July films / películas de julio

July was such an amazing month, I was very busy during my trip to Europe but before leaving the US I managed to watch The Woman in the Window (2021), directed by Joe Wright (and based on the novel by A.J. Finn). Amy Adams (Nocturnal Animals) is a psychologist who’s had a mental breakdown and suffers from agoraphobia, an irrational fear of going outside her apartment; she lives a reclusive life, and constantly combines pills with alcohol, creating a very dangerous cocktail for her mental wellbeing. It is in this scenario in which she meets her new neighbors, as they all stop by at different times to say hi. First, Fred Hechinger a 17-year-old boy who awakens her motherly instinct and her need to protect children from abuse, then the mother of the boy, a magnificent Julianne Moore (Still Alice) who complains about her husband and quickly becomes a friend, and finally the father, Gary Oldman (The Space Between Us), whose cruelty and aggressiveness seem to be his defining features. When the protagonist witnesses from her window the murder of Julianne Moore she immediately contacts the police, but when the family shows up with a different woman that affirms to be the wife, then nobody believes in Amy Adams, whose mental state is deteriorating due to her medications. The Woman in the Window is a captivating psychological thriller, full of suspense and great acting, perhaps some of the plot twists might seem predictable to some viewers, but that doesn’t diminish my enjoyment in the least. 

Florian Zeller’s The Father (2020) is one of the most intense and dramatic films I’ve seen in this decade.  Anthony Hopkins (The Dresser) gives an outstanding performance as a man who is slowly losing his memories and cognitive capacities, to the point that sometimes he forgets his own daughter Olivia Colman, or his caretaker Imogen Poots (Vivarium). Navigating in a dark sea of confusing memories and incapable of distinguishing past events from present ones, the protagonist deterioration contrasts with his strong will and determination. Anthony Hopkins has always been a remarkable actor, but this might be one of the best roles of his career, everything from his loving relationship with his daughter, to his constant forgetfulness and his doubts are extraordinarily conveyed, with only a few gestures or a subtle modulation of the voice, everything becomes so real to us, the viewers, that we simply cannot take our eyes off the screen. It’s amazing to see how the protagonist has a series of strategies he uses to hide the fact he’s losing his memory, and due to his ingenuity and resilience it’s impossible for us not to feel identified with him. At the same time, the conflict also unfolds from the point of view of the daughter and her husband, who wants to get rid of this old man. The ending is as heartbreaking as one might expect in a dramatic film like this one, I must say this is definitely one of the best productions of 2020 and I highly recommend it. 

Directed by Marshall Curry, The Neighbors’ Window (2019) is a very interesting short film in which we get to see how passion wanes between a married couple, Maria Dizzia and Greg Keller, when they start spying their neighbors very active sexual life through the window, they realize how dull their life is, and how difficult it is to find intimacy after having 3 children. The end, unexpected and bittersweet, really rounds it up.

Doug Roland writes and directs Feeling Through (2020), a story about Steven Prescod, a boy from an underprivileged background and Robert Tarango, a homeless blind guy. Can friendship be possible between them? And are survival instincts stronger than altruistic feelings? This short film has good moments, but the end felt somewhat too optimistic or even naïve given the context. 

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Julio fue un mes asombroso, estuve muy ocupado durante mi viaje a Europa, pero antes de irme de los Estados Unidos logré ver The Woman in the Window (2021), dirigida por Joe Wright (y basada en la novela de A.J. Finn). Amy Adams (Nocturnal Animals) es una psicóloga que ha tenido un colapso mental y sufre de agorafobia, un miedo irracional a salir de su apartamento; vive una vida solitaria y constantemente combina pastillas con alcohol, creando un cóctel muy peligroso para su bienestar mental. Es en este escenario en el que conoce a sus nuevos vecinos, quienes en diferentes momentos van a saludarla. Primero, Fred Hechinger, un chaval de 17 años que despierta su instinto maternal y su necesidad de proteger a los niños del abuso, luego la madre del muchacho, una magnífica Julianne Moore (Still Alice) que se queja de su esposo y rápidamente se convierte en una amiga, y finalmente el padre, Gary Oldman (The Space Between Us), cuya crueldad y agresividad parecen ser los rasgos que lo definen. Cuando la protagonista presencia desde su ventana el asesinato de Julianne Moore inmediatamente contacta a la policía, pero cuando la familia aparece con una mujer diferente que afirma ser la esposa, entonces nadie cree en Amy Adams, cuyo estado mental se está deteriorando debido a sus medicamentos. The Woman in the Window es un thriller psicológico cautivador, lleno de suspenso y grandes actuaciones, tal vez algunos de los giros de la trama puedan parecer predecibles para algunos espectadores, pero eso no disminuyó mi disfrute en lo más mínimo.

The Father (2020), de Florian Zeller, es una de las películas más intensas y dramáticas que he visto en esta década. Anthony Hopkins (The Dresser) ofrece una destacada actuación como un hombre que poco a poco va perdiendo su memoria y sus capacidades cognitivas, hasta el punto de que a veces se olvida de su propia hija Olivia Colman, o de su enfermera Imogen Poots (Vivarium). Navegando en un mar oscuro de recuerdos confusos e incapaz de distinguir los hechos pasados de los presentes, el deterioro del protagonista contrasta con su fuerte voluntad y determinación. Anthony Hopkins siempre ha sido un actor notable, pero este podría ser uno de los mejores papeles de su carrera, todo desde su relación amorosa con su hija, hasta su constante olvido y sus dudas se transmiten extraordinariamente, con solo unos pocos gestos o una sutil modulación de la voz, todo se vuelve tan real para nosotros, los espectadores, que simplemente no podemos apartar los ojos de la pantalla. Es asombroso ver cómo el protagonista tiene una serie de estrategias que usa para ocultar el hecho de que está perdiendo la memoria, y debido a su ingenio y resistencia es imposible que no nos sintamos identificados con él. Al mismo tiempo, el conflicto también se desarrolla desde el punto de vista de la hija y su esposo, que quiere deshacerse de este anciano. El final es tan desgarrador como uno podría esperar en una película dramática como esta, debo decir que esta es definitivamente una de las mejores producciones del 2020 y la recomiendo mucho.

Dirigida por Marshall Curry, The Neighbors’ Window (2019) es un cortometraje muy interesante en el que podemos ver cómo la pasión se desvanece en el matrimonio de Maria Dizzia y Greg Keller, cuando comienzan a espiar la vida sexual muy activa de sus vecinos a través de la ventana, se dan cuenta de lo aburrida que es su vida y de lo difícil que es encontrar intimidad después de tener 3 hijos. El final, inesperado y agridulce, realmente redondea el relato.

Doug Roland escribe y dirige Feeling Through (2020), una historia sobre Steven Prescod, un chico de escasos recursos y Robert Tarango, un ciego sin hogar. ¿Puede ser posible la amistad entre ellos? ¿Son los instintos de supervivencia más fuertes que los sentimientos altruistas? Este cortometraje tiene buenos momentos, pero el final lo sentí demasiado optimista o incluso ingenuo dado el contexto.

February Films / películas de febrero

Sam Mendes had already proved how talented he was with films like American Beauty and Revolutionary Road, but I think nothing could have been more challenging for a filmmaker than 1917 (2019), an impressive film about WWI which consists basically of one shot from beginning to end (at least from the perspective of the protagonist). At the beginning, corporals Dean-Charles Chapman (Game of Thrones) and George MacKay (How I Live Now) are sent to the front line with the mission of delivering a very important message, if they don’t succeed thousands of men will die in the battlefield. Armed with nothing else but courage, the two young men do the best they can until one of them dies. George MacKay, the survivor, must find the strength within himself to complete what seems to be an impossible mission. Mendes reconstructs the horrors of war as well as the dire everyday conditions for both soldiers and civilians. At some points, the film is so realistic that it feels more like a documentary, but at other points, the beauty of the shots, the majestic landscapes and the fantastic music score by Thomas Newman elevate the whole experience to a new level. The final scene is absolutely heartbreaking and it’s almost one of the best endings I’ve seen in a historical production about war. The all-star cast includes Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch and Richard Madden. Definitely one of the best films from 2019! 

Parasite (2019), directed by Bong Joon Ho, was not only my favorite film of 2019 but also a big winner at the night of the Oscars. I must admit I wasn’t familiar with the work of this Korean filmmaker, but from the opening sequences it was clear to me that this was someone who had a unique voice and visual style. I was also immediately captivated by the fascinating story of a family living in misery and desperate to find a way to make money. Jobs are scarce and the situation seems dire. And I must say it’s almost impossible not to feel identified with trials of tribulations of this family, at least to a certain level. But then we can’t help but to admire the cleverness of the older son, who finds his way into the home of a wealthy family and gets hired as a tutor, and soon gets his impoverished relatives hired as well. The dynamics between the rich family and the poor one are quite rich and meaningful, and if this family works as a microcosmos in which we see much larger social structures of power at play then it’s only thanks to the talent of the director that we can equally relate to both extremes, from the aspirational desire that everyone shares, the dream to become rich one day, to the crude and awful reality of becoming a parasite in order to survive. But like all parasites, it’s the necessary for the host body to live, and once that life is at risk everything falls apart. The ending was as shocking as it was unexpected. 

And since I mentioned the Oscars, It’d be remiss of me not to point out that the Academy is famous for ignoring excellent filmmakers as well as giving awards to mediocre productions. Sure, last month they actually chose the right film and proved that even a broken clock can still give you the right time twice a day, but that in no way solves the multiple omissions and mistakes in judgment made over the years. Which brings me to The Hours (2002), directed by Stephen Daldry and based on Michael Cunningham’s novel. Without a shadow of a doubt, The Hours was the best film of that decade, and the year it was nominated it should’ve easily won as best film, but it didn’t. After the extraordinary Billy Elliot, Daldry embarked upon a very ambitious project that would prove his expert mastery of the cinematographic language and his unparalleled talent. The Hours is polyphonic story that takes place in 3 different historical moments, and focuses on 3 women that must all deal with suicide and questions of sexuality. Meryl Streep (The Bridges of Madison County) is a lesbian editor who lives in New York, in 2001, and who is trying to organize a party for his friend and poet Ed Harris; Julianne Moore (Still Alice) is a housewife in the 50s, married to a man who she doesn’t love (John C. Reilly) and pregnant of her second child, as a mother and as a wife, she has never had the chance to explore what it means to be a woman, and she has strong feelings for her neighbor Toni Collette, another woman who seems to live a perfect life and yet is deeply unhappy; finally, Nicole Kidman (The Others) is famed author Virginia Woolf in late 19th century England, living a life she has no wish to live, and staying alive only out of love for her husband, Leonard (Stephen Dillane), and her sister, Vanessa. From the beginning, the remarkable music score of Philip Glass creates a unique atmosphere of melancholy, and then Daldry’s impeccable transitions take the viewer from one era to another, from one woman to the next. Each story is fascinating on its own, but they become more intense and complex in dialog with the other stories. As the viewer travels through the lives of these 3 women, one can find the connections, the shared pain and the sense of loss in a society that doesn’t accept alternative forms of sexuality, and yet “You cannot find peace by avoiding life”. Every sequence in The Hours is absolutely memorable, every interaction between actors and actresses is remarkable, every line of dialogue is brilliant. This masterpiece is on my top 5 best films of all times, and even after almost 20 years I’ve never come across another one as meaningful, beautiful, unforgettable and touching. 
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Sam Mendes ya había demostrado lo talentoso que era con películas como American Beauty y Revolutionary Road, pero creo que nada podría haber sido más retador para un cineasta que 1917 (2019), una película impresionante sobre la Primera Guerra Mundial que consiste básicamente en una sola toma de principio a fin (al menos desde la perspectiva del protagonista). Al principio, los soldados Dean-Charles Chapman y George MacKay (How I Live Now) son enviados al frente con la misión de entregar un mensaje muy importante, si no tienen éxito, miles de hombres morirán en batalla. Armados con nada más que valor, los dos jóvenes hacen lo mejor que pueden hasta que uno de ellos muere. George MacKay, el sobreviviente, debe encontrar la fuerza dentro de sí mismo para completar lo que parece ser una misión imposible. Mendes reconstruye los horrores de la guerra, así como las terribles condiciones cotidianas tanto para los soldados como para los civiles. En algunos puntos, la película es tan realista que se siente más como un documental, pero en otros puntos, la belleza de las tomas, los majestuosos paisajes y la fantástica música de Thomas Newman elevan toda la experiencia a un nuevo nivel. La escena final es absolutamente desgarradora y es casi uno de los mejores finales que he visto en una producción histórica sobre la guerra. El elenco de estrellas incluye a Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Richard Madden. ¡Definitivamente una de las mejores películas del 2019!

Parasite (2019), dirigida por Bong Joon Ho, no sólo fue mi película favorita del 2019, sino también una gran ganadora en la noche de los Oscares. Debo admitir que no estaba familiarizado con el trabajo de este cineasta coreano, pero desde las secuencias iniciales me quedó claro que era alguien que tenía una voz y un estilo visual únicos. También me cautivó de inmediato la fascinante historia de una familia que vive en la miseria y está desesperada por encontrar una manera de ganar dinero. Los trabajos son escasos y la situación parece grave. Y debo decir que es casi imposible no sentirse identificado con las dificultades y tribulaciones de esta familia. No podemos evitar admirar la astucia del hijo mayor, que se abre paso hasta llegar a la casa de una familia acaudalada y es contratado como tutor, y pronto también logra que contraten a sus parientes empobrecidos. La dinámica entre la familia rica y la pobre es bastante rica y significativa, y si esta familia funciona como un microcosmos en el que vemos estructuras sociales de poder mucho más grandes en juego, es sólo gracias al talento del director que podemos igualmente relacionarnos con ambos extremos, desde el deseo aspiracional que todos comparten, el sueño de hacerse rico algún día, hasta la cruda y horrible realidad de convertirse en un parásito para sobrevivir. Pero como todos los parásitos, es necesario que el cuerpo huésped viva, y una vez que esa vida está en riesgo, todo se desmorona. El final fue tan impactante como inesperado.

Y ya que mencioné los Oscares, sería negligente de mi parte no señalar que la Academia es famosa por ignorar a excelentes cineastas y por otorgar premios a producciones mediocres. Claro, el mes pasado en realidad eligieron la película correcta y probaron que incluso un reloj malogrado aún puede darte la hora correctamente dos veces al día, pero eso de ninguna manera resuelve las múltiples omisiones y errores de juicio cometidos a lo largo de los años. Lo que me lleva a The Hours (2002), dirigida por Stephen Daldry y basada en la novela de Michael Cunningham. Sin lugar a dudas, The Hours fue la mejor película de esa década, y el año en que fue nominada debería haber ganado fácilmente como mejor película, pero no fue así. Después del extraordinario Billy Elliot, Daldry se embarcó en un proyecto muy ambicioso que demostraría su dominio experto del lenguaje cinematográfico y su talento incomparable. The Hours es una historia polifónica que tiene lugar en 3 momentos históricos diferentes, y se centra en 3 mujeres que deben lidiar con el suicidio y con cuestiones de sexualidad. Meryl Streep (The Bridges of Madison County) es una editora lesbiana que vive en New York, en el 2001, y que está tratando de organizar una fiesta para su amigo y poeta Ed Harris; Julianne Moore (Still Alice) es una ama de casa de los años 50s, casada con un hombre al que no ama (John C. Reilly) y embarazada de su segundo hijo, como madre y como esposa, nunca ha tenido la oportunidad de explorar qué significa ser una mujer, y tiene fuertes sentimientos por su vecina Toni Collette, otra mujer que parece vivir una vida perfecta y, sin embargo, es profundamente infeliz; finalmente, Nicole Kidman (The Others) es la famosa autora Virginia Woolf a fines del siglo XIX en Inglaterra, vive una vida que no desea vivir y se mantiene viva sólo por amor a su esposo, Leonard (Stephen Dillane) y a su hermana, Vanessa. Desde el principio, la notable composición musical de Philip Glass crea una atmósfera única de melancolía, y luego las transiciones impecables de Daldry llevan al espectador de una época a otra, de una mujer a otra. Cada historia es fascinante por sí sola, pero se vuelven más intensas y complejas cuando entran en diálogo entre sí. A medida que el espectador viaja a través de la vida de estas 3 mujeres, uno puede encontrar las conexiones, el dolor compartido y la sensación de pérdida en una sociedad que no acepta formas alternativas de sexualidad y, sin embargo, "no se puede encontrar la paz evitando la vida". Cada secuencia en The Hours es absolutamente memorable, cada interacción entre actores y actrices es notable, cada línea de diálogo es brillante. Esta obra maestra está en mi lista de las 5 mejores películas de todos los tiempos, e incluso después de casi 20 años, nunca he podido encontrar otra tan significativa, hermosa, inolvidable y conmovedora.

March Films / películas de marzo

I think it’s been over a decade since the last time I was satisfied with the Oscars nominations. The Imitation Game (2014) is a fascinating film about Alan Turing (masterfully played by Benedict Cumberbatch). Morten Tyldum had already surprised me with amazing productions such as “Hodejegerne”, but this one is even better. The filmmaker captures Turing’s inner conflict, making a contrast between the well-regarded genius and his secret life as a homosexual; although Turing helped England to decipher the encoded messages of the Nazis during WWII, he was later persecuted for his sexual orientation. Highly recommended.

Another must see would be The Theory of Everything (2014), directed by James Marsh. This biopic focuses on one of the most brilliant minds of the 20th century: Stephen Hawking. Eddie Redmayne (famous for his role as a bisexual teen in “Savage Grace”) portrays the scientist in an impressive and unforgettable manner; of course, he won several awards for it (including the Oscar). Hawking’s life is certainly inspiring: after being diagnosed with motor-neurone disease, he kept on going. No matter how bad was his physical deterioration, he found the way to get married, have children and publish influential books. Remarkable.

Julianne Moore (“Far From Heaven”, “A Single Man”, “Savage Grace”, etc.) has always been one of my favorite actresses, and she deserved to win the Oscar many years ago. Still Alice (2014), directed by Richard Glatzer and Wash Westmoreland, was Julianne Moore’s ideal opportunity to move and amaze the audience with her talent. Alice is a respected intellectual who suddenly starts forgetting little things, until it’s obvious that something wrong is happening to her. Diagnosed with Alzheimer, Alice tries to overcome this cognitive impairment while struggling to retain her memories. It’s heartbreaking to see her mental deterioration, but at the same time her courage is touching. Outstanding film.

Big Eyes (2014) is unlike anything we’ve seen from Tim Burton; it’s perhaps his most conventional project but it still has some merits. Based on the life of Margaret D. H. Keane (played by Amy Adams) and her husband (Christoph Waltz), Big Eyes emphasizes the need to reclaim the credit for one’s own artistic works.

Lars von Trier directs Nymphomaniac Vol. 1 (2013), an outstanding production from Denmark that is both highly erotic and intellectually stimulating. Faithful to the literary and filmic tradition of eroticism, von Trier turns the sexual escapades of a nymphomaniac into philosophical pretexts to explain certain aspects of life. I’ve been a von Trier fan for years and now I can’t wait to see Vol. 2. The cast includes Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Uma Thurman, Christian Slater, among many others.

Inspired by Nancy Jo Sales’ article in Vanity Fair (“The Suspects Wore Louboutins”), The Bling Ring (2013) reconstructs the real life case of a group of well-off kids obsessed with celebrities. Sofia Coppola brilliantly depicts how empty life can be for these teenagers that think only about fame, expensive brands, drugs and alcohol. Katie Chang, Israel Broussard, Emma Watson start breaking into the homes of Paris Hilton, Lindsay Lohan, Rachel Bilson, and steal millions of dollars’ worth of jewelries and clothes. I really recommend it.

Grudge Match (2013) is a lighthearted and very funny comedy about two retired boxers (Robert De Niro and Sylvester Stallone) that decide to return one last time to the ring. It has some hilarious moments. I liked it.

Written and directed by Richard Shepard, Dom Hemingway (2013) unapologetically exploits the inherent vulgarity and rudeness of Dom (played by Jude Law). With an explosive personality and a dark past as one of England’s most prominent thieves, Dom must deal with the hardships of life after prison.  

Atom Egoyan’s Devils’s Knot (2013) is a haunting chronicle about the West Memphis Three. In 1994, 3 children were murdered in Arkansas. The local police blamed a Satanist cult and later convicted 3 teenagers who stood out due to their fashion and musical preferences (deemed controversial by the community). There are very intense scenes, and the most frightening thing about this is that it was all real. As terrible as the crime was, the legal procedure afterwards was even worse: it was a witch hunt. The cast includes Colin Firth (“Kingsman: The Secret Service”), Reese Witherspoon, James Hamrick, Seth Meriwether, Kristopher Higgins, and Dane DeHaan (“Kill Your Darlings”).   

The Lucky One (2012), directed by Scott Hicks and based on a Nicholas Sparks novel, is a romantic tale that revolves around former US marine Zac Efron and Taylor Schilling. Although it may be overly sweet at moments, Hicks manages to entertain his audience. And in this case, for me, that is more than enough.

Richard Linklater’s Me and Orson Welles (2008) is a delightful reimagining of the days before and after Orson Welles’ Broadway debut. Zac Efron (who had already surprised me with his acting skills in “The Paperboy”) is a high school kid that gets a part in the upcoming play; he meets Welles (played by Christian McKay) and falls in love with Claire Danes. An uplifting coming of age tale.

Adam Wingard’s You’re Next (2011) fulfilled my demands for violence, suspense and gore. Sharni Vinson is beautiful girl who meets her boyfriend’s family for the first time. However, the pleasant evening is interrupted by a group of mercenaries who kill the family members one by one. But she has been trained since her childhood to survive. And that’s what she does. This one kept me at the edge of my seat. It’s that good.

I, Frankenstein (2014) is one of the worst fantasy productions I’ve seen in a long time. Although there are good actors involved (Aaron Eckhart, Bill Nighy, Yvonne Strahovski) the plot is a mess.

Richard Laxton’s The Night Watch (2011) is a heartbreaking retelling of WWII from the perspective of the queer community. We follow the lives of a lesbian couple, and we also witness the tragic circumstances that affect Harry Treadaway, a gay teenager who ends up in jail. Not only war but also prejudice can destroy lives.

The Score (2001), directed by Frank Oz, is a smart and captivating story about a group of thieves that are planning one last heist before retirement. The cast is extraordinary (Robert De Niro, Edward Norton, Marlon Brando) and as one might expect, the acting is top notch. I really enjoyed watching The Score.  

House of the Dead 2 (2005) is one of those zombie movies that seems promising in the initial scenes but ends up as a big disappointment. Let’s add to that the low budget and a script written by a brainless man. So bad.

In Evil Dead II (1987) there are only bad special effects and a poorly written script. What a huge let down.
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Creo que ha pasado más de una década desde la última vez que estuve satisfecho con las nominaciones de los Oscar. "The Imitation Game" (2014) es una película fascinante sobre Alan Turing (magistralmente interpretado por Benedict Cumberbatch). Morten Tyldum ya me había sorprendido con asombrosas producciones como “Hodejegerne”, pero ésta es incluso mejor. El cineasta captura el conflicto interno de Turing, haciendo un contraste entre el renombrado genio y su vida secreta como homosexual; aunque Turing ayudó a Inglaterra a descifrar los mensajes codificados de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, luego sería perseguido por su orientación sexual. Recomiendo "The Imitation Game" a los amantes del buen cine.

Otra nominada imprescindible sería "The Theory of Everything" (2014), dirigida por James Marsh. Esta cinta biográfica se centra en una de las mentes más brillantes del siglo XX: Stephen Hawking. Eddie Redmayne (famoso por su papel como un adolescente bisexual en “Savage Grace”) retrata al científico de un modo impresionante y memorable; por supuesto ganó varios premios (incluido el Oscar a mejor actor). La vida de Hawking es, sin duda, inspiradora: después de ser diagnosticado con una enfermedad degenerativa, él siguió luchando. Sobreponiéndose al deterioro físico, encontró la manera de casarse, tener hijos y publicar libros influyentes. Notable.

Julianne Moore (“Far From Heaven”, “A Single Man”, “Savage Grace”, etc.) siempre ha sido una de mis actrices favoritas, y merecía ganar el Oscar desde hace muchos años. "Still Alice" (2014), dirigida por Richard Glatzer y Wash Westmoreland, era la oportunidad ideal para que Julianne Moore conmoviera y asombrara al público con su talento. Alice es una intelectual respetada que de repente empieza a tener pequeños olvidos; es obvio que se trata de un problema serio. El diagnóstico es Alzheimer, y Alice intenta superar esta enfermedad mientras que lucha por conservar sus recuerdos. Es triste ver su deterioro mental, pero al mismo tiempo su valor es impresionante. Una película extraordinaria.

"Big Eyes" (2014) es diferente a todo lo que hemos visto de Tim Burton; quizás este sea su proyecto más convencional, pero no por ello le faltan méritos. Basada en la vida de Margaret DH Keane (interpretada por Amy Adams) y su esposo (Christoph Waltz), “Big Eyes” hace hincapié en la necesidad de reclamar la autoría de las obras artísticas propias.

Lars von Trier dirige "Nymphomaniac Vol. 1" (2013), una excepcional producción de Dinamarca, que es a la vez altamente erótica e intelectualmente estimulante. Fiel a la tradición literaria y fílmica del erotismo, von Trier hace de las aventuras sexuales de una ninfómana el pretexto ideal para explicar filosóficamente ciertos aspectos de la vida. He sido un fan von Trier por años y ahora estoy impaciente por ver el volumen 2. El reparto incluye a Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Uma Thurman, Christian Slater, entre otros.

Inspirado por el artículo de Nancy Jo Sales para “Vanity Fair” ("Los sospechosos calzaban Louboutin"), "The Ring Bling" (2013) presenta el caso real de un grupo de acaudalados chiquillos obsesionados con las celebridades. Sofia Coppola retrata brillantemente las vidas vacías de estos adolescentes que sólo piensan en la fama, las marcas caras, las drogas y el alcohol. Katie Chang, Israel Broussard y Emma Watson se meten en las casas de Paris Hilton, Lindsay Lohan y Rachel Bilson, y roban millones de dólares en joyas y ropa. 

"Grudge Match" (2013) es una comedia ligera y muy divertida sobre dos boxeadores retirados (Robert De Niro y Sylvester Stallone) que decidan pelear una vez más. Tiene algunos momentos hilarantes. 

my drawing / mi dibujo

Escrita y dirigida por Richard Shepard, "Dom Hemingway" (2013) muestra el lado vulgar y ofensivo de Dom (interpretado por Jude Law). Con una personalidad explosiva y un oscuro pasado como uno de los ladrones más prominentes de Inglaterra, Dom debe hacer frente a las dificultades de la vida después de salir de la cárcel.

“Devils’s Knot” (2013) de Atom Egoyan es una crónica inquietante sobre los Tres de West Memphis. En 1994, 3 niños fueron asesinados en Arkansas. La policía local culpó a un culto satánico y posteriormente condenaron a 3 adolescentes que llamaban la atención por su modo de vestir y sus gustos musicales (considerados controversiales por la comunidad). Hay escenas muy intensas, y lo más aterrador es que todo ha sido real. El crimen fue terrible, pero también lo fue el proceso legal, prácticamente una cacería de brujas. El reparto incluye a Colin Firth (“Kingsman: The Secret Service”), Reese Witherspoon, James Hamrick, Seth Meriwether, Kristopher Higgins, y Dane DeHaan (“Kill Your Darlings”).

"The Lucky One" (2012), dirigida por Scott Hicks y basada en una novela de Nicholas Sparks, es una historia romántica que gira en torno a un soldado retirado (Zac Efron) y Taylor Schilling. Aunque puede ser empalagoso por momentos, Hicks se las arregla para entretener a su audiencia. Y en este caso, para mí, eso es más que suficiente.

"Me and Orson Welles" (2008) de Richard Linklater es un delicioso recorrido durante los días anteriores y posteriores al debut de Orson Welles en Broadway. Zac Efron (que ya me había sorprendido con sus habilidades actorales en “The Paperboy”) es un chico de secundaria que obtiene un papel en la obra; allí conoce a Welles (interpretado por Christian McKay) y se enamora de Claire Danes. Un buen relato sobre la dificultad de crecer.

“You’re Next” (2011) de Adam Wingard cumplió con mis exigencias de violencia, suspenso y gore. Sharni Vinson es una atractiva chica que conoce a la familia de su novio por primera vez. Sin embargo, la agradable velada es interrumpida por un grupo de mercenarios que matan a los familiares uno por uno. Pero ella se ha entrenado desde su infancia para sobrevivir. Y eso es lo que hace. “You’re Next” mantiene al público en vilo de principio a fin.

"I, Frankenstein" (2014) es una de las peores producciones de fantasía que he visto en mucho tiempo. Aunque hay buenos actores involucrados (Aaron Eckhart, Bill Nighy, Yvonne Strahovski) la trama es un desastre.

"The Night Watch" (2011) de Richard Laxton es una desgarradora historia de la Segunda Guerra Mundial contada desde la perspectiva de la comunidad gay. Vemos la vida de una pareja de lesbianas, y también somos testigos de las trágicas circunstancias que afectan a Harry Treadaway, un adolescente gay que termina en la cárcel. No sólo la guerra sino también los prejuicios llegan a destruir vidas.

"The Score" (2001), dirigida por Frank Oz, es una historia inteligente y cautivadora sobre un grupo de ladrones que planean un último golpe antes de abandonar su vida criminal. El elenco es extraordinario (Robert De Niro, Edward Norton, Marlon Brando) y como era de esperar, la actuación es de primer nivel. La recomiendo.

"House of the Dead 2" (2005) es una de esas películas de zombis que parece prometedora en las escenas iniciales, pero termina siendo una gran decepción. Bajo presupuesto con un guión escrito por algún descerebrado.

En "Evil Dead II" (1987) sólo hay malos efectos especiales y un guión mal escrito. Qué gran decepción.

Continuum - Elizabeth López Avilés (Centro Cultural El Olivar)

Far from Heaven (2002) 
Directed by Todd Haynes 

Perhaps this is the most powerful Todd Haynes film I've seen. But in order to fully understand it one must first be privy to Douglas Sirk movies. Rather than a remake "Far From Heaven" is a diegetic exploration of melodrama as a film genre and it's firmly inserted in the 1950s cinematographic tradition. Not only it evokes the sensibilities of a particular era, it also recreates its true nature; everything (from illumination techniques to music, brilliantly composed by Elmer Bernstein) has a common goal. That is why Haynes' magnum opus elegantly confronts Sirk's work, mainly "All that Heaven Allows" and "Imitation of Life".

Once the film begins the viewer witnesses the harmless tribulations of a most perfect family, settled in an idyllic environment. Husband and wife are almost celebrities. Surrounded by success and smiling people, nothing seems to seclude them from happiness. Nonetheless, this is but a well elaborated façade, for Frank Whitaker, the man of the house, has succumbed yet again to his homosexual tendencies.

In a very conservative society, there is no place for someone who defies the heterosexual normativity. Perhaps, following the infamous Lacan's sexuation graphic, homosexuality symbolizes the abject, id est, the vilest and the lowest... Despite being a successful entrepreneur, Frank is an exscinded individual, but first and foremost he is a subaltern subject. In a way, there are more limitations for him than for black people (racism in 1950's America is also a very important theme in Haynes' production).

"negative" version of one my drawings

Peter Brooks and other intellectuals have analyzed the dynamics pertaining melodramas. For a melodrama to occur there must be a victim and a victimary; these stories cannot be fathomed without this binary equation (which, by the way, preexisted Sirk's movies). At moments, it seems as if Frank's wife is the victim, after all, not only must she cope with his husband's proclivities but also she must endure the domestic violence that takes place at some point. In addition to this situation, she must also struggle to hide the truth, although her husband makes that a difficult task (in the middle of a party he'll say aloud "It's all smokes and mirrors, fellas. That's all it is"). However, from one's standpoint it's clear that Frank is but a mere victim of society itself. If homosexuality, according to Lacan, is the representation of the interdict, then it's society who demands and reinforces this interdiction.

Homosexuality as an option is then socially banned. But at the same time it's also scientifically forbidden or at least invalidated. Frank's shrink assures him that this "disease" can and must be cured. There is treatment for it. Let's remember that American psychiatrist associations considered homosexuality as some sort of mental disorder until very recently, which just proves how narrow-minded certain doctors can be.

But the interdict acquires power precisely because of the nature of its prohibited condition. After all, nothing is more attractive than that which is not supposed to be… Lacan explains that the interdict is always libidinized. Homosexual intercourse becomes highly erotic because it's forbidden. Thus it's evident that even if Frank tries to live the life of a straight man, he will eventually give in to his innermost desires.

If Frank is a "masculine gay", unclenched from other generalized gay stereotypes, at least according to Judith Butler's Queer Theory, can he be absolved from his victim role? Absolutely not. Because Haynes film is a brilliant analysis of America, of sexuality, of repression and ultimately of the well-sought ideal of freedom. And Frank is the hero who will face all of these obstacles even if that means paying the highest price. 

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Aunque conocí a Elizabeth López Avilés hace ya un buen tiempo, recién pude apreciar su obra en el 2012, en la muestra "Silenciosa pasión" (que, por cierto, pueden revisar aquí). En ese momento, quedé cautivado por la minuciosa labor de la artista, por su delicado trazo y su innegable talento para la ilustración. 

Han pasado casi dos años desde que asistí a esa muestra, pero las imágenes de Elizabeth han permanecido en mi memoria. Ayer en la noche, en el Centro Cultural El Olivar de San Isidro, se inauguró “Continuum”, una nueva individual de la joven artista. 

Llegué temprano, desde luego, y nuevamente quedé extasiado por esos retratos tan cargados de emociones, que sobrevuelan los dominios del erotismo pero aterrizando siempre en el mundo de los dolores cotidianos, de las heridas, superficiales o profundas, con las que todos podemos identificarnos.

Como bien afirma el curador de la muestra, Iván Fernández-Dávila, al representar el propio cuerpo, al autorretratarse, la artista reflexiona “acerca de lo femenino en general”. Ciertamente, tal como proponen Ann Rosalind Jones y Hélène Cixous  “l'ecriture feminine” se plantea como una escritura del cuerpo y desde el cuerpo, y en la obra de Elizabeth López siempre encontraremos ese elemento en un primer plano.

Al tratase de un trabajo que requiere suma precisión, uno imaginaría que la artista habría tardado al menos un año en completar todos los cuadros. Yo mismo, luego de haber dibujado varios cómics y haberme familiarizado con la tinta china, conozco las complicaciones de esta técnica y comprendo que un movimiento en falso puede arruinar todo un lienzo. En el caso de Elizabeth, la labor es aún más complicada, porque sus finos detalles requieren muchísima más atención, y porque al utilizar acuarelas el error no le está permitido. Cuando mi amigo Iván me comentó que ella había terminado todos los cuadros entre diciembre del 2013 y enero de este año, quedé impresionado.

Por cierto, estamos ya en febrero del 2014, y sin embargo nadie debería sorprenderse al comprobar que no he escrito nada sobre arte desde fines del 2013. El motivo resultará obvio para muchos: es difícil encontrar buenas exposiciones de arte en Lima. Lo que uno encuentra, a menudo, es una yuxtaposición de propuestas que pretenden ser vanguardistas y que, en realidad, pecan por falta de creatividad. Es necesario, entonces, despojarse de esos antojadizos atavíos teóricos para desnudar la esencia misma del artista. Por suerte, Elizabeth López es capaz de hacerlo. Y todos nosotros deberíamos felicitarla y darle las gracias por tan estupendo arte. 

Pequeños Territorios - Luz Letts (Galería Lucía de la Puente)

Savage Grace (2007)
         Directed by Tom Kalin

"Savage Grace" is not a simple story about classical Oedipus complex. Sure, the symbolic death of the father might be found as well as a very literal carnal commerce with the mother. This film is mainly a story about a boy growing up and struggling with his existential dilemmas and dealing with that to which Jacques Lacan or Zizek would refer as "the real" in opposition to "reality". Here reality is that of a wealthy family with a life full of luxuries and eccentricities. But that's reality. The symbolic order. Beneath all that there is an excess, something that can be neither subdued nor fully explained.

Lacan also said that desire would be connected with the real. And thus when desire conquers everything, the ugly truth shows up in the surface. But I won't spoil the grim finale even to those who might have heard about the real case that inspired this story.

It's interesting, however, to observe that young Baekeland is in-between-places. His sexuality seems to surmount the models Lacan would include in his orthodox sexuation graphic. He has homosexual encounters at a very early age and then later on. But that does not seem to seclude him from other experiences (namely the incestuous aspect of the relationship with his mother).

I would say that the Baekeland's failure comes from his inability to articulate his desire. And this inability will lead him to act against his own interests in a most nefarious way. 
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Luz Letts

Rara vez falto a la galería Lucía de la Puente, y este jueves no fue la excepción. Con bastante puntualidad llegué a la inauguración de “Pequeños Territorios” de la prestigiosa artista Luz Letts. El primero que me saludó al entrar a la sala fue Roberto Cores; conversamos sobre los cuadros de Letts y llegamos a la conclusión de que hay en ellos un magnífico trabajo de dibujo, en donde el color adquiere un rasgo que va más allá del mero ornamento y agrega aún más densidad a estas insólitas y casi oníricas atmósferas. Cores, al igual que yo, opina que con esta muestra queda demostrada la evolución de Letts, que cada vez expresa con mayor acierto su mundo interno.

Fue divertido conversar con Cores, en los últimos meses hemos coincidido en muchas muestras pero no habíamos tenido la oportunidad de hablar por un buen rato. Justo me comentó que este lunes 9 sale en 3G (lo entrevistaron para discutir el tema de la fotografía en la era digital), así que no pienso perderme el programa. 

Luz Letts

Haroldo Higa

También me encontré con Hugo Alegre y Carmen Alegre, Dare Dovidjenko, Irene Tomatis, Rhony Alhalel, Ilse Rehder. Mientras tomaba un vaso de Haig Supreme, llegó José Arturo Lugón. Me quedé hablando con él y me comentó que en septiembre expone nuevamente en la Alianza Francesa de La Molina, sin duda una magnífica noticia.

Al mismo tiempo también se inauguraba “Entropía” de Haroldo Higa, una impactante propuesta que retorna a algunos de los materiales favoritos del artista para presentarnos esculturas llenas de significado. Sobre el uso y reúso del caucho color negro, Ilse Rehder compartió conmigo una idea realmente ingeniosa: que algún artista -quizá el propio Higa- se anime a recorrer la carretera rumbo al norte, soplete en mano, para hacer una escultura con la gran cantidad de llantas tiradas que se encuentran por el camino. Aunque me hubiera gustado quedarme hasta tarde, mis responsabilidades con Plus TV me obligaron a irme relativamente temprano. 

Claudio Gallina en Galería Enlace / Madam Tusan

A Single Man (2009)
   Directed by Tom Ford

It’s your last day. What would you do? For professor George Falconer the answer is easy: retrieving important documents, closing bank accounts, writing letters to his friends as well as his last will. With unflinching actions and melancholic gestures, Colin Firth creates a most enthralling character, imbued by the sheer emotion of loss and yet adjusted to the repressed feelings he considers necessary to suppress even in his last day. After losing his partner and lover, there is no deterrence in his decision: he will kill himself at the end of the day.

How then could he spend his last 24 hours? Many would have extravagant and unordinary ideas, but the truth is that George Falconer upholds his daily routine facing this day as any other. He wakes up, takes a shower, gets dressed, drives to university, teaches his last class and decides to join his old friend Charlie (amazingly interpreted by Julianne Moore) for supper. Tom Ford’s remarkable film takes Christopher Isherwood’s novel and turns it into a tour de force in which emotions and the human condition are on full display.

Everything seems different when you realize you are watching things for the last time. And so George finally lets go, acting and speaking to people in ways he had not even considered before. Through constant flashbacks, the viewer catches a few glances of the relationship George had with Jim. They had been together for 16 years and if not for a fatal accident they would still be together. Can life lose all meaning once we lost our loved ones? It certainly would seem like it; George finds himself not only disgruntled but also devoid of any hope. He dreads tomorrow. And why should he inflict himself with the torture of existing, day after day, if existence has proven to be so painful and dire?

Some answers can be found in Slavoj Zizek and Jacques Lacan theories; more specifically in the notions of real and symbolic death. Evidently, we will suffer a biological death in which our bodies will fail and eventually disintegrate, that’s what happens with Jim. This death occurs in the Real, and it entails the obliteration of our material selves. But we can also suffer a Symbolic death that has nothing to do with the annihilation of our actual bodies, but rather the destruction of our Symbolic universe and the extermination of our subject positions. Whenever people remember our names, remember our deeds and so on we continue to exist in the Symbolic even though we have died in the Real. Therefore, Jim is not truly dead as George remembers him constantly, but here evocation does not provide the necessary narrative of closure, the grieving process remains incomplete.

There is a fissure that separates the two deaths which can be filled either by manifestations of the monstrous or the beautiful. That is why the presence of Kenny, Nicholas Hoult’s character, is of supreme importance. He is not only the embodiment of beauty but he also provides the companionship George so urgently needs. Only through Kenny and the bonding they start developing will George experience an epiphany (“A few times in my life I've had moments of absolute clarity, when for a few brief seconds the silence drowns out the noise and I can feel rather than think, and things seem so sharp and the world seems so fresh”). A revelation in which he will understand why is it important to let go of the past, to put the pain away and to take a real risk: to accept life and keep on living.

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El día miércoles asistí a la inauguración de “La proyección del deseo” del artista argentino Claudio Gallina en la Galería Enlace. Paralelamente también se inauguraba la nueva muestra de Nani Cárdenas (quien a principios de año expuso en Yvonne Sanguineti) y Kyle Huffman.

La pintura de Gallina es extraordinaria, exuda una energía juvenil y una mezcla entre candor y erotismo ad portas que no dejará indiferente a ningún espectador. Con pinceladas impecables e imágenes bien balanceadas, Gallina demuestra todo su talento en esta muestra. Del mismo modo, las instalaciones de Cárdenas son una evidencia de su creatividad y versatilidad como artista.

Como llegué tarde esta vez me quedé sin catálogo, pero igual me quedé conversando con Marcos Palacios. De todas maneras regreso la próxima semana para fotografiar todos los cuadros, algo tengo que hacer para sobrellevar la ausencia del catálogo.

Al día siguiente, jueves, se inauguraba la muestra Shanty Town de Rodrigo La Hoz en la nueva galería barranquina Sala 58. Como dibujante, admiro mucho los trabajos realizados a lápiz o con tinta china, en este caso, la exposición reúne diversos dibujos de La Hoz, que nos obligan a reflexionar sobre aquellas cosas que usualmente no ocupan nuestra atención, con un estilo muy particular, heredero quizá de algunos de los grandes maestros del underground norteamericano, La Hoz sabe impactar con sus imágenes.

En esta ocasión me encontré con muchos reyrrojinos como yo: José Arturo Lugón, Juan Diego Capurro, Alexis Paz Ferrand, entre otros. Aunque, claro, conversé mucho más con Juan Diego y Paz, ambos fans del cómic, y les comenté brevemente, o más bien torpemente a causa de los abundantes vasos de whisky que tomé durante la noche (no es mi culpa, les juro que hay un mozo recontra atento que prácticamente me persigue con la bandeja y siempre me pregunta si quiero otro whisky), mi labor en The Gathering. Fue muy simpático encontrarme con ellos, podría decir que este fue el mejor momento de la semana si no fuera por la divertidísima cena que tuvo lugar el día lunes en Madam Tusan. 

Fuimos solamente cinco pero pasamos una noche muy entretenida. Yo empecé con una “nalanjita”, un cóctel de pisco quebranta, aguaymanto y naranjita china, para pasar a los dim sum (algunos verdaderas innovaciones con insumos como el camote), y a los platos de fondo: pollo a lo Bruce Lee, chancho hecho en caja china, chi jau kay. Y terminé con un cheesecake de té verde, realmente sabroso, aunque también probé los wantancitos rellenos de chocolate y la copa de sychee (un granizado con níspero chino y espuma de pisco sour, realmente recomendable). El té y las galletas de la fortuna fueron cortesía de la casa. La atención fue muy buena, y la comida estuvo muy bien, aunque noté que los platos más tradicionales (el arroz chaufa, por ejemplo) eran quizá los menos logrados. Sin duda, lo recomendable es probar las especialidades de la casa.