you to think”. 

Hexus, the living corporation / Hexus, la corporación viviente

It’s very rare to find this kind of battle in superhero comics. Usually, you have the classic hero and the classic villain, beating the hell out of each other (maybe with a few variations here and there). But this time, the conflict is more philosophical than physical. The living corporation is an idea, and therefore it cannot die, in the same way that consumerism cannot cease to exist. In the end, Marvel Boy has no choice but to strengthen every corporation in the world so that they can suffocate Hexus before it completes its expansion plans. Corporative America can be a powerful enemy, but for Noh-Varr it’s obviously better to deal with the devil you know than the devil you don't.

Wounded after his confrontation with Hexus, Marvel Boy is defeated in “Exterminatrix!” (Marvel Boy # 4, November 2000). The beautiful but deadly Oubliette (AKA Exterminatrix) is the daughter of Midas; she’s an emotionally unstable girl, forced to live under the strict rules of someone who acts more like a dictator than a father. In “Zero Zero: Year of Love” (Marvel Boy # 5, December 2000) Marvel Boy and Oubliette slowly but surely give into their innermost desire. This isn’t simply a youthful affaire, because there is clearly a strong connection between Marvel Boy (the living weapon) and Oubliette (the ultimate huntress). They’ve both been refused the possibility of living a normal life, and whether they are on Earth or in the Kree Empire, they feel as outcasts. “Mindless: The End” (Marvel Boy # 6, March 2001) is the conclusion of Morrison’s brilliant miniseries. I won’t say much about this final chapter, except that it ended in a cliffhanger. Evidently, Morrison had the intention of returning to the character in the future, but that never happened. Fortunately, many years later Marvel Boy would reappear on the pages of Young Avengers (and Oubliette too), proving that such a charismatic warrior deserved to be on the spotlight again. 
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Décadas atrás, “Animal Man” de Grant Morrison revolucionó la industria del cómic estadounidense; algo ya de por sí notable si tenemos en cuenta que se trataba de un personaje relativamente desconocido. Hace 16 años, Morrison decidió reinventar un personaje aún más rebuscado: Marvel Boy. Este superhéroe, simplemente descrito como “el chico de otro planeta”, en el primer número de “Marvel Boy” (diciembre de 1950) se perdería en el olvido durante casi medio siglo.

Midas versus Marvel Boy

Ciertamente, a lo largo de los años hubo algunas esporádicas reinterpretaciones de Marvel Boy, aunque recibieron poca atención. El escritor escocés, sin embargo, tomó la idea de “el chico de otro planeta” y la convirtió en una fascinante odisea de ciencia-ficción, rica en ironía, crítica política y rebeldía. El guión de Morrison está fantásticamente ilustrado por J.G. Jones, un artista muy talentoso capaz de hacer portadas impresionantes, así como preciosas páginas interiores. El arte de Jones es un ejemplo de composición grácil y movimiento fluido, combinando con éxito una narración clara con imágenes minuciosamente trabajadas. Pocos dibujantes y entintadores podrían haber rivalizado con Jones en el 2000, pero lo que es aún más sorprendente es que él seguiría mejorando, perfeccionando su estilo artístico.

En las páginas iniciales de “Hola mundo cruel” (publicado originalmente en Marvel Boy # 1, agosto del 2000), una nave espacial extraterrestre del Imperio Kree es destruida por el megalómano Midas; el joven e impulsivo Noh-Varr (alias Marvel Boy) es el único superviviente... sin embargo, él es capturado por Midas, un hombre ambicioso y cruel que anhela el poder y el conocimiento de las civilizaciones alienígenas. Pero Midas no conoce las extrañas habilidades de Noh-Varr. El muchacho tiene la capacidad única de transformar su propio dolor en ondas de sonido que sólo él puede oír, así que en vez de sufrir se relaja escuchando música. Inmune a la tortura y a las amenazas, Noh-Varr también lleva dentro de sí la llave de su libertad. De hecho, “sus fluidos corporales son nanoactivos”, algo que Midas descubre demasiado tarde. Noh-Varr es “el arma viviente de un imperio alienígena”.

Después de escapar de la Fundación Midas, Marvel Boy se encuentra extraviado en un planeta alienígena (la Tierra) y completamente solo (con la excepción de Plex, una computadora orgánica similar a la Inteligencia Suprema de los Kree). En “Un chico versus el mundo” (Marvel Boy # 2, setiembre del 2000), Noh-Varr enfrenta un difícil dilema: puede tratar de arreglar su nave espacial y regresar a su planeta natal o puede vengar la muerte de sus compañeros y “arreglar el planeta” en el proceso.

Oubliette (Exterminatrix)

Uno de los aspectos más interesantes de Marvel Boy es que él no es un héroe ni un villano, él es un joven alienígena (o ‘alienado’ como dirían algunos). Pese a que muestra desprecio por nuestra civilización, Noh-Varr no es cruel, es simplemente un joven desesperado que siente que debe luchar contra todo el mundo para sobrevivir. “Kampo de koncentración digital uno” (Marvel Boy # 3, octubre del 2000) es uno de mis números favoritos, precisamente porque explora la lucha interna de Marvel Boy y muestra lo complejo que puede ser como personaje. Esta historia tiene todo lo que se podría esperar del escritor escocés: una observación perspicaz de nuestra realidad, una metáfora original sobre nuestra forma de vida, una posición desafiante en cuanto a los valores tradicionales de la sociedad, y el tipo de conceptos irresistibles y de alto vuelo tan propios de Morrison.

En lugar de un Galactus (el devorador de mundos), en “Kampo de koncentración digital uno” tenemos a Hexus “la corporación viviente”. Hexus es “invisible, intocable. Una idea viviente”, una entidad parasitaria en constante crecimiento que migra de un planeta a otro, dejando al final sólo una superficie sin vida. Aunque en un principio se muestra reacio a ayudar a los humanos, eventualmente Marvel Boy entiende que la destrucción de la Tierra también significaría su propia muerte. Así que él lucha con todos los recursos a su disposición contra Hexus. Es una batalla difícil, porque Hexus apela al consumismo, al impulso que tenemos tan a menudo de adquirir productos que realmente no necesitamos. La corporación viviente tiene un objetivo muy claro “Pronto, Hexus será dueña de todo. Vamos a alquilarte el aire que respiras y los pensamientos que te permitamos tener”.

the Supreme Intelligence of the Kree / la Inteligencia Suprema de los Kree

Es muy raro encontrar este tipo de batalla en los cómics de superhéroes. Por lo general, tenemos al héroe clásico y al villano clásico, dándose una paliza (tal vez con alguna que otra variación). Pero esta vez, el conflicto es más filosófico que físico. La corporación viviente es una idea, y por lo tanto no puede morir, de la misma manera que el consumismo no puede dejar de existir. Al final, Marvel Boy no tiene más remedio que fortalecer a todas las empresas del mundo para que puedan asfixiar a Hexus antes de que avance con sus planes de expansión. La América corporativa puede ser un enemigo poderoso, pero para Noh-Varr es obviamente mejor lidiar con 'malo conocido que malo por conocer'.

Herido tras su enfrentamiento con Hexus, Marvel Boy es derrotado en “¡Exterminatrix!” (Marvel Boy # 4, noviembre del 2000). La bella pero mortal Oubliette (alias Exterminatrix) es la hija de Midas; ella es una chica emocionalmente inestable, obligada a vivir bajo las estrictas reglas de alguien que actúa más como un dictador que como un padre. En “Cero cero: año del amor” (Marvel Boy # 5, diciembre del 2000) Marvel Boy y Oubliette poco a poco ceden al deseo íntimo. Esto es más que un amorío juvenil, porque hay claramente una fuerte conexión entre Marvel Boy (el arma viviente) y Oubliette (la cazadora definitiva). A ambos les negaron la posibilidad de vivir una vida normal, y ya sea que estén en la Tierra o en el Imperio Kree, se sienten como parias. “Sin mente: el fin” (Marvel Boy # 6, marzo del 2001) es la conclusión de la brillante miniserie de Morrison. No voy a decir mucho sobre este último capítulo, excepto que se quedó por continuar. Evidentemente, Morrison tenía la intención de volver al personaje en el futuro, pero eso nunca sucedió. Afortunadamente, muchos años después Marvel Boy reaparecería en las páginas de Young Avengers (y Oubliette también), lo que demuestra que un guerrero tan carismático estaba destinado a regresar al campo de batalla.

Doc Macabre - Steve Niles & Bernie Wrightson

As much as I enjoy scary movies (or comics), it’s always refreshing to come across a good parody such as Doc Macabre. Bernie Wrightson is regarded as the undisputed master of horror comics, and in 2010 he decided to collaborate with Steve Niles (famous for titles such as “30 Days of Night”, a magnificent reinterpretation of the vampiric subgenre). Niles and Wrightson turned their back on suspense and gore, and embraced a comedic approach for Doc Macabre (a 3-issue miniseries published by IDW, from December 2010 to February 2011).

With a good sense of humor and very amusing concepts, Niles and Wrightson revisited some of the classic elements of conventional horror stories, tweaking them when necessary. For starters, Doc Macabre, the protagonist, isn’t the typical hero you’d see in a supernatural saga. Doc Macabre is a 15-year-old kid, braver than anyone else, and he’s a boy genius too. He’s smart and a bit naive at times, he makes mistakes, but he’s never afraid to get back on track and come up with a solution to the problem at hand. 

Doc Macabre shares a few similitudes with franchises like “Ghost Busters”, except that instead of a group of middle-aged man, disenchanted with the world, we have an enthusiastic teenager, full of ideas and inventions to capture ghosts, neutralize vampires and kick zombies ass. But at the same time he’s a pragmatic youngster, so obviously he charges for his services. 

Lighthearted adventures, likeable characters and funny moments are the essence of Doc Macabre. In addition to the protagonist, we also get to meet Lloyd, a robot designed and built by the kid, a robot with a sparkling personality and completely faithful to its young master. Then we also have Detective Cooper (a private investigator who has recently returned from the grave) and the Ghoul, a creature similar to Frankenstein (let’s remember that Wrightson is a huge fan of Mary W. Shelley’s novel, adapting it as an amazing ongoing series titled Frankenstein Alive, Alive).  

Steve Niles’ script is solid and, like I said before, I actually laughed out loud a couple of times while reading Doc Macabre. However, the main reason I bought this miniseries was because of legendary artist Bernie Wrightson. With highly revered runs in Creepy or Swamp Thing, to name just a few, Wrightson has been one of the most important artists in the American industry for decades. So I knew I couldn’t resist the urge of checking out his current output. And I have to say I’m glad I did.
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Aunque me encantan las películas (o los cómics) de terror, siempre es refrescante encontrar una buena parodia como “Doc Macabre”. Ciertamente, Bernie Wrightson es considerado como el maestro indiscutible del cómic de terror, pero en el 2010 decidió colaborar con Steve Niles (famoso por títulos como "30 Days of Night", una magnífica reinterpretación del subgénero vampírico). Niles y Wrightson le dieron la espalda al suspenso y al gore, y asumieron un enfoque cómico en “Doc Macabre” (una miniserie de 3 ejemplares editada por IDW, desde diciembre del 2010 a febrero del 2011).

Science versus zombies / ciencia versus zombis

Con un buen sentido del humor y conceptos muy divertidos, Niles y Wrightson pasaron lista a algunos de los elementos clásicos de las historias de terror convencionales, haciendo los ajustes necesarios. Para empezar, Doc Macabre, el protagonista, no es el típico héroe que veríamos en una saga sobrenatural. Doc Macabre es un chaval de 15 años, más valiente que ningún otro, y también es un chico genio. Es inteligente y, a veces, un poco ingenuo, comete errores, pero nunca tiene miedo de volver al ruedo para solucionar el problema en cuestión.

Doc Macabre & Lloyd

“Doc Macabre” comparte algunas similitudes con franquicias como “Ghost Busters”, excepto que en lugar de un grupo de hombres de mediana edad, desencantados con el mundo, tenemos a un adolescente entusiasta, lleno de ideas e inventos para capturar fantasmas, neutralizar a los vampiros y darles una paliza a los zombis. Pero al mismo tiempo, él es un joven pragmático, por lo tanto, obviamente, cobra por sus servicios.

Aventuras desenfadadas, simpáticos personajes y momentos divertidos son la esencia de Doc Macabre. Además del protagonista, también conoceremos a Lloyd, un robot diseñado y construido por el muchacho, un robot con una chispeante personalidad y completamente fiel a su joven amo. Además, tenemos al detective Cooper (un investigador privado que ha regresado recientemente del más allá) y al Ghoul, una criatura similar a Frankenstein (recordemos que Wrightson es un gran fan de la novela de Mary W. Shelley, y ha hecho una asombrosa adaptación titulada Frankenstein Alive, Alive). 

Ghoul & Detective Cooper

El guión de Steve Niles es sólido y, como he mencionado antes, de hecho me reí en voz alta un par de veces durante la lectura de “Doc Macabre”. Sin embargo, la razón principal por la que compré esta miniserie fue por el legendario artista Bernie Wrightson. Con aclamadas etapas en “Creepy” y “Swamp Thing”, por nombrar sólo unas pocas, Wrightson ha sido uno de los artistas más importantes de la industria estadounidense durante décadas. Así que sabía que no podía resistir la tentación de echarle un vistazo a esta miniserie. Y tengo que decir que me alegra haberlo hecho.

Airboy - James Robinson & Greg Hinkle

I seem to have a nose for polemical titles. I have pre-ordered many books that proved to be the source of heated debates and, in my opinion, wherever I find controversy, I also find something else: the unaltered and uncensored voice of a creator. Whether you love it or hate it, if a comic book is controversial it means it has had a profound effect on the readers. You don’t participate passionately in a discussion unless you’re talking about something you really care about (doesn’t matter if you’re criticizing it or praising it).

So I’m glad to have been able to fine-tune my instincts towards series that are not received with indifference. And certainly, Airboy is the kind of miniseries that took everyone by surprise. Airboy is “a depraved misappropriation of a delightful Golden Age character” (Gerry Duggan) with “riotous humor” (Joe Keatinge); it’s also “As insanely imaginative as it is cringe-inducingly honest” (Brian K. Vaughan), “inventive, confessional, fun and full of character” (Rick Remender) and “Profane, disgusting and utterly brilliant. The ultimate NSFW comic book” (Jeff Lemire).

If you have a controversial miniseries and at the same time you have earned the compliments of such renowned authors, then you’re probably doing something right. Airboy is the best comic Robinson has written in years, and I think his narrative strength comes from two solid foundations: in the first place, Robinson’s knowledge and understanding of the Golden Age of comics (it’s no coincidence that his most famous works are “The Golden Age”, an Elseworlds project for DC and “Starman” a revitalized version of a classic hero); and in addition to that, the autobiographical and satirical components that define this particular tale of debauchery, redemption and introspection. 

A lot of alcohol and drugs / un montón de alcohol y drogas

The protagonists are James Robinson (the writer), Greg Hinkle (the artist) and Airboy (the old-school superhero). James Robinson is confronting his insecurities as a writer and his marital problems, and although this is a fictional setting, his words still ring true. His complaints about the current state of the industry are very similar to the opinions expressed by many writers that have abandoned DC and/or Marvel Comics in recent years. “I hate being at DC right now […] My career at DC is going nowhere. I’m in my decline. I know it. People reading my books can tell, from the quality of my work slipping, I’m sure. So, I drink and do drugs and pretend it’s glamorous”. As Robinson has explained in an open letter “I intentionally portray myself in the worst light possible and as the worst kind of person”, so obviously in real life the British writer isn’t snorting cocaine or having sex with transvestites 24/7, but despite the hyperbolic façade, Airboy’s content is still shockingly authentic “this series is a semi-autobiographical piece of meta-fiction that shows me at a self-destructive and unhappy time in my life before I sobered up”, admits the author.

The naked truth / la verdad desnuda

Airboy, however, isn’t simply a fascinating introspective exercise. As I have mentioned, it also gravitates around the notion of a man redeeming himself. For Robinson, everything begins when he meets artist Greg Hinkle. They have received a very generous offer to reboot / revamp Airboy, a superhero created in the 40s that stopped being relevant in the 50s… a character no one has heard about in more than half a century. And before they can even wrap their heads around the idea, suddenly Airboy is there. A noble adventurer of the Golden Age, a savior, a clean-cut do-gooder who, at first, thinks Robinson and Hinkle are either supervillains or evil stooges. The classic hero is completely befuddled, unable to recognize or understand the world as it is now. And slowly but surely, the writer and artist start corrupting the innocence of yesteryear’s champion. After making Airboy try drugs, they persuade him to have sex with a transvestite. Naïve as ever, the young man enjoys getting a blowjob from an expert mouth, but is completely disgusted when he finds out the “lady” he’s about to fuck actually has a penis. 

Sick and tired of our reality, Airboy decides to use his powers to take Robinson and Hinkle to 1945, to a world of honor and valor, to the final battle against Hitler’s army. Evidently Robinson and Hinkle cause more than a few problems (of a sordid nature, I might add). But even in the middle of a warzone, they come up with ideas not only to survive but also to change the course of their professional lives. 

I wasn’t familiar with Greg Hinkle as an artist, but I must say I absolutely loved his style. It really fits the tone of the story, and his use of colors is just spot on. His drawings are very expressive and full of life. And his covers are absolutely amazing. I hope to see Robinson and Hinkle working together again, they sure are an extraordinary creative team. After all, Airboy was one of the finest miniseries of 2015.
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Parece que tengo buen olfato para los títulos polémicos. A menudo me he anticipado y comprado cómics que resultaron ser el origen de acalorados debates y, en mi opinión, allí donde hay controversia, también hay algo más: la voz sin alteraciones y sin censuras de un creador. Ya sea que te encante o que lo detestes, si un cómic es controversial eso significa que ha causado un profundo impacto en los lectores. La gente no participaría apasionadamente en una discusión a menos que esté hablando de algo que realmente le importa (al margen de estar haciendo críticas o alabanzas).

Airboy

Así que me alegra haber sido capaz de afinar mi radar y descubrir así series que han causado revuelo. Y ciertamente, “Airboy” es el tipo de miniserie que nos agarró a todos por sorpresa. Airboy es “una apropiación indebida y depravada de un encantador personaje de la Edad de Oro” (Gerry Duggan) con “humor desenfrenado” (Joe Keatinge); también es “demencialmente imaginativa y tan honesta que nos sacude” (Brian K. Vaughan), “inventiva, confesional, divertida y con mucho carácter” (Rick Remender) y “profana, repugnante y absolutamente brillante. El cómic para adultos definitivo” (Jeff Lemire).

Si se trata de una miniserie controversial y, al mismo tiempo, se ha ganado los elogios de autores tan renombrados, entonces muy probablemente vamos por buen camino. Airboy es el mejor cómic que Robinson ha escrito en años, y creo que su fuerza narrativa proviene de dos bases sólidas: en primer lugar, Robinson comprende y conoce muy bien la Edad de Oro de los cómics (no es ninguna coincidencia que sus obras más famosas sean “The Golden Age”, un proyecto Elseworlds para DC y “Starman” una versión revitalizada de un héroe clásico); en segundo lugar, los componentes autobiográficos y satíricos que definen este particular relato de libertinaje, redención e introspección.

Los protagonistas son James Robinson (el escritor), Greg Hinkle (el artista) y Airboy (el superhéroe tradicional). James Robinson se enfrenta a sus inseguridades como escritor y a sus problemas maritales, y aunque se trata de un escenario ficticio, sus palabras transmiten verdad. Sus quejas sobre el estado actual de la industria son muy similares a las opiniones expresadas por muchos escritores que han abandonado DC y/o Marvel Comics en los últimos años. “Odio estar en DC actualmente [...] Mi carrera en DC no va a ningún lado. Estoy en declive. Lo sé. Estoy seguro que la gente que lee mis cómics se da cuenta que la calidad de mi trabajo va cuesta abajo. Por eso me emborracho y me drogo y finjo que eso es glamoroso”. Como Robinson ha explicado en una carta abierta “intencionalmente me retrato a mí mismo de la peor manera posible y como el peor tipo de persona”, así que, obviamente, en la vida real el escritor británico no está inhalando cocaína o follando con travestis las 24 horas del día, pero a pesar de esta fachada hiperbólica, el contenido de Airboy sigue siendo sorprendentemente auténtico “esta serie es una pieza semi-autobiográfica de meta-ficción que me muestra en una etapa autodestructiva e infeliz de mi vida, antes de lograr estar sobrio”, admite el autor.

Even a superhero has needs... / incluso un superhéroe tiene necesidades...

“Airboy”, sin embargo, es más que un fascinante ejercicio de introspección. Como ya he mencionado, también gravita en torno a la noción de redención. Para Robinson, todo comienza cuando conoce al artista Greg Hinkle. Ellos reciben una oferta muy generosa para relanzar/renovar a Airboy, un superhéroe creado en los 40s que dejó de ser relevante en los 50s... un personaje del que nadie ha oído hablar en más de medio siglo. Y antes de que puedan planear cómo sería ese cómic, repentinamente Airboy está allí. Un noble aventurero de la Edad de Oro, un salvador, un bienhechor de fuerte fibra moral quien, al principio, piensa que Robinson y Hinkle son supervillanos o secuaces del mal. El héroe clásico está completamente aturdido, incapaz de reconocer o entender el mundo tal como es ahora. Y poco a poco, el escritor y el artista comienzan a corromper la inocencia de este campeón de antaño. Después de hacer que Airboy pruebe drogas, lo convencen para que tenga sexo con un travesti. Ingenuo como siempre, el joven disfruta la mamada de una boca experta, pero se siente completamente asqueado cuando descubre que la “señorita” que está a punto de follar en realidad tiene un pene.

Hastiado de nuestra realidad, Airboy decide utilizar sus poderes para llevar a Robinson y Hinkle a 1945, a un mundo de honor y valor, a la batalla final contra el ejército de Hitler. Evidentemente, Robinson y Hinkle causan más de un problema (de naturaleza sórdida, debo añadir). Pero incluso en medio de una zona de guerra, encuentran la inspiración no sólo para sobrevivir sino también para cambiar el curso de sus vidas profesionales.

No estaba familiarizado con Greg Hinkle como artista, pero tengo que decir que me encantó su estilo. Realmente se acopla al tono de la historia, y su uso de colores es simplemente estupendo. Sus dibujos son muy expresivos y llenos de vida. Y sus portadas son absolutamente asombrosas. Espero ver a Robinson y Hinkle trabajando juntos nuevamente, son un equipo creativo extraordinario. Después de todo, Airboy fue una de las mejores miniseries del 2015.

December comic books / cómics de diciembre

There were quite a few surprises in the last month of 2015, such as the inaugural arc of the second volume of Jupiter’s Circle, and also the final issue of Brian K. Vaughan’s miniseries We Stand On Guard. The second issue of Huck was good enough. And I absolutely enjoyed the 100-page super spectacular reprint of classic Teen Titans stories (so much quirkiness and old-fashioned humor in the same place… totally worth it). So now, without further ado, here are December comics as per solicitations:  

ALL NEW ALL DIFFERENT AVENGERS #2
(W) Mark Waid (A) Adam Kubert, Mahmud A. Asrar (CA) Alex Ross. The Avengers are dead--long live the Avengers! Earth's Mightiest Heroes--Captain America, Thor, Vision, and Iron Man--are living separate lives, not tied to any team--but when a threat from beyond the stars targets our world, fate draws them together once more, alongside Nova, Ms. Marvel, and Miles Morales a.k.a. Spider-Man! RATED T+

DC PRESENTS TITANS HUNT 1OO PAGE
(W) Bob Haney (A) Bruno Premiani, Nick Cardy. The TITANS HUNT is on-and now, DC Comics collects some of the original stories that brought together your favorite teen heroes! Don't miss some of the earliest tales of the Teen Titans in these stories from BRAVE AND THE BOLD #54 and 60, and TEEN TITANS #1 and 4, starring Robin, Aqualad, Kid Flash, Wonder Girl and Speedy!

HUCK #2  
(W) Mark Millar (A/CA) Rafael Albuquerque. Now under media scrutiny, Huck sets out to help the flood of strangers coming to him in need.

my drawing / mi dibujo

JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #1 (MR)
(W) Mark Millar (A) Wilfredo Torres (CA) Frank Quitely. Legendary MARK MILLAR reunites with the superlative WILFREDO TORRES in this epic prequel to the smash-hit JUPITER'S LEGACY series! In midcentury America, the world's greatest superheroes triumph in their public battles, while struggling with private ones. Mad Men-style period drama meets Justice League-inspired team action in a brand new volume. Introducing new regular cover artist BILL SIENKIEWICZ. Also features character design cover by FRANK QUITELY.

WE STAND ON GUARD #6 (MR)  
(W) Brian K. Vaughan (A/CA) Steve Skroce. MINISERIES CONCLUSION The smash-hit miniseries reaches its epic FINAL ISSUE with explosive battles and shocking revelations... but how will things end for the Great White North?
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En el último mes del 2015 hubo varias sorpresas, como el arco inaugural del segundo volumen de “Jupiter’s Circle”, y también el último número de la miniserie de Brian K. Vaughan “We Stand On Guard”. El segundo ejemplar de “Huck” fue lo suficientemente bueno. Y disfruté tremendamente como la espectacular reimpresión de 100 páginas de historias clásicas de “Teen Titans” (aunque estrambóticas y añejas, ¡valen la pena!). Así que sin mayores preámbulos, aquí están los cómics de diciembre:

ALL NEW ALL DIFFERENT AVENGERS #2
Veteranos y novatos se reúnen por primera vez. 

DC PRESENTS TITANS HUNT 1OO PAGE
Recopilación de las historias originales que reunieron a vuestros héroes adolescentes favoritos. No os perdáis algunos de los primeros relatos de los Teen Titans en estas historias de BRAVE AND THE BOLD # 54 y 60, y TEEN TITANS # 1 y 4, protagonizadas por Robin, Aqualad, Kid Flash, Wonder Girl y Speedy. 

HUCK #2
Bajo el escrutinio de los medios, HUCK ayudará a los forasteros.

JUPITER'S CIRCLE, VOL. 2 #1
A mediados de siglo, los más grandes superhéroes del mundo triunfan en sus batallas públicas, mientras luchan con sus conflictos privados. 

WE STAND ON GUARD #6 (MR)
¿Cuál será el final para el Gran Norte Blanco?

Druuna: Morbus Gravis - Serpieri

The first time in my life that I saw the work of the great Italian artist Paolo Eleuteri Serpieri, was in the pages of the sci-fi anthology Zona 84. However, I had to wait many years to read Druuna’s first saga (originally published in 1985 by Alessandro, an Italian publisher). There must be some sort of magic in the Mediterranean Sea, because the most prestigious masters in erotic art come from Italy: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc.

With exquisite lines, elegant inks and gorgeous watercolor, Serpieri turned “Druuna” into an impressive work of art. The Italian artist gracefully balances the profusion of details, a deep understanding of human anatomy and a great knowledge of composition. However, it is worth noting that Serpieri's style would continue to evolve thus becoming even more refined. "Morbus Gravis" is a first step in Serpieri's artistic development; in the sequel, "Delta", we’ll see how much his art improves.

"Morbus Gravis" means, literally, grave morbidity. Morbid derives from 'mori' (to die) in Latin and that is why, etymologically, this word is mostly associated with disease; however, in time it would take on a new meaning: vice, moral degeneration, mental illness. It isn't surprising, then, that the key for Serpieri's proposal lies within these words: Druuna is a beautiful and healthy woman living in a sick and depraved world.

Druuna

Druuna's world is as scary as a nightmare; in fact, all this horror allows the author to explore amazing oneiric scenarios and insanely baroque situations. Serpieri explained that “there is a contrast between Druuna, the female character, who is rather sexy, pretty, lush, opulent, and the destruction that surrounds her, for instance, that terrible disease that destroys all humans. Druuna, however, cannot be contaminated because she is innocent”.

Mutants and mosters / monstruos y mutantes

Nevertheless, Serpieri understands the term 'innocent' according to its classical meaning. Innocent comes from 'in-nocens', the negation of 'nocens' (harmful, in Latin). Therefore, the real meaning of innocent is a man or woman who does not harm others, who is harmless. Innocent has never been a synonym for virgin, even though many people insist on bequeathing the word with such meaning. Druuna, of course, is innocent in the true sense of the term; although she is tender and sweet, she is also totally perverse, as Lacan would define perversion: she is the instrument of the will-to-enjoy of the other.

the consequences of seduction / las consecuencias de la seducción

This is an important aspect, and if we miss it, we will not fully understand Serpieri's proposal. An uninformed reader might say that Druuna is simply a passive woman, a victim of sexual abuse, both in the hands of humans as well as monstrous creatures. But such a statement would be wrong. Druuna is perverse to the extent that she is the instrument of the will-to-enjoy of the other, and that means that she becomes irreplaceable for all the men who have sex with her. Through the unrestricted use of her sexuality and physical appeal, she manages to survive in a corrupted and decadent world. Druuna is trapped “in an absurd, terrible, insane context”, and yet she manages to prevail thanks to the power of eroticism. Let's remember that erotic derives from the Greek ‘érōs’; id est, physical love, sexual desire, what Freud would denominate libido or life instinct. Therefore, in this scenario scarred by death and putrefaction, sex is essential.
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La primera vez en mi vida que entré en contacto con la obra del genial artista italiano Paolo Eleuteri Serpieri, fue gracias a la revista “Zona 84”. Sin embargo, hasta el día de hoy no había tenido oportunidad de leer la primera saga de Druuna, publicada originalmente en 1985 por la editorial Alessandro. Alguna magia debe haber en el mar Mediterráneo, porque lo cierto es que los más prestigiosos creadores de arte erótico provienen de Italia: Serpieri, Manara, Liberatore, Giardino, etc. 

A most peculiar survival strategy / una peculiar estrategia de supervivencia

Con un trazo exquisito y un dominio magistral de la tinta china y la acuarela, Serpieri convierte a Druuna en una tremenda obra de arte. El artista italiano equilibra con elegancia la profusión de detalles, una concepción deliciosa de la anatomía humana y un gran conocimiento de la composición. Sin embargo, vale la pena señalar que el estilo de Serpieri seguiría evolucionando y perfeccionándose cada vez más. “Morbus Gravis” marcaría una primera etapa en el ejercicio artístico de Serpieri, que se vería complementado con el virtuosismo gráfico de la secuela “Delta”.

Druuna is under Schastar's protection of / Druuna está bajo la protección de Schastar

“Morbus Gravis” significa, literalmente, morbo grave. Morbo, a su vez, deriva de ‘mori’ (morir) en latín y es por eso que, etimológicamente, esta palabra está sobre todo asociada a la enfermedad; no obstante, con el tiempo adquirió un nuevo significado: vicio, degeneración moral, padecimiento mental. No nos debe extrañar, entonces, que en este juego de palabras se encuentre la clave de la propuesta de Serpieri: Druuna es una mujer hermosa y sana que vive en un mundo enfermizo y depravado.

Even Schastar was once human / incluso Schastar alguna vez fue humano

El mundo de Druuna es más aterrador que cualquier pesadilla, y de hecho el horror y la monstruosidad que acosan a la protagonista permiten que el autor explore con maestría escenarios oníricos de un barroquismo alucinante. En palabras del propio Serpieri: “Existe un contraste entre Druuna, que es el personaje femenino, bastante guapa, sexy, exuberante, opulenta, y el ambiente de destrucción que la rodea, por ejemplo, esa enfermedad terrible que destruye a todos los humanos. Druuna, en cambio, no puede contaminarse por el hecho de ser inocente”.

Dangerous beasts / bestias peligrosas

No obstante, vale la pena aclarar que Serpieri entiende el término ‘inocente’ de acuerdo a su acepción clásica. Inocente deriva de ‘in-nocens’, es la negación de ‘nocens’ (nocivo, en latín). Por lo tanto, el significado real de inocente es aquel sujeto que no hace daño a otros, alguien inofensivo. Inocente nunca ha sido sinónimo de virgen, por más que mucha gente se empeñe en darle ese significado. Druuna, por supuesto, es inocente en el sentido auténtico del término; aunque ella es tierna y dulce, también es totalmente perversa, tal como Lacan definiría la perversión: ella es instrumento de la voluntad de goce del otro.

Este es un punto importante, y si lo pasamos por alto, no entenderemos cabalmente la propuesta de Serpieri. Un lector poco informado podría afirmar que Druuna es una mujer pasiva, víctima de innumerables abusos sexuales, tanto a mano de seres humanos como de criaturas monstruosas. Pero tal afirmación sería errónea. Druuna es perversa en la medida que es instrumento de la voluntad de goce del otro, y esto significa que se vuelve imprescindible para todos los hombres que tienen sexo con ella. Mediante el uso irrestricto de su sexualidad y su apabullante atractivo físico, ella logra sobrevivir en un mundo corrompido y en decadencia. Druuna está atrapada “en un contexto absurdo, terrible, demencial”, y sin embargo logra imponerse gracias al poder del erotismo. Recordemos que erotismo deriva del griego ‘érōs’; es decir, el amor físico, el deseo sexual, lo que Freud denominaba libido o pulsión de vida. Por lo tanto, en un escenario signado por la muerte y la putrefacción, el sexo se vuelve imprescindible. 

The Legion # 26 & 27 - Abnett, Lanning, Batista, Harris & Kirk

For over 30 years, the Legion of Super-Heroes and Superboy were part of the same equation. However, in the 80s, Crisis on Infinite Earths caused severe problems to the Legion continuity. Back then John Byrne tried to fix this situation the best way he could in the pages of Action Comics and Superman, but the fact was that in Byrne’s version, Clark Kent never had any heroic adventures as a teenager, therefore no Superboy had ever existed. 

Tony Harris

So if Clark Kent never became Superboy, who was the inspiration for the young heroes of the 31st century? The new Superboy, of course! After the “Death of Superman” saga in the early 90s, a new character rose to prominence: Kon-El, AKA Superboy. Of course, sooner or later, he was bound to join the Legion and travel 1,000 years into the future. And that’s exactly what happens in chapter 2 of “Foundations” (published in The Legion # 26, in January 2004). When the legionnaires meet Superboy they feel disappointed at him. The legendary superhero of the past is just an irresponsible and reckless kid. But his arrival also awakens a new form of fanaticism in the United Planets, from religious cults that celebrate the Kryptonian legacy to dangerous sects that consider Superboy as a sign of the inevitable apocalypse. And speaking of Apokolips, something sinister seems to be going on in Darkseid’s world. A new threat emerges, one that not even the entire Legion could fight against.

Tony Harris

In the pages of The Legion Secret Files 3003 (January 2004), Dan Abnett and Andy Lanning use a simple but very effective narrative device. They tell the entire story from the point of view of Trudy Trusoe, a journalist who has the privilege of interviewing the legionnaires while making a documentary on everyday’s life on Legion World. In the process, we get to learn more about the Legion and its founding members: “three kids from different worlds, working together for the common good”, embodying “the basic doctrine of the United Planets”. The guest artists for this special one-shot are Leonard Kirk and Tony Harris. Some of Kirk’s pages are just wonderful, one of my favorites is the one that recaps the Legion’s history; Harris shares with us several spectacular double-page spreads, and I think the best one takes place in Brainiac 5’s laboratory, this is a majestic composition, full of grace and colorfulness.  

I still have very fond memories of chapter 3 of “Foundations” (published in The Legion # 27, January 2004). The iconic cover of this issue, illustrated by Tony Harris, appeared briefly in an episode of the first season of The O.C. Allan Heinberg, executive producer of the series, was a big comics fan (and he would eventually create the Young Avengers for Marvel Comics), and he turned one of the show’s protagonists (Adam Brody) into a comic geek, which I absolutely loved. But there is something else about issue 27 that I find moving every time I re-read it. It might sound trivial, but the cold and rigid Brainiac 5 defies logic and embraces emotion, after rescuing his longtime companion Invisible Kid. When I first read this issue I immediately recognized what was going on. Brainiac 5 has always been portrayed as a lonely genius, and although some writers in the past have tried to make him fall in love with Supergirl, the truth is that he remained single. After finding out his friend is safe and sound, Brainy has a tremendously effusive reaction: a kiss in the cheek.  

Superboy versus Negative Superboy

Abnett and Lanning went to great lengths to turn the legionnaires into characters we could identify with. And in moments like the one I’ve just described, we can see how subtly they make suggestions about the sexuality of these young heroes. This amusing scene was illustrated by Chris Batista, and he certainly manages to convey Brainiac 5’s enthusiasm and awkwardness. This is the kind of page that I’m sure most readers wouldn’t pay attention to, but it’s there for a reason, and it works on so many levels. The Legion was always so much more than simple superhero antics; in the hands of this outstanding creative team, The Legion is an invitation to ponder on subjects like ideology, religious fanaticism and even sexual diversity.
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Por más de 30 años, la Legión de Súper-Héroes y Superboy fueron parte de la misma ecuación. Sin embargo, en los 80s, las Crisis en Tierras Infinitas causaron graves problemas a la continuidad de la Legión. En ese entonces John Byrne trató de arreglar esta situación de la mejor manera posible en las páginas de “Action Comics” y “Superman”, pero lo cierto es que en la versión de Byrne, Clark Kent nunca tuvo aventuras heroicas en su adolescencia, por lo tanto Superboy jamás había existido.

The origin of the Legion / el origen de la Legión

Así que si Clark Kent nunca llegó a ser Superboy, ¿quién inspiró a los jóvenes héroes del siglo XXXI? ¡El nuevo Superboy, por supuesto! Después de la saga de “La muerte de Superman” en los 90s, un nuevo personaje saltó a la fama: Kon-El, más conocido como Superboy. Por supuesto, tarde o temprano, terminaría uniéndose a la Legión y viajando 1000 años en el futuro. Y eso es exactamente lo que sucede en el capítulo 2 de “Fundaciones” (publicado en The Legion # 26, enero de 2004). Los legionarios conocen a Superboy y se sienten decepcionados. El legendario superhéroe del pasado es tan sólo un chiquillo irresponsable y descuidado. Pero su llegada también despierta una nueva forma de fanatismo en los Planetas Unidos, desde cultos religiosos que celebran el legado de Krypton hasta peligrosas sectas que consideran a Superboy como una señal del inevitable apocalipsis. Y hablando de Apokolips, algo siniestro parece estar sucediendo en el mundo de Darkseid. Una nueva amenaza surge, y ni siquiera toda la Legión podrá hacerle frente.

Brainiac 5's lab / laboratorio de Brainiac 5

En las páginas de The Legion Secret Files 3003 (enero de 2004), Dan Abnett y Andy Lanning utilizan un recurso narrativo sencillo pero muy eficaz. Ellos narran toda la historia desde el punto de vista de Trudy Trusoe, una periodista que tiene el privilegio de entrevistar a los legionarios mientras hace un documental sobre la vida cotidiana en el Mundo Legión. En el proceso, aprendemos más sobre la Legión y sus miembros fundadores: “tres chicos de mundos diferentes, trabajando juntos por el bien común”, quienes encarnan “la doctrina básica de los Planetas Unidos”. Los artistas invitados para este número especial son Leonard Kirk y Tony Harris. Algunas de las páginas de Kirk son simplemente maravillosas, una de mis favoritas es la que resume la historia de la Legión; Harris comparte con nosotros varias páginas dobles espectaculares, creo que la mejor es la que retrata el laboratorio de Brainiac 5, se trata de una composición majestuosa, llena de gracia y colorido.

Superboy reverts to his classic look / Superboy revierte a su traje clásico

Hasta ahora tengo muy buenos recuerdos del capítulo 3 de “Fundaciones” (publicado en The Legion # 27, enero de 2004). La icónica portada, ilustrada por Tony Harris, apareció brevemente en un episodio de la primera temporada de “The O.C.”, Allan Heinberg, productor ejecutivo de la serie, era un gran fan de los cómics (y posteriormente crearía a los Young Avengers para Marvel Comics), y por eso uno de los protagonistas de la serie (Adam Brody) es un voraz lector de cómics. Pero hay algo más sobre este ejemplar que me conmueve cada vez que lo releo. Puede sonar trivial, pero el frío y rígido Brainiac 5 desafía la lógica y deja aflorar sus emociones después de rescatar a su compañero de toda la vida, Invisible Kid. Cuando leí por primera vez esta historia inmediatamente reconocí lo que estaba sucediendo. Brainiac 5 siempre había sido retratado como un genio solitario, y aunque algunos escritores en el pasado habían tratado de emparejarlo con Supergirl, lo cierto es que él seguía siendo soltero. Después de descubrir que su amigo está sano y salvo, Brainy tiene una reacción tremendamente efusiva: le da un beso en la mejilla.

Brainiac 5 kisses Invisible Kid / Brainiac 5 besa a Invisible Kid 

Abnett y Lanning hicieron grandes esfuerzos para convertir a los legionarios en personajes con los que nos podíamos identificar. Y en momentos como el que acabo de describir, podemos ver cómo se explora sutilmente la sexualidad de estos jóvenes héroes. Esta entretenida escena fue ilustrada por Chris Batista, y ciertamente logra transmitir el entusiasmo y la torpeza de Brainiac 5. Este es el tipo de página que seguramente muchos lectores pasarán por alto, pero está ahí por una razón, y funciona en muchos niveles. La Legión fue siempre mucho más que simples travesuras superheroicas; en las manos de este excepcional equipo creativo, la Legión es una invitación para reflexionar sobre temas como la ideología, el fanatismo religioso e incluso la diversidad sexual.